22. Основные жанры творчества и.С.Баха.

Огромное творческое наследие Баха принято разделять на пять групп про­изведений в разных жанрах. Первая — самая обширная и основная — группа цер­ковных кантат, которые композитор начал писать в Веймаре, но большую часть создал в Лейпциге. Абсолютное большинство кантат написаны на духовные тексты.

Но есть у Баха и несколько светских кантат, например «Состязание Феба и Пана», «Кофейная кантата», «Крестьянская кантата» и другие.

Вторую группу образуют монументальные вокально-инструментальные композиции духовного содержания: протестантские (Страсти и оратории) и ка­толические — Высокая месса h-moll (полная пятичастная месса из 24 номеров) и четыре мессы-brevis (короткие мессы, состоящие только из двух частей — Kyrie и Gloria).

Далее — чисто инструментальная музыка. Третья группа — произведения для клавишных инструментов — органа и клавесина. Четвертая объединяет произве­дения для различных инструментов — скрипки, виолы (виолончели), флейты, лютни.

В пятую группу входят произведения для оркестра: пять оркестровых сюит и шесть Бранденбургских концертов.

«Страсти» — так называлось храмовое действо, содержание которого осно­вано на евангельской истории последних дней земной жизни, страданий и смерти Христа. В церковном обиходе известно с IV века, первоначально в виде псалмодии (речитатива) на текст соответствующих глав Евангелия.

С начала XVI века жанр «Страстей» оформился в самостоятельное музы­кальное произведение, в котором сольный речитатив (партия рассказчика -евангелиста) чередовался с хоровым пением, позднее — с включением протес­тантских хоралов.

В эпоху барокко в немецкой музыке распространился ораториальный тип «Страстей», включающий, как раньше, речитатив Евангелиста на точный еван­гельский текст, а также арии, ариозо, вокальные ансамбли, хоровые номера на свободный (так называемый, «мадригальный») текст, специально сочиняемый как «либретто» для каждого произведения, «Страсти» писали Г.

Шютц, Р.Кайзер. Г.Ф.Телеман и другие предшественники и современники И.С.Баха.

29

Но вершиной в истории жанра явились «Страсти» Баха, созданные им в Лейп­циге в период высшего расцвета творческой деятельности. Обновляя традици­онный жанр, Бах придал ему колоссальный размах, используя большой испол­нительский состав, а также необычайную глубину и силу воплощения высоко нравственной, духовной идеи — жертвенного подвига во имя спасения человече­ства от проклятия «первородного греха».

«Страсти» Баха — грандиозные произведения, обобщающие все сюжетные, стилевые и жанровые линии его творчества. В них — ключ к образности музыки Баха, его отношению в центральному тексту всей европейской культурной тра­диции — Евангелию. Основными в Страстях являются типичные для религиоз­ного искусства темы: грех, предательство и раскаяние, смерть и утешение, лю­бовь и сострадание, с потрясающей экспрессией воплощенные в гениальной музыке арий, хоров, хоралов.

Но подобно картинам Матиаса Грюневальда и Альбрехта Дюрера духовные сочинения Баха, при всей их обобщенности и фи­лософской глубине, наполнены подлинно земным чувством, воплощают мысли и переживания человека. Глубоко гуманистическое содержание и высокие эти-ко-философские мотивы делают «Страсти» Баха бессмертными творениями, принадлежащими к величайшим сокровищам мировой художественной культу­ры.

Иоганн Себастьян Бах — Классика

Иоганн Себастьян Бах ( 1685–1750) — известный немецкий композитор, органист и композитор. Его богатое композиторское наследие было востребовано не только его современниками, но и потомками. Нет в мире музыканта, который бы не играл произведений Баха.

Родился Иоганн Себастьян Бах 21 марта 1685 г в Эйзенахе (земля Тюрингия в Германии).

Другие композиторы:

В семье Иоганна Амвросия Баха (скрипача) Иоганн был шестым ребенком. Все Бахи, которые жили в горной Тюрингии с начала XVI в., были трубачами, флейтистами, органистами, скрипачами, капельмейстерами, поэтому будущее Иоганна Себастьяна было предопределено. Музыкальное дарование династии Бахов передавалось по наследству из поколения в поколение. Первую скрипку отец подарил Иоганну Себастьяну, когда ему исполнилось пять лет. Играть на ней он выучился быстро, и с тех пор вся его жизнь была заполнена музыкой.

