Живопись итальянского возрождения: Итальянская живопись | Каталог | Итальянская живопись эпохи Возрождения, XV-XVI вв.

Содержание

Итальянская ренессансная живопись — HiSoUR История культуры

Итальянская живопись эпохи Возрождения — это живопись периода, начинающегося в конце 13-го века, и процветающего с начала 15-го по конец XVI века, произошедшего на итальянском полуострове, который в то время был разделен на многие политические области. Художники эпохи Возрождения Италии, хотя часто были привязаны к конкретным судам и с привязанностью к конкретным городам, тем не менее блуждали по длине и ширине Италии, часто занимая дипломатический статус и распространяя художественные и философские идеи.

Город Флоренции в Тоскане известен как место рождения Ренессанса и, в частности, живопись эпохи Возрождения. Подробный фон приведен в сопутствующих статьях архитектуры эпохи Возрождения и Ренессанса.

Итальянскую ренессансную живопись можно разделить на четыре периода: прото-ренессанс (1300-1400), ранний ренессанс (1400-1475), Высокий ренессанс (1475-1525) и маньеризм (1525-1600). Эти даты являются приблизительными, а не конкретными точками, потому что жизни отдельных художников и их личные стили перекрывают разные периоды.

Прото-ренессанс начинается с профессиональной жизни живописца Джотто и включает Таддео Гадди, Орканья и Альтихьеро. Ранний ренессанс был отмечен работами Мазаччо, Фра Анджелико, Паоло Учелло, Пьеро делла Франческа и Верроккио. Период высокого ренессанса был периодом Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэля и Тициана. Маньеристский период включал Андреа дель Сарто, Понтормо и Тинторетто. Маньеризм рассматривается в отдельной статье.

Влияния
Влияние на развитие ренессансной живописи в Италии — это те, которые также затрагивают философию, литературу, архитектуру, теологию, науку, правительство и другие аспекты общества. Ниже приводится краткое изложение пунктов, более подробно рассмотренных в основных статьях, которые приводятся выше.

философия
Ряд классических текстов, которые были потеряны западноевропейским ученым на протяжении веков, стали доступными. К ним относятся Философия, Поэзия, Драма, Наука, диссертация на искусство и раннехристианское богословие. Полученный интерес к гуманистической философии означал, что отношения человека с человечеством, вселенной и с Богом уже не были исключительной областью Церкви. Возрожденный интерес к классикам вызвал первое археологическое исследование римских останков архитектором Брунеллески и скульптором Донателло. Возрождение стиля архитектуры, основанного на классических прецедентах, вдохновило соответствующий классицизм в живописи, который проявился уже в 1420-х годах в картинах Мазаччо и Паоло Учелло.

Наука и технология
Одновременно с получением доступа к классическим текстам, Европа получила доступ к передовой математике, которая имела свое происхождение в работах византийских и исламских ученых. Появление печатной печатной продукции в XV веке означало, что идеи могут быть легко распространены, и все большее число книг было написано для широкой общественности. Разработка масляной краски и ее внедрение в Италию оказали продолжительное влияние на искусство живописи.

общество
Создание банка Медичи и последующая торговля, которую оно произвело, привели к беспрецедентному богатству в одном итальянском городе Флоренции. Cosimo de ‘Medici установил новый стандарт патронажа искусств, не связанный с церковью или монархией. Впечатляющее присутствие в регионе Флоренции некоторых людей художественного гения, особенно Джотто, Мазаччо, Брунеллески, Пьеро делла Франческа, Леонардо да Винчи и Микеланджело, сформировало этос, который поддерживал и поощрял многих меньших художников к достижению необычайного качества. Подобное наследие художественных достижений произошло в Венеции через талантливую семью Беллини, их влиятельную интонацию Мантеньи, Джорджоне, Тициана и Тинторетто.

Темы
Большая картина эпохи Возрождения была заказана Католической церковью или для нее. Эти работы часто были масштабными и часто повторялись на фресках Жизни Христа, жизни Богородицы или жизни святого, особенно святого Франциска Ассизского. Было также много аллегорических картин на тему Спасения и роль Церкви в ее достижении. Церкви также заказали алтарей, которые были окрашены в темпери на панели, а затем в холсте. Помимо больших алтарей, маленькие преданные картины были изданы в очень большом количестве, как для церквей, так и для частных лиц, самой распространенной темой была Мадонна с младенцем.

В течение всего периода важны также гражданские комиссии. В зданиях местного правительства были украшены фрески и другие произведения, светские, такие как «Аллегория хорошего и плохого правительства» Амброгио Лоренцетти и религиозные, такие как фреска Симоны Мартини из Маэсты в Палаццо Паблико, Сиена.

Портреты были необычными в 14-м и начале 15-го веков, в основном, были ограничены гражданскими памятными картинами, такими как конные портреты Guidoriccio da Fogliano Симоны Мартини, 1327 год, в Сиене и в начале 15 века, Джон Хоквуд Уччелло во Флорентийском соборе и его компаньон, изображающий Никколо да Толентино Андреа дель Кастаньо.

В течение 15-го века портрета стала распространенной, изначально часто формализованные портреты портретов, но все чаще три четверти лица, портреты бюста. В сценах часто присутствовали меценаты, такие как алтарные и фресковые циклы, ярким примером которых является включение семейств Сассетти и Медичи в цикл Доменико Гирландайо в Часовне Сассетти.

Портреты должны были стать основным предметом для художников высокого ренессанса, таких как Рафаэль и Тициан, и продолжиться в маньеристский период в произведениях таких художников, как Бронзино.

С ростом гуманизма художники обратились к классическим темам, в частности, чтобы выполнить поручения за украшение домов богатых покровителей, самым известным из которых является рождение Вентури в Боттичелли для Медичи. Все чаще классические темы также рассматривались как предоставление подходящего аллегорического материала для гражданских комиссий. Гуманизм также повлиял на то, как изображались религиозные темы, особенно на потолке Микеланджело в Сикстинской капелле.

Другие мотивы были сделаны из современной жизни, иногда с аллегорическим смыслом, иногда иногда чисто декоративными. Инциденты, важные для конкретной семьи, могут быть записаны так же, как в Camera degli Sposi, которые Мантенья написала для семьи Гонзага в Мантуе. Все чаще нарисованы натюрморты и декоративные сцены из жизни, такие как Концерт Лоренцо Коста примерно в 1490 году.

Важные события часто записывались или отмечались в картинах, таких как битва Учелло в Сан-Романо, а также важные местные религиозные фестивали. История и исторические персонажи часто изображались таким образом, который отражался на текущих событиях или на жизни нынешних людей. Портреты часто рисовали современников под видом персонажей из истории или литературы. Важными источниками тем послужили труды Данте, «Золотая легенда» Ворагина и Декамерон Боккаччо.

Во всех этих предметах, все чаще и в работах почти всех живописцев, разрабатывались определенные основные живописные практики: наблюдение за природой, изучение анатомии, света и перспективы.

Прото-ренессансная живопись

Традиции тосканской живописи 13 века
В области искусства Тосканы в конце 13-го века доминировали два мастера византийского стиля: Симабуэ Флоренции и Дуччо из Сиены. Их поручения были в основном религиозными картинами, некоторые из которых были очень большими алтарями, показывающими Мадонну с младенцем.

Эти два живописца со своими современниками: Гвидо из Сиены, Коппо ди Марковалдо и таинственный художник, чей стиль школы, возможно, был основан, так называемый Мастер Святого Бернардино, все работали так, что были очень формализованы и зависели от древняя традиция иконописи. В этих картинах темперамента многие детали были жестко закреплены предметом, точное положение рук Мадонны и Христа-ребенка, например, продиктовано характером благословения, которое нарисовала на зрителя. Угол головы и плеч Девы, складки в ее вуаль и линии, с которыми были определены ее черты, были повторены в бесчисленных таких картинах. Симабуэ и Дуччио предприняли шаги в направлении большего натурализма, как и их современники, Пьетро Каваллини из Рима.

Джотто
Джотто, (1266-1337), по традиции пастух с холмов к северу от Флоренции, стал учеником Симабуэ и стал самым выдающимся живописцем своего времени. Джотто, возможно, под влиянием Пьетро Каваллини и других римских художников, не основывал рисунки, которые он нарисовал на какой-либо живописной традиции, но на наблюдении за жизнью. В отличие от своих византийских современников фигуры Джотто прочно трёхмерны; они стоят прямо на земле, имеют заметную анатомию и одеты в одежду с весом и структурой. Но больше всего, что отличает фигуры Джотто, кроме тех, что были у его современников, — это их эмоции. В лицах фигур Джотто есть радость, ярость, отчаяние, стыд, злоба и любовь. Цикл фресок Жизни Христа и Жизни Богородицы, который он написал в Часовне Скровеньи в Падуе, установил новый стандарт для повествовательных картин. Его маска Огниссанти висит в Галерее Уффици, Флоренция, в той же комнате, что и Мадонна Санта Тринита Симабуи и Руччеллайская Мадонна Дуччо, где можно легко сделать стилистические сравнения между тремя. Одной из особенностей, очевидной в работе Джотто, является его наблюдение за натуралистической перспективой. Он считается вестником эпохи Возрождения.

Современники Джотто
У Джотто было несколько современников, которые либо обучались, либо под влиянием его, или чье наблюдение за природой привело их в аналогичном направлении. Хотя несколько учеников Джотто усвоили направление своей работы, ни один из них не стал таким успешным, как он. Таддео Гадди совершил первую крупную картину ночной сцены в Благовещенье перед пастухами в часовне Барончелли церкви Санта-Кроче, Флоренция.

Картины в Верхней церкви базилики Святого Франциска, Ассизи, являются примерами натуралистической живописи того периода, часто приписываемого самому Джотто, но, скорее, работа художников, окружающих Пьетро Каваллини. Поздняя картина Чимабуэ в Нижней церкви в Ассизи, Мадонны и Святого Франциска также ясно показывает больший натурализм, чем его панельные картины и остатки его ранних фресок в верхней церкви.

Смертность и выкуп
Общей темой в оформлении средневековых церквей был Страшный суд, который в северных европейских церквях часто занимает скульптурное пространство над западной дверью, но в итальянских церквях, таких как Часовня Скровегни Джотто, расписана на внутренней западной стене. Черная смерть 1348 года заставила оставшихся в живых сосредоточиться на необходимости приближаться к смерти в состоянии покаяния и отпущения грехов. Неизбежность смерти, награды за кающийся и наказание за грех были подчеркнуты в ряде фресок, замечательных для их мрачных изображений страдания и их сюрреалистических образов мучений Ада.

К ним относятся «Триумф смерти» ученика Джотто Орканьи, теперь в фрагментарном состоянии в Музее Санта-Кроче и Триумф смерти в памятнике Кампосанто в Пизе неизвестным художником, возможно, Франческо Трайни или Буонамико Буффалмакко, которые работали над другим три из серии фресок на тему Спасения. Неизвестно точно, когда эти фрески были начаты, но обычно считается, что они датируются 1348 годом.

В Падуе в конце 14 века активно работали два живописца-фреска: Альтихьеро и Джусто де Менабуи. Шедевр Джусто, украшение Баптистерия Собора, следует теме создания, падения и спасения человечества, также имеющего редкий цикл Апокалипсиса в маленькой алтаре. Несмотря на то, что вся работа является исключительной по своей широте, качеству и неповрежденному состоянию, лечение человеческих эмоций является консервативным по сравнению с распятием Альтихьеро в базилике Сант-Антонио, также в Падуе. Работа Джусто опирается на формализованные жесты, где Альтихьеро связывает инциденты, связанные с смертью Христа, с великой человеческой драмой и интенсивностью.

Во Флоренции, в испанской часовне Санта-Мария-Новелла, Андреа Бонайути было поручено подчеркнуть роль Церкви в искупительном процессе и, в частности, Доминиканского ордена. Его фресковая Аллегория Активной и Триумфальной церкви примечательна своим изображением Флорентийского собора, в комплекте с куполом, который не был построен до следующего столетия.

Международная готика
В течение более позднего 14-го столетия, Международная готика была стиль, который доминировал тосканской живописи. Это можно увидеть в работе Пьетро и Амброджо Лоренцетти, которая характеризуется формализованной сладостью и изяществом фигур, а также поздней готической грацией в драпировках. Стиль полностью развит в работах Симоны Мартини и Джентиле да Фабриано, которые отличаются элегантностью и богатством деталей и идеализированным качеством, не совместимым с резкими реалиями картин Джотто.

В начале 15-го века преодоление разрыва между международной готикой и эпохой Возрождения — картины Фра Анджелико, многие из которых, будучи алтарями в темпе, показывают готическую любовь к разработке, золотому листу и блестящему цвету. Именно в его фресках в своем монастыре Сант-Марко Фра Анджелико показывает себя художественным учеником Джотто. Эти преданные картины, украшающие клетки и коридоры, населенные монахами, представляют эпизоды из жизни Иисуса, многие из которых являются сценами Распятия. Они совершенно просты, сдержанны по цвету и интенсивны в настроении, поскольку художник стремился сделать духовные откровения визуальной реальностью.

Ранняя ренессансная живопись

Флоренция
Самые ранние поистине ренессансные образы во Флоренции датируются 1401 годом, первым годом столетия, известным на итальянском языке как Quattrocento, синонимом раннего Возрождения. В этот день было проведено соревнование, чтобы найти художника, чтобы создать пару бронзовых дверей для Баптистерия Св. Иоанна, старейшей оставшейся церкви в городе. Баптистерия — это большое восьмиугольное здание в романском стиле, истоки которого были забыты и которые, как считалось, считаются датированными римскими временами. Интерьер его купола украшен огромным мозаичным рисунком Христа в величестве, который, как полагают, был спроектирован Коппо ди Марковалдо. Он имеет три больших портала, центральный из которых был заполнен в то время множеством дверей, созданных Андреа Пизано восемьдесят лет назад.

Двери Пизано были разделены на 28 отсеков quatrefoil, в которых были изображены сцены из жизни Иоанна Крестителя. Конкуренты, из которых было семь молодых художников, каждый из них проектировали бронзовую панель аналогичной формы и размера, представляющую Жертву Исаака.

Две из панелей сохранились, что Лоренцо Гиберти и Брунеллески. Каждая панель показывает некоторые сильно классифицирующие мотивы, указывающие направление движения искусства и философии в то время. Гиберти использовал голую фигуру Исаака, чтобы создать небольшую скульптуру в классическом стиле. Он стоит на коленях на гробнице, украшенной свитками акантуса, которые также относятся к искусству Древнего Рима. В панели Брунеллески одна из дополнительных фигур, включенных в сцену, напоминает известную римскую бронзовую фигуру мальчика, вытаскивающего шип из его ноги. Создание Брунеллески сложнее в динамической интенсивности. Менее элегантный, чем Гиберти, это больше о человеческой драме и надвигающейся трагедии.

Гиберти выиграл конкурс. Его первый комплект дверей для баптистов занял 27 лет, после чего ему было поручено сделать еще один. В общей сложности 50 лет, когда Гиберти работал над ними, двери служили местом подготовки многих художников Флоренции. Будучи повествованием по предмету и используя не только умение в компоновке фигуративных композиций, но и растущее мастерство линейной перспективы, двери должны были иметь огромное влияние на развитие флорентийского изобразительного искусства. Они были объединяющим фактором, источником гордости и товарищества как для города, так и для его художников. Микеланджело должен был называть их Вратами Рая.

Часовня Бранкаччи
В 1426 году два художника начали роспись фрескового цикла «Жизнь Святого Петра» в часовне семьи Бранкаччи, в церкви Кармелитов во Флоренции. Оба они были названы по имени Томмазо и получили прозвище Мазаччо и Масолино, словенский Том и Маленький Том.

Машаччо, более чем любой другой художник, признал последствия в работе Джотто. Он переносил практику рисования с натуры. Его картины демонстрируют понимание анатомии, ракурса, линейной перспективы, света и изучения драпировки. Среди его работ фигуры Адама и Евы, высланные из Идена, написанные на стороне арки в часовню, славятся своим реалистическим изображением человеческой формы и человеческих эмоций. Они контрастируют с нежными и красивыми фигурами, написанными Масолино на противоположной стороне Адама и Евы, получая запретный плод. Картина Часовни Бранкаччи осталась незавершенной, когда Мазаччо умер в 26. Работа была позже завершена Филиппином Липпи. Работа Мазаччо стала источником вдохновения для многих более поздних художников, включая Леонардо да Винчи и Микеланджело.

Развитие линейной перспективы
В первой половине XV века достижение эффекта реалистического пространства в живописи путем использования линейной перспективы было главной заботой многих художников, а также архитекторов Брунеллески и Альберти, которые оба теоретизировали о предмете. Известно, что Брунеллески провел ряд тщательных исследований на площади и восьмиугольном баптистерии за пределами Флорентийского собора, и считается, что он помог Мазаччио создать свою знаменитую нишу тромпелевской ниши вокруг Святой Троицы, которую он написал в Санта-Мария-Новелла.

По словам Вазари, Паоло Уччелло был настолько одержим перспективой, что он думал о другом и экспериментировал с ним во многих картинах, наиболее известными из которых были три картины битвы за Сан-Романо, которые использовали сломанное оружие на земле и поля на далеких холмах чтобы создать впечатление перспективы.

В 1450-х годах Пьеро делла Франческа в таких картинах, как «Флагеляция Христа», продемонстрировала свое мастерство над линейной перспективой, а также над наукой о свете. Другая картина существует, городской пейзаж неизвестного художника, возможно, Пьеро делла Франческа, который демонстрирует такой эксперимент, который делал Брунеллески. С этого времени линейная перспектива понималась и регулярно использовалась, например, Перуджино в его Христе, дающем ключи от Святого Петра в Сикстинской капелле.

Понимание света
Джотто использовал тональность для создания формы. Таддео Гадди в своей ночной сцене в часовне Барончелли продемонстрировал, как свет может быть использован для создания драмы. Паоло Уччелло, сто лет спустя, экспериментировал с драматическим эффектом света в некоторых его почти монохромных фресках. Он сделал несколько из них в терра-верде или «зеленой земле», оживляя свои композиции с прикосновениями к крапивнице. Наиболее известным является его конный портрет Джона Хоквуда на стене собора Флоренции. И здесь, и в четырех главах пророков, которые он рисовал вокруг внутреннего часового пояса в соборе, он использовал сильно контрастные тона, предполагая, что каждая фигура освещена естественным источником света, как будто источник был фактическим окном в соборе ,

Пьеро делла Франческа продолжала изучать свет. В «Flagellation» он демонстрирует знание о том, как свет пропорционально распространяется с места его происхождения. В этой картине есть два источника света: один — внутри здания, а другой — внешний. Из внутреннего источника, хотя сам свет невидим, его положение можно вычислить с математической определенностью. Леонардо да Винчи должен был перенести работу Пьеро на свет.

Мадонна
Пресвятая Дева Мария, почитаемая католической церковью во всем мире, особенно была вызвана во Флоренции, где был чудесный образ ее на колонне на кукурузном рынке и где и собор «Богоматерь с цветами», и большой доминиканец церковь Санта-Мария-Новелла была названа в ее честь.

Ранняя ренессансная живопись в других частях Италии

Андреа Мантенья в Падуе и Мантуе
Одним из самых влиятельных художников Северной Италии был Андреа Мантенья из Падуи, которому посчастливилось быть в подростковом возрасте в то время, когда там работал великий флорентийский скульптор Донателло. Донателло создал огромную конную бронзу, первую со времен Римской империи, кондотьеро Гаттемелату, все еще видную на цоколе на площади у базилики Сант-Антонио. Он также работал над главным алтарем и создал серию бронзовых панно, в которых он достиг замечательной иллюзии глубины, с перспективой в архитектурных условиях и видимой округлостью человеческой формы, все в очень мелком рельефе.

Космия Тура в Ферраре
В то время как Мантенья работала в Гонзагасе в Мантуе, для разработки еще более амбициозной схемы семьи Эсте Феррары применялся совсем другой художник. Живопись Cosmè Tura очень своеобразна, как странно готическая, но и классицистическая. Тура представляет классические фигуры, как если бы они были святыми, окружал их светящимися символическими мотивами сюрреалистического совершенства и одевал их в одежды, которые, как представляется, были изготовлены из сложной складчатой ​​и эмалированной меди.

Антонелло да Мессина
В 1442 году Альфонсо V из Арагона стал правителем Неаполя, принеся с собой коллекцию фламандских картин и создание Академии гуманистов. Художник Антонелло да Мессина, похоже, имел доступ к коллекции короля, которая, возможно, включала работы Яна ван Эйка. Кажется, он был выставлен фламандской живописи на дате раньше, чем флорентийцы, чтобы быстро увидеть потенциал масел в качестве среды, а затем больше ничего не рисовал. Он проводил технику к северу до Венеции, где он вскоре был принят Джованни Беллини и стал привилегированным средством морской республики, где искусство фрески никогда не было большим успехом.

Высокий ренессанс

Патронаж и гуманизм
Во Флоренции, в более позднем 15-ом столетии, большинство произведений искусства, даже те, которые были сделаны в качестве украшения для церквей, обычно были заказаны и оплачены частными меценатами. Большая часть покровительства происходила из семьи Медичи или тех, кто был тесно связан с ними или связан с ними, таких как Сассетти, Ручеллай и Торнабуони.

Фламандское влияние
Примерно в 1450 году, с приходом в Италию фламандского живописца Рожье ван дер Вейдена и, возможно, раньше, художников познакомили с масляной краской. В то время как как темперга, так и фреска поддавались описанию рисунка, ни один из них не представлял собой успешный способ реалистично представлять естественные текстуры. Высоко гибкая среда масел, которая могла быть сделана непрозрачной или прозрачной, а также позволяла менять и дополнять в течение нескольких дней после того, как она была заложена, открыла новый мир возможностей для итальянских художников.

Папская комиссия
В 1477 году Папа Сикст IV заменил заброшенную старую часовню в Ватикане, в которой находились многие папские службы. Интерьер новой часовни, названный Сикстинской капелла в его честь, по-видимому, был запланирован с самого начала, чтобы иметь серию из 16 больших фресок между своими пилястрами на среднем уровне, с серией нарисованных портретов пап над ними.

Леонардо да Винчи
Леонардо, из-за сферы его интересов и исключительной степени таланта, который он продемонстрировал во многих разных областях, рассматривается как архетипический «человек эпохи Возрождения». Но в первую очередь он был художником, которого восхищал в свое время, и, как художник, он опирался на знание, которое он получил от всех своих других интересов.

Микеланджело
В 1508 году Папа Юлий II добился того, чтобы скульптор Микеланджело согласился продолжить декоративную схему Сикстинской капеллы. Потолок Сикстинской капеллы был построен таким образом, что было двенадцать наклонных подвесок, поддерживающих свод, которые образовывали идеальные поверхности, на которых можно было изобразить Двенадцати Апостолов. Микеланджело, уступивший требованиям Папы с небольшой грацией, вскоре разработал совершенно другую схему, гораздо более сложную как в дизайне, так и в иконографии. Масштабы работы, которую он выполнял единолично, за исключением ручной помощи, были титаническими и заняли почти пять лет.

Рафаэль
С Леонардо да Винчи и Микеланджело имя Рафаэля является синонимом Высокого Возрождения, хотя он был моложе Микеланджело на 18 лет, а Леонардо почти на 30. Нельзя сказать о нем, что он значительно продвинул состояние живописи, так как его два знаменитых современника сделал. Скорее, его работа была кульминацией всех событий Высокого Возрождения.

Живопись высокого ренессанса в Венеции

Джованни Беллини
Джованни Беллини был точным современником своего брата Джентиле, его зятя Мантеньи и Антонелло да Мессины. Работая большую часть своей жизни в студии своего брата, и сильно под влиянием хрустящего стиля Мантеньи, он, похоже, не создавал независимо подписанную картину, пока не был в конце 50-х годов. За последние 30 лет своей жизни он был необычайно продуктивным и влиятельным, руководствуясь как Джорджоне, так и Тицианом. Беллини, как и его более молодой современник, Рафаэль, произвел множество маленьких мадонн в богатом светящемся цвете, обычно более интенсивного тональности, чем его флорентийский коллега. Эти Мадонны умножились многократно, поскольку они были воспроизведены другими членами большой студии Беллини, одной крошечной картины «Обрезание Христа», существующей в четырех или пяти почти одинаковых версиях.

Джорджоне и Тициан
Хотя стиль картины Джорджоне четко относится к живописи его предполагаемого мастера, Джованни Беллини, его предмет делает его одним из самых оригинальных и заумных художников эпохи Возрождения. Одна из его картин, пейзаж, известный как «Буря», с полуобнаженной женщиной, кормящей ребенка, одетым человеком, классическими колоннами и вспышкой молнии, возможно, представляет Адама и Еву в их послеэдемские дни или, возможно, Это не. Другая картина, приписываемая ему и традиционно известная как «Три философа», может представлять волхвов, планирующих свое путешествие в поисках младенца Христа, но это тоже не обязательно.

Влияние итальянской ренессансной живописи
Жизнь Микеланджело и Тициана значительно расширилась во второй половине XVI века. Оба увидели их стили и стили Леонардо, Мантеньи, Джованни Беллини, Антонелло да Мессины и Рафаэля, адаптированные более поздними художниками, чтобы сформировать разрозненный стиль, известный как маньеризм, и неуклонно двигаться к большому излиянию воображения и живописной виртуозности периода барокко.

Художник, который больше всего развивал тенденции в крупных фигуративных композициях Тициана, — Тинторетто, хотя его личная манера была такова, что он длился только девять дней, как ученик Тициана. Знания Рембрандта о работах Тициана и Рафаэля очевидны в его портретах. Прямым влиянием Леонардо и Рафаэля на собственных учеников было создание поколений художников, в том числе Пуссена и школ классических художников XVIII и XIX веков. Работа Антонелло да Мессины оказала непосредственное влияние на Альбрехта Дюрера и Мартина Шонгауэра, а также на его гравюры, бесчисленные художники, в том числе немецкие, голландские и английские школы производителей витражей, простирающиеся на начало 20 века.

Потолок Сикстинской капеллы Микеланджело и позднее «Последний суд» оказали прямое влияние на образные композиции, в первую очередь Рафаэля и его учеников, а затем почти каждый последующий художник XVI века, который искал новые и интересные способы изобразить человеческую форму. Можно проследить его образ образной композиции через Андреа дель Сарто, Понтормо, Бронзино, Пармиджанино, Веронезе, Эль Греко, Карраччи, Караваджо, Рубенса, Пуссена и Тьеполо, как для классических, так и для романтических художников XIX века, таких как Жак-Луис Дэвид и Делакруа.