Мать Иоганна Себастьяна умерла, когда ему было 9 лет, а через год умер отец. Мальчика на воспитание взял старший брат, Иоганн Кристоф, состоявший на службе органистом в Ордруфе, по соседству. Здесь Иоганн Себастьян поступил на учебу в гимназию, Иоганн Кристоф также обучал его игре на клавире и органе. Иоганн Себастьян очень любил музыку и не упускал случая позаниматься ею или изучить новые произведения.

В 17-летнем возрасте Иоганн Себастьян уже играл на клавире, органе, альте, скрипке, пел в хоре, был в помощниках кантора. С 1703 г по 1707 г.г. он органист Нойкирхе в Арнштадте, в 1708–17 г.г. служит придворным органистом, камер-музыкантом, с 1714 г. становится придворным концертмейстером в Веймаре, в 1717–23 г.г. – придворным капельмейстером в Кётене, а в 1723–50 г. г. служит на должности кантора Томаскирхе и городского музик-директора в Лейпциге.

Ведущим жанром в вокально-инструментальном творчестве Иоганна Себастьяна Баха является духовная кантата. Им было создано пять годовых циклов кантат, различающихся в зависимости от принадлежности к тому или иному церковному календарю, по роли хорала, по текстовым источникам (хоральные строфы, псалмы, «свободная» поэзия) и др. Из светских кантат наиболее известными являются «Крестьянская» и «Кофейная».

Центральное место в сфере инструментального творчества Баха занимает органная музыка. Обобщая и синтезируя унаследованный от своих предшественников (Г. Бёма, И. А. Рейнкена, Д. Букстехуде, И. Пахельбеля) опыт органной импровизации, различные полифонические и вариационные приёмы сочинений и современные для него принципы концертирования, Баху удалось переосмыслить и обновить традиционные популярные жанры органной музыки — хоральную прелюдию, токкату, фантазию, пассакалью. Исполнитель-виртуоз, в своё время один из наилучших знатоков клавишных инструментов, он создал обширный набор литературы для клавира, который до сих пор является настольной книгой любого пианиста и органиста.

Бах является одним из величайших личностей  мировой гуманистической культуры. Выдающееся творчество Иоганна Себастьяна Баха, музыканта-универсала, которое отличается всеохватностью жанров (за исключением оперы), сыграло обобщающую роль для всех достижений музыкального искусства, накопленных за несколько веков на грани периодов барокко и классицизма. Ярко выраженный национальный художник, он объединил традиции протестантского хорала с национальными традициями австрийской, французской, итальянской музыкальных школ. Произведениям Баха, как непревзойдённого маэстро полифонии, присуще единство гомофонного и полифонического, вокального и инструментального видения. Этим объясняется глубокое взаимопроникновение и объединение различных стилей и жанров в его творчестве.

Памятник Баху в Лейпциге

Различные типы музыки Баха — BoySetsFire

Музыка Баха — это жанр классической музыки, характеризующийся замысловатыми и сложными структурами. Его часто считают одним из самых сложных и требовательных музыкальных жанров для исполнения. Музыку Баха часто делят на две основные категории: клавишные и оркестровые. Клавишная музыка включает произведения, написанные для клавесина, клавикорда и органа. Оркестровая музыка включает произведения, написанные для скрипки, виолончели и флейты.

В жанре барокко Бах создал огромные шедевры во всех основных жанрах, включая сонаты, концерты, сюиты и кантаты, а также многочисленные клавишные, органные и хоровых произведения .

Как бы вы описали музыку Баха?

Источник изображения: wordpress

Музыка Баха мягкая и нежная, и он часто играет ее с пронзительной нежностью. Бахианская геометрия свободна от углов и имеет спиралевидную кривую как кратчайший путь от А до Б, поэтому его стиль известен как женский.

Бах (1594 – 1750) считается одним из величайших композиторов всех времен. Ценность его музыки может быть продемонстрирована знаменитой фразой из Оксфордского музыкального словаря, которая гласит: «Это самое изумительное чудо во всей музыке». «Инвенции и симфонии» (BWV 772–801), сборник из тридцати коротких клавишных пьес, написанных Кристофером Беливо. Написано дело не оперы, а собора. Бах писал светские кантаты, такие как «Кофейная кантата» (BWV 211), но он также писал слегка сатирические произведения, такие как «Учения христианской апологетики» (BWV 207). Иоганн Себастьян Бах научил студентов, как играть независимые части музыки каждой из двух рук, в своих упражнениях на клавиатуре. Согласно тексту, сопровождающему копию рукописи с автографом Баха в Staatsbibliothek zu Berlin, «auffrichtig» или «Прямая инструкция» является его собственным намерением.