Под влиянием итальянской ренессансной живописи было создано много современных академий искусств, таких как Королевская академия, и было специально собрать произведения итальянского Возрождения, что некоторые из самых известных в мире художественных коллекций, таких как Национальный Галерея, Лондон, были сформированы.

Поделиться ссылкой:

  • Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
  • Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook. (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)

Related

Живопись мастеров итальянского Возрождения в творчестве Вячеслава Иванова

GRAŽYNA BOBILEWICZ-BRYŠ

ЖИВОПИСЬ МАСТЕРОВ ИТАЛЬЯНСКОГО ВОЗРОЖДЕНИЯ В ТВОРЧЕСТВЕ ВЯЧЕСЛАВА ИВАНОВА

К группе тем, имеющих первостепенное значение в области «сравнительного изучения искусств», связанных с исследованием литературных произведений, описывающих или интерпретирующих отдельные произведения искусства, относится тема живописи в словесном творчестве. Тема эта в культурной жизни России конца XIX — начала XX века оказывается чрезвычайно богатой по материалу, по его разнообразию, по оттенкам и интересным выводам. Это связано с общей тенденцией в разных областях мысли, практики, искусства начала века, которая суммарно определяется как «идея синтеза» и затрагивает любые уровни1, между прочим, и синтез разных искусств. Как пишет Алексей Лосев синтез реализирует некие категории и символы, выходящие «за пределы чисто художественной образности»2. Синтез возникает в тех ситуациях, когда художники задавались целью (или делали это интуитивно, ибо само искусство «задавалось целью») воплотить стоящие над искусством категории-*.

В самую суть идеологии русского символизма рубежа веков вошло умение слышать, видеть и сочетать в одно целое события из разных сфер. Проблема синтеза рассматривалась тогда разными художниками4. Вячеслав Иванов будет о ней говорить в статьях: « Мысли о символизме»5, «Чурлянис и проблема синтеза искусств», а в его книге По звездам читаем: «важнейшей заслугой поэзии этой эпохи ‘было то простое и вместе чрезвычайно сложное и тонкое дело, что новейшие поэты [. ..] разлучили поэзию с литературой* и приобщили ее снова как равноправного члена и сестру к хороводу искусств: музыке, живописи, скульптуре»6.

Для эпохи развития русской культуры рубежа веков огромное значение имела ориентация на культуру «открытого типа», впитывающую богатейший опыт мирового искусства. Как скажет Александр Блок значение имел «ветер из миров искусств». По Андрею Белому «новизна современного искусства лишь в подавляющем количестве всего прошлого, разом всплывшего перед нами: мы переживаем ныне в искусстве все века и все

Cahiers du Monde russe, XXXV (1-2). janvier-juin 1994. pp. 209224.

шедевры живописи и частные коллекции

Искусство и в особенности живопись эпохи Возрождения — одна из самых ярких эпох в истории, насыщенная гениями и новыми подходами к искусству. Именно в это время формируется новый изобразительный язык, обретает популярность натуралистичный подход к изображению действительности, формируется круг новых сюжетов и получает широкое распространение станковая живопись на холсте или дереве. Как понять эпоху Возрождения со всем многообразием художественных тенденций и значительным количеством живописцев?

Понять «дух эпохи»


Труд одного из представителей Венской школы искусствознаний Макса Дворжака (1874 — 1921) «История итальянского искусства в эпоху Возрождения. Том 1» обязателен для прочтения искусствоведам и всем интересующимся историей искусства. Как и все представители венской школы искусствознания, Дворжак рассматривал историю искусства как историю идей и сфокусировал свое исследование Возрождения на передаче так называемого «духа эпохи». Из понимания эпохи у читателя складывается представление об эпохе Возрождения в Италии. В формате записанных лекций Дворжак дает филигранный анализ наследия Джотто, Мазаччо, Донателло, Леонардо да Винчи и других художников. Труд великолепно структурирован. Новое издание прекрасно иллюстрировано. Великолепно подойдет для первоначального ознакомления с эпохой.

Ренессанс и «ренессансы»


Эрвин Панофский развивал идеи «духа эпохи», однако, сконцентрировался на интерпретации произведения искусства с помощью литературных текстов и анализа символических значений памятника. Его знаменитая книга «Ренессанс и «ренессансы» в искусстве Запада» перевернула представление об эпохе Возрождения, сменившей период «темных» Средних веков. Панофский ввел в историю понимание нескольких ренессансов. В период с конца античного мира по 1500 год художественный язык Европы несколько раз преобразился, например, Каролингское возрождение. Изобразительный язык обновлялся за счет обращения к античности.

Северное Возрождение

Другой член Венской школы искусствознания Отто Бенеш в своем фундаментальном исследовании «Искусство Северного Возрождения. Духовные и интеллектуальные движения» сосредотачивается на взаимосвязи художественных, гуманистических, религиозно-идеологических и научных идей в формировании изобразительного языка по ту сторону Альп. Автор анализирует самые известные произведения живописи и рисунка Северного Возрождения.

Итальянское Возрождение и Северный Ренессанс в частных коллекциях


В отличие от предыдущих книга «Ренессанс: точка отсчета. История западноевропейского искусства XIV — XVII веков» рассматривает не хрестоматийные памятники, а произведения из частной коллекции. Книга разделена на две главы: «Эпоха Возрождения в Италии. Идеал Ренессанса и культ Богоматери» и «Северное Возрождение. Преображение образов и натурализм Страстей Христовых». Автор рассматривает эпоху Возрождения в Италии и по ту сторону Альп (на примере ранних нидерландских, фламандских и немецких произведений). Каждая из глав сопровождена вступительной статьей, раскрывающей основной смысловой посыл искусства той эпохи. Например, коллекция итальянского Возрождения состоит из религиозных памятников. Почему? Эпоха Возрождения была насквозь пропитана христианским наследием. В состав собрания входят произведения Якопо дель Казентино, Никколо ди Томмазо, Сано ди Пьетро и Луки Синьорелли. Если итальянское Возрождение в книге представлено образами Богоматери, то глава, посвященная Северному Ренессансу, выстроена по эпизодам Страстей Христовых, что отражает пафос произведений ранней нидерландской, фламандской и немецкой школы того периода. Живописцы и скульпторы по ту сторону Альп сосредоточились на воспроизведении в искусстве натуралистических образов страданий Спасителя. В собрании представлены именитые и редкие художники эпохи. Книга будет интересна ценителям искусства, желающим расширить свое представление об эпохе Возрождения памятниками искусства из частного собрания.

Великое переселение образов


«Бог в деталях», — считал один из отцов искусствознания Аби Варбург. Без его вклада в науку были бы невозможны все вышеописанные изыскания. Варбург использовал междисциплинарный подход к истории искусства, его не привлекало знаточество, он рассматривал произведения искусства в широком контексте культуры, при этом не упускал из вида детали. Для Варбурга культура — это вихрь «…человеческих страстей, которые в своей ужасной простоте — желание обладать, желание отдавать, желание убивать, желание умирать — остаются в своем сущностном слое постоянными и неизменными и лишь кажутся прикрытыми цивилизацией, и именно поэтому формообразующий дух должен одновременно открывать и укрощать их в постоянно возникающих новых образованиях культуры». Варбург  исследовал визуальными образами разных страстей (так называемые PATHOS-ы) и создавал своеобразные карты. Метод работы заключался в том, что он вывешивал на стену репродукции картин, на которых были изображены жесты, выражающие ту или иную страсть, жесты-агенты определенных PATHOS-ов, и сопоставлял их. Книга «Великое переселение образов. Исследование по истории и психологии возрождения античности» Аби Варбурга уже стала библиографической редкостью.

Что такое искусство возрождения. Итальянская живопись эпохи ренессанса

Возрождение возникло в Италии - его первые признаки появились ещё в XIII-XIV вв. Но твёрдо оно установилось с 20-х годов XV в., а к концу XV в. достигло своего наивысшего расцвета.

В других странах Возрождение началось значительно позже. В XVI в. начинается кризис идей Возрождения, следствие этого кризиса - возникновение маньеризма и барокко.

Периоды эпохи Возрождения

Периоды истории итальянской культуры принято обозначать названиями столетий:

  • Проторенессанс (дученто)  - 2-я половина XIII в. -XIV в.
  • Раннее Возрождение (треченто) -  начало XV-конец XV в.
  • Высокое Возрождение (кватроченто) -  конец XV-первые 20 лет XVI в.
  • Позднее Возрождение (чинквеченто) -  середина XVI-90-е годы XVI в.

Для истории итальянского Возрождения решающее значение имел глубочайший перелом в сознании, взглядах на мир и человека, который относится к эпохе коммунальных революций 2-й половины XIII века.

Именно этот перелом открывает новый этап в истории западноевропейской культуры. Связанные с ним принципиально новые тенденции нашли свое наиболее радикальное выражение в итальянской культуре и искусстве так называемой «эпохи Данте и Джотто»  - последней трети XIII века и двух первых десятилетий XIV-го.

В становлении Возрождения свою роль сыграло падение Византийской империи. Перебравшиеся в Европу византийцы привезли с собой свои библиотеки и произведения искусства, не известные средневековой Европе. В Византии никогда не порывали и с античной культурой.

Рост городов-республик привёл к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях: мастеровых и ремесленников, торговцев, банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой, во многом церковной культурой, и её аскетичный, смиренный дух. Это привело к появлению гуманизма - общественно-философского движения, рассматривавшего человека, его личность, его свободу, его активную, созидающую деятельность как высшую ценность и критерий оценки общественных институтов.

В городах стали возникать светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви. В середине XV в. было изобретено книгопечатание, которое сыграло важную роль в распространении новых взглядов по всей Европе.

Человек эпохи Возрождения

Человек эпохи Возрождения резко отличается от средневекового человека. Для него характерна вера в мощь и силу разума, преклонение перед необъяснимым даром творчества.

Гуманизм выставляет в центр внимания мудрость человека и ее достижения, как высшее благо для разумного существа. Собственно это и приводит к бурному расцвету науки.

Гуманисты считают своим долгом активно распространять литературу античных времен, ведь именно в познании они видят подлинное счастье.

Одним словом, человек эпохи Возрождения пытается развиваться и улучшать «качество» индивида посредством изучения античного наследия, как единственного основания.

А интеллект в этом преобразовании занимает ключевое место. Отсюда возникновение различных антиклерикальных идей, часто выступающих необоснованно враждебно к религии и церкви.

Проторенессанс

Проторенессанс является предтечей Возрождения. Он ещё тесно связан со средневековьем, с византийскими, романскими и готическими традициями.

Делится на два подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337 год). Важнейшие открытия, ярчайшие мастера живут и работают в первый период. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию.

Для искусства проторенессанса характерно появление тенденций к чувственному, наглядному отражению реальности, светскость (в отличие от искусства Средневековья), появление интереса к античному наследию (свойственного искусству эпохи Возрождения).

У истоков итальянского Проторенессанса стоит работавший во второй половине XIII века в Пизе мастер Никколо. Он стал основателем школы скульптуры, просуществовавшей до середины XIV века и распространившей свое внимание по всей Италии.

Конечно, многое в скульптуре пизанской школы еще тяготеет к прошлому. В ней сохраняются старые аллегории и символы. В рельефах отсутствует пространство, фигуры тесно заполняют поверхность фона. И все же реформы Никколо значимы.

Использование классической традиции, акцентировка объема, материальности и весомости фигуры, предметов, стремление внести в изображение религиозной сцены элементы реального земного события создали основу для широкого обновления искусства.

В 1260–1270 годах мастерская Никколо Пизано выполняла многочисленные заказы в городах средней Италии.
Новые веяния проникают и в живопись Италии.

Подобно тому, как Никколо Пизано реформировал итальянскую скульптуру, Каваллини заложил основу нового направления в живописи. В своем творчестве опирался на позднеантичные и раннехристианские памятники, которыми в его время был еще богат Рим.

Заслуга Каваллини состоит в том, что он стремился преодолеть плоскостность форм и композиционного построения, которые были присущи господствовавшей в его время в итальянской живописи”византийской” или”греческой” манере.

Он вводил заимствованную у древних художников светотеневую моделировку, достигая округлости и пластичности форм.

Однако со второго десятилетия XIV века художественная жизнь в Риме замерла. Ведущая роль в итальянской живописи перешла к флорентийской школе.

Флоренция в течение двух столетий была чем-то вроде столицы художественной жизни Италии и определяла главное направление развития ее искусства.

Но самым радикальным реформатором живописи был Джотто ди Бондоне (1266/67–1337).

В своих работах Джотто подчас достигает такой силы в столкновении контрастов и передаче человеческих чувств, которая позволяет видеть в нем предшественника величайших мастеров Возрождения.

Трактуя евангельские эпизоды как события человеческой жизни, Джотто помещает его в реальную обстановку, отказываясь при этом от соединения в одной композиции разновременных моментов. Композиции Джотто всегда пространственны, хотя сцена, на которой разыгрывается действие, обычно не глубока. Архитектура и пейзаж в фресках Джотто всегда подчинены действию. Каждая деталь в его композициях направляет внимание зрителя к смысловому центру.

Еще одним важным центром искусства Италии конца XIII века - первой половины XIV века была Сиена.

Искусство Сиены отмечено чертами утонченной изысканности и декоративизма. В Сиене ценили французские иллюстрированные рукописи и произведения художественных ремесел.

В XIII-XIV столетиях здесь был воздвигнут один из изящнейших соборов итальянской готики, над фасадом которого работал в 1284–1297 годах Джованни Пизано.

Для архитектуры проторенессанса характерны уравновешенность и спокойствие.

Представитель: Арнольфо ди Камбио.

Для скульптуры этого периода характерны пластическая мощь и наличие влияния позднеантичного искусства.

Представитель: Никколо Пизано, Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио.

Для живописи характерно появление осязательности и материальной убедительности форм.

Представители: Джотто, Пьетро Каваллини, Пьетро Лоренцетти, Амброджо Лоренцетти, Чимабуэ.

Раннее Возрождение

В первых десятилетиях XV века в искусстве Италии происходит решительный перелом. Возникновение мощного очага Ренессанса во Флоренции повлекло за собой обновление всей итальянской художественной культуры.

Творчество Донателло, Мазаччо и их сподвижников знаменует победу ренессанского реализма, существенно отличавшегося от того”реализма деталей”, который был характерен для готизирующего искусства позднего треченто.

Произведения этих мастеров проникнуты идеалами гуманизма.Они героизируют и возвеличивают человека, поднимают его над уровнем обыденности.

В своей борьбе с традицией готики художники раннего Возрождения искали опору в античности и искусстве Проторенессанса.

То, что только интуитивно, на ощупь искали мастера Проторенессанса, теперь основывается на точных знаниях.

Итальянское искусство XV века отличается большой пестротой. Различие условий, в которых формируются местные школы, порождает разнообразие художественных течений.

Новое искусство, победившее в начале XV века в передовой Флоренции, далеко не сразу получило признание и распространение в других областях страны. В то время как во Флоренции работали Брунелесски, Мазаччо, Донателло, в северной Италии еще были живы традиции византийского и готического искусства, лишь постепенно вытесняемые Ренессансом.

Главным очагом раннего Возрождения была Флоренция. Флорентийская культура первой половины и середины XV века разнообразна и богата.

Для архитектуры раннего Возрождения характерна логика пропорций, форма и последовательность частей подчинены геометрии, а не интуиции, что было характерной чертой средневековых сооружений

Представитель: Палаццо Ручеллаи, Филиппо Брунеллески, Леон Баттиста Альберти.

Для скульптуры этого периода характерно развиватие свободно стоящей статуи, живописный рельеф, портретный бюст, конный монумент.

Представитель: Л. Гиберти, Донателло, Якопо делла Кверча, семья делла Роббиа, А. Росселлино, Дезидерио да Сеттиньяно, Б. да Майано, А. Верроккьо.

Для живописи характерно ощущение гармонической упорядоченности мира, обращение к этическим и гражданским идеалам гуманизма, радостное восприятие красоты и многообразия реального мира.

Представители: Мазаччо, Филиппо Липпи, А. дель Кастаньо, П. Уччеллo, Фра Анджелико, Д. Гирландайо, А. Поллайоло, Верроккьо, Пьеро делла Франческа, А. Мантенья, П. Перуджино.

Высокое Возрождение

Кульминация искусства (конец XV и первые десятилетия XVI века), преподнесшая миру таких великих мастеров как Рафаэль, Тициан, Джорджоне и Леонардо да Винчи именуется этапом Высокого Возрождения.

Сосредоточение художественной жизни Италии в начале XVI века перемещается в Рим.

Папы добивались под властью Рима объединить всю Италию, делая попытки обратить его в культурный и ведущий политический центр. Но, так и не став политической точкой отсчёта, Рим преображается на некторое время в цитадель духовной культуры и искусства Италии. Причиной этому послужила также и меценатская тактика пап, которые привлекали лучших художников в Рим.

Флорентийская школа и многие другие (старые локальные) теряли свою прежнюю значимость.

Единственным исключением стала богатая и независимая Венеция, демонстрирующая яркую оригинальность культуры на протяжении всего XVI.

За счёт постоянной связи с великими произведениями архаики, искусство освобождалось от многословия , зачастую столь характерному творчеству виртуозов кватроченто.

Художники Высокого Возрождения обрели способность опускать маленькие подробности, не влияющие на общий смысл и стремиться достичь в своих творениях гармонию и сочетание лучших сторон реальности.

Творчество характеризуется верой в неограниченность человеческих возможностей, в его индивидуальность и в рациональный мировой аппарат.

Главным мотивом искусства Высокого Возрождениявыступает образ гармонически развитого и сильного как телом, так и духом человека, который находится выше повседневной обыденности.
Так как скульптура и живопись избавляется от беспрекословного рабства зодчества, что и даёт жизнь к формированию новых жанров искусства таких как: пейзаж, историческая живопись, портрет.

В этом периоде архитектура Высокого Ренессанса набирает наибольшие обороты. Теперь все без исключения заказчики не желали видеть в своих домах и капли средневековья. Улицы Италии стали пестреть не просто роскошными особняками, а дворцами с обширными насаждениями. Надо отметить, что известные в истории сады эпохи Возрождения появились как раз в этот период.

Религиозные и общественные сооружения также перестали отдавать духом прошлого. Храмы новой застройки, как будто восстали из времен Римского язычества. Среди памятников архитектуры этого периода можно встретить монументальные здания с обязательным наличием купола.

Грандиозность данного искусства было почитаемо ещё и современниками, - так Вазари говорил о нём как о: «высшей ступени совершенства, которой ныне достигли наиболее ценимые и наиболее прославленные творения нового искусства».

Для архитектуры высокого Возраждения характерны монументальность, представительное величие, грандиозность замыслов (пришедшие из Древнего Рима), интенсивно проявившиеся в брамантовских проектах собора святого Петра и перестройки Ватикана.

Представитель: Донато Браманте, Антонио да Сангалло, Якопо Сансовино

Для скульптуры этого периода характерны героический пафос и, одновременно трагическое ощущение кризиса гуманизма. Ппрославляется сила и мощь человека, красота его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире.

Представитель: Донателло, Лоренцо Гиберти, Брунеллески, Лука делла Роббиа, Микелоццо, Агостино ди Дуччо, Пизанелло.

Для живописи характерна передача мимики лица и тела человека, появляются новые способы передачи пространства, построения композиции. Вместе с тем работы создают гармоничный образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам.

Представители: Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти, Тициан, Якопо Сансовино.

Позднее Возрождение

В это время происходит затмение и появление новой художественно культуры. Не вызывает потрясений и тот факт, что творчество данной поры крайне сложно и отличается преобладанием противоборства различных направлений. Хотя если не рассматривать самый конец XVI века - время вступления на манеж братьев Карраччи и Караваджо, то можно сузить всё разнообразие искусства к двум основным тенденциям.

Феодально-католическая реакция нанесла смертельный удар Высокому Возрождению, но не смогла убить мощную художественную традицию, которая формировалась на протяжении двух с половиной столетий в Италии.

Только богатая Венецианская республика, свободная и от власти Папы, и от господства интервентов, обеспечила развитие искусства в этом регионе. Возрождение в Венеции обладало своими особенностями.

Если говорить о творениях известных художников второй половины XVI века, то им ещё присущ ренессанский фундамент, но уже с некоторыми изменениями.

Судьба человека уже не рисовалась столь беззаветной, хотя отголоски темы героической личности, которая готова сражаться со злом и ощущение реальности всё же до сих пор присутствуют.

Основы искусства XVII столетия были заложены в творческих поисках этих мастеров, благодаря которым были созданы новые выразительные средства.

К данному течению относятся немногие художники, но зато именитые мастера старшего поколения, пойманные кризисом на кульминации их творчества, такие как Тициан и Микеланджело. В Венеции, которая занимала неповторимое положение в художественной культуре Италии XVI века, это направленность присуща и для художников младшего поколения - Тинторетто, Бассано, Веронезе.

Представителями второго направления являются совершенно разные мастера. Их объединяет лишь субъективность в восприятии мира.

Данное направление получает своё распространение во второй половине XVI века и, не ограничиваясь Италией, перетекает и в большинство европейских стран. В искусствоведческой литературе конца прошлого столетия именуясь «маньеризмом ».

Пристрастие к роскоши, декоративности и нелюбовь к ученым изысканиям задерживали проникновение в Венецию художественных идей и практики флорентийского Возрождения.

Искусство эпохи Возрождения

Эпоха Возрождения – это время расцвета всех искусств (Театра, Музыки, живописи, архитектуры, Литературы и т.д). Я расскажу про литературу и изобразительное искусство.

Литература эпохи Возрождения — крупное направление в литературе, составная часть всей культуры эпохи Возрождения. Занимает период с XIV по XVI век. От средневековой литературы отличается тем, что базируется на новых, прогрессивных идеях гуманизма. Синонимом Возрождения является термин «Ренессанс», французского происхождения. Идеи гуманизма зарождаются впервые в Италии, а затем распространяются по всей Европе. Также и литература Возрождения распространилась по всей Европе, но приобрела в каждой отдельной стране свой национальный характер. Термин Возрождение означает обновление, обращение художников, писателей, мыслителей к культуре и искусству античности, подражание её высоким идеалам.

Понятие гуманизма

Понятие «гуманизм» было введено в употребление учеными XIX века. Оно происходит от латинского humanitas (человеческая природа, духовная культура) и humanus (человеческий), и обозначает идеологию, направленную к человеку. В Средневековье бытовала религиозная и феодальная идеология.

В эпоху Возрождения наметился отход от феодально-церковной идеологии, появились идеи раскрепощения личности, утверждения высокого достоинства человека, как свободного творца земного счастья. Идеи стали определяющими в развитии культуры в целом, повлияли на развитие искусства, литературы, музыки, науки, отразились в политике. Гуманизм — это мировоззрение светского характера, антидогматическое и антисхоластическое. Развитие гуманизма начинается в XIV в., в творчестве гуманистов, таких как: Данте, Петрарка, Боккаччо и др. В XVI веке процесс развития нового мировоззрения замедляется в виду воздействия феодально-католической реакции. Ему на смену приходит Реформация.

Литература Возрождения в целом

Говоря о Возрождении, мы говорим непосредственно об Италии, как носительнице основной части античной культуры, и о так называемом Северном Возрождении, которое проходило в странах северной Европы: Франция, Англия, Германия, Нидерланды, Испания и Португалия.

Для литературы Возрождения характерны уже вышеизложенные гуманистические идеалы. Эта эпоха связана с появлением новых жанров и с формированием раннего реализма, который так и назван, «реализм Возрождения» (или ренессансный), в отличие от более поздних этапов, просветительского, критического, социалистического.

В творчестве таких авторов, как Петрарка, Рабле, Шекспир, Сервантес выражено новое понимание жизни человеком, отвергающим рабскую покорность, которую проповедует церковь. Человека они представляют, как высшее создание природы, стараясь раскрыть красоту его физического облика и богатство души и ума. Для реализма Возрождения характерна масштабность образов (Гамлет, король Лир), поэтизация образа, способность к большому чувству и одновременно высокий накал трагического конфликта («Ромео и Джульетта»), отражающего столкновение человека с враждебными ему силами.

Для литературы Возрождения характерны различные жанры. Но определенные литературные формы преобладали. Наиболее популярным был жанр новеллы, который так и именуется новеллой Возрождения. В поэзии становится наиболее характерной формой сонет (строфа из 14 строк с определенной рифмовкой). Большое развитие получает драматургия. Наиболее выдающимися драматургами Возрождения являются Лопе де Вега в Испании и Шекспир в Англии.

Широко распространена публицистика и философская проза. В Италии Джордано Бруно в своих работах обличает церковь, создает свои новые философские концепции. В Англии Томас Мор высказывает идеи утопического коммунизма в книге «Утопия». Широко известны и такие авторы, как Мишель де Монтень («Опыты») и Эразм Роттердамский («Похвала глупости»).

В числе писателей того времени оказываются и коронованные особы. Стихи пишет герцог Лоренцо Медичи, а Маргарита Наваррская, сестра короля Франции Франциска I, известна как автор сборника «Гептамерон».

Изобразительное искусство Возрождения

Первые предвестники искусства Возрожденияпоявились в Италии в XIV веке. Художники этого времени, Пьетро Каваллини (1259-1344), Симоне Мартини (1284-1344) и (в первую очередь) Джотто (1267-1337) при создании полотен традиционной религиозной тематики отталкивались от традиции интернациональной готики(Отличительные черты живописи интернациональной готики: красочность, изысканность и декоративность, экзальтированность, утончённость.), однако начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Для обозначения их творчества используется термин Проторенессанс.

Различные века в истории итальянского искусства имеют названия, образованные от соответствующих числительных:

дученто — 1200-е. От итал. ducento (двести). Интернациональная готика.

треченто — 1300-е. От итал. trecento (триста). Проторенессанс.

кватроченто — 1400-е. От итал. quattrocento (четыреста). Раннее Возрождение, Высокое Возрождение.

чинквеченто — 1500-е. От итал. cinquecento (пятьсот). Конец Высокого Возрождения, Позднее Возрождение.

Раннее Возрождение

В начале XV века Филиппо Брунеллески (1377-1446), флорентийский ученый и архитектор, открыл и описал законы линейной перспективы в живописи. Это позволило художникам получать совершенные изображения трёхмерного пространства на плоском полотне картины.

Другим важным шагом стало появление нерелигиозного, секулярного искусства. Портрет и пейзаж утвердились как самостоятельные жанры. Даже религиозные сюжеты приобретали иную трактовку — художники Возрождения стали рассматривать их персонажей как героев с ярко выраженными индивидуальными чертами и человеческой мотивацией поступков.

Наиболее известные художники этого периода — Мазаччо (1401-1428), Мазолино (1383-1440), Беноццо Гоццоли(1420-1497), Пьеро Делла Франческо (1420-1492), Андреа Мантенья (1431-1506), Никколо Пиццоло (1421-1453), Джованни Беллини (1430-1516), Антонелло да Мессина (1430-1479), Доменико Гирландайо (1449-1494), Сандро Боттичелли (1445-1510).

Большое распространение получила скульптура. В творчестве скульпторов получили развитие многие формы: статуя, рельеф, бюст и т. д. Ими были достигнуты новые высоты в изображении пластики человеческого тела: эмоций, движений тела, сложных сцен в многоплановых, перспективных рельефах. Наиболее известными скульпторами этого периода являются Донателло (1386-1466) и Лоренцо Гиберти (1381-1456).

Высокое Возрождение

Наивысший расцвет искусства Возрождения пришёлся на первую четверть XVI века, которая получила название «Высокое возрождение». Работы Сансовино (1486-1570), Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэля Санти (1483-1520), Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Джорджоне (1476-1510), Тициана (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534) составляют золотой фонд европейского искусства.

Подходя к живописи с точки зрения естествоиспытателя, Леонардо да Винчи добился высокого мастерства в передаче мимики лица и тела человека, способах передачи пространства, построения композиции. Вместе с тем его работы создают гармоничный образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам. В дальнейшем эти новации были развиты Рафаэлем Санти.

Картины и скульптуры Микеланджело Буонарроти полны героического пафоса и, одновременно трагического ощущения кризиса гуманизма. Его картины прославляют силу и мощь человека, красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире

Творчество Джорджоне и Тициана отличает интерес к пейзажу, поэтизации сюжета. Оба художника достигли большого мастерства в искусстве портрета, с помощью которого передавали характер и богатый внутренний мир своих персонажей.

Позднее Возрождение

После разграбления Рима имперскими войсками в 1527 году итальянское Возрождение вступает в период кризиса. Уже в творчестве позднего Рафаэля намечается новая художественная линия, получившая название маньеризма. Для этой эпохи свойственны взвинченность и изломанность линий, удлинённость или даже деформированность фигур, зачастую обнажённых, напряжённость и неестественность поз, необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, использование едкой хроматической гаммы, перегруженность композиции и т. д. Первые мастера маньеризма — Пармиджанино, Понтормо, Бронзино — жили и работали при дворе герцогов дома Медичи во Флоренции. Позднее маньеристская мода распространилась по всей Италии и за её пределами. В 1590-е годы на смену маньеризму приходит искусство барокко (переходные фигуры — Тинторетто и Эль Греко)

Северное Возрождение

Художники, жившие к северу от Альп, не имели перед своими глазами образцов античного искусства. Археологическое измерение итальянского Ренессанса, состоявшее в изучении вновь открытых памятников античности, было им совершенно чуждо. Здесь долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследования и познанию анатомии человека. Портреты северных художников (например, Гольбейна) лишены гармонизации и идеализации действительности, которые свойственны их южным собратьям; в своей реалистичности они доходят донатурализма. С другой стороны, они не порывают со стихией народной, крестьянской жизни и фольклорными традициями; особенно показательно в этом отношении творчество Питера Брейгеля Старшего.

На стыке интернациональной готикии предренессансных веяний вБургундских Нидерландах1-й половины XV века родилосьстаронидерландское искусство. Усложнённаяиконографияи запутанныйсимволизмсочетались с предельным вниманием к подробностям домашнего обихода. Переход от темперы к масляной живописи позволял художником более рельефно и разносторонне передавать многообразие, глубину и блеск предметного мира. Все эти достижения связаны с именами Робера Кампена и его учеников — братьев ван ЭйковиРогира ван дер Вейдена. Во второй половине века пережитки готики и итальянские влияния причудливо переплелись в творчествеМемлинга.

Хотя в Италии эпохи кватроченто с интересом следили за достижениями нидерландских художников, итальянское влияние стало проникать в эти края только в XVI веке, когда баварец Альбрехт Дюрер ездил совершенствовать своё искусство в Венецию, а в Нидерландах сформировалась школа антверпенского маньеризма, к которой принадлежал, в частности, Мабюз. С началом Реформации религиозная живопись на севере Европы попала под запрет, зато стали формироваться новые жанры, основанные не столько на переосмыслении художественных достижений предыдущих поколений (как в Италии), сколько на непосредственном наблюдении за природой, — именно, пейзаж,натюрморт,жанровая живопись.

  • Культура и цивилизация
    • Культура и цивилизация — страница 2
    • Культура и цивилизация — страница 3
  • Типология культур и цивилизаций
    • Типология культур и цивилизаций — страница 2
    • Типология культур и цивилизаций — страница 3
  • Первобытное общество: рождение человека и культуры
    • Общая характеристика первобытности
    • Материальная культура и социальные отношения
    • Духовная культура
      • Возникновение мифологии, искусства и научных знаний
      • Формирование религиозных представлений
  • История и культура древних цивилизаций Востока
    • Восток как социокультурный и цивилизационный феномен
    • Доосевые культуры Древнего Востока
      • Раннее государство на Востоке
      • Художественная культура
    • Культура Древней Индии
      • Мировосприятие и религиозные верования
      • Художественная культура
    • Культура Древнего Китая
      • Уровень развития материальной цивилизации
      • Государство и генезис социальных связей
      • Мировосприятие и религиозные верования
      • Художественная культура
  • Античность – основа европейской цивилизации
    • Общая характеристика и основные этапы развития
    • Античный полис как уникальное явление
    • Мировосприятие человека в античном обществе
    • Художественная культура
  • История и культура европейского средневековья
    • Общая характеристика европейского средневековья
    • Материальная культура, экономика и условия жизни в средние века
    • Общественная и политическая системы средневековья
    • Средневековые картины мира, системы ценностей, идеалы человека
      • Средневековые картины мира, системы ценностей, идеалы человека — страница 2
      • Средневековые картины мира, системы ценностей, идеалы человека — страница 3
    • Художественная культура и искусство средних веков
      • Художественная культура и искусство средних веков — страница 2
  • Средневековый арабский восток
    • Общая характеристика арабо-мусульманской цивилизации
    • Развитие экономики
    • Социально-политические отношения
    • Особенности ислама как мировой религии
    • Художественная культура
      • Художественная культура — страница 2
      • Художественная культура — страница 3
  • Византийская цивилизация
    • Византийская картина мира
  • Византийская цивилизация
    • Общая характеристика византийской цивилизации
    • Общественная и политическая системы Византии
    • Византийская картина мира
      • Византийская картина мира — страница 2
    • Художественная культура и искусство Византии
      • Художественная культура и искусство Византии — страница 2
  • Русь в средние века
    • Общая характеристика средневековой Руси
    • Экономика. Социально-классовая структура
      • Экономика. Социально-классовая структура — страница 2
    • Эволюция политической системы
      • Эволюция политической системы — страница 2
      • Эволюция политической системы — страница 3
    • Система ценностей средневековой Руси. Духовная культура
      • Система ценностей средневековой Руси. Духовная культура — страница 2
      • Система ценностей средневековой Руси. Духовная культура — страница 3
      • Система ценностей средневековой Руси. Духовная культура — страница 4
    • Художественная культура и искусство
      • Художественная культура и искусство — страница 2
      • Художественная культура и искусство — страница 3
      • Художественная культура и искусство — страница 4
  • Возрождение и реформация
    • Содержание понятия и периодизация эпохи
    • Экономические, социальные и политические предпосылки европейского Возрождения
    • Изменения в мировоззрении горожан
    • Содержание эпохи Возрождения
    • Гуманизм – идеология Ренессанса
    • Титанизм и его «обратная» сторона
    • Искусство эпохи Возрождения
  • История и культура Европы в Новое время
    • Общая характеристика Нового времени
    • Образ жизни и материальная цивилизация Нового времени
    • Социальная и политическая системы Нового времени
    • Картины мира Нового времени
    • Художественные стили в искусстве Нового времени
  • Россия в эпоху Нового времени
    • Общие сведения
    • Характеристика основных этапов
    • Экономика. Социальный состав. Эволюция политического строя
    • Система ценностей российского общества
      • Система ценностей российского общества — страница 2
    • Эволюция духовной культуры
      • Соотношение провинциальной и столичной культуры
      • Культура донского казачества
      • Развитие общественно-политической мысли и пробуждение гражданского самосознания
      • Возникновение охранительной, либеральной и социалистической традиций
      • Две линии в истории русской культуры XIX в.
      • Роль литературы в духовной жизни российского общества
    • Художественная культура Нового времени
      • Художественная культура Нового времени — страница 2
      • Художественная культура Нового времени — страница 3
  • История и культура России в конце XIX – начале XX в.
    • Общая характеристика периода
    • Выбор пути общественного развития. Программы политических партий и движений
      • Либеральная альтернатива преобразования России
      • Социал-демократическая альтернатива преобразования России
    • Переоценка традиционной системы ценностей в общественном сознании
    • Серебряный век – ренессанс русской культуры
  • Цивилизация Запада в XX веке
    • Общая характеристика периода
      • Общая характеристика периода — страница 2
    • Эволюция системы ценностей в западной культуре XX в.
    • Основные тенденции развития западного искусства
  • Советское общество и культура
    • Проблемы истории советского общества и культуры
    • Становление советской системы (1917-й–1930-е годы)
    • Советское общество в годы войны и мира. Кризис и крах советской системы (40-80-е годы)
      • Идеология. Политическая система
      • Экономическое развитие советского общества
      • Социальные отношения. Общественное сознание. Система ценностей
      • Культурная жизнь
  • Россия в 90-е годы
    • Политическое и социально-экономическое развитие современной России
      • Политическое и социально-экономическое развитие современной России — страница 2
    • Общественное сознание в 90-е годы: основные тенденции развития
      • Общественное сознание в 90-е годы: основные тенденции развития — страница 2
    • Развитие культуры
  • Искусство эпохи Возрождения

    Эпоха Возрождения – это время расцвета всех искусств, в том числе и театра, и литературы, и музыки, но, несомненно, главным среди них, наиболее полно выразившим дух своего времени, было изобразительное искусство.

    Неслучайно существует теория, что Возрождение началось с того, что художники перестали удовлетворяться рамками господствовавшего «византийского» стиля и в поисках образцов для своего творчества первыми обратились к античности. Одним из первых отказался от «византийской манеры» и стал использовать во фресках светотеневую лепку фигур Пьетро Каваллини. Но картины вместо икон впервые стал создавать крупнейший мастер Проторенессанса Джотто.

    Он первым стремился христианские этические идеи передавать через изображение реальных человеческих чувств и переживаний, заменил символику изображением реального пространства и конкретных предметов. На знаменитых фресках Джотто в капелле дель Арена в Падуе можно увидеть рядом со святыми совсем необычные персонажи: пастухов или пряху. Каждое отдельное лицо в Джотто выражает вполне определенные переживания, определенный характер.

    В эпоху Дученто (XIII в.) в Италии вместо литературного языка средневековья – латинского – постепенно формируется народный язык – итальянский. Большой вклад в его создание внес величайший писатель того времени Данте Алигьери (1256-1321). В своем раннем произведении «Новая жизнь», написанном на итальянском языке, Данте рассказывает историю любви к Беатриче, начиная с их первой встречи, когда они были еще совсем детьми, и до смерти возлюбленной, когда ей исполнилось 18 лет.

    Образ простой горожанки, возвеличенной любовью поэта, он проносит через всю жизнь. И совсем уж в духе эпохи Возрождения сцена из его «Божественной комедии», в которой он изображает свою Беатриче сидящей поверх повозки, символизирующей Церковь у врат Чистилища.

    В эпоху раннего Возрождения в искусстве происходит освоение античного художественного наследия, формируются новые этические идеалы, художники обращаются к достижениям науки (математики, геометрии, оптики, анатомии). Ведущую роль в формировании идейных и стилевых принципов искусства раннего Возрождения играет Флоренция. В образах, созданных такими мастерами, как Донателло, Верроккьо, доминируют героические и патриотические начала («Св. Георгий» и «Давид» Донателло и «Давид» Верроккьо).

    Основоположником ренессансной живописи является Мазаччо (росписи капеллы Бранкаччи, «Троица»), Мазаччо умел передавать глубину пространства, связывал фигуру и пейзаж единым композиционным замыслом, придавал отдельным лицам портретную выразительность. Но становление и эволюция живописного портрета, отражавшего интерес возрожденческой культуры к человеку, связаны с именами художников Умрбийской школы: Пьеро делла Франческа, Пинтуриккьо.

    Особняком в эпоху раннего Возрождения стоит творчество художника Сандро Боттичелли. Созданные им образы одухотворены и поэтичны. Исследователи отмечают отвлеченность и утонченный интеллектуализм в работах художника, его стремление к созданию мифологических композиций с усложненным и зашифрованным содержанием («Весна», «Рождение Венеры»).

    Один из жизнеописателей Боттичелли говорил, что его мадонны и венеры производят впечатление утраты, вызывая в нас чувство неизгладимой печали… Одни из них утратили небо, другие – землю.

    Кульминацией в развитии идейно-художественных принципов итальянского Ренессанса становится Высокое Возрождение. Основоположником искусства Высокого Возрождения считается Леонардо да Винчи – великий художник и ученый.

    Он создал целый ряд шедевров: «Мона Лиза» («Джоконда»), «Мадонна Бенуа» и «Мадонна Литта», «Дама с горностаем». В своем творчестве Леонардо стремился выразить дух ренессансного человека. Он искал источники совершенных форм искусства в природе, но именно его Н. Бердяев считает ответственным за грядущий процесс машинизации и механизации человеческой жизни, который оторвал человека от природы.

    Классической гармонии живопись достигает в творчестве Рафаэля. Его искусство эволюционирует от ранних холодновато-отстраненных умбрийских образов мадонн («Мадонна Конестабиле») к миру «счастливого христианства» флорентийских и римских произведений. «Мадонна с щегленком» и «Мадонна в кресле» мягки, человечны и даже обыденны в своей человечности.

    Но величествен образ «Сикстинской мадонны», символически соединяющий небесный и земной миры. Более всего Рафаэль известен как создатель нежных образов мадонн. Но в живописи он воплотил и идеал возрожденческого универсального человека (портрет Кастильоне), и драматизм исторических событий.

    Микеланджело – мастер, который соединял в своем искусстве прекрасную телесность с глубокой одухотворенностью образов, унаследованной от средневековой христианской культуры. Уже в раннем творчестве Микеланджело проявлялись его трагическое мироощущение («Распятие»), тончайший психологизм образов и техническая виртуозность («Оплакивание Христа» из собора Св. Петра). Создает Микеланджело и свою концепцию человеческой истории (живописный плафон Сикстинской капеллы).

    Особое место в эпоху Высокого Возрождения занимает венецианская школа, в которой наслаждение жизнью и любовь к природе соединились с гуманистическим идеалом (творчество Джорджоне, Тициана). Позднее Возрождение и маньеризм отражают кризис ренессансных гуманистических идеалов.

    В этот период в творчестве Микеланджело отражается усугубляющийся трагизм его мировосприятия (образы капеллы Медичи, особенно «Ночь», «Страшный суд» и фрески капеллы Паолина). У художников, продолжающих традиции Высокого Возрождения, усиливается тяга к декоративности и пышности (Веронезе), нарастают субъективизм и спиритуализм.

    Для маньеристов образ строится не на основе изучения натуры, как это было у художников Возрождения, а на их внутреннем чувстве. Маньеризм причудливо переплетает мистику и идеалы придворной культуры, он полон аллегорий и артистической пластики. В маньеризме происходит отрицание ренессансной традиции (Корреджо, Аманти и др.).

    Одновременно с кризисом возрожденческого искусства в Италии происходит его расцвет в Нидерландах и Германии.

    Ян ван Эйк – центральная фигура начальной поры Северного Возрождения. В его творчестве отразилась одна из принципиальных особенностей этого искусства: тесная связь с искусством поздней готики. Гентский алтарь, выполненный братьями ван Эйк, в своем образном строе соединяет строгое религиозное чувство с радостным и поэтическим восприятием земной красоты, идеальные образы с портретами реальных людей, сложную символику с простыми человеческими эмоциями. В портретах Яна ван Эйка акцент делается на духовной наполненности и благочестии в психологически достоверных и натуралистически точных образах.

    Сложная символика, фантазия и гротеск проявляются в творчестве Хиеронимуса Босха. Его стилистика кажется настолько необычной для того времени, что многие современные искусствоведы считают Босха провозвестником сюрреализма.

    Развитие искусства Северного Возрождения связано с именем Альбрехта Дюрера, который заложил в Германии основы светских жанров – портрета, пейзажа, бытовых жанров. В его творчестве проявляется еще одна яркая черта Северного Возрождения: стремление изобразить человека несовершенным и идеальным, но достоверным.

    Говоря об искусстве Северного Возрождения, конечно же, следует обратить внимание на портреты Гольбейна и на творчество Брейгеля.

    Подводя итоги, следует отметить, что Возрождение в Италии и Реформация в Северной Европе могут, как это и делал Н. Бердяев, рассматриваться в качестве этапов переходного периода, знаменовавшего окончание в историческом масштабе одного типа цивилизации (космогенной, традиционной) и начало новой, техногенной цивилизации.

    Итальянский Ренессанс был источником для Северного Возрождения и Реформации. Реформация дополнила и своеобразно развила ренессансные идеи. Если итальянское Возрождение стало началом новой городской буржуазной культуры, то Реформация, создав протестантизм, обеспечила динамичное развитие капитализма в Европе.

    Renaissance — в переводе с французского означает «Возрождение». Именно так назвали целую эпоху, символизирующую интеллектуальный и художественный расцвет европейской культуры. Возрождение зародилось в Италии в начале XIV века, возвещая угасание эпохи культурного упадка и Средневековья), в основе которой лежали варварство и невежество, и, развиваясь, достигло своего пика в XVI веке.

    Впервые об эпохе Возрождения написал историограф итальянского происхождения, живописец и автор трудов о жизни знаменитых художников, ваятелей и зодчих в начале XVI века.

    Изначально термин «Возрождение» означал определённый период (начала XIV века) образования новой волны искусства. Но спустя время это понятие приобрело более широкую трактовку и стало обозначать целую эпоху развития и формирования культуры, противоположной феодализму.

    Период Ренессанса тесно связан с возникновением новых стилей и техник живописи в Италии. Появляется интерес к античным образам. Светскость и антропоцентризм являются неотъемлемыми чертами, наполняющими скульптуры того времени и живопись. Эпоха Возрождения вытесняет аскетизм, характеризующий средневековую эпоху. Приходит интерес ко всему мирскому, безграничной красоте природы и, конечно же, человеку. Художники эпохи Возрождения подходят к видению тела человека с научной точки зрения, стараются проработать всё до мельчайших деталей. Картины становятся реалистичными. Живопись насыщена неповторимым стилем. Она установила основные каноны вкуса в искусстве. Широко распространяется новая концепция мировоззрения под названием «гуманизм», согласно которой человек считается высшей ценностью.

    периода Ренессанса

    Дух расцвета имеет широкое выражение в картинах того времени и наполняет особой чувственностью живопись. Эпоха Возрождения связывает культуру с наукой. Художники стали рассматривать искусство как отрасль знаний, изучая досконально физиологию человека и окружающий мир. Это делалось для того, чтобы более реалистично отобразить истинность Божьего создания и происходящие события на своих полотнах. Большое внимание уделялось изображению религиозных сюжетов, которые приобретали земное содержание благодаря мастерству гениев, таких как Леонардо да Винчи.

    Выделяют пять этапов развития итальянского искусства Ренессанса.

    Интернациональная (придворная) готика

    Зародившаяся в начале XIII века придворная готика (ducento) характеризуется избыточной красочностью, помпезностью и вычурностью. Основным видом картин является миниатюра с изображением алтарных сюжетов. Художники используют темперные краски, создавая свою живопись. Эпоха Возрождения богата знаменитыми представителями данного периода, например, такими как итальянские живописцы Витторе Карпаччо и Сандро Боттичелли.

    Период Предвозрождения (Проторенессанс)

    Следующий этап, который, как считается, предвосхитил эпоху Ренессанса, называется Проторенессанс (trecento) и приходится на конец XIII — начало XIV века. В связи со стремительным развитием гуманистического мировоззрения живопись данного исторического периода раскрывает внутренний мир человека, его душу, имеет глубокий психологический смысл, но в то же время обладает простой и ясной структурой. Религиозные сюжеты отходят на второй план, а светские становятся лидирующими, и в качестве главного героя выступает человек с его чувствами, мимикой и жестами. Появляются первые портреты итальянского Ренессанса, занимающие место икон. Известные художники этого периода — Джотто, Пьетро Лоренцетти.

    Раннее Возрождение

    В начале начинается этап раннего Возрождения (quattrocento), символизирующий расцвет живописи с отсутствием религиозных сюжетов. Лики на иконах приобретают человеческий вид, а пейзаж, как жанр в живописи, занимает отдельную нишу. Основателем художественной культуры раннего Ренессанса выступает Мозаччо, в основе концепции которого лежит интеллектуальность. Его картины обладают высоким реализмом. Великие мастера исследовали линейную и воздушную перспективу, анатомию и использовали знания в своих творениях, на которых можно увидеть правильное трехмерное пространство. Представителями раннего Возрождения являются Сандро Боттичелли, Пьеро делла Франческа, Поллайоло, Вероккьо.

    Высокое Возрождение, или «Золотой век»

    С конца XV века начался этап высокого Возрождения (cinquecento) и продлился относительно недолго, до начала XVI века. Его центром стали Венеция и Рим. Деятели искусства расширяют свой идейный кругозор и интересуются космосом. Человек предстаёт в образе героя, совершенного как духовно, так и физически. Деятелями этой эпохи считаются Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тициан Вечеллио, Микеланджело Буонарротти и другие. Великий художник Леонардо да Винчи был «универсальным человеком» и находился в постоянном поиске истины. Занимаясь скульптурой, драматургией, различными научными опытами, он умудрялся находить время для живописи. Творение «Мадонна в скалах» наглядно отображает созданный живописцем стиль светотени, где соединение света и тени создаёт эффект объёмности, а знаменитая «Джоконда» выполнена с использованием техники «смуффато», создающая иллюзию дымки.

    Позднее Возрождение

    В период позднего Возрождения, который приходится на начало XVI века, произошёл захват и разграбление города Рима германскими войсками. Это событие положило начало эпохе угасания. Римский культурный центр перестал быть покровителем у самых знаменитых деятелей, и они были вынуждены разъехаться в другие города Европы. В результате нарастания несоответствий взглядов между христианской верой и гуманизмом в конце XV века маньеризм становится преобладающим стилем, характеризующим живопись. Эпоха Возрождения постепенно подходит к концу, поскольку основой данного стиля считается красивая манера, которая затмевает представления о гармонии мира, правде и всесильности разума. Творчество становится сложным и приобретает черты противоборства различных направлений. Гениальные работы принадлежат таким известным художникам, как Паоло Веронезе, Тиноретто, Якопо Понтормо (Карруччи).

    Италия стала культурным центром живописи и одарила мир гениальными художниками этого периода, картины которых и по сей день вызывают эмоциональный восторг.

    Помимо Италии, развитие искусства и живописи имело важное место и в других странах Европы. Это течение получило название Особенно стоит отметить эпохи Возрождения, которая выросла на собственной почве. Окончание Столетней войны вызвало рост всеобщего самосознания и развитие гуманизма. Во французском искусстве присутствует реализм, связь с научными знаниями, тяготение к образам античности. Все перечисленные черты сближают его с итальянским, но присутствие трагичной нотки в полотнах является значимым отличием. Известные художники эпохи Возрождения во Франции — Ангерран Шаронтон, Никола Фромана, Жан Фуке, Жан Клуэ Старший.

    Живопись эпохи Возрождения составляет золотой фонд не только европейского, но и мирового искусства. Период Ренессанса пришел на смену темному Средневековью, подчиненному до мозга костей церковным канонам, и предшествовал последующему Просвещению и Новому времени.

    Исчислять продолжительность периода стоит в зависимости от страны. Эпоха культурного расцвета, как ее принято называть, началась в Италии в XIV в. , а уже затем распространилась по всей Европе и достигла своего апогея к концу XV века. Историки делят данный период в искусстве на четыре этапа: Проторенессан, раннее, высокое и позднее Возрождение. Особую ценность и интерес представляет, безусловно, итальянская живопись эпохи Возрождения, однако не стоит упускать из внимания и французских, немецких, нидерландских мастеров. Именно о них в контексте временных периодов Ренессанса далее и пойдет речь в статье.

    Проторенессанс

    Период Проторенессанса длился со второй половины XIII в. по XIV в. Он тесно связан со Средневековьем, в поздний этап которого зародился. Проторенессанс является предшественником Возрождения и сочетает в себе византийские, романские и готические традиции. Раньше всего веяния новой эпохи проявились в скульптуре, а уже затем в живописи. Последняя была представлена двумя школами Сиены и Флоренции.

    Главной фигурой периода был художник и архитектор Джотто ди Бондоне. Представитель флорентийской школы живописи стал реформатором. Он наметил путь, по которому она далее развивалась. Особенности живописи эпохи Возрождения берут начало именно в этот период. Принято считать, что у Джотто получилось преодолеть в своих работах общий для Византии и Италии стиль иконописи. Он сделал пространство не двухмерным, а трехмерным, используя для создания иллюзии глубины светотень. На фото картина «Поцелуй Иуды».

    Представители флорентийской школы стояли у истоков эпохи Возрождения и делали все, чтобы вывести живопись из продолжительного средневекового застоя.

    Период Проторенессанса разделился на две части: до и после его смерти. До 1337 года работают самые яркие мастера и происходят важнейшие открытия. После Италию накрывает эпидемия чумы.