В текстуре полифонии можно услышать два или более независимых мелодичных голоса. По имеющимся данным, это было последнее достижение Бернарда. В отличие от мелодии, которая постоянно прерывается второстепенным или третичным компонентом, каждый голос имеет свою полифонию. Когда к текстуре добавляется больше голосов и вплетается в нее таким же образом, увеличивается количество музыкального выражения. При его жизни орнаменты часто создавались для разных культур и композиторов, и они варьировались от страны к стране. В творчестве Баха не всегда была очевидна закономерность исполнения. Инвенции и симфонии находились под сильным влиянием импровизированного орнамента, который неоднократно пересматривался в их рукописях.

Когда он сочинил свое первое произведение, на него повлиял органист. 12-тактовая форма Баха позволяет ему исследовать гармонические возможности клавиатуры в «Хорошо темперированном клавире». Ричеркар, представляющий собой фугу, вдохновленную испанским композитором Антонио де Кабес*ном, представлен как новая форма в «Искусстве фуги».
Музыка Баха пропитана духовными традициями своего времени, но на нее также повлияли научные открытия той эпохи. В его книге «Искусство фуги», например, есть раздел, основанный на принципе Евклида.
Музыка Баха, как одного из самых известных композиторов, неподвластна времени. В нее играли и любили люди во всем мире на протяжении веков, и в нее продолжают играть. Его композиции наполнены эмоциями и красотой и вдохновляют каждого, кто их слушает.

Был ли Бах барокко или классиком?

Источник изображения: ssl-images-amazon

Иоганн Себастьян Бах родился 21 марта 1685 года в Эйзенахе, Германия, как Эрнестина Саксонское герцогство в 1685 году. Он был самым знаменитым членом большой северогерманской семьи из 9 человек.0003 Барочные музыканты , и он родился в Германии 28 июля 1750 года.

CEP Хоровые произведения Баха содержат очень интересные диссонансы; Я рекомендую его Magnificat всем, кто интересуется его музыкой. Я считаю, что у него особый стиль, который напоминает мне Гайдна по сравнению с тем, что он писал в то же время. Хотя барокко и классицизм (рококо) имеют разные периоды, этот период трудно определить иначе, чем как переходный. Его переход прекрасно иллюстрирует, насколько хорошо он понимал и применял техники, которым научился у своего отца, даже если экспериментировал с новыми. В то время как JS способен поглощать и писать в самых разных стилях, Моцарт в равной степени способен. Модный стиль может быть разнообразным. Многие люди считают, что Бах синтезировал множество влияний в контрапунктическом, гармоническом и эмоционально богатом стиле 9-го века.0003 позднее барокко .

Музыка Моцарта — прекрасный образец стиля барокко . В его композициях есть живая энергия, и у него также есть запоминающиеся мелодии. Он также обладал острым чувством ритма. Он известен не только своей музыкой, но и тем, что ее используют в фильмах, телешоу и видеоиграх. Если вы хотите узнать больше о музыке эпохи барокко, вас должны заинтересовать произведения Моцарта. Вы не только сможете оценить музыку, но и узнаете много нового об истории классической музыки.

Гений Иоганна Себастьяна Баха

Барочный композитор и органист Иоганн Себастьян Бах был плодовитым и разносторонним немецким композитором и органистом периода барокко, чьи произведения для хора, оркестра и клавишных объединили почти все направления барокко стиль, чтобы сформировать музыкальный стиль, который он есть сегодня. Музыка Баха известна своей гармонической утонченностью, использованием фуг и полифоническими аранжировками. Он также был мастером хорала и написал несколько известных произведений для органа, которые являются одними из самых популярных и известных произведений в классической музыке. Европейская классическая традиция, возникшая в 16 веке и развившаяся во всестороннее произведение, началась в 18 веке и просуществовала до конца 19 века. Моцарт и Бетховен — два самых известных композитора этой традиции. Как вы сравниваете классическую музыку и музыку барокко? В музыке барокко много гармонических фантазий и полифонических разделов, которые меньше связаны со структурой музыкального произведения и больше связаны с мелодическими фразами. В классический период было меньше сложных гармоний.