    Живопись эпохи Возрождения: кратко о раннем периоде

    Раннее Возрождение охватывает период продолжительностью 80 лет: с 1420 г. по 1500 г. В это время оно еще не окончательно отходит от прошлых традиций и по-прежнему связано с искусством Средневековья. Однако уже чувствуется дыхание новых тенденций, мастера начинают чаще обращаться к элементам классической древности. В конечном итоге художники полностью бросают средневековый стиль и начинают смело пользоваться лучшими образцами античной культуры. Отметим, что процесс шел довольно медленно, шаг за шагом.

    Яркие представители раннего Возрождения

    Творчество итальянского художника Пьеро дела Франческа полностью принадлежит к периоду раннего Возрождения. Его произведения отличает благородство, величественная красота и гармония, точность перспективы, мягкая цветовая гамма, наполненная светом. В последние годы жизни помимо живописи он углубленно изучал математику и даже написал два собственных трактата. Его учеником был еще один известный живописец, Луки Синьорелли, а стиль отразился на работах многих умбрийских мастеров. На фото выше фрагмент фрески в церкви Сан Франческо в Ареццо «История царицы Савской».

    Доменико Гирландайо — это еще один яркий представитель флорентийской школы живописи эпохи Возрождения раннего периода. Он являлся основателем известной художественной династии и главой мастерской, где начинал юный Микеланджело. Гирландайо был знаменитым и успешным мастером, занимавшимся не только фресковыми росписями (капелла Торнабуони, Сикстинская), но и станочной живописью («Поклонение волхвов», «Рождество», «Старик с внуком», «Портрет Джованны Торнабуони» — на фото ниже).

    Высокое Возрождение

    Данный период, в который произошло пышное развитие стиля, приходится на 1500-1527 гг. В это время происходит перемещение центра итальянского искусства в Рим из Флоренции. Связано это с восхождением на папский престол честолюбивого, предприимчивого Юлия II, который привлек к своему двору самых лучших художников Италии. Рим стал чем-то вроде Афин во времена Перикла и переживал невероятный подъем и строительный бум. При этом наблюдается гармония между отраслями искусства: скульптура, архитектура и живопись. Эпоха Возрождения объединила их. Они словно идут рука об руку, дополняя друг друга и взаимодействуя.

    Античность изучается в период Высокого Возрождения более основательно и воспроизводится с максимальной точностью, строгостью и последовательностью. Достоинство и спокойствие заменяют кокетливую красоту, а средневековые традиции забываются совершенно. Вершину Ренессанса знаменует творчество трех величайших итальянских мастеров: Рафаэль Санти (картина «Донна Велата» на изображении выше), Микеланджело и Леонардо да Винчи («Мона Лиза» — на первом фото).

    Позднее Возрождение

    Позднее Возрождение охватывает в Италии период с 1530-х по 1590-1620-е годы. Искусствоведы и историки сводят произведения этого времени к общему знаменателю с большой долей условности. Южная Европа находилась под влиянием восторжествовавшей в ней Контрреформации, которая с большой опаской воспринимала всякое свободомыслие, в том числе и произошедшее воскрешение идеалов античности.

    Во Флоренции наблюдалось доминирование маньеризма, характеризующегося надуманностью цветов и изломанными линиями. Впрочем в Парму, где трудился Корреджо, он добрался только после смерти мастера. Свой путь развития имела венецианская живопись эпохи Возрождения позднего периода. Работавшие там до 1570-х годов Палладио и Тициан являются его ярчайшими представителями. Их творчество не имело ничего общего с новыми веяниями в Риме и Флоренции.

    Северное Возрождение

    Данный термин используется для характеристики эпохи Возрождения во всей Европе, находившейся за пределами Италии в целом и в частности в германоязычных странах. Оно имеет ряд особенностей. Северное Возрождение не было однородным и в каждой стране характеризовалось специфическими чертами. Искусствоведы разделяют его на несколько направлений: французское, немецкое, нидерландское, испанское, польское, английское и т. д.

    Пробуждение Европы шло двумя путями: развитие и распространение гуманистического светского мировоззрения, и развитие идей обновления религиозных традиций. Оба они соприкасались, иногда сливались, но в тоже время были антагонистами. Италия выбрала первый путь, а Северная Европа — второй.

    На искусство севера, в т. ч. живопись, эпоха Возрождения практически не оказывала никакого влияния вплоть до 1450 г. С 1500 г. она распространилась по всему континенту, однако в некоторых местах влияние поздней готики сохранилось вплоть до наступления барокко.

    Северное Возрождение характеризуется значительным влиянием готического стиля, менее пристальным вниманием к изучению античности и анатомии человека, детализированной и тщательной техникой письма. Важное идеологическое влияние на него оказала Реформация.

    Французское Северное Возрождение

    Наиболее близкой к итальянской является французская живопись. Эпоха Возрождения для культуры Франции стала важным этапом. В это время активно укрепляется монархия и буржуазные отношения, религиозные идеи Средневековья отходят на второй план, уступая место гуманистическим тенденциям. Представители: Франсуа Кенель, Жан Фуке (на фото фрагмент «Меленского диптиха» мастера), Жан Клуз, Жан Гужон, Марк Дюваль, Франсуа Клуэ.

    Немецкое и голландское Северное Возрождение

    Выдающиеся работы Северного Возрождения созданы немецкими и фламандо-голландскими мастерами. Существенную роль в этих странах по-прежнему играла религия, и она сильно влияла на живопись. Эпоха Возрождения прошла в Нидерландах и Германии другим путем. В отличие от произведения итальянских мастеров художники этих стран человека не ставили в центр вселенной. На протяжении практически всего XV в. они изображали его в стиле готики: легким и бесплотным. Наиболее яркими представителями голландского Ренессанса являются Хуберт ван Эйк, Ян ван Эйк, Роберт Кампен, Гуго ван дер Гус, немецкого — Альберт Дюрер, Лукас Кранах старший, Ганс Гольбейн, Маттиас Грюневальд.

    На фото автопортерет А. Дюрера 1498 г.

    Несмотря на то что работы северных мастеров значительно отличаются от произведений итальянских живописцев, они в любом случае признаны бесценными экспонатами изобразительного искусства.

    Живописи эпохи Возрождения, как и всей культуре в целом, свойственен светский характер, гуманизм и так называемый антропоцентризм, или, иными словами, первостепенный интерес к человеку и его деятельности. В этот период случился настоящий расцвет интереса к античному искусству, и произошло его возрождение. Эпоха подарила миру целую плеяду гениальных скульпторов, архитекторов, писателей, поэтов и художников. Никогда до этого и после культурный расцвет не носил столь массовый характер.

    Живопись эпохи Возрождения. Сандро Боттичелли.

    Б. И. Пуришев. «Литература эпохи Возрождения. Идея универсального человека».

    «Живопись и ваяние в Италии в эпоху Возрождения» [Печатается с сокращениями. Полностью опубликовано в издании: Филологический сборник: Проблемы взаимодействий. Красноярск, 1992. С. 4-30.] .

    …Картина итальянского Возрождения будет неполной, если мы пройдем мимо изобразительных искусств, достигших на Апеннинском полуострове невиданного расцвета и зачастую поднимавшихся на огромную высоту, почти недоступную литературе. При этом подчас именно в изобразительных искусствах особенно полно проявлялся дух итальянского Возрождения.

    . ..С двором Медичи был связан самый удивительный итальянский живописец XV века Сандро Боттичелли (1455-1510). Ученик Филиппо Липпи,он в то же время занял особое место среди художников Кватроченто, увлечённых разработкой перспективы. Его не занимали придворные празднества и пышные парады. Ему был чужд эпикурейский дух, царивший при дворе Лоренцо Великолепного. Зато, будучи другом гуманистов Марсилио Фичино и Пико делла Мирандолы, он со свойственной ему искренностью воспарял в сферы неоплатонизма. Одухотворённость становится характерной чертой его лучших живописных творений. Одухотворённость и мягкий лиризм. В этом отношении особенно примечательны его замечательные картины «Весна» (ок. 1478) и «Рождение Венеры» (ок. 1485). Первая картина [См.: Боттичелли. Сборник материалов о творчестве / Сост. В.Н. Гращенков. Вступ. статья И.Е. Даниловой. М., 1962. Илл. 14.] написана по мотивам стихотворения Полициано, придворного поэта Медичи. Но придворного великолепия нет в этом нежном произведении. Расцветающий мир населен сказочными существами,олицетворяющими божественную «душу» молодой природы. Здесь и Флора — древняя италийская богиня цветов, рассыпающая по траве разнообразные цветы. Здесь и юные грации в полупрозрачных трепещущих одеждах. Взявшись за руки, они как бы застыли в легком танце. Здесь и сама Весна, юная и прекрасная, с лицом задумчивым и, пожалуй, несколько грустным. То ли она понимает, что царство весны недолговечно, то ли знает, что в земном мире, наряду с красотой и гармонией, неизбежно зло? Не на это ли указывает помещенная справа фигура зловещего существа, нападающего на одну из граций?

    репродукция картины Сандро Боттичелли «Возрождение Венеры».

    Одной из самых изумительных картин Боттичелли является его «Рождение Венеры» [См.: Боттичелли. Сборник материалов о творчестве / Сост. В.Н. Гращенков. Вступ. статья И.Е. Даниловой. М., 1962. Илл. 35.] . Юная богиня стоит на перламутровой раковине, плывущей по морю. Безграничное небо, море, волнистые линии берега, дуновение ветра (летящий Зефир), деревья и цветы, рассыпанные Флорой, молодая женщина, несущая розовый плащ, чтобы прикрыть обнаженное тело богини, — обрамляют стройную фигуру Венеры. Но Венера Боттичелли это уже не Венера древнего мифа, любовница сурового Марса и покровительница любовных похождений в новеллах эпохи Возрождения. Её девственная чистота не таит в себе чувственных соблазнов, ее тонкое одухотворённое лицо скорее напоминает лицо мадонны, нежели лицо языческой богини. Венера Боттичелли сродни платоническим идеалам Марсилио Фичино, для которого Любовь олицетворяла слитность бога и мира, а красота представлялась лучом божества, пронизывающим своим сиянием земную сферу. Одухотворённый лиризм лучших творений Боттичелли превосходит все, что можно найти в итальянской поэзии Кватроченто, разменявшей на вялые трафареты в поэзии петраркистов.

    «Весна (La Primavera)» Сандро Боттичелли
    Картина, созданная между 1477 и 1482 годами, выставлена ​​в Галерее Уффици во Флоренции.

    Проповедь, а затем гибель Савонаролы глубоко потрясли Боттичелли. В его творениях начинают звучать трагические ноты. В наиболее концентрированной форме этот трагизм раскрыт в картине «Покинутая» (1485-1490) [Боттичелли. Сборник материалов о творчестве / Сост. В.Н. Гращенков. Вступ. статья И.Е. Даниловой. М., 1962. Илл. 40.] , изображающей скорбную женскую фигуру на фоне тяжелой массивной стены и замкнутых ворот. Есть основания полагать, что «перед нами изображение «изгнанной истины» или «добродетели», отторгнутой от «мудрости» [Боттичелли. Сборник материалов о творчестве / Сост. В.Н. Гращенков. Вступ. статья И.Е. Даниловой. М., 1962. С. 42.] .

    Сандро Боттичелли
    «Покинутая» (1485-1490)

    Творения Боттичелли ознаменовали могучий подъем изобразительных искусств итальянского Возрождения. Ведь его младшими современниками были такие гиганты ренессансной культуры, как Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело.

    Источник: Б. И. Пуришев. «Литература эпохи Возрождения. Идея универсального человека». Приложение. Живопись и ваяние в Италии в эпоху Возрождения.

    Этапы итальянского Возрождения — PaintingRussia

    Несмотря на уверенность гугла в том, что «Ренессанс» – это «надежное страхование» и «отель 4 звезды вблизи ипподрома», нас этот термин интересует в первую очередь как период в истории искусства между Средневековьем и Новым временем. Условно его делят на две ветви: Итальянское Возрождение и Северное Возрождение, и сегодня мы будем говорить о периодизации первого. Как водится, речь пойдет о живописи, хотя новые тенденции появились во всех искусствах.

     

    Проторенессанс, или Треченто

    Джотто, Скорбящий ангел. Фрагмент картины «Плач»

    Симоне Мартини, Чудо воскрешения девы. Фрагмент

    Лоренцетти, Плоды доброго правления

    Кто: Чимабуэ, Джотто, Дуччо, Симоне Мартини, Липпо Мемми, Лоренцетти, Пьетро Каваллини.

    Где: Флоренция (Чимабуэ, Джотто), Сиена (Дуччо, Симоне Мартини, Липпо Мемми, Лоренцетти), Рим (Пьетро Каваллини).

    Когда: 2-я половина XIII века – XIV век. Итальянское название «Треченто» переводится как «триста».

    В этот момент в умах людей начинает постепенно зреть идея: а что, если человек – пуп земли? Пока очень осторожно, в режиме «Ну а вдруг?». Бога никто не отменял, но Данте Алигьери в «Божественной комедии» уже дерзит высшим и в первую очередь низшим силам в лицо:

    А если стал порочен целый свет,

    То был тому единственной причиной

    Сам человек: лишь он – источник бед,

    Своих скорбей создатель он единый.

    Итак, Возрождение – это в первую очередь не про религиозные чувства, а про личность. И уже в Треченто сквозь евангельские сюжеты пробиваются индивидуальные психологические черты. Теперь это уже не абстрактные передатчики церковных идей, а хотя бы немножко люди.

    Как распознать: Персонажи кажутся современному человеку написанными неловко и без знания основ анатомии, в отличие от более поздних периодов. Но вместе с тем на лицах героев есть эмоции и чувства. Иногда активно вводится интерьер или пейзаж в попытке передать глубину и выделить передний и задний план. Есть хоть еще неумелый, но всё же объем взамен былой плоскостности.

     

    Раннее Возрождение, или Кватроченто

    Мазаччо, Портрет молодого человека

    Фра Анджелико, Благовещение

    Сандро Боттичелли, Рождение Венеры

    Кто: Фра Анджелико, Боттичелли, Мазаччо, Пьерро делла Франческа, Якопо Беллини с сыновьями Джентиле и Джованни, Пинтуриккьо, Перуджино, Гирландайо и другие.

    Где: В первую очередь Флоренция.

    Когда: XV век. «Кватроченто» переводится как «четыреста», то есть, 1400-е.

    Художник краешком глаза начинает пугливо и исподтишка поглядывать на Античность. Таких любопытных становится всё больше, и список мастеров мне пришлось завершать многозначительным «и другие». Еще больше человеческого в образах, которые когда-то были лишь идеями в кривоватом людском обличье.

    Как распознать: Человек уже похож сам на себя, более-менее соблюдаются пропорции (уроки анатомии не пропали даром). Но принадлежность к раннему этапу Возрождения выдают слишком уж четкие геометрические формы, которые ближе к архитектуре, чем к живописи – пережиток лохматого Средневековья. Есть картины мифологического и портретного жанра.

     

    Высокое Возрождение, или Чинквеченто

    Рафаэль, Триумф Галатеи

    Бахус

    Микеланджело, Страшный суд, фрагмент

    Кто: Именно на этот период приходятся имена, которые у всех на слуху.  Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль – дети эпохи Высокого Возрождения.

    Где: Главным образом Рим.

    Когда: конец XV – 1-я четверть XVI века. Опять же название периода не с потолка взялось: «Чинквеченто» – это «пятьсот».

    Античность становится примером для подражания. Причем церковь не против, а чуть ли не «за»: с ее молчаливого согласия новая римская архитектура приобретает древнеримские и древнегреческие очертания, а в живописи продолжается конкурс красоты среди Венер и Галатей. Вражда с язычниками забыта, угрозы для церкви они уже не несут, поэтому к чему отказываться от их достижений в искусстве? Отсюда и восхищение обнаженным телом, так свойственное Античности.

    Как распознать: «Человеческое, слишком человеческое». От пережитков Средневековья осталось немного. На картинах – реальные люди из плоти и крови, даже если они персонажи Священного писания. Об их принадлежности к христианскому пантеону говорит только нимб над головой (и то не всегда он есть). Закройте его рукой – и получите простого смертного. Излюбленные сочетания цветов: красный и синий, красный и зеленый. И хотя индивидуальный почерк у каждого художника свой, всех их роднит уже мастерское умение передавать объем, выстраивать гармоничную композицию, находить удачные колористические решения, идеально соблюдать анатомические пропорции, натуралистично работать с многофигурными композициями и наполнять полотно динамикой.

     

    Позднее Возрождение, или Сейченто

    Веронезе, Венера и Марс с Амуром и конем

    Корреджо, Мадонна с младенцем и юным Св. Иоанном

    Аллори, Иисус у Марии и Марфы

    Кто: Тициан, Тинторетто, Джорджоне, Веронезе, Корреджо, Джорджо Вазари, Аллори.

    Где: Венеция, Флоренция.

    Когда: 2-я четверть XVI – конец XVI века. Название «Сейченто», как уже нетрудно догадаться, означает «шестьсот». Но сделаем важную оговорку:  период «Сейченто» включает в себя не только Позднее Возрождение, но так же более поздние маньеризм и барокко.

    Кое-кто из церковной верхушки решает, что этак недолго и в Апокалипсис угодить. Поэтому нужно гнать лесом всех воспевателей женских прелестей и певцов безбожной Античности. Это движение называется Контрреформацией. Ее действия простирались далеко за рамки изобразительных искусств, но сегодня речь о живописи. Поэтому постараемся, проглотив ком в горле, не вдаваться в подробности о срочной мобилизации инквизиции и первом «Индексе запрещенных книг». Ясное дело, что таких условиях художникам становится как-то не по себе, при виде античной статуи лихорадит, да и на обнаженку тянет уже не так, как прежде – первый синдром импотенции в искусстве. Ну да ничего, возьмем не формами, так вычурностью и изяществом. А здесь и до маньеризма с барокко недалеко.

    Как распознать: изломанная изощренность поз и жестов, хитроумная цветовая гамма, преимущественно одетые (хотя бы чисто символически) герои картин, слащавые лица. Мужские персонажи на вид пока не похожи на геев, но и натуралами их уже не назовешь.

    Исчерпывающая книга о живописи эпохи Ренессанса:

     

    Читайте также: Выставка: Венеция Ренессанса

     

    Если статьи в блоге Вам полезны, буду благодарна за взнос любого размера. Осуществить перевод можно через ЯндексДеньги, Qiwi-копилку или PayPal, воспользовавшись банковской картой или электронными платежными системами.

    Поделиться ссылкой:

    Понравилось это:

    Нравится Загрузка…

    эпоха Возрождения. Творчество итальянских художников эпохи Возрождения

    Renaissance — в переводе с французского означает «Возрождение». Именно так назвали целую эпоху, символизирующую интеллектуальный и художественный расцвет европейской культуры. Возрождение зародилось в Италии в начале XIV века и достигло своего пика в XVI веке, возвещая угасание эпохи культурного упадка и застоя (эпохи Средневековья), в основе которой лежали варварство и невежество.

    Впервые об эпохе Возрождения написал историограф итальянского происхождения, живописец и автор трудов о жизни знаменитых художников, ваятелей и зодчих Джорджо Вазари в начале XVI века.

    Изначально термин «Возрождение» означал определённый период (начала XIV века) образования новой волны искусства. Но спустя время это понятие приобрело более широкую трактовку и стало обозначать целую эпоху развития и формирования культуры, противоположной феодализму.

    Период Ренессанса тесно связан с возникновением новых стилей и техник живописи в Италии. Появляется интерес к античным образам. Светскость и антропоцентризм являются неотъемлемыми чертами, наполняющими скульптуры того времени и живопись. Эпоха Возрождения вытесняет аскетизм, характеризующий средневековую эпоху. Приходит интерес ко всему мирскому, безграничной красоте природы и, конечно же, человеку. Художники эпохи Возрождения подходят к видению тела человека с научной точки зрения, стараются проработать всё до мельчайших деталей. Картины становятся реалистичными. Живопись насыщена неповторимым стилем. Она установила основные каноны вкуса в искусстве. Широко распространяется новая концепция мировоззрения под названием «гуманизм», согласно которой человек считается высшей ценностью.

    Дух расцвета имеет широкое выражение в картинах того времени и наполняет особой чувственностью живопись. Эпоха Возрождения связывает культуру с наукой. Художники стали рассматривать искусство как отрасль знаний, изучая досконально физиологию человека и окружающий мир. Это делалось для того, чтобы более реалистично отобразить истинность Божьего создания и происходящие события на своих полотнах. Большое внимание уделялось изображению религиозных сюжетов, которые приобретали земное содержание благодаря мастерству гениев, таких как Леонардо да Винчи.

    Выделяют пять этапов развития итальянского искусства Ренессанса.

    Интернациональная (придворная) готика

    Зародившаяся в начале XIII века придворная готика (ducento) характеризуется избыточной красочностью, помпезностью и вычурностью. Основным видом картин является миниатюра с изображением алтарных сюжетов. Художники используют темперные краски, создавая свою живопись. Эпоха Возрождения богата знаменитыми представителями данного периода, например, такими как итальянские живописцы Витторе Карпаччо и Сандро Боттичелли.

    Период Предвозрождения (Проторенессанс)

    Следующий этап, который, как считается, предвосхитил эпоху Ренессанса, называется Проторенессанс (trecento) и приходится на конец XIII — начало XIV века. В связи со стремительным развитием гуманистического мировоззрения живопись данного исторического периода раскрывает внутренний мир человека, его душу, имеет глубокий психологический смысл, но в то же время обладает простой и ясной структурой. Религиозные сюжеты отходят на второй план, а светские становятся лидирующими, и в качестве главного героя выступает человек с его чувствами, мимикой и жестами. Появляются первые портреты итальянского Ренессанса, занимающие место икон. Известные художники этого периода — Джотто, Пьетро Лоренцетти.

    Раннее Возрождение

    В начале XIV века начинается этап раннего Возрождения (quattrocento), символизирующий расцвет живописи с отсутствием религиозных сюжетов. Лики на иконах приобретают человеческий вид, а пейзаж, как жанр в живописи, занимает отдельную нишу. Основателем художественной культуры раннего Ренессанса выступает Мозаччо, в основе концепции которого лежит интеллектуальность. Его картины обладают высоким реализмом. Великие мастера исследовали линейную и воздушную перспективу, анатомию и использовали знания в своих творениях, на которых можно увидеть правильное трехмерное пространство. Представителями раннего Возрождения являются Сандро Боттичелли, Пьеро делла Франческа, Поллайоло, Вероккьо.

    Высокое Возрождение, или «Золотой век»

    С конца XV века начался этап высокого Возрождения (cinquecento) и продлился относительно недолго, до начала XVI века. Его центром стали Венеция и Рим. Деятели искусства расширяют свой идейный кругозор и интересуются космосом. Человек предстаёт в образе героя, совершенного как духовно, так и физически. Деятелями этой эпохи считаются Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тициан Вечеллио, Микеланджело Буонарротти и другие. Великий художник итальянского возрождения Леонардо да Винчи был «универсальным человеком» и находился в постоянном поиске истины. Занимаясь скульптурой, драматургией, различными научными опытами, он умудрялся находить время для живописи. Творение «Мадонна в скалах» наглядно отображает созданный живописцем стиль светотени, где соединение света и тени создаёт эффект объёмности, а знаменитая «Джоконда» выполнена с использованием техники «смуффато», создающая иллюзию дымки.

    Позднее Возрождение

    В период позднего Возрождения, который приходится на начало XVI века, произошёл захват и разграбление города Рима германскими войсками. Это событие положило начало эпохе угасания. Римский культурный центр перестал быть покровителем у самых знаменитых деятелей, и они были вынуждены разъехаться в другие города Европы. В результате нарастания несоответствий взглядов между христианской верой и гуманизмом в конце XV века маньеризм становится преобладающим стилем, характеризующим живопись. Эпоха Возрождения постепенно подходит к концу, поскольку основой данного стиля считается красивая манера, которая затмевает представления о гармонии мира, правде и всесильности разума. Творчество становится сложным и приобретает черты противоборства различных направлений. Гениальные работы принадлежат таким известным художникам, как Паоло Веронезе, Тиноретто, Якопо Понтормо (Карруччи).

    Италия стала культурным центром живописи и одарила мир гениальными художниками этого периода, картины которых и по сей день вызывают эмоциональный восторг.

    Помимо Италии, развитие искусства и живописи имело важное место и в других странах Европы. Это течение получило название Северное Возрождение. Особенно стоит отметить живопись Франции эпохи Возрождения, которая выросла на собственной почве. Окончание Столетней войны вызвало рост всеобщего самосознания и развитие гуманизма. Во французском искусстве присутствует реализм, связь с научными знаниями, тяготение к образам античности. Все перечисленные черты сближают его с итальянским, но присутствие трагичной нотки в полотнах является значимым отличием. Известные художники эпохи Возрождения во Франции — Ангерран Шаронтон, Никола Фромана, Жан Фуке, Жан Клуэ Старший.

    Характеристики искусства итальянского Возрождения и определение искусства Возрождения

    На протяжении всей истории ни одно художественное движение не имело такого глубокого влияния, как искусство итальянского Возрождения. Этот период, считающийся золотым веком искусства, музыки и литературы, веками вдохновлял творческих людей, а музами служили культовые произведения таких мастеров, как Леонардо да Винчи и Микеланджело.

    Здесь мы изучаем историю и прослеживаем тенденции революционного движения, уделяя особое внимание эстетическим характеристикам и художественным приемам, которые его определяют.

    Что такое Итальянское Возрождение?

    Итальянское Возрождение произошло между 14 и 17 веками в Италии. Произведенное от слова  Rinascimento , или «возрождение», Ренессанс обычно рассматривается как просвещенный век искусства и архитектуры из-за возобновления культурного интереса к классической античности.

    «Раннее Возрождение» обозначает период между 1400 и 1490 годами, когда такие художники, как Фра Анджелико и Боттичелли, начали экспериментировать с реализмом.

    Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры» (1480-е гг.) (Фото: Уффици через Wikimedia Commons)

    Между 1490 и 1527 годами известные итальянские художники, такие как да Винчи, Микеланджело и Рафаэль, создали особенно знаменитые произведения искусства. Этот период времени часто называют «Высоким Возрождением».

    История

    В Средневековье (примерно 500-1000 гг. н.э.) итальянское искусство было преимущественно основано на религии. В живописи этот уникальный подход характеризовался духовной иконографией, плоскими композициями, нереалистичными цветовыми палитрами и эфирными, потусторонними фигурами.Однако в 1300-х годах итальянские художники из Флоренции отказались от этой отличительной эстетики и приняли более гуманистический подход к искусству. Это время перемен в конечном итоге будет известно как итальянское Возрождение.

    Хотя точный импульс итальянского Возрождения неизвестен, многие ученые считают, что этот сдвиг был вызван экономической нестабильностью, поскольку отсутствие инвестиционных возможностей в Италии 14 века побудило богатых людей вместо этого финансировать искусство. Этот повышенный интерес к искусству длился несколько столетий и оказал глубокое влияние на итальянскую живопись, скульптуру и архитектуру.

    Пьетро Перуджино, Сикстинская капелла (ок. 1481–1483 гг.) (Фото: Wikimedia Commons)

    20 знаменитых картин эпохи Возрождения, которые должен знать каждый любитель искусства

    С окончанием Средневековья в 1400-х годах в Италии зародилась новая эра искусства и культуры. Ренессанс — термин, происходящий от итальянского слова Rinascimento , или «возрождение», — часто рассматривается как золотой век искусства, музыки и литературы, оказавший глубокое влияние на ход истории искусства.

    В этот период не только появились основные творческие концепции, такие как линейная перспектива, ракурс и анатомический реализм, но и появились такие известные художники, как Боттичелли, Леонардо да Винчи и Микеланджело. Впервые со времен античности художники стремились к натуралистическому изображению своих предметов, основанному на гуманистических идеалах.

    Хотите увидеть, как развивалось итальянское искусство между 14 и 16 веками? Здесь мы рассмотрим 20 знаменитых картин эпохи Возрождения , которые оставили свой след в истории.

     

    Совершите экскурсию по итальянскому Возрождению и узнайте около 20 знаменитых картин той эпохи.

     

    Раннее Возрождение

     

    Мазаччо, Святая Троица, ок.1427

    Мазаччо, «Святая Троица», ок. 1426–28 (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Написано в доминиканском храме Санта-Мария-Новелла во Флоренции. Святая Троица фреска — самая ранняя сохранившаяся картина, в которой использовалась систематическая линейная перспектива .Согласно записям, Мазаччо поместил гвоздь в точку схода и прикрепил веревки, чтобы определить, как сходятся линии.

     

    Паоло Уччелло, Битва при Сан-Романо, c. 1435–1460

    Паоло Уччелло, «Битва при Сан-Романо», ок. 1435–1460 (Фото: Уффици, Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Художник и математик Паоло Уччелло создал три картины, изображающие битву при Сан-Романо — событие, произошедшее недалеко от Флоренции в 1432 году.Хотя он использовал перспективу, чтобы создать ощущение глубины в композиции, он также изобразил сцену таким образом, чтобы она напоминала театральную сцену.

     

    Пьеро делла Франческа, Бичевание Христа, c. 1468–70

    Пьеро делла Франческа, «Бичевание Христа», ок. 1468–1470 (Фото: Galleria Nazionale delle Marche через Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Картина Пьеро делла Франческа Бичевание Христа — еще один ранний пример линейной перспективы в искусстве эпохи Возрождения.Названный историком искусства Кеннетом Кларком «величайшей маленькой картиной в мире», он представляет собой необычную композицию, основанную на теме бичевания Христа римлянами. На переднем плане трио мужчин, которые, возможно, представляют прошлое, настоящее и будущее, а на заднем плане римский солдат бичует Христа, а Понтий Пилат наблюдает за этим.

     

    Антонелло да Мессина, Св. Иероним в кабинете, ок.1474

    Антонелло да Мессина, «Св.Иероним в своем кабинете», ок. 1474 (Фото: Национальная галерея через Wikimedia Commons, общественное достояние)

    По словам искусствоведа Джорджио Вазари, Антонелло да Мессина представил масляную живопись — средство, популяризированное в Северном Возрождении — в Италии. Его работа Святой Иероним в кабинете ясно показала влияние точного стиля живописи Яна Ван Эйка.

    Сложный замысел изделия основан на разных видах знания: человеческом, природном и божественном.Да Мессина использует перспективу и геометрию для организации иконографии в архитектурном пространстве.

     

    Андреа Мантенья, Оплакивание Христа, ок. 1480 с

    Андреа Мантенья, «Оплакивание Христа», ок. 1480-е годы (Фото: Pinacoteca di Brera через Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Художник эпохи Возрождения Андреа Мантенья был известен экспериментами с перспективой в своем искусстве, и этот интерес лучше всего иллюстрируется его темперной картиной Оплакивание Христа .На этом произведении изображены Дева Мария, святой Иоанн и Мария Магдалина, плачущие над мертвым телом Христа. Однако, в отличие от других Плача , Мантенья использует драматический ракурс в картине так, что зритель смотрит на тело Христа ногами вперед.

     

    Пьетро Перуджино, Доставка ключей , c. 1481–2

    Пьетро Перуджино, «Вручение ключей», ок. 1481–2 (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Хотя его ученик Рафаэль превзошел его в известности, Пьетро Перуджино внес значительный вклад в искусство эпохи Возрождения. Доставка ключей — одна из самых важных его фресок, которая находится в Сикстинской капелле.

    На нем изображена сцена из 16 главы Евангелия от Матфея, в которой Иисус дает ключи от Царства Небесного Святому Петру. Эта работа является прекрасным примером того, как художник использовал линейную перспективу, чтобы придать глубину своему фону.

     

    Сандро Боттичелли, Примавера, c. 1477–82

    Сандро Боттичелли, «Примавера», ок.1477–82 (Фото: Уффици, Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Сандро Боттичелли написал Primavera — первую из его мифологических работ — около 1480 года для частного поместья Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи. Она считается новаторской картиной эпохи Возрождения, поскольку отражает отход от католической иконографии в искусстве и сцен из греческой и римской мифологии . Например, на этой картине изображено аллегорическое празднование весны, в центре которого находится римская богиня Венера.

     

    Леонардо да Винчи,  Дева в скалах , 1483–6

    Леонардо да Винчи, «Дева в скалах», ок. 1483–1486 (Фото: Лувр, Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Хотя существует две версии картины Леонардо Дева в скалах , считается, что более ранняя, хранящаяся в Лувре, полностью написана им. В нем используется треугольная композиция для изображения Девы Марии, младенца Иисуса, младенца Иоанна Крестителя и ангела на неясном зеленом фоне.Как и в других картинах да Винчи, в ней используется значительная техника sfumato .

     

    Сандро Боттичелли, Рождение Венеры, c. 1484–6

    Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры», ок. 1484–1486 (Фото: Уффици, Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Созданная в конце 15 века, Рождение Венеры — другая известная мифологическая картина Боттичелли. На нем изображена недавно родившаяся Венера, римская богиня, связанная с любовью и красотой, стоящая обнаженной в увеличенной раковине гребешка.Ее окружают еще три фигуры из классической мифологии, связанные с природой. Хотя эта работа сегодня является синонимом искусства эпохи Возрождения, известность обнаженной женщины была беспрецедентной в то время.

     

    Высокое Возрождение

     

    Леонардо да Винчи, Дама с горностаем , c.1489–1491

    Леонардо да Винчи, «Дама с горностаем», ок. 1489–91 (Фото: Музей Чарторыйских, Wikimedia Commons, общественное достояние)

    За несколько лет до того, как мастер эпохи Возрождения Леонардо да Винчи создал Мону Лизу , он сделал еще один важный портрет.Эта картина маслом под названием Дама с горностаем является примером портретной живописи Высокого Возрождения и стиля светотени .

    На нем изображена молодая женщина с покрытыми пластинами волосами, держащая на руках большую белую ласку (также называемую горностаем). Хотя эта картина является прекрасным отражением интереса да Винчи к анатомическому реализму, она также использует горностая как символ со значениями, связанными с предметом портрета и его покровителем.

     

    Леонардо да Винчи,  Тайная вечеря, 1495–8

    Леонардо да Винчи, «Тайная вечеря», 1495–1498 гг. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

    С момента своего завершения в конце 15-го века, Тайная вечеря очаровала зрителей своим впечатляющим масштабом, уникальной композицией и загадочным сюжетом.Покровитель да Винчи, Людовико Сфорца, попросил его нарисовать последнюю трапезу Иисуса, как описано в Евангелии от Иоанна в Новом Завете Библии.

    Интересно, что Леонардо решил проиллюстрировать момент, когда Иисус говорит своим последователям, что один из них предаст его, сосредоточив большую часть картины на индивидуальных выразительных реакциях фигур.

     

    Рафаэль, Бракосочетание Богородицы, 1504

    Рафаэль, «Обручение Богородицы», 1504 г. (Фото: Pinacoteca di Brera через Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Мастер эпохи Возрождения и вундеркинд Рафаэль создал Свадьба Девы Марии , когда ему был всего 21 год.Эта работа, вдохновленная картинами его мастера Пьетро Перуджино, изображает церемонию бракосочетания Марии и Иосифа.

    Историк искусства Джорджио Вазари прокомментировал улучшения, сказав: «Храм изображен в перспективе с такой явной тщательностью, что удивительно видеть сложность проблем, которые он там поставил перед собой».

     

    Микеланджело, Дони Тондо , 1506

    Микеланджело, «Дони Тондо», 1506 г. (Фото: Уффици, Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Перед тем, как Микеланджело приступил к работе над своим прославленным потолком Сикстинской капеллы, он сделал свое единственное законченное панно. Doni Tondo празднует свадьбу Аньоло Дони с портретом Святого Семейства, включая младенца Иисуса, Марию и Иосифа. Яркая цветовая палитра и скульптурная лепка фигур типичны для стиля живописи Микеланджело.

     

    Леонардо да Винчи,  Мона Лиза , 1506

    Леонардо да Винчи, «Мона Лиза», ок. 1503–1506 (Фото: Лувр, Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Картина да Винчи, известная как любопытной иконографией, так и уникальной историей, стала одной из самых известных картин в истории искусства.На портрете эпохи Возрождения изображена женская фигура, которая, по мнению большинства, является Лизой Герардини, женой торговца тканями и шелком Франческо Джокондо, выше пояса. Она изображена сидящей на лоджии или в комнате, хотя бы с одной открытой стороны.

    Позади нее туманный и, казалось бы, изолированный пейзаж, придуманный художником и нарисованный с использованием сфумато , техники, в результате которой получаются формы «без линий и границ, в виде дыма или за пределами фокусной плоскости».

     

    Джорджоне, Буря, c. 1506–8

    Джорджоне, «Буря», ок. 1506–1508 (Фото: Gallerie dell’Accademia через Wikimedia Commons, общественное достояние)

    К концу Высокого Возрождения начала расцветать венецианская школа живописи, в которой акцент делался на цвете, а не на линии. Джорджоне был одним из пионеров этого стиля, и Буря остается одним из его самых любимых и самых неоднозначных произведений искусства.

    На переднем плане справа изображена безымянная женщина, кормящая грудью своего ребенка, а слева стоит солдат с длинным посохом.Название происходит от надвигающейся бури, происходящей на заднем плане, что подчеркивается затемненной цветовой палитрой, используемой на переднем плане.

     

    Рафаэль, Афинская школа, 1509–11

    Рафаэль, «Афинская школа», 1509–1511 гг. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Афинская школа — одна из четырех настенных фресок, написанных Рафаэлем в станце делла Сеньятура в Папском дворце. Она считается шедевром за то, как она объединяет искусство, философию и науку в одну картину. Среди многих фигур, изображенных на произведении, греческие философы Платон, Аристотель и Сократ, а также математики Евклид и Пифагор.

     

    Микеланджело, Сотворение Адама , ок. 1508–12

    Микеланджело, «Сотворение Адама», ок. 1508–12 (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Микеланджело четыре года расписывал потолок Сикстинской капеллы для папы Юлия II.Он известен не только своим невероятным масштабом, но и сложной композицией и классическим вдохновением.

    И среди множества панелей, из которых состоит конструкция потолка, самой известной остается Сотворение Адама . Он изображает Адама в томной позе с вытянутой рукой как раз перед тем, как он должен получить жизнь от прикосновения Бога.

     

    Тициан, Священная и мирская любовь , 1514

    Тициан, «Святая и мирская любовь», 1514 г. (Фото: Галерея Боргезе через Викисклад, общественное достояние)

    Среди великих имен итальянского Возрождения — Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль — есть и Тициан, мастер цвета. Священная и мирская любовь — одна из ранних картин художника, написанная в ознаменование женитьбы человека, заказавшего ее. Хотя существует множество различных теорий, исследующих личности центральных фигур, истинные намерения картины остаются загадкой. Несмотря на это, работа является прекрасным примером мастерства Тициана в области цвета и композиции.

     

    Позднее Возрождение

     

    Тициан,  Венера Урбинская, 1538

    Тициан, «Венера Урбинская», 1538 г. (Фото: Уффици, Wikimedia Commons, общественное достояние)

    После смерти Джорджоне в 1510 году и Джованни Беллини в 1516 году Тициан стал ведущим сторонником венецианского стиля. Венера Урбинская изображает обнаженную женщину, лежащую на кровати в богато украшенной комнате. Подобно Священной и мирской любви , неизвестная личность женщины в Венере Урбинской и значение иконографии привели к множеству различных интерпретаций произведения. Он вдохновил многих подобных картин, в том числе Мане Олимпия .

     

    Микеланджело, Страшный суд , 1541

    Микеланджело, «Страшный суд», 1536–1541 гг. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Спустя несколько десятилетий после того, как Микеланджело завершил потолок Сикстинской капеллы, он вернулся в то же здание, чтобы добавить еще одну фреску, на этот раз покрывающую всю стену алтаря. Страшный суд описывает Второе пришествие Иисуса Христа и Божий окончательный суд над человечеством.

    Хотя этот сюжет не был редкостью в эпоху Возрождения, интерпретация Микеланджело выделяется своими 300 в основном обнаженными фигурами и ее сочетанием с некоторыми мифологическими элементами — оба эти фактора сделали фреску спорной среди современников Микеланджело.

     

    Статьи по теме:

    20 известных картин из истории западного искусства, которые должен знать каждый любитель искусства

    Кем был Альбрехт Дюрер? Узнайте о новаторской печатной машине Северного Возрождения

    20 известных художников, которых должен знать каждый, от Леонардо да Винчи до Фриды Кало

    10 художников, которые были мастерами рисования, от Леонардо да Винчи до Пабло Пикассо

    Искусство в Тоскане | Итальянская живопись эпохи Возрождения

       

    Живопись итальянского Возрождения
           

    Итальянская живопись эпохи Возрождения — это живопись периода, начинающегося в конце 13 века и расцвета с начала 15 до конца 16 веков, происходящая на территории современной Италии, которая в то время была разделена на множество политических областей. .Художники Италии эпохи Возрождения, хотя часто были привязаны к определенным дворам и были преданы определенным городам, тем не менее странствовали вдоль и поперек Италии, часто занимая дипломатический статус и распространяя как художественные, так и философские идеи.

    Город, известный как родина эпохи Возрождения и, в частности, живописи эпохи Возрождения, — это Флоренция. Самые ранние следы эпохи Возрождения находятся во Флоренции. В четырнадцатом веке в городе уже было 120 000 жителей, и он был ведущей державой в средней Италии.Самые известные художники этого времени жили здесь – по крайней мере, время от времени – Джотто (вероятно, с 1266 по 1336 год), Донателло (вероятно, с 1386 по 1466 год), Мазаччо (с 1401 по 1429 год), Микеланджело (с 1475 по 1564 год), Лоренцо
    , Гиберти (с 1378 по 1455). В 1420 году Брунеллески организовал тендер на реконструкцию Флорентийского собора, который должен был получить купол как гордую достопримечательность.

    Живопись итальянского Возрождения можно разделить на четыре периода: проторенессанс, 1300–1400 гг. ; Раннее Возрождение, 1400–1475 гг.; Высокое Возрождение, 1475–1525 гг., И маньеризм, 1525–1600 гг.Эти даты являются приблизительными, а не конкретными точками, потому что жизни отдельных художников и их личные стили накладывались на разные периоды.

    Проторенессанс начинается с профессиональной жизни художника Джотто и включает в себя Таддео Гадди, Орканью и Альтикьеро. Раннее Возрождение было отмечено творчеством Мазаччо, Фра Анджелико, Уччелло, Пьеро делла Франческа и Верроккьо. Период Высокого Возрождения был эпохой Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэля.Период маньеризма включал Андреа дель Сарто, Понтормо и Тинторетто. Маньеризму посвящена отдельная статья.

           

    Влияние

    На развитие живописи эпохи Возрождения в Италии повлияло то же влияние, что и на философию, литературу, архитектуру, теологию, науку, правительство и другие аспекты жизни общества. Ниже приводится краткое изложение вопросов, более подробно рассмотренных в основных статьях, процитированных выше.

    Философия

    Стал доступным ряд классических текстов, веками утраченных западноевропейскими учеными. К ним относятся философия, поэзия, драма, наука, диссертация по искусству и раннехристианскому богословию. Возникший в результате интерес к гуманистической философии означал, что отношения человека с человечеством, вселенной и с Богом больше не были исключительной прерогативой церкви.Возрождение интереса к классике привело к первому археологическому исследованию римских останков архитектором Брунеллески и скульптором Донателло. Возрождение стиля архитектуры, основанного на классических прецедентах, вдохновило соответствующий классицизм в живописи, проявившийся уже в 1420-х годах в картинах Мазаччо и Уччелло.

    Наука и технологии

    Одновременно с получением доступа к классическим текстам Европа получила доступ к передовой математике, источником которой являются работы византийских и исламских ученых. Появление подвижной печати в 15 веке означало, что идеи можно было легко распространять, и для широкой публики было написано все больше книг. Развитие масляной краски и ее внедрение в Италию оказали длительное влияние на искусство живописи.

    Общество

    Создание банка Медичи и последовавшая за ним торговля принесли беспрецедентное богатство одному итальянскому городу Флоренции. Козимо Медичи установил новый стандарт меценатства, не связанного с церковью или монархией.Случайное присутствие в регионе Флоренции некоторых гениальных деятелей искусства, в первую очередь Джотто, Мазаччо, Брунеллески, Пьеро делла Франческа, Леонардо да Винчи и Микеланджело, сформировало дух, который поддерживал и поощрял многих меньших художников к созданию работ исключительного качества. [2] Подобное наследие художественных достижений произошло в Венеции через талантливую семью Беллини, их влиятельного зятя Мантенью, Джорджоне, Тициана и Тинторетто.

    Темы

    Многие картины эпохи Возрождения были заказаны католической церковью или для нее. Эти работы часто были крупномасштабными и часто представляли собой циклы, написанные фресками из жизни Христа, жизни Богородицы или жизни святого, особенно святого Франциска Ассизского. Также было много аллегорических картин на тему Спасения и роли Церкви в его достижении. Церкви также заказывали запрестольные образы, которые были написаны темперой на панели, а затем маслом на холсте. Помимо больших запрестольных образов, в очень большом количестве производились небольшие религиозные изображения как для церквей, так и для частных лиц, наиболее распространенной темой которых была Мадонна с младенцем.

    На протяжении всего периода гражданские комиссии также были важны: здания местных органов власти, такие как Палаццо Пубблико в Сиене, были украшены фресками и другими произведениями, как светскими, такими как Аллегория хорошего правительства, так и религиозными, такими как фреска Симоне Мартини с изображением Маэсты. .

    Портретная живопись была редкостью в 14-м и начале 15-го века, в основном ограничиваясь гражданскими памятными изображениями, такими как конные портреты Гвидориччо да Фольяно работы Симоне Мартини, 1327 г. , в Сиене и, в начале 15-го века, Джона Хоквуда работы Уччелло в Флорентийский собор и его компаньон с изображением Никколо да Толентино работы Андреа дель Кастаньо.

    В течение 15-го века портретная живопись стала обычным явлением, первоначально часто формализованные портреты в профиль, но все чаще портреты в три четверти, до груди. Покровители произведений искусства, таких как запрестольные образы и циклы фресок, часто включались в сцены, ярким примером является включение семей Сассетти и Медичи в цикл Гирландайо в часовне Сассетти. Портретная живопись должна была стать основным предметом для художников Высокого Возрождения, таких как Рафаэль и Тициан, и продолжиться в период маньеризма в работах таких художников, как Бронзино.

    С ростом гуманизма художники обратились к классическим темам, в частности, для выполнения заказов на украшение домов богатых покровителей, самым известным из которых является «Рождение Венеры» Боттичелли для Медичи. Все чаще классические темы также рассматривались как подходящий аллегорический материал для гражданских комиссий. Гуманизм также повлиял на манеру изображения религиозных тем, особенно на потолке Микеланджело Сикстинской капеллы.

    Другие мотивы заимствованы из современной жизни, иногда с аллегорическим смыслом, иногда чисто декоративные.Инциденты, важные для конкретной семьи, могут быть записаны, как те, что в Camera degli Sposi, которые Мантенья нарисовал для семьи Гонзага в Мантуе. Все чаще изображались натюрморты и декоративные сцены из жизни, такие как Концерт Лоренцо Коста около 1490 года.

    Важные события часто фиксировались или отмечались в картинах, таких как Битва Уччелло при Сан-Романо, как и важные местные религиозные праздники. История и исторические персонажи часто изображались таким образом, чтобы отражать текущие события или жизни нынешних людей.Часто писались портреты современников в образе персонажей из истории или литературы. Сочинения Данте, «Золотая легенда» Ворагина и «Декамерон» Боккаччо были важными источниками тем.

    Во всех этих предметах все чаще и в работах почти всех художников развивались определенные основные живописные практики: наблюдение за природой, изучение анатомии, изучение света и изучение перспективы. 3][5]


    Живопись проторенессанса

    Традиции тосканской живописи 13 века
    В искусстве региона Тоскана в конце 13 века доминировали два мастера византийского стиля, Чимабуэ из Флоренции и Дуччо из Сиены.Их заказами были в основном религиозные картины, некоторые из них были очень большими запрестольными образами с изображением Мадонны с младенцем. Эти два живописца вместе со своими современниками, Гвидо Сиенским, Коппо ди Марковальдо и таинственным художником, от стиля которого, возможно, возникла школа, так называемым мастером св. древняя традиция иконописи.[6] В этих темперных картинах многие детали были жестко закреплены сюжетом, точное положение рук Мадонны с Младенцем Христом, например, диктовалось характером благословения, которое картина вызывала у зрителя. Угол наклона головы и плеч Богородицы, складки на ее вуали и линии, определяющие ее черты, — все это повторялось в бесчисленных подобных картинах. Живопись Чимабуэ, сохраняя многие формальные черты византийского стиля, является новаторской по пластической силе. Чимабуэ и Дуччо сделали шаги в направлении большего натурализма, как и их современник Пьетро Каваллини из Рима.

    Джотто
    Джотто, Сцены из жизни Христа, Плач (Оплакивание Христа), 1304-06, Капелла Скровеньи (Часовня Арена), Падуя
    Джотто , (1266–1337), по традиции пастух с холмов к северу от Флоренции, стал учеником Чимабуэ и стал самым выдающимся художником своего времени.[7] Джотто, возможно, под влиянием Пьетро Каваллини и других римских художников, основывал фигуры, которые он рисовал, не на какой-либо живописной традиции, а на наблюдении за жизнью. В отличие от фигур его византийских современников, фигуры Джотто полностью трехмерны; они стоят прямо на земле, имеют различимую анатомию и облачены в одежды с весом и структурой. Но больше всего то, что отличает фигуры Джотто от фигур его современников, — это их эмоции. В лицах фигур Джотто радость, ярость, отчаяние, стыд, злоба и любовь.Цикл фресок «Жизнь Христа» и «Житие Богородицы», написанный им в капелле Скровеньи в Падуе, задал новый стандарт сюжетных картин. Его Мадонна Огниссанти висит в галерее Уффици во Флоренции, в той же комнате, что и Мадонна Санта-Тринита Чимабуэ и Мадонна Руччеллаи Дуччо, где можно легко провести стилистическое сравнение между ними. Одной из черт, очевидных в творчестве Джотто, является его наблюдение за натуралистической перспективой. Его считают глашатаем Ренессанса.[9]

    Оформление капеллы Скровеньи в Падуе (между 1303-1305 гг.) было общепризнано самым значительным и наиболее парадигмальным творением Джотто и одним из столичных событий в истории европейской живописи. Если мы посмотрим на содержание его художественной революции, мы должны согласиться с тем, что первые проявления присутствуют в убранстве Верхней базилики Ассизи.
    Весьма вероятно, что Джотто работал в Ассизи лет на десять раньше, чем в Падуе, т. е. около 1290 г. или чуть позже.
    Представление о пространстве, сформулированное впервые в Ассизи, было известно еще древним грекам и римлянам, но было утеряно в Средние века. Это не просто новый способ рисования. Идея иллюзорной реконструкции трехмерного пространства на двухмерной поверхности также предполагает, что реальность, воспринимаемая органами чувств, приобретает новый художественный смысл.

    Искусство в Тоскане | Джотто ди Бондоне

     
    Паоло Уччелло, деталь Пять мастеров флорентийского Возрождения ( или Отцы перспективы), портрет Джотто) ,
    c.1450 г., дерево, темпера, 43 x 210 см, Лувр, Париж,

     

     

    Таддео Гадди, Тайная вечеря, Древо жизни и Четыре сцены чудес , 1360-е годы, Фреска, 1120 x 1170 см, Санта-Кроче, Флоренция

    У Джотто было много современников, которые либо обучались и находились под его влиянием, либо чьи наблюдения за природой вели их в том же направлении. Хотя несколько учеников Джотто усвоили направление, в котором он работал, никому не удалось добиться такого же успеха, как он. Таддео Гадди создал первую большую картину ночной сцены в «Благовещение пастухам» в часовне Барончелли церкви Санта-Кроче во Флоренции.
    Картины в Верхней церкви базилики Святого Франциска в Ассизи являются примерами натуралистической живописи того периода, часто приписываемой самому Джотто, но, более вероятно, работе художников, окружавших Пьетро Каваллини.[9] Поздняя картина Чимабуэ в Нижней церкви в Ассизи, изображающая Мадонну и Святого Франциска , также ясно демонстрирует больший натурализм, чем его панно и остатки его более ранних фресок в верхней церкви.