Характеристика музыки Баха

Музыка Баха характеризуется использованием контрапункта или переплетением одновременных мелодических линий. Бах часто использовал прием фуги, в котором короткая мелодия повторяется разными голосами на протяжении всего произведения. Его музыка также известна своими замысловатыми гармониями и использованием сложных музыкальных структур.

Он провел десятилетия, совершенствуя инфраструктуру, которая сделала его зрелый стиль таким своеобразным, заимствуя приемы и структурные концепции у многих других композиторов. Мне нужно только позаимствовать у Баха, и мне не нужно изучать его музыку из первых рук. Даже если я могу сделать что-то сравнимое с тем, что сделал Бах, и в том же стиле, я не лучший композитор, чем Бах. Дж.С. Музыка Баха считается одним из лучших примеров вневременного произведения, потому что она вне времени, спустя почти триста лет после того, как была написана. В результате он в очень сложных условиях исполнил запоминающуюся мелодическую партию. Смелые и умопомрачительные хроматические произведения Баха, а также смелые прыжки нельзя было упускать из виду. Хоральные гармонизации Баха — пример его гениальности в простейшей форме.

Его способность составлять связное целое из голосов, которые он включает, демонстрирует его величие как композитора. Техника Баха настолько эффективна, что любая композиция, не соответствующая ей, может быть идентифицирована как взятая из одной из его ранних работ. Бах, игравший на органе, мог использовать тот или иной метод для смешивания различных типов звуков. Это означает, что два звука одновременно воспроизводятся одновременно, что позволяет слышать их как два контрастных звука или как один или несколько совершенно новых звуков. Один звук воспроизводится во временном сопоставлении, а другой — в более поздней разновидности, что позволяет полностью реализовать контраст между ними. В кантате 50 Баха мы слышим, как хор воспевает хвалу Богу, изгоняя обвинителей Христа. Полифония — это способ расположения мелодии в одном месте против другого, как в случае с разнородной музыкой.

В некоторых случаях мелодии могут играть в унисон, или параллельные октавы, или на противоположных концах гаммы, как в контрапункте. В прелюдии к хоралу Neu Danket Alle Gott понятие этого понятия расширяется. В дополнение к своим произведениям Бах мог скрывать параллельные октавы в некоторых произведениях, в которых части пересекаются друг с другом. Именно потому, что Бах знал, как научить людей следовать определенным мелодическим схемам, он смог избежать этого.

Как один из величайших композиторов всех времен, он был провозглашен одним из величайших когда-либо созданных. Несмотря на красоту и эмоциональность, его музыку изучают и исполняют до сих пор. Музыка Баха олицетворяет его талант композитора и музыканта, и его наследие будет жить долгие годы.

Категории Музыка Жанры

Маркос

Что такое барочная музыка? — Музыка барокко

Что такое «барокко» и когда был период барокко?

Произведенный от португальского barroco , или «жемчужина странной формы», термин «барокко» широко использовался с девятнадцатого века для описания периода в западноевропейской художественной музыке примерно с 1600 по 1750 год. Сопоставление величайших шедевров с уродливой жемчужиной может показаться нам сегодня странным, но для критиков девятнадцатого века, применявших этот термин, музыка эпохи Баха и Генделя казалась чрезмерно приукрашенной и преувеличенной. Давным-давно избавившись от своих уничижительных коннотаций, слово «барокко» теперь представляет собой просто удобный термин для обозначения одного из самых богатых и разнообразных периодов в истории музыки.

В дополнение к созданию самой ранней европейской музыки, знакомой большинству из нас, включая «Канон» Пахельбеля и «Времена года» Вивальди , эпоха барокко также значительно расширила наши горизонты. Принятие теории Коперника 16-го века о том, что планеты не вращаются вокруг Земли, сделало Вселенную намного больше, а работа Галилея помогла нам лучше познакомиться с космосом. Достижения в области технологий, такие как изобретение телескопа, сделали то, что считалось конечным, бесконечным. Великие мыслители, такие как Декарт, Гоббс, Спиноза и Локк, занимались важными вопросами существования. Такие гении, как Рубенс, Рембрандт и Шекспир, своим искусством предлагали уникальные перспективы. Европейские страны все больше и больше вовлекались во внешнюю торговлю и колонизацию, что привело нас к прямому контакту с ранее незнакомыми частями земного шара. А рост нового среднего класса вдохнул жизнь в художественную культуру, долгое время зависевшую от прихотей церкви и двора.