    Андреа Бонайути, фреска в Испанской капелле, Испанская капелла, Санта-Мария-Новелла, Флоренция
    Общей темой в украшении средневековых церквей был Страшный суд , который часто занимает скульптурное пространство над западной дверью или, как в случае с капеллой Джотто Скровеньи, нарисован на внутренней западной стене. Черная смерть 1348 года заставила выживших сосредоточиться на необходимости приближаться к смерти в состоянии раскаяния и отпущения грехов. Неотвратимость смерти, награда кающемуся и наказание за грех подчеркнуты в ряде фресок, отличающихся мрачным изображением страданий и сюрреалистичными изображениями адских мук.
    К ним относятся «Триумф смерти» ученика Джотто Орканья, который сейчас находится в фрагментарном состоянии в музее Санта-Кроче, и «Триумф смерти» в Монументальном Кампосанто в Пизе неизвестного художника, возможно, Франческо Трайни или Буонамико Буффальмакко, который работал на остальных трех из серии фресок на тему Спасения.Точно неизвестно, когда были начаты эти фрески, но обычно предполагается, что они датированы 1348 годом.
    В конце 14 века в Падуе работали два выдающихся художника-фрескировщика, Альтикьеро и Джусто де Менабуой. Шедевр Джусто, украшение баптистерия собора, следует теме Сотворения, Падения и Спасения человечества, а также имеет редкий цикл Апокалипсиса в маленьком алтаре. В то время как вся работа исключительна по своей широте, качеству и сохранности, трактовка человеческих эмоций консервативна по сравнению с «Распятием» Альтикьеро в базилике Сант-Антонио, также в Падуе.Работа Джусто опирается на формализованные жесты, где Альтикьеро рассказывает об инцидентах, связанных со смертью Христа, с большой человеческой драмой и интенсивностью.

    Во Флоренции, в испанской капелле Санта-Мария-Новелла, Андреа Бонайути было поручено подчеркнуть роль церкви в процессе искупления, и в частности роль доминиканского ордена. Его фреска «Аллегория действующей и торжествующей церкви » примечательна тем, что на ней изображен Флорентийский собор с куполом, который был построен только в следующем столетии.[2]

     

     
    Джотто ди Бондоне, Сцены из жизни Христа, Воскресение (деталь), Cappella degli Scrovegni all’Arena, Падуя
    В конце 14 века международная готика была стилем, который доминировал в тосканской живописи. Это можно увидеть в работах Пьетро и Амброджо Лоренцетти, которые отмечены формализованной сладостью и изяществом в фигурах и позднеготической грацией в драпировках. Стиль полностью развит в работах Симоне Мартини и Джентиле да Фабриано, которые отличаются элегантностью и богатством деталей, а также идеализированным качеством, несовместимым с более суровыми реалиями картин Джотто.
    В начале 15-го века разрыв между интернациональной готикой и ренессансом заполняют картины Фра Анджелико, многие из которых, будучи запрестольными образами темперой, демонстрируют любовь готики к разработке, сусальному золоту и яркому цвету.Именно в его фресках в монастыре Сант-Марко Фра Анджелико показывает себя артистическим учеником Джотто. Эти религиозные картины, украшающие кельи и коридоры, в которых живут монахи, изображают эпизоды из жизни Иисуса, многие из которых представляют собой сцены Распятия. Они предельно просты, сдержанны по цвету и интенсивны по настроению, поскольку художник стремился сделать духовные откровения визуальной реальностью.

    Фра Анджелико | Фрески монастыря Сан-Марко (1438–1450 гг.)

     
    Фра Анджелико, Благовещение (фрагмент), lConvento di San Marco, Флоренция

     

     

    Живопись раннего Возрождения
     
    Самые ранние истинно ренессансные изображения во Флоренции относятся к первому году века, известного на итальянском языке как кватроченто, что является синонимом раннего Возрождения.В этот день был проведен конкурс, чтобы найти художника для создания пары бронзовых дверей для баптистерия Святого Иоанна, старейшей сохранившейся церкви в городе. Баптистерий представляет собой большое восьмиугольное здание в романском стиле, происхождение которого было забыто и которое, по общему мнению, восходит к римским временам. Интерьер его купола украшен огромной мозаичной фигурой Христа в Величии, которая, как считается, была создана Коппо ди Марковальдо. В нем три больших портала, центральный из которых в то время был заполнен дверями, созданными Андреа Пизано восемьюдесятью годами ранее.

    Двери Пизано были разделены на 28 отсеков с четырехлистником, содержащих повествовательные сцены из жизни Иоанна Крестителя. Конкурсанты, среди которых было семь молодых художников, должны были разработать бронзовую панель одинаковой формы и размера, изображающую Жертвоприношение Исаака.

    Сохранились две панели, Лоренцо Гиберти и Брунеллески. Каждая панель показывает некоторые сильно классифицирующие мотивы, указывающие направление, в котором двигались искусство и философия в то время.Гиберти использовал обнаженную фигуру Исаака для создания небольшой скульптуры в классическом стиле. Он преклоняет колени на могиле, украшенной свитками аканта, которые также являются отсылкой к искусству Древнего Рима. На панели Брунеллески одна из дополнительных фигур, включенных в сцену, напоминает известную римскую бронзовую фигуру мальчика, выдергивающего занозу из ноги. Творчество Брунеллески бросает вызов своей динамической интенсивностью. Менее элегантный, чем у Гиберти, он больше о человеческой драме и надвигающейся трагедии.[12]

    Гиберти выиграл соревнование. На его первый набор дверей баптистерия ушло 27 лет, после чего ему было поручено сделать еще один. В общей сложности 50 лет, что Гиберти работал над ними, двери послужили тренировочной площадкой для многих художников Флоренции. Будучи нарративной по сюжету и используя не только мастерство построения фигуративных композиций, но и развивающееся мастерство линейной перспективы, двери должны были оказать огромное влияние на развитие флорентийского изобразительного искусства.Они были объединяющим фактором, источником гордости и духа товарищества как для города, так и для его художников. Микеланджело назвал их Вратами Рая .

     
    Восточные двери, или Врата Рая, Лоренцо Гиберти
    Лоренцо Гиберти, История Авеля и Каина (оригинальная панель восточной двери Эдема, баптистерий Флоренции), 1425-1437 гг. Позолоченная бронза, 79,5 х 79,5 см, Museo dell’Opera del Duomo, Флоренция.

     

     

    Мазаччо, Святой Петр, исцеляющий больного своей тенью, (фрагмент) 1426-27, фреска, 230 x 162 см, Капелла Бранкаччи, Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция


    В 1426 году два художника приступили к написанию фрескового цикла Житие св.Петра в часовне семьи Бранкаччи в церкви кармелитов во Флоренции. Их обоих звали Томмазо и звали Мазаччо и Мазолино, Большой
    Том и Маленький Том.
    Больше, чем любой другой художник, Мазаччо осознавал значение творчества Джотто. Он продолжил практику рисования с натуры. Его картины демонстрируют понимание анатомии, ракурса, линейной перспективы, света и изучение драпировки. Среди его работ фигуры Адама и Евы, изгнанные из Эдема, нарисованные на стороне арки в часовне, известны своим реалистичным изображением человеческого тела и человеческих эмоций.Они контрастируют с нежными и красивыми фигурами, нарисованными Мазолино на противоположной стороне от Адама и Евы, получающих запретный плод. Роспись капеллы Бранкаччи осталась незавершенной, когда Мазаччо умер в возрасте 26 лет. Позднее работу завершил Филиппино Липпи. Работы Мазаччо должны были стать источником вдохновения для многих более поздних художников, включая Леонардо да Винчи и Микеланджело.

    Искусство в Тоскане | Часовня Бранкаччи

     
         
    Андреа дель Кастаньо, Тайная вечеря (фрагмент), 1447, фреска, Сант-Аполлония, Флоренция
    Андреа дель Кастаньо (первоначально Андреа ди Бартолоди Баргилла), один из самых влиятельных художников итальянского Возрождения 15-го века, наиболее известный своей эмоциональной силой и натуралистической трактовкой фигур в своих работах.

    Мало что известно о молодости Кастаньо, а также трудно определить этапы его художественного развития из-за утраты многих его картин. В юности он был не по годам развитым. Он выполнил фреску с изображением противников Козимо Медичи (мятежников, висящих на каблуках) в Палаццо дель Подеста во Флоренции, за что получил прозвище Андреино дельи Импиккати («Маленький Андреа из повешенных»).

    Его первыми заметными работами были Тайная вечеря и три сцены из Страстей Христовых, все для бывшего монастыря Сант-Аполлония во Флоренции, ныне известного как Cenacolo di Sant’Apollonia, а также как Музей Кастаньо.

    Эти монументальные фрески, раскрывающие влияние живописного иллюзионизма Мазаччо и собственного использования научной перспективы Кастаньо, получили широкое признание. В его запрестольной картине Успения Богородицы для Сан-Миниато фра ле Торри во Флоренции стиль Кастаньо больше напоминал международную готику.

    Искусство в Тоскане | Андреа дель Кастаньо, Тайная вечеря, 1447

     
    Тайная вечеря и три сцены из Страстей Христовых , все для бывшего монастыря Сант-Аполлония во Флоренции

     

     

    Развитие линейной перспективы

    Il Perugino, Христос вручает ключи святому Петру, Сикстинская капелла, Ватикан, Рим


    В первой половине 15-го века достижение эффекта реалистичного пространства в картине за счет использования линейной перспективы было главной заботой многих художников, а также архитекторов Брунеллески и Альберти, которые теоретизировали о тема. Известно, что Брунеллески провел ряд тщательных исследований площади и восьмиугольного баптистерия за пределами Флорентийского собора, и считается, что он помог Мазаччо в создании его знаменитой ниши trompe l’oeil вокруг Святой Троицы, которую он нарисовал в Санта-Мария-Новелла. 13]
    Согласно Вазари, Паоло Уччелло был настолько одержим перспективой, что не думал ни о чем другом и экспериментировал с ней во многих картинах, наиболее известными из которых являются три картины «Битва при Сан-Романо», в которых используется сломанное оружие на земле и поля вдали. холмы, чтобы создать впечатление перспективы.
    В 1450-х годах Пьеро делла Франческа в таких картинах, как «Бичевание Христа», продемонстрировал свое мастерство в линейной перспективе, а также в науке о свете. Существует еще одна картина, городской пейзаж, написанная неизвестным художником, возможно, Пьеро делла Франческа, которая демонстрирует эксперимент, который проводил Брунеллески. С этого времени линейная перспектива была понята и регулярно использовалась, особенно Перуджино в его «Христе, дающем ключи святому Петру в Сикстинской капелле». [12]
     
    Перуджино в своей картине «Христос, дающий ключи святому Петру в Сикстинской капелле»

     

     

    Понимание света
    Пьеро делла Франческа, Бичевание (фрагмент), ок. 1455, Масло и темпера на панели, 59 x 82 см, Национальная галерея делле Марке, Урбино
    Джотто использовал тональность для создания формы.Таддео Гадди в своей ночной сцене в капелле Барончелли продемонстрировал, как можно использовать свет для создания драмы. Паоло Уччелло сто лет спустя экспериментировал с драматическим эффектом света в некоторых из своих почти монохромных фресок. Он сделал несколько из них в terra verde или «зеленой земле», оживляя свои композиции оттенками ярко-красного. Наиболее известен его конный портрет Джона Хоквуда на стене Флорентийского собора. И здесь, и на четырех головах пророков, которые он нарисовал вокруг внутреннего циферблата в соборе, он использовал сильно контрастирующие тона, предполагая, что каждая фигура освещалась естественным источником света, как если бы источником было настоящее окно в соборе. .[14]
    Пьеро делла Франческа продолжил свои исследования света. В Бичевании он демонстрирует знание того, как свет пропорционально рассеивается от точки его происхождения. На этой картине есть два источника света: один внутри здания, а другой снаружи. Что касается внутреннего источника, хотя сам свет невидим, его положение можно рассчитать с математической точностью. Леонардо да Винчи должен был продолжить работу Пьеро о свете.[15]
     
         
     
    Пресвятая Дева Мария, почитаемая католической церковью во всем мире, особенно вспоминалась во Флоренции, где был чудотворный образ Ее на колонне на кукурузном рынке и где находились Собор «Богоматерь Цветов» и в ее честь была названа большая доминиканская церковь Санта-Мария-Новелла.

    Чудесный образ на кукурузном рынке был, к сожалению, уничтожен огнем, но заменен новым изображением в 1330-х годах Бернардо Дадди, установленным в искусно спроектированном и богато украшенном балдахине Орканьи. Открытый нижний этаж здания был огорожен и посвящен Орсанмикеле.
    Изображения Мадонны с младенцем были очень популярным видом искусства во Флоренции. Они принимали любую форму от небольших терракотовых досок массового производства до великолепных запрестольных образов, таких как работы Чимабуэ, Джотто и Мазаччо.

    В 15-м и первой половине 16-го веков одна мастерская больше, чем любая другая, доминировала над изготовлением Мадонн. Это была семья делла Роббиа, и они были не художниками, а лепщиками из глины. Лука делла Роббиа, известный своей галереей кантории в соборе, был первым скульптором, использовавшим глазурованную терракоту для больших скульптур. Многие из долговечных работ этой семьи сохранились. Мастерство делла Роббиас, особенно Андреа делла Роббиа, заключалось в том, чтобы придать большой натурализм младенцам, которых они смоделировали как Иисуса, и выражение великого благочестия и сладости Мадонне. Они должны были установить стандарт, которому должны были подражать другие художники Флоренции.

    Среди тех, кто рисовал религиозные Мадонны в эпоху Раннего Возрождения, были Фра Анджелико, Фра Филиппо Липпи, Верроккьо и Давиде Гирландайо. Обычай был продолжен Боттичелли, который создал для Медичи серию Мадонн в течение двадцати лет; Перуджино, чьи Мадонны и святые известны своей сладостью, и Леонардо да Винчи, для которого сохранилось несколько небольших приписываемых Мадонн, таких как Мадонна Бенуа.Даже Микеланджело, который был в первую очередь скульптором, был убежден написать Тондо Дони, а для Рафаэля они являются одними из его самых популярных и многочисленных работ.

     

     

    Живопись раннего Возрождения в других частях Италии

    Андреа Мантенья в Мантуе

    Фрески Мантеньи в Палаццо Дукале в Мантуе, Людовико Гонзага приветствует кардинала Франческо Гонзага,
    (фрагмент, возможно, автопортрет Мантеньи и Леона Баттиста Альберти)
    Одним из самых влиятельных художников северной Италии был Андреа Мантенья из Падуи, которому посчастливилось быть подростком в то время, когда там работал великий флорентийский скульптор Донателло. Донателло создал огромную конную бронзу, первую со времен Римской империи, кондотьеро Гаттемелата, которая до сих пор видна на постаменте на площади перед базиликой Сант-Антонио. Он также работал над главным алтарем и создал серию бронзовых панелей, в которых он добился замечательной иллюзии глубины, с перспективой в архитектурных настройках и очевидной округлостью человеческого тела в очень мелком рельефе.
    В 17 лет Мантенья принял свой первый заказ, циклы фресок Житий святых Иакова и Христофора для капеллы Эремитани, недалеко от капеллы Скровеньи в Падуе.К сожалению, здание было в основном разрушено во время Второй мировой войны, и они известны только по фотографиям, которые показывают уже высокоразвитое чувство перспективы и знание античности, которыми стал известен древний Падуанский университет в начале 15 века. .[16]
    Самая известная работа Мантеньи — внутреннее убранство Камеры дельи Спози для семьи Гонзага в Мантуе, датируемое примерно 1470 годом. Стены расписаны фресками со сценами из жизни семьи Гонзага, которые разговаривают, приветствуют младшего сына и его наставника на их возвращение из Рима, подготовка к охоте и другие подобные сцены, не имеющие явного отношения к историческим, литературным, философским или религиозным вопросам. Они замечательны тем, что просто рассказывают о семейной жизни. Единственная уступка — это рассеяние веселых крылатых херувимов, которые держат таблички и гирлянды и карабкаются по иллюзионистской перфорированной балюстраде, которая окружает иллюзорный вид неба, который украшает потолок камеры.
    Одной из самых примечательных частей декора Камеры дельи Спози является вымышленный окулус, или отверстие в небо, расположенное на низком потолке комнаты. Созданный с резкими ракурсами, окулус окружен фигурами, смотрящими вниз на комнату внизу; растение в горшке ненадежно сидит на деревянной опоре, казалось бы, готовое упасть в любой момент.Это блестящее проявление силы неизменно привлекает зрителя, который должен присоединиться к игре, стоя прямо под круглой решеткой.
     
    Западная стена — Встреча


    Потолок

     

     
    Пока Мантенья работал на Гонзага в Мантуе, совсем другой художник был нанят для разработки еще более амбициозного проекта для семьи Эсте из Феррары. Живопись Косме Тура очень самобытна, одновременно странно готическая и в то же время классицистическая. Тура представляет классические фигуры как святых, окружает их светящимися символическими мотивами сюрреалистического совершенства и облачает их в одежды, которые кажутся изготовленными из замысловато сложенной и покрытой эмалью меди.[12]
    Семья Борсо д’Эсте построила большой банкетный зал и апартаменты, известные как Палаццо Скифанойя. Борсо, согласно личным записям Туры, нанял его в 1470 году для разработки декоративной схемы банкетного зала, которую должны были выполнить Франческо дель Косса и Эрколе де Роберти.

    Схема символически сложна и сложна в исполнении. Главной темой является Цикл Года, представленный знаками зодиака, сопровождаемыми таинственными деканами, управляющими каждой декадой месяца. Над ними, восседая в эффектном ряду колесниц, запряженных львами, орлами, единорогами и другими подобными животными, двенадцать римских божеств с их различными атрибутами. В нижних ярусах, как и в Camera degli Sposi, показана жизнь семьи. Например, в марте месяце изображена фигура Минервы, богини мудрости, а на панели под Борсо д’Эсте вершится правосудие, а вдалеке рабочие обрезают виноградные лозы.Хотя участки фресок очень сильно повреждены до такой степени, что предмет больше не может быть идентифицирован, и хотя на работах видно несколько разных рук, кажется, что в дизайне каждой оставшейся сцены есть последовательность, которая показывает преобладающую эксцентричный стиль Cosmè Tura.

     

     
    Антонелло да Мессина, Ecce Homo (фрагмент), 1473, Коллегио Альберони, Пьяченца
    В 1442 году Альфонсо V Арагонский стал правителем Неаполя, принеся с собой коллекцию фламандских картин и основав Гуманистическую академию. Художник Антонелло да Мессина, кажется, имел доступ к коллекции короля, которая, возможно, включала работы Яна ван Эйка. Он, кажется, познакомился с фламандской живописью раньше, чем флорентийцы, быстро увидел потенциал масла как среды, а затем не рисовал ничем другим. Он принес эту технику на север, в Венецию, где она вскоре была принята Джованни Беллини и стала излюбленным средством морской республики, где искусство фрески никогда не имело большого успеха.

    Антонелло да Мессина рисовал в основном небольшие портреты, выполненные в светящихся красках. Но одна из его самых известных работ также демонстрирует его превосходные способности в работе с линейной перспективой и светом. Это небольшая картина «Святой Иероним в кабинете», в которой композиция обрамлена аркой в ​​стиле поздней готики, сквозь которую просматривается интерьер, с одной стороны домашний, с другой — церковный, в центре которого сидит святой. в деревянном корале, окруженном его имуществом, в то время как его лев рыщет в тени на кафельном полу. То, как свет проникает через каждую дверь и окно, отбрасывая как естественный, так и отраженный свет на архитектуру и все объекты, взволновало бы Пьеро делла Франческу. Работы Антонелло повлияли как на Джентиле Беллини, написавшего серию картин «Венецианские чудеса» для Скуола-ди-Санта-Кроче, так и на его более известного брата Джованни, одного из самых значительных художников Высокого Возрождения в Северной Италии. 16]

    Искусство в Италии | Антонелло да Мессина, Святой Иероним в своем кабинете

     
    Святой Иероним в своем кабинете Антонелло да Мессина


    Высокое Возрождение

    Меценатство и гуманизм

     

    Сандро Боттичелли, Примавера, г. 1486, Галерея Уффици, Флоренция

     

    Во Флоренции в конце 15 века большинство произведений искусства, даже те, которые были созданы для украшения церквей, обычно заказывались и оплачивались частными покровителями. Большая часть покровительства исходила от семьи Медичи или тех, кто был тесно связан с ними или был связан с ними, например, Сассетти, Руччеллаи и Торнабуони.

    В 1460-х годах Козимо Медичи Старший назначил Марсилио Фичино своим постоянным философом-гуманистом и способствовал его переводу Платона и его учению платоновской философии, которая сосредоточивалась на человечестве как центре естественной вселенной, на личном опыте каждого человека. отношения с Богом, а также на братской или «платонической» любви как на самом близком, что человек может достичь для подражания или понимания любви Бога.[20]

    В Средневековье все, что относилось к классическому периоду, воспринималось как связанное с язычеством. В эпоху Возрождения оно все больше ассоциировалось с просвещением. Фигуры классической мифологии начали приобретать новую символическую роль в христианском искусстве и, в частности, богиня Венера приобрела новое усмотрение. Рожденная полностью сформированной, каким-то чудом, она была новой Евой, символом невинной любви или даже, в более широком смысле, символом самой Девы Марии.Мы видим Венеру в обеих этих ролях на двух знаменитых картинах темперой, которые Боттичелли написал в 1480-х годах для племянника Козимо, Пьерфранческо Медичи, «Примавера» и «Рождение Венеры».[21]

    Тем временем Доменико Гирландайо, дотошный и точный рисовальщик и один из лучших портретистов своего времени, выполнил два цикла фресок для соратников Медичи в двух крупнейших церквях Флоренции: в капелле Сассетти в Санта-Трините и в капелле Торнабуони в Санта Мария Новелла.В этих циклах «Житие святого Франциска» и «Житие Девы Марии» и «Житие Иоанна Крестителя» нашлось место для портретов покровителей и покровителей покровителей. Благодаря покровительству Сассетти есть портрет самого человека с его работодателем Лоренцо иль Магнифико и трех сыновей Лоренцо с их наставником, поэтом-гуманистом и философом Аньоло Полициано. В часовне Торнабуони находится еще один портрет Полициано в сопровождении других влиятельных членов Платоновской академии, включая Марсилио Фичино.[20]

     

     
    Венера стоит в арке

    Доменико Гирландайо: Захария в храме [фрагмент]: четыре философа-гуманиста под покровительством Медичи: Марсилио Фичино, Кристофоро Ландино, Анджело Полициано и Деметриос Чалкондилес, 1486-1490, фреска в Капелле Торнабуони, Мария Новелла, Флоренция

     

    Хьюго Ван дер Гус, Поклонение пастухов , 1476-79, дерево, масло, 253 x 304 см, Галерея Уффици, Флоренция

    Примерно с 1450 года, с прибытием в Италию фламандского художника Рогира ван дер Вейдена и, возможно, раньше, художники познакомились с масляной краской. В то время как и темпера, и фреска поддавались изображению узора, ни один из них не представлял собой успешного способа реалистичного представления естественных текстур. Очень гибкая среда масел, которую можно было сделать непрозрачной или прозрачной и которую можно было изменять и добавлять в течение нескольких дней после того, как она была нанесена, открыла итальянским художникам новый мир возможностей.

    В 1475 году во Флоренцию прибыл огромный запрестольный образ Поклонения пастухов. Написанная Хуго ван дер Гусом по просьбе семьи Портинари, она была отправлена ​​из Брюгге для часовни Сант-Эджидио в больнице Санта-Мария-Нуова.Алтарь сияет интенсивными красными и зелеными цветами, контрастируя с блестящими черными бархатными мантиями жертвователей Портинари. На переднем плане натюрморт с цветами в контрастных сосудах, один из глазурованной глиняной посуды, другой из стекла. Одной стеклянной вазы было достаточно, чтобы привлечь внимание. Но самым влиятельным аспектом триптиха было чрезвычайно естественное и реалистичное изображение трех пастухов с небритыми бородами, усталыми руками и выражениями, варьирующимися от обожания до удивления и непонимания. Доменико Гирландайо сразу же нарисовал свою собственную версию, с красивой итальянской Мадонной вместо длинноликой фламандской, а он сам, театрально жестикулируя, в образе одного из пастухов.

     
    Доменико Гирландайо, Поклонение пастухов , Санта-Тринита, Флоренция
       
    Il Perugino, Христос вручает ключи Святому Петру, Cappella Sistina, Ватикан, Рим
    В 1477 году Папа Сикст IV заменил заброшенную старую часовню в Ватикане, в которой проводились многие папские службы.Интерьер новой капеллы, названной в его честь Сикстинской капеллой, по-видимому, с самого начала планировался так, чтобы между ее пилястрами на среднем уровне располагалась серия из 16 больших фресок с серией нарисованных портретов пап над ними.

    В 1479 году работа была заказана группе художников из Флоренции: Боттичелли, Перуджино, Гирландайо и Козимо Росселли. Этот цикл фресок должен был изображать жизнь Моисея на одной стороне часовни и жизнь Христа на другой, при этом фрески дополняли друг друга по теме.«Рождество Иисуса» и «Обретение Моисея» соседствовали на стене за алтарем, а между ними находился запрестольный образ «Успение Богородицы» работы Перуджино. К сожалению, четыре картины на торцевых стенах были уничтожены.

    Остальные 12 рисунков указывают на виртуозность, которой достигли эти художники, и на очевидное сотрудничество между людьми, которые обычно использовали очень разные стили и обладали очень разными навыками. Картины полностью раскрывали их возможности, поскольку включали в себя множество фигур мужчин, женщин и детей, а также персонажей, начиная от ангелов-проводников и заканчивая разгневанными фараонами и самим дьяволом.Каждая картина требовала пейзажа. Из-за масштаба фигур, о котором договорились художники, на каждой картине пейзаж и небо занимают всю верхнюю половину сцены. Иногда, как в сцене Боттичелли «Очищение прокаженного», в пейзаже происходят дополнительные небольшие повествования, в данном случае «Искушение Христа».

    Из картин выделяется одна. Это сцена Перуджино, где Христос дает ключи святому Петру. Эта картина замечательна ясностью и простотой своей композиции, красотой фигуративной живописи, включающей автопортрет среди зевак, и особенно перспективным городским пейзажем, включающим отсылку к служению Петра в Риме наличием двух триумфальных арок, и в центре разместилось восьмиугольное здание, которое могло быть христианским баптистерием или римским мавзолеем.[22]

     
    Доменико Гирландайо, Призыв Апостолов (фрагмент), 1481, фреска в Сикстинской капелле, Рим

    Il Perugino, Христос вручает ключи святому Петру (фрагмент) , Сикстинская капелла, Рим, Ватикан,

       
     

    Леонардо из-за широты его интересов и необычайной степени таланта, который он продемонстрировал во многих различных областях, считается архетипическим «человеком эпохи Возрождения». Но прежде всего как художник он вызывал восхищение в свое время, и как художник он черпал знания, полученные им из всех других его интересов.

    Леонардо был научным наблюдателем. Он учился, глядя на вещи. Он изучал и рисовал цветы полей, водовороты рек, форму скал и гор, то, как свет отражается от листвы и искрится в драгоценном камне. В частности, он изучал человеческую форму, препарируя тридцать или более невостребованных трупов из больницы, чтобы понять мышцы и сухожилия.

    Больше, чем любой другой художник, он продвинулся в изучении «атмосферы». В своих картинах, таких как «Мона Лиза» и «Мадонна в скалах», он использовал свет и тень с такой тонкостью, что за неимением лучшего слова это стало известно как «сфумато» Леонардо или «дым».

    Одновременно приглашая зрителя в таинственный мир движущихся теней, хаотических гор и бурлящих потоков, Леонардо достиг определенной степени реализма в выражении человеческих эмоций, прообразом которой был Джотто, но неизвестный со времен «Адама и Евы» Мазаччо. «Тайная вечеря» Леонардо, написанная в трапезной монастыря в Милане, стала эталоном религиозной повествовательной живописи на следующие полтысячелетия. Многие другие художники эпохи Возрождения рисовали версии Тайной вечери, но только Леонардо было суждено быть воспроизведенным бесчисленное количество раз в дереве, алебастре, гипсе, литографии, гобелене, вязании крючком и на коврах.

    Помимо непосредственного воздействия самих работ, исследования Леонардо света, анатомии, ландшафта и человеческого выражения были частично распространены благодаря его щедрости среди студентов[7].

     
       
     

    В 1508 году Папе Юлию II удалось добиться согласия скульптора Микеланджело на продолжение декоративной схемы Сикстинской капеллы. Потолок Сикстинской капеллы был построен таким образом, что двенадцать наклонных подвесок поддерживали свод, образуя идеальные поверхности для изображения Двенадцати апостолов.Микеланджело, без особого изящества уступивший требованиям Папы, вскоре разработал совершенно другую схему, гораздо более сложную как по замыслу, так и по иконографии. Масштабы работы, которую он выполнил в одиночку, за исключением ручной помощи, были колоссальными и заняли почти пять лет.

    План папы для апостолов тематически должен был образовать живописную связь между ветхозаветными и новозаветными повествованиями на стенах и папами в галерее портретов.[22] Именно двенадцать апостолов и их лидер Петр как первый епископ Рима создают этот мост. Но схема Микеланджело пошла в обратном направлении. Тема потолка Микеланджело — это не великий Божий план спасения человечества. Тема о позоре человечества. Речь идет о том, почему человечество нуждалось и, с точки зрения веры, нуждается в Иисусе.[23]

    Внешне потолок представляет собой гуманистическую конструкцию. Фигуры сверхчеловеческих размеров и, в случае с Адамом, такой красоты, что, по словам биографа Вазари, действительно выглядит так, как будто фигуру создал сам Бог, а не Микеланджело.Но, несмотря на красоту отдельных фигур, Микеланджело не прославил человеческое состояние и уж точно не представил гуманистического идеала платонической любви. На самом деле предки Христа, которых он нарисовал вокруг верхней части стены, демонстрируют все худшие аспекты семейных отношений, демонстрируя неблагополучие в стольких различных формах, сколько существует семей.[23]

    Вазари восхвалял кажущуюся безграничной изобретательность Микеланджело в создании поз для фигур.Рафаэль, которому Браманте дал предварительный просмотр после того, как Микеланджело опустил кисть и в гневе умчался в Болонью, написал по крайней мере две фигуры в подражание пророкам Микеланджело, одну в церкви Сант-Агостино и другую в Ватикане. его портрет самого Микеланджело в Афинской школе.

     
       
     
    Вместе с Леонардо да Винчи и Микеланджело имя Рафаэля стало синонимом Высокого Возрождения. Однако он был моложе Микеланджело на 18 лет, а Леонардо почти на 30. Нельзя сказать о нем, что он сильно продвинул вперед состояние живописи, как это сделали два его знаменитых современника. Скорее, его творчество стало кульминацией всех достижений Высокого Возрождения.
    Рафаэлю посчастливилось родиться в семье художника, поэтому его карьерный путь, в отличие от Микеланджело, сына мелкого дворянина, решился без ссоры. Через несколько лет после смерти отца он работал в умбрийской мастерской Перуджино, превосходный художник и превосходный техник.Его первая подписанная и датированная картина, написанная в возрасте 21 года, — это «Обручение Богородицы», которое сразу же раскрывает свое происхождение в картине Перуджино «Христос, дающий ключи Петру».
    Рафаэль был беззаботным персонажем, который беззастенчиво использовал навыки известных художников, чья жизнь совпадала с его жизнью. В его работах сведены воедино индивидуальные качества множества разных художников. Округлые формы и светящиеся цвета Перуджино, реалистичная портретная живопись Гирландайо, реализм и освещение Леонардо и мощное рисование Микеланджело объединились в картинах Рафаэля. За свою короткую жизнь он выполнил ряд больших алтарей, впечатляющую классическую фреску с изображением морской нимфы, Галатеи, выдающиеся портреты с двумя папами и известным писателем среди них, а пока Микеланджело расписывал потолок Сикстинской капеллы, серию настенных росписей. фрески в палатах Ватикана поблизости, из которых Афинская школа имеет уникальное значение.
    На этой фреске изображено собрание всех самых образованных афинян древности, собравшихся в великолепной классической обстановке вокруг центральной фигуры Платона, образцом для которого стал знаменитый Рафаэль Леонардо да Винчи.Задумчивая фигура Гераклита, сидящего у большого каменного блока, является портретом Микеланджело и является отсылкой к картине последнего с изображением пророка Иеремии в Сикстинской капелле. Его собственный портрет находится справа, рядом с его учителем Перуджино.
    Но главным источником популярности Рафаэля были не его крупные работы, а небольшие флорентийские картины Мадонны с Младенцем Христом. Снова и снова он рисовал одну и ту же пухлую светловолосую женщину со спокойным лицом и череду ее пухлых младенцев, самым известным из которых, вероятно, была La Belle Jardinière («Мадонна в прекрасном саду»), которая сейчас находится в Лувре.Его большая работа, Сикстинская Мадонна, использованная в качестве дизайна для бесчисленных витражей, в 21 веке стала культовым изображением двух маленьких херувимов, которые были воспроизведены на всем, от бумажных салфеток до зонтиков. ][28]
     
         


    Живопись Высокого Возрождения в Венеции

    Джованни Беллини

     
    Джованни Беллини был точным современником своего брата Джентиле, своего зятя Мантенья и Антонелло да Мессина. Работая большую часть своей жизни в студии своего брата и находясь под сильным влиянием четкого стиля Мантеньи, он, похоже, не создавал самостоятельно подписанных картин, пока ему не исполнилось 50 лет. В течение последних 30 лет своей жизни он был чрезвычайно продуктивным и влиятельным, имея руководство как Джорджоне, так и Тициана. Беллини, как и его гораздо более молодой современник Рафаэль, создал множество маленьких Мадонн насыщенного сияющего цвета, обычно более интенсивного тона, чем его флорентийский коллега.Эти Мадонны множились по мере того, как они были воспроизведены другими членами большой студии Беллини, одна крошечная картина «Обрезание Христа» существовала в четырех или пяти почти идентичных версиях.

    Традиционно в росписи запрестольных образов Мадонны с Младенцем фигура Богородицы на троне сопровождается святыми, которые стоят в определенных пространствах, разделенных физически в виде политиха или определенных

    нарисованными архитектурными границами. Пьеро делла Франческа использовал классическую нишу в качестве декорации для своих Мадонн на троне, как Мазаччо использовал ее в качестве декорации для своей Святой Троицы в Санта-Мария-Новелла. Пьеро сгруппировал святых вокруг престола, в архитектурном пространстве.

    Беллини использовал ту же форму, известную как «Священные беседы», в нескольких своих более поздних запрестольных изображениях, например, для венецианской церкви Сан-Заккария. Это мастерская композиция, которая расширяет реальную архитектуру здания до иллюзорной архитектуры картины, превращая нишу в своего рода лоджию, открытую для пейзажа и дневного света, который струится через фигуры Богородицы и Младенца, двух женских святые и маленький ангел, играющий на альте, что делает их ярче, чем два пожилых святых мужского пола, которые стоят на переднем плане на картине, Петр, глубоко задумавшийся, и Иероним, погруженный в книгу.[29]

       
         
     
    Хотя стиль живописи Джорджоне явно связан со стилем его предполагаемого мастера, Джованни Беллини, его сюжет делает его одним из самых оригинальных и сложных художников эпохи Возрождения. Одна из его картин, изображающая пейзаж, известный как «Буря», с полуобнаженной женщиной, кормящей ребенка, одетым мужчиной, несколькими классическими колоннами и вспышкой молнии, возможно, изображает Адама и Еву в их дни после Эдема или, возможно, это не так.Другая картина под названием «Философы» может изображать волхвов, планирующих свое путешествие в поисках младенца Христа, но это тоже не точно. Одно представляется несомненным: Джорджоне нарисовал обнаженную женщину, самую первую обнаженную женщину, которая стоит или, скорее, лежит как предмет, который можно изображать и восхищаться только из-за красоты.
    В этой картине нет необходимости в классических отсылках, хотя в более поздних обнаженных телах Тициан, Веласкес, Веронезе, Рембрандт, Рубенс и даже Мане сочли нужным добавить некоторые.Они художественные наследники обнаженной натуры Джорджоне.

    После своей преждевременной смерти Тициан завершил картину и продолжил рисовать гораздо больше обнаженных женщин, чаще всего, как это делал Боттичелли, замаскировав их под богинь и окружив лесными лесами и звездным небом, чтобы сделать идеальное украшение для стен богатых клиентура. Но Тициан преуспел как художник-портретист, его долголетие позволило ему достичь гораздо большего как в способе создания, так и в стилистическом развитии, чем Джорджоне или его флорентийский современник Рафаэль.Тициан подарил миру образы Пьетро Аретино, Папы Павла III и многих других людей своего времени, возможно, самым ярким его портретом был портрет дожа Андреа Гритти, правителя Венеции, который вырисовывается в пространстве картины, одна огромная рука тяжело сжимает его. -застегнутый халат в динамичном экспрессионистском жесте. Тициан также известен своей религиозной живописью, его последней работой была бурная и абстрактная Пьета.

     
         


    Влияние живописи итальянского Возрождения

    Микеланджело и Тициан жили во второй половине 16 века. Оба видели, как их стили и стили Леонардо, Мантенья, Джованни Беллини, Антонелло да Мессина и Рафаэля адаптировались более поздними художниками, чтобы сформировать разрозненный стиль, известный как маньеризм, и неуклонно двигаться к великому излиянию воображения и живописной виртуозности периода барокко.

    Художник, который больше всего расширил тенденции в больших фигуративных композициях Тициана, — это Тинторетто, хотя его личная манера была такова, что он продержался всего девять дней в качестве ученика Тициана. Знание Рембрандтом произведений Тициана и Рафаэля проявляется в его портретах.Прямое влияние Леонардо и Рафаэля на их собственных учеников должно было повлиять на поколения художников, включая Пуссена, и школы художников-классиков 18 и 19 веков. Работы Антонелло да Мессины оказали прямое влияние на Альбрехта Дюрера и Мартина Шонгауэра, а благодаря гравюрам последнего на бесчисленное количество художников, включая немецкую, голландскую и английскую школы витражистов, существовавшие до начала 20 века.

    Потолок Сикстинской капеллы Микеланджело, а затем и «Страшный суд» оказали непосредственное влияние на фигуративные композиции сначала Рафаэля и его учеников, а затем почти всех последующих художников XVI века, искавших новые и интересные способы изображения человеческого облика.Его стиль фигуративной композиции можно проследить через Андреа дель Сарто, Понтормо, Бронзино, Пармиджанино, Веронезе, до Эль Греко, Карраччи, Караваджо, Рубенса, Пуссена и Тьеполо, до художников-классиков и романтиков 19 века, таких как Жак Луи Давид и Делакруа.

    Под влиянием живописи итальянского Возрождения были основаны многие современные академии искусств, такие как Королевская академия, и именно для сбора произведений итальянского Возрождения были созданы некоторые из самых известных в мире коллекций произведений искусства, таких как Национальная галерея в Лондоне.

         
     
       
         
     
       
         
     
       
       
       

     

     
       
       
          , Джон Уайт, 10004 ) Темза и Гудзон, ISBN 05000

    [0] Victoria Charles, Renaissance Art , Parkstone Press International, Нью-Йорк, США

    [1] например. Антонелло да Мессина, который путешествовал из Сицилии в Венецию через Неаполь.
    [2] abcdefghij Фредерик Хартт, История искусства итальянского Возрождения, (1970)
    [3] ab Майкл Баксандалл, Живопись и опыт Италии пятнадцатого века, (1974)
    [4] Маргарет Астон, Пятнадцатый век, проспект Европы, (1979)
    [5] Кит Кристиансен, Итальянская живопись, (1992)
    [6] Джон Уайт, Дуччо, (1979)
    [7] Джорджио Вазари, Жизни художников, (1568)
    [8] Все три воспроизведены и сопоставлены с итальянской живописью эпохи Возрождения, развитие темы
    [9] Сарел Эймерл, Мир Джотто, (1967)
    [10] Mgr.Джованни Фоффани, Фрески Джусто де Менабуои, (1988)
    [11] Хелен Гарднер, Искусство сквозь века, (1970)
    [12] Р.Э. Вольф и Р. Миллен, Ренессанс и искусство маньеризма, (1968)
    [13] Орнелла Казацца, Мазаччо и капелла Бранкаччи, (1990)
    [14] Аннарита Паольери, Паоло Уччелло, Доменико Венециано, Андреа дель Кастаньо, (1991)
    [15] Питер Мюррей и Пьер Луиджи Векки, Пьеро делла Франческа, (1967)
    [16] Дайана Дэвис, Иллюстрированный словарь искусства и художников Харрапа, (1990)
    [17] Schifanoia означает «отвращение к неприятностям» или « Sans Souci», и действительно, в нем отсутствует что-то столь обыденное, как кухня, так что всю еду приходилось возить с собой.
    [18] Раньери Варезе, Il Palazzo di Schifanoia, (1980)
    [19] Илан Рахум, Ренессанс, иллюстрированная энциклопедия, (1979)
    [20] Хью Росс Уильямсон, Лоренцо Великолепный, (1974)
    [21] ] Умберто Бальдини, Примавера, (1984)
    [22] Массимо Джакометти, Сикстинская капелла, (1986)
    [23] Т.Л.Тейлор, Видение Микеланджело, Сиднейский университет, (1982)
    [24] Габриэль Барц и Эберхард Кениг , Микеланджело, (1998)
    [25] Людвиг Гольдшидер, Микеланджело, (1962)
    [26] Некоторые источники идентифицируют эту фигуру как Содому, но это пожилой седовласый мужчина, в то время как Содоме было около 30 лет.Более того, он сильно напоминает несколько автопортретов Перуджино, которому в то время было около 60 лет.
    [27] Дэвид Томпсон, Рафаэль, жизнь и наследие, (1983)
    [28] Жан-Пьер Кузен, Рафаэль, его жизнь и творчество, (1985)
    [29] Мариолина Оливари, Джованни Беллини, (1990)
    [30] Сесил Гулд, Тициан, (1969)

       
    Библиография. ISBN 0500231362

    р.Э. Вольф и Р. Миллен, Искусство эпохи Возрождения и маньеризма, (1968) Абрамс, ISBN неизвестен

    Кейт Кристиансен, Итальянская живопись, (1992) Хью Лаутер Левин / Макмиллан, ISBN 0883639718

    Хелен Гарднер, Искусство сквозь века, ( 1970) Harcourt, Brace and World, ISBN 155037628

    Майкл Баксандалл, Живопись и опыт Италии пятнадцатого века, (1974) Oxford University Press, ISBN 0198813295

    Маргарет Астон, Пятнадцатый век, проспект Европы, (1979) Темза и HUDSON, ISBN 0500330093

    ILAN Rachum, Renaissance, иллюстрированные энциклопедии, (1979) осьминог, ISBN 0706408578

    Диана Дэвис, иллюстрированный словарь Harrap из искусства и художников, (1990) книги Harrap, ISBN 0245546928

    Luciano Berti, Флоренция: город и его искусство, (1971) Скала, ISBN неизвестен

    Лучано Берти, Уфицци, (1971) Скала, Флоренция.ISBN неизвестен

    Майкл Уилсон, Национальная галерея, Лондон, (1977) Scala, ISBN 0850972574

    Хью Росс Уильямсон, Лоренцо Великолепный, (1974) Майкл Джозеф, ISBN 0718112040

    Художники

    Сесилия Джаннелла, Дуччо ди Буонинсенья, (1991) Скала/Риверсайд, ISBN 1878351184

    Сарел Эймерл, Мир Джотто, (1967) Time/Life, ISBN 050090r. Джованни Фоффани, Фрески Джусто де Менабуои, (1988) Г.Deganello, ISBN Unkned

    Ornella Casazza, Masaccio и Chapel Chapel, (1990) Scala / Riverside, ISBN 1878351117

    Annarita Paolieri, Paolo Uccello, Доменико Венезиано, Андреа-дель-Кастаньо, (1991) Scala / Riverside, ISBN 1878351206

    Alessandro Angelini, Piero Della Francesca, (1985) Scala / Riversife, ISBN 1878351044

    Peter Murray и Пирс Луиджи Векки, Петр Дэлла Франческа, (1967) Пингвин, ISBN 0140086471

    Умберто Балдини, Примавера, (1984) Abrams, ISBN 0810923149

    Раньери Варезе, Il Palazzo di Schifanoia, (1980) Образец/Scala, ISBN неизвестен

    Анджела Оттино делла Кьеза, Леонардо да Винчи, (1967) Penguin, ISBN 0140086498

    Джек Вассерман, Leonardo17 da Vinci, (Leonardo17 da Vinci) , ISBN 0810

    1

    Массимо Джакометти, Сикстинская капелла, (1986) Harmony Books, ISBN 051756274X

    Людвиг Гольдшидер, Микеланджело, (1962) Файдон, ISBN неизвестен

    Габриэль Барц и Эберхард Кениг, Микеланджело, (1998) Кенеманн, ISBN 382

    3X

    Дэвид Томпсон, Рафаэль, жизнь и наследие, (1983) BBC, ISBN 0563201495

    Жан-Пьер Кузен, Рафаэль, его жизнь и творчество, (1985) Chartwell, ISBN 08417

    Мариолина Оливари, Джованни Беллини, (1990) Скала.

    Сесил Гулд, Тициан, (1969) Хэмлин.


    Альберти, Леон Баттиста. О покраске . тр. Джон Р. Спенсер. Нью-Хейвен: издательство Йельского университета, 1956.

    Бендер, Майкл. В ожидании Филиппо, всплывающая книга . Сан-Франциско: Chronicle Books, 1995.

    Беннетт, Бонни А. и Дэвид Г. Уилкинс. Донателло. Oxford: Phaidon, 1984.

    Бертела, Джованна Гаэта. Донателло. Флоренция: Скала, 1991.

    Боас, Т.С.Р. Джорджо Вазари: Человек и книга . Вашингтон: Национальная художественная галерея, 1979.

    Борси, Франко. Леон Баттиста Альберти: Полное собрание сочинений . Нью-Йорк: Electa/Rizzoli, 1989.

    Казацца, Орнелла. Мазаччо и капелла Бранкаччи.  Сиена: Скала, 1990.

    Шастель, Андре. Расцвет итальянского Возрождения , тр. Джонатан Гриффин. Искусство Человечества. Нью-Йорк: Одиссея, 1965.

    Джестаз, Бертран. Архитектура эпохи Возрождения от Брунеллески до Палладио. Нью-Йорк: Абрамс, 1996.

    Эта статья включает материалы из статьи Википедии «Итальянская живопись эпохи Возрождения», опубликованной под лицензией GNU Free Documentation License.

         

    Дом художника и писателя | Дома для отдыха в Тоскане | Подере Санта-Пиа

         
    Винные регионы

    Подере Санта-Пиа

    Podere Santa Pia, вид из сада на долину ниже
             

    Вилла Ла Пьетра, недалеко от Флоренции

    Санта-Кроче, Флоренция

    Сиена, Дуомо

             


    Палаццо Медичи-Риккарди, Флоренция

    Piazza della Santissima Annunziata
    во Флоренции

    Флоренция, Дуомо

             
     
     

    Искусство и архитектура раннего Возрождения

    Купол собора Санта-Мария-дель-Фьоре (Флорентийский собор) (1420–1436 гг.

    )

    Художник: Филиппо Брунеллески

    На этой фотографии изображен знаменитый восьмиугольный купол Брунеллески, венчающий Флорентийский собор.Его красный камень, символ любви флорентийцев к каменной кладке и красному цвету Медичи, доминирует над горизонтом с одним из самых узнаваемых и знаковых видов в мире. Состоящий из более чем четырех миллионов кирпичей, он остается самым большим каменным куполом в мире.

    Архитектурный гений Брунеллески можно увидеть в ощущении плавучести конструкции с ее белыми ребрами, подчеркивающими вертикальный подъем и крутую кривизну, сужающуюся кверху. Брунеллески также спроектировал белый фонарь на его конце, хотя его друг, архитектор Микелоцци, завершил его в 1461 году, через пятнадцать лет после смерти Брунеллески.Купол стал визуальным символом «Новых Афин», как назвала себя Флоренция, поскольку он вызывал чувство классической сдержанности и пропорции, повторяя восьмиугольную форму собора внизу и устремляя его к небу.

    Купол был революционным шедевром, так как архитектор отказался как от внутренних лесов, так и от внешних опор (таких как контрфорсы), которые ранее считались необходимыми. Вместо этого он создал купол внутри купола, таким образом изобретя новую систему поддержки, в которой кирпичи лежали в перевернутой арке елочкой, направляя вес наружу, а не вниз.Он также изготовил технологию, необходимую для реализации своего проекта, в том числе первую механическую лебедку, а затем и castello , или горизонтальный кран. Другие структурные нововведения включали использование контактной арки, типа остроконечной арки, для поддержки и внутренних цепей из дерева, камня и железа, сформированных в виде восьмиугольников, которые работали как бочкообразные обручи, удерживая купол вместе.

    Эта работа основана на тщательном изучении Брунеллески Пантеона (113-125) и других древнеримских зданий.Однако, в своей обычной манере, архитектор держал свои открытия при себе, работая без заметок и планов. Как он позже сказал, когда он подал заявку и получил первый современный патент на водное транспортное средство, «мы не должны показывать всем и каждому секреты вод, текущих в океане и реке, или устройства, которые работают на эти воды. Пусть будет созван совет экспертов и мастеров механического искусства, чтобы обсудить, что необходимо для составления и создания этих работ ». Из-за его загадочной рабочей моды многие критики поначалу считали его дизайн невозможным.Он должен был доказать, что они ошибались. Как писал историк Пауло Галлужи о соборе: «Это одно из самых красивых, технически дерзких зданий, когда-либо построенных. В нем удивительно элегантно сочетаются технологии и эстетика. Он идеально символизирует союз науки и искусства».

    Все архитекторы следующего поколения находились под влиянием работ Брунеллески, а Леонардо да Винчи был очарован как его архитектурой, так и изобретенными им технологиями.

    Учебные ресурсы итальянского Возрождения — Национальная художественная галерея

    Тринадцатилетний период обучения Ченнини художника был значительно дольше, чем обычно.В уставах разных городских гильдий (см. Гильдии) часто указывалось меньшее количество лет. В Венеции ученик мог перейти в статус подмастерья всего через два года; в Падуе минимальный срок обучения составлял три года, в течение которых мастерам запрещалось пытаться переманивать чужих учеников.

    Какова бы ни была продолжительность обучения, любой зрелый художник овладел бы навыками и материалами, перечисленными Ченнини. Художник мог специализироваться как живописец или скульптор, но он часто работал и тем, и другим, и его часто приглашали создавать работы и в других средствах массовой информации, включая такие однодневные работы, как парадные щиты, знамена и проекты временных портиков, построенных для церемониальных входов. важных гостей города.Тициан даже разработал стеклянную посуду.

    Рисунки для маленьких изделий из бронзы

    Filipino Lippi
    Рисунки для малых изделий из бронзы , 1490/95
    Перо и коричневые чернила на верже, 16,6 x 25 см (6 9/16 x 9 13/16 дюймов)
    Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия, Коллекции Вуднера
    Изображение предоставлено Попечительским советом Национальной художественной галереи

    Это могут быть эскизы мелких декоративных предметов или, как предполагалось, эскизы триумфальной колесницы.Филиппинец создал колесницу для въезда французского короля Карла VIII во Флоренцию в 1495 году.

     

    Обучение обычно начиналось в раннем возрасте. Некоторых мальчиков отдали к мастеру еще до того, как им исполнилось десять лет. Андреа дель Сарто , сыну портного, было всего семь лет, когда он поступил в ученики к ювелиру (его склонность к рисованию вскоре побудила его перейти в малярную мастерскую), но большинство мальчиков были на три или четыре года старше, когда они началось. Хотя некоторая учебная подготовка продолжалась, когда мальчики поступали в магазин — а большинство художников были грамотными — юный возраст, в котором они поступали в ученики, означал, что их формальное образование было ограниченным.Микеланджело был необычен тем, что продолжал ходить в школу до тринадцати лет, только тогда поступив в магазин Доменико Гирландайо .

    Мальчики, обучавшиеся в мастерской под названием garzoni , обычно становились частью расширенного домашнего хозяйства своих хозяев, предоставляя жилье и делясь едой с семьей. Родители часто платили мастеру за содержание своих сыновей, но мастера, в свою очередь, были обязаны платить заработную плату своим ученикам, увеличивая заработную плату по мере роста навыков.

    Ученики начали с черных работ, таких как подготовка панелей и растирание пигментов. Затем они научились рисовать, сначала копируя рисунки своих мастеров или других художников. Сборники рисунков служили не только учебными пособиями для студентов, но и ссылками на мотивы, которые можно было использовать в новых работах (см. Рисунок, Вазари и Disegno ). Эти коллекции были одним из самых ценных предметов мастерской, и многие художники специально оговаривали в своих завещаниях передачу их наследникам.Молодые художники также учились копировать знаменитые произведения, которые можно было увидеть в их городах — Микеланджело, например, копировал картины Джотто во флорентийской церкви Санта-Кроче, — и их поощряли путешествовать, если они могли, особенно в Рим, чтобы продолжить свое творчество. визуальное образование. Когда мастера получали важные поручения в отдаленных городах, помощники, сопровождавшие их, приобретали практический опыт и знакомились с новыми влияниями.

    Следующим шагом начинающего художника было рисование со статуэток или слепков.Для этой цели особенно ценилась античная скульптура (см. «Восстановление Золотого века»), и ее изучение студентами способствовало развитию большего натурализма в ренессансных изображениях человеческого тела. Практика преобразования статического трехмерного объекта в двухмерное изображение была жизненно важным шагом перед тем, как ученик перешел к рисованию с живой модели. Во многих случаях моделью была одна из garzoni магазина, призванная принимать различные позы.

    Гарзон

    Школа Филиппино Липпи
    Молодой человек (Юноша, сидящий на табурете) , c.1500
    Silverpoint, усиленный белым на бумаге с подготовкой цвета охры, 22,2 x 16,8 см (8 3/4 x 6 5/8 дюйма)
    Музей изящных искусств, Бостон, Фонд Харриет Отис Крафт

    Этот garzone моделирует драматический жест. Продавцы позировали как мужским, так и женским фигурам; использование женщин-моделей было крайне редким и, вероятно, ограничивалось собственной женой или дочерьми мастера. Вазари, который учился в мастерской Андреа дель Сарто и не любил жену Андреа, Лукрецию, заметил, что каждая женщина, нарисованная Андреа, похожа на Лукрецию.Однако в данном случае Вазари приписывал сходство преданности Андреа, а не просто студийной практике.

     

     

     

    Мадонна Альба

    Рафаэль
    Мадонна Альба , ок. 1510
    Масляная панель, перенесенная на холст, диаметр 94,5 см (37 3/16 дюйма)
    Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия, коллекция Эндрю Меллона
    Изображение предоставлено Советом попечителей, Национальная художественная галерея

    Рафаэль
    Мадонна с Младенцем и Иоанном Крестителем и несколько набросков , этюд для Мадонны Альба , 1511
    Красный мел, перо и тушь на белой бумаге, 42.2 x 27,3 см (16 5/8 x 10 3/4 дюйма)
    Musée des Beaux-Arts, Лилль
    Réunion des Musées Nationaux/Art Resource, NY

    Рафаэль
    Сидящий мужчина с босыми ногами, одетый в рубашку , этюд Мадонна Альба , 1511
    Красный мел на белой бумаге, 38,5 x 25,0 см (15 1/8 x 9 5/6 дюйма)
    Musée des Beaux-Arts, Lille
    Réunion des Musées Nationaux/Art Resource, NY

    Два эскиза на лицевой и оборотной сторонах одного листа показывают, как Рафаэль спланировал и усовершенствовал фигурную композицию Мадонны Альба.Чтобы запечатлеть сложную и укороченную позу Богородицы, он (или, по мнению некоторых, его ученик Джулио Романо) нарисовал помощника мастерской в ​​позе классической Мадонны.

     

    После того, как ученик закончил рисовать, он обычно тратил время на выполнение менее важных частей композиции, таких как фрагменты пейзажного фона. Продукт ренессансной лавки был почти во всех случаях совместным усилием — существенный вклад многих людей был абсолютно необходим для завершения монументальной работы, такой как двусторонний алтарь Дуччо , известный как Maestà , например, или чтобы не отставать в оживленном магазине, таком как Neri di Bicci .Записи, которые Нери оставил о своей мастерской, показывают, что он производил в среднем более трех запрестольных образов каждый год. За двадцать два года, охваченных его отчетом, один ученый насчитал семьдесят три алтаря, восемьдесят одну домашнюю скинию и шестьдесят девять различных работ. 5

    Дуччио
    Маэста

    Дуччо
    Предполагаемая реконструкция Maestà (Мадонна на троне). (спереди), 1311
    Museo dell’Opera del Duomo, Siena
    Цифровая реконструкция Лью Минтера

    Дуччо
    Предполагаемая реконструкция Maestà (Мадонна на троне).(сзади), 1311
    Museo dell’Opera del Duomo, Siena
    Цифровая реконструкция Лью Минтера

    Комиссия для Дуччо Maestà указала, что она была написана его собственной рукой, и Дуччо подписал ее, но большинство ученых согласны с тем, что многие задние панели были выполнены, по крайней мере частично, помощниками.

     

    Мастер мог рисовать только центральные фигуры или просто лица в произведении, а мог вообще ничего не рисовать. Студенты были обучены работать в стиле мастера и преуспели в такой степени, что сегодняшним искусствоведам иногда трудно отличить руку мастера от руки его самых талантливых учеников.Атрибуция некоторых картин из мастерской Верроккьо, например, передавалась туда и обратно между мастером и различными помощниками. Та же путаница относится к работам Перуджино (одного из учеников Верроккьо) и его молодого помощника Рафаэля, а также к работам учеников Джованни Беллини Джорджоне и Тициана. Хотя в контрактах иногда указывалось, что мастер сам выполняет определенные части композиции, правила гильдии позволяли ему подписывать любую работу, появившуюся в его мастерской, как свою собственную.« Подлинность » в современном понимании не обсуждалась. Подпись мастера была признаком того, что работа соответствует его стандартам качества, независимо от того, кто ее на самом деле нарисовал.

    Мадонна с младенцем и гранатом

    Лоренцо ди Креди
    Мадонна с младенцем и гранатом , 1475/80
    Масло, панель, 16,5 x 13,4 см (6 1/2 x 5 1/4 дюйма)
    Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия, Сэмюэл Коллекция Х. Кресса
    Изображение предоставлено Попечительским советом Национальной художественной галереи

    Андреа дель Верроккьо был главным образом скульптором по бронзе и мрамору, но также работал ювелиром и художником.Он управлял одной из самых успешных студий итальянского Возрождения, и некоторые из самых важных художников следующего поколения обучались у него, в том числе Перуджино , Лоренцо ди Креди и Леонардо да Винчи . Среди других помощников по рисованию были Гирландайо и Боттичелли .

    Эта небольшая панель высотой чуть более шести дюймов продолжает вызывать споры. Он воспроизводит стиль Верроккьо, но писал ли он его? Или Леонардо? Или это Лоренцо ди Креди, который был фаворитом Верроккьо и завладел магазином после смерти мастера? Текущее мышление отдает должное Credi.Первая работа Креди, о которой упоминает Вазари, — это Мадонна, рисунок которой взят у Верроккьо; Далее Вазари отмечает «гораздо лучшую картину», возможно, эту, созданную Креди на основе композиции Леонардо. Это изображение также иногда приписывалось Леонардо, но собственные цвета Леонардо, как правило, были более приглушенными, чем те, которые использовались здесь; кроме того, маловероятно, что Леонардо нарисовал бы ребенка в этой неловкой и несколько загадочной позе.

    После периода обучения в магазине ученик может получить статус подмастерья.После представления и принятия произведения, продемонстрировавшего его мастерство, — шедевра — художник мог открыть магазин и набрать собственных учеников. Некоторые художники так и не стали независимыми мастерами, но продолжали работать, иногда в качестве временной помощи для крупных заказов, в чужих магазинах. Несколько художников, в том числе Андреа дель Сарто и Franciabigio , создали совместные мастерские. Для них это имело деловой смысл, и, как заметил Вазари, они находили компанию друг друга приятной.

    картин итальянского Возрождения в Лувре, Париж

    Booking.com
    Свадьба в Кане Веронезе, Лувр

    Картины итальянского Возрождения являются величайшим сокровищем Лувра в Париже. Они полностью занимают огромную и красивую галерею Galerie au bord de l’eau и прилегающие к ней помещения. «Мона Лиза» Леонардо да Винчи и захватывающая «Свадьба в Кане» Веронезе — два самых известных итальянских сокровища музея. Подробная информация о Лувре.

    Лувр Картины итальянского Возрождения

    Коллекция итальянской живописи эпохи Возрождения в Лувре — одна из его слав. Многие известные картины были приобретены на протяжении веков в результате страсти королей и королев Франции к итальянскому искусству эпохи Возрождения.

    Приобретения и завещания с годами пополнили и без того коллекцию мирового класса множеством шедевров.

    Леонардо да Винчи с Моной Лизой, Рафаэль, Тициан и Веронезе со свадьбой в Кане выше являются одними из наиболее представленных итальянских художников в Лувре.Найдите отдел итальянской живописи на карте Лувра в формате PDF. Лувр большой. Мы рекомендуем экскурсию с гидом.

    Знаменитые французские картины в Лувре
    Лувр Фламандские картины | Лувр Голландские картины

    музея Парижа.


    Богородица с младенцем — Перужен — Лувр
    Сандро Боттичелли — Венера и грации — Лувр

    Сандро Боттичелли (1445-1510), итальянский художник эпохи Возрождения, был одним из самых известных художников Италии.Он принимал участие в оформлении Сикстинской капеллы в Риме и заслужил покровительство ведущих семей Флоренции. Фреска «Венера и грации» находится на вилле Лемми недалеко от Флоренции, принадлежавшей семье Торнабуони, союзникам Медичи. Работа могла быть заказана Боттичелли в ознаменование свадьбы члена этой флорентийской династии. В сопровождении трех граций показано, как Венера кладет подарок в тканевый контейнер, протянутый ей будущей невестой.

    Увидеть итальянскую живопись в Лувре

    Лувр открыт с 9:00 до 18:00 все дни, кроме вторника, 1 января, 1 мая, 11 ноября и 25 декабря.Он открыт до 21:45 по средам и пятницам. Залы начинают закрываться за 30 минут до закрытия музея.
    Полный день Лувр Входная плата : 15 евро. С октября по март: доступ бесплатный для всех посетителей в первое воскресенье каждого месяца. Купить билеты в музей (17 евро онлайн).

    Информация о Лувре


    Пирамида Лувра Booking.com

    Апартаменты и отели возле Лувра на карте


    Битва при Сан-Романо — Паоло Учелло — Лувр

    Битва при Сан-Романо — одна из самых известных картин итальянского Возрождения.Паоло Уччелло (1397–1475) родился Паоло ди Доно и получил прозвище Уччелло (по-итальянски «птица»), потому что он часто рисовал их. Он является одним из великих мастеров итальянского Возрождения. Его битва при Сан-Романо была изображена на трех панелях, которые сейчас находятся в трех разных художественных музеях: Национальной галерее Лондона, Уффици во Флоренции и Лувре. Вместе они изображают легендарную битву 1432 года между Флоренцией и Сиеной. Три панели были перечислены в инвентаре дворца Медичи во Флоренции 1492 года.


    Погребение Христа — Тициан — Лувр

    Тициан (Тициано Вечеллио), бесспорно, был одним из великих мастеров венецианского итальянского Возрождения 16 века. Он учился у двух других великих мастеров: Беллини и Джорджоне, и, опираясь на полученные навыки, стал самым влиятельным художником, вышедшим из венецианской школы. Тициан стал официальным художником Венецианской республики в 1516 году. Сюжет «Погребения Христа», шедевра итальянского Возрождения, следующий: Понтий Пилат разрешил Иосифу Аримафейскому снять тело Христа с креста для погребения.Ему помогают святой Иоанн, держащий Христа за руку, и Никодим, стоящий к нам спиной. Он окутывает тело белым саваном перед тем, как отнести его в гробницу. Присутствует Дева Мария, поддерживаемая Марией Магдалиной в ее горе. Эта движущаяся картина изначально находилась в герцогском дворце в Мантуе. Возможно, он был написан около 1520 года для Изабеллы д’Эсте или ее сына Федерико II Гонзага.

    Лоренцо Лотто в Лувре

    В Лувре есть четыре картины Лоренцо Лотто (1480-1556), венецианского художника эпохи Возрождения, для его фресок в Италии.

    Один из них, «Христос, несущий крест», датированный 1526 годом, имеет уникальную историю. В 1980 году монахини Конгрегации Святого Шарля Борроме в Ле-Пюи-ан-Веле продали эту маленькую картину (66 х 60 см2) вместе со старыми вещами, хранившимися на их чердаке, перекупщику на общую сумму 400 франков. Антиквар выкупил его за 4000 франков, очистил полотно, обнаружил подпись — Laur Lotus 1526 — отреставрировал и поехал в Италию на экспертизу. Профессор Дзампетти, специалист, говорит ему, что он гордый обладатель Лото «Несение креста».В 1982 году Лувр приобрел картину за 3 250 000 франков.


    Христос, несущий крест — Лото — Лувр

    Женщина уличена в прелюбодеянии — Лото

    Картина 1535 года «Женщина, пойманная в прелюбодеянии» Лоренцо Лотто (1480–1557) иллюстрирует трогательное евангелие Иоанна.

    «Книжники и фарисеи привели с собой женщину, схваченную в прелюбодеянии; они сказали Иисусу: «Учитель, эта женщина была схвачена в самом акте прелюбодеяния, и в Законе Моисей велел нам побивать камнями женщин из такого рода.Что ты хочешь сказать? Иисус сказал: «Кто из вас невиновен, пусть первый бросит в нее камень». Женщина, уличенная в прелюбодеянии Лоренцо Лотто.


    Женщина, уличенная в прелюбодеянии — Лото — Лувр
    Паломники в Эммаусе — Тициан — Лувр

    В Евангелии от св. Луки (24, 13-35) Иисус является в день своего воскресения, во время трапезы в Эммаусе, двум ученикам, Луке и Клеопе, которые узнают его по преломлению хлеба.На картине Тициана «Паломники в Эммаусе» безмятежное лицо Христа появляется над белой скатертью, прообразом алтаря Мессы: символы Евхаристии реалистично составляют один из самых красивых натюрмортов в венецианской живописи эпохи Возрождения. Соляная пирамида также вызывает в памяти роль, которую Иисус отводит своим ученикам: «Вы соль земли» (Евангелие от Матфея, 5, 13).

    «В тот же день двое из учеников шли в селение, называемое Эммаус, в семи милях от Иерусалима.Они говорили друг с другом обо всем, что произошло. Когда они разговаривали и обсуждали эти вещи друг с другом, сам Иисус подошел и пошел вместе с ними; но им не дали узнать его. Он спросил их: «Что вы обсуждаете вместе, прогуливаясь?» Они стояли неподвижно, их лица были опущены. Один из них, по имени Клеопа, спросил его: «Ты один посещаешь Иерусалим и не знаешь, что там произошло в эти дни?» «Какие вещи?» он спросил.«Об Иисусе из Назарета», — ответили они. «Он был пророком, сильным в слове и деле пред Богом и всем народом. Первосвященники и начальники наши предали Его на осуждение на смерть и распяли Его; но мы надеялись, что именно он собирался искупить Израиль. И более того, уже третий день, как все это произошло. Кроме того, некоторые из наших женщин поразили нас. Они пошли к гробнице рано утром, но не нашли его тела. Они пришли и рассказали нам, что видели видение ангелов, которые сказали, что он жив.Тогда некоторые из наших товарищей пошли ко гробу и нашли так, как и женщины говорили, но Иисуса не видели». Он сказал им: «Как вы глупы и как медленно верите всему, что предсказывали пророки! Разве Мессия не должен был пострадать, а затем войти в свою славу?» И, начав с Моисея и всех пророков, он объяснил им сказанное во всех Писаниях о нем самом. Когда они подошли к селению, в которое шли, Иисус продолжал идти, как будто шел дальше.Но они сильно уговаривали его: «Останься с нами, ибо уже вечер; день почти закончился». Поэтому он ушел, чтобы остаться с ними. Когда он был с ними за столом, он взял хлеб, поблагодарил, преломил и стал подавать им. Тогда их глаза открылись, и они узнали его, и он исчез из их поля зрения. Они спрашивали друг друга: «Не горело ли в нас сердце наше, когда он говорил с нами в дороге и открывал нам Писание?» Они встали и тотчас же вернулись в Иерусалим. Там они нашли Одиннадцать и тех, кто был с ними, собравшихся вместе и говорящих: «Это правда! Господь воскрес и явился Симону.«Тогда двое рассказали, что произошло в пути, и как они узнали Иисуса, когда он преломил хлеб».

    Ренессанс Paragone: живопись и скульптура

    В историко-художественном контексте итальянское слово paragone («сравнение», pl. paragoni ) может относиться к любому из ряда теоретических дискуссий, которые повлияли на развитие художественной теории в Италии 16-го века. К ним относятся сравнение различных эстетических качеств центрально-итальянской и венецианской школ живописи (так называемая disegno/colore paragone ) и то, была ли живопись или литература более убедительной и описательной средой.Но термин paragone чаще всего относится к спорам об относительных достоинствах живописи и скульптуры в эпоху Возрождения. Эти дебаты развернулись в основном в Италии, но также и в Нидерландах (Фландрия и Нидерланды) в трудах об искусстве и самих произведениях искусства и дают нам представление о некоторых из наиболее значительных художников и художников эпохи Возрождения.

     


    Джамболонья: Похищение сабинянки , мрамор, 1582; фото Сына Граучо (Flickr), Wikimedia Commons

     

    Дух соперничества

    Разработка paragoni проистекает из фундаментальных тем конкуренции и соперничества, которые окрашивают историю искусства эпохи Возрождения, особенно в Италии.Поскольку эпоха Возрождения включала в себя «возрождение» культуры классической Греции и Рима, художники эпохи Возрождения не только восхищались древними художниками, такими как Апеллес и Пракситель, но и конкурировали с ними. При этом они могут попытаться улучшить древнее искусство — либо за счет использования того же предмета, либо за счет решения технической проблемы, представленной в старинном произведении. Примером последнего является картина Джамболоньи «Похищение сабинянки » (вверху), которая состоит из трех монументальных человеческих фигур, вырезанных из цельного куска мрамора, — удивительный подвиг, который древние писатели приписывали знаменитой группе Лаокоона.Художники эпохи Возрождения, естественно, также соревновались друг с другом, участвуя в гражданской и личной конкуренции, например, между городами-государствами Сиеной и Флоренцией, а также в конкурсах за комиссионные, такие как желанная работа по созданию набора бронзовых дверей для флорентийского баптистерия. присужден Лоренцо Гиберти после его победы над Филиппо Брунеллески и другими в 1401 году. Даже самый фундаментальный эстетический принцип эпохи Возрождения — натурализм, предполагавший создание идеализированных версий наблюдаемого физического мира — поставил искусство в соревнование с природой.

    Картина как зеркало природы

    Руководящий принцип натурализма и изучение древнего искусства определяют аргументы обеих сторон картины/скульптуры paragone . Хотя различные пункты каждого аргумента не были кодифицированы Бенедетто Варки до середины 16 века, они уже давно репетировались на различных аренах, начиная с художественных трактатов середины 15 века. Леон Баттиста Альберти в своем трактате о живописи 1435 года ( De Pictura ) изложил множество аргументов в пользу живописи — что она была идеальной средой для имитации мира природы, потому что могла представить всю сцену так, как если бы ее рассматривали. через окно; что это было трудное интеллектуальное упражнение, связанное с наукой о перспективе; и что он лучше всего подходил для изображения сложных повествований, которые Альберти считал самым благородным типом сюжета.Несколько десятилетий спустя Филарете заметил, что живопись обладает большим потенциалом для натуралистического изображения из-за ее способности передавать цвет и текстуру, чтобы создать иллюзию любого материала или объекта. Те же темы использования цвета для создания иллюзионистских эффектов и интеллектуальных аспектов композиции картины были повторены Леонардо да Винчи в его обширных примечаниях к трактату о живописи и Бальдассаре Кастильоне в его Книге придворного (начало 1508 г.). ). Эта живопись требовала больше умственных способностей, чем физических усилий, а технические навыки были важны в попытках художников поднять свое искусство до уровня ученой научной деятельности.

     


    Аполлоний: Бельведерский торс , мрамор, 1 век до н.э.; фото Стивена Цукера (Flickr: profzucker)

     

    Скульптура и искусство древности

    Аргументы в пользу скульптуры реже появлялись в трудах эпохи Возрождения, но вместо этого разыгрывались в силе развития самой среды в этот период и ее неявных связях с античным искусством. Флорентийские скульпторы 15-го века в значительной степени инициировали стилистическое развитие эпохи Возрождения, настолько, что во введении к своему трактату о живописи Альберти признал выдающиеся достижения четырех скульпторов (Брунеллески, также знаменитого архитектора; Гиберти; Лука делла Роббиа; Донателло) и только один живописец (Мазаччо, которого уже несколько лет как нет в живых).Учитывая внимательное изучение художниками эпохи Возрождения произведений античного искусства, они прекрасно понимали, что основная часть того, что уцелело, состояла из мраморных и бронзовых статуй и рельефов. Эта ситуация не только продемонстрировала преимущество долговечности скульптуры, но и означала, что художники зависели от древних скульптур, таких как торс Бельведера, в качестве моделей — часто для поз и идеализированных изображений человеческих фигур — чтобы придать своим работам классический оттенок. Более распространенная защита скульптуры была связана с ее трехмерностью: живопись никогда не могла достичь натурализма скульптуры, потому что она могла лишь приблизиться к глубине и объему, в то время как скульптура существовала в объемном пространстве, как и имитируемая вещь, и ее можно было рассматривать с разных сторон. углы.В своем вкладе в обсуждение Варки парагона Микеланджело утверждал, что живопись была хороша только в той мере, в какой она имитировала трехмерные качества скульптуры, точка зрения, которую его последователь Бенвенуто Челлини поддержал свидетельством того, что сам Микеланджело работал по этому принципу и был признан многими величайшим художником в истории.

     


    Петрус Кристус: Рождество , панель, масло, ок. 1450; изображение предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон, округ Колумбия, .

     

    Визуализация

    парагона

    Споры о достоинствах живописи и скульптуры возникают и в произведениях искусства того периода.Эти примеры часто включают картины, имитирующие скульптуру, и скульптуры, имитирующие живопись, что является стратегией подрыва утверждений об уникальных преимуществах одного искусства над другим. Скульпторы — прежде всего Донателло за его Пир Ирода и мраморные скьяччато рельефы, а также Гиберти за его Врата Рая — использовали системы линейной и воздушной перспективы в повествовательных сценах, которые художники считали важными компонентами хорошая картина.Эти рельефы являются одними из самых почитаемых произведений раннего Возрождения и оказали большое влияние как на следующее поколение скульпторов, так и на художников. В таких работах, как «Рождество» (вверху), Петрус Кристус сопоставил богатую, красочную сцену, ставшую возможной благодаря недавнему принятию масляной живописи среди фламандских художников, и вымышленную каменную арку со статуями и рельефами в стиле гризайль. Кристус противопоставляет натуралистические цвета и текстуры, которые могут быть представлены в живописи, монохромной скульптуре, показывая, что художник также может создавать эффекты скульптуры на плоской поверхности.Тициан использовал аналогичный прием в своем Женском портрете («Ла Скьявона») , , включая вымышленный каменный рельеф своего объекта в профиль рядом с красочным, ярко выполненным портретом. Чтобы показать, что художники также могут изображать фигуры с разных ракурсов, они включили в свои композиции отражающие поверхности (также виртуозная демонстрация иллюзионистского мастерства). Согласно источнику 15-го века, Ян ван Эйк написал великолепную картину (ныне утерянную), изображающую обнаженную женщину, выходящую из ванны, спина которой отражается в зеркале на стене.Картина Тициана «Венера с зеркалом» ( ниже), вероятно, была вдохновлена ​​письменным описанием и также отвечала аргументу в пользу скульптуры, что только круглая фигура может быть видна с разных точек зрения.

    В других работах подчеркивалась связь с античностью. В своем использовании материалов — бронзы и мрамора — и возрождении типов, сохранившихся до современной эпохи — например, конных фигур и портретных бюстов — скульпторы эпохи Возрождения открыто ссылались на древнюю скульптуру, тем самым демонстрируя ее преимущества в создании долговечных памятников.Такие художники, как Сандро Боттичелли и Андреа Мантенья, воссоздавали старинные картины и рисунки, используя древние писания, такие как описание Лукианом аллегории клеветы (клеветы) греческого художника Апеллеса. Такие работы не только призваны ослабить заявление об особой близости между скульптурой эпохи Возрождения и античностью, они выставляют напоказ образование художников и знакомство с древними текстами.

     


    Тициан: Венера с зеркалом , холст, масло, ок.1555; изображение предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон, округ Колумбия, .

     

    Растущий статус изобразительного искусства

    Споры о первенстве живописи или скульптуры в значительной степени способствовали формированию взглядов на важность изобразительного искусства и социального статуса художников. Ученые ученые и меценаты участвовали в дебатах вместе с самими художниками, помогая переделать художников и скульпторов в интеллектуалов, а не в мастеров на уровне плотников и ткачей.Это развитие не только привело к повышению социального статуса художников, что особенно заметно в славе и восхищении, которыми были удостоены Микеланджело, Рафаэль, Тициан и Леонардо да Винчи, но также способствовало созданию академий искусств. Академии, сначала в Италии, а затем по всей Европе, институционализировали теоретические и эстетические принципы, возникшие из paragoni , оставив влияние на западные художественные традиции на века.

    Интернет-ресурсы

    Умная история.org, Ренессанс в Италии и на Севере [видео, короткие очерки, изображения на тематические темы, СМИ и художники]

    Smarthistory.org, Высокое Возрождение [видео, короткие очерки, изображения на тематические темы, СМИ и художники]

    Юниверсал Леонардо, Университет искусств, Лондон, Парагон : живопись или скульптура? [эссе, обобщающее работы Леонардо о paragoni ]

    Heilbrunn Хронология истории искусств, Метрополитен-музей, Новое открытие классической античности [эссе с изображениями и ссылками на соответствующий контент]

    Учебные ресурсы итальянского Возрождения, Становление художника [эссе, изображения и первоисточники]

    Дальнейшее чтение

    Мендельсон, Леатрис: Benedetto Varchi Due lezzioni и Cinquecento Art Theory (Анн-Арбор: University of Michigan Press, 1982).

    Эймс-Льюис, Фрэнсис: «Изображение и текст: Paragone » в Интеллектуальная жизнь художника раннего Возрождения (Нью-Хейвен: издательство Йельского университета, 2000).

    Добавить комментарий

    Ваш адрес email не будет опубликован.