Вернуться к началу

Кто были крупнейшими композиторами эпохи барокко и откуда они?

Многие известные личности первой половины периода барокко родом из Италии, в том числе Монтеверди, Корелли и Вивальди. (К середине восемнадцатого века наше внимание переключается на немецких композиторов Баха и Генделя.) Многие формы, отождествляемые с музыкой барокко, возникли в Италии, включая кантаты, концерты, сонаты, оратории и оперы. Хотя Италия сыграла жизненно важную роль в развитии этих жанров, новые концепции того, что значит быть нацией, усилили императив «национального стиля». Различия между нациями часто слышны в музыке того периода, не только в способах написания музыки, но и в традициях исполнения; особенно очевидным был контраст между Италией и Францией. Хотя сегодня может показаться, что некоторые страны претендуют на большую часть нашего опыта музыки барокко, каждая нация сыграла свою роль. Когда музыканты и композиторы путешествовали по Европе и слушали музыку друг друга, новые условности, с которыми они сталкивались, производили на них тонкое впечатление. Некоторые из самых известных композиторов того периода включают следующее:

Италия: Монтеверди, Фрескобальди, Корелли, Вивальди, Доменико и Алессандро Скарлатти.

Наверх

Какова философия музыки барокко?

Хотя одна философия не может описать 150 лет музыки со всей Европы, в период барокко важны несколько концепций.

Вера в музыку как мощное средство коммуникации

Одно из основных философских течений в музыке барокко происходит от интереса эпохи Возрождения к идеям Древней Греции и Рима. Греки и римляне считали музыку мощным средством общения и могли вызвать у слушателей любые эмоции. В результате возрождения этих идей композиторы все больше осознавали потенциальную силу музыки и культивировали веру в то, что их собственные композиции могут иметь аналогичный эффект, если они правильно имитируют древнюю музыку.

Французский ученый-гуманист Артус Тома описал перформанс конца шестнадцатого века:0005

Я часто слышал, как о сьере Клодине Ле Жене (который, не желая никого обидеть, далеко превзошел в своем понимании этих вещей музыкантов прошлых веков), что он спел арию (которую он сочинил по частям) …и что, когда эта арсия была репетирована на частном концерте, это заставило тамошнего джентльмена взяться за оружие и начать громко ругаться, так что казалось невозможным помешать ему напасть на кого-то: после чего Клодин начал петь другую арию… джентльмен так же спокоен, как и прежде. Это было подтверждено мне с тех пор несколькими, кто был там. Такова власть и сила мелодии, ритма и гармонии над разумом.

В 1605 году итальянский композитор Клаудио Монтеверди фактически определил «первую» и «вторую» практики: в первой гармония и контрапункт имели приоритет над текстом; во втором случае необходимость выразить значение слов превзошла всякую другую заботу. В барокко именно дух второй практики — использование силы музыки для общения — стал доминировать над эпохой.

Реалии патронажа
Любое обсуждение художественной философии композитора эпохи барокко должно быть хотя бы слегка смягчено реалиями их жизни. В наше время художники часто зарабатывают на жизнь созданием именно того искусства, к созданию которого они стремятся. Соответственно, мы часто думаем о художнике и степени его или ее творческого вдохновения как о отправной точке для произведения искусства. Однако на протяжении большей части эпохи барокко композиторы зарабатывали на жизнь написанием музыки только в том случае, если им посчастливилось получать заработную плату в политическом или религиозном учреждении. Таким образом, музыкальные потребности этого учреждения диктовали музыку, которую создавал композитор. Бах написал то количество кантат, которое он написал, например, не обязательно потому, что он нашел форму вдохновляющей, а из-за литургических требований лейпцигской церкви, которая его наняла. Если рассматривать музыку барокко в этом свете, она может стать захватывающим окном в историю.

Наверх

Каковы характеристики музыки барокко?

Новый интерес к драматическим и риторическим возможностям музыки породил в эпоху барокко множество новых звуковых идеалов.

Контраст как драматический элемент
Контраст — важная составляющая драматизма композиции в стиле барокко. Различия между громким и тихим, соло и ансамблем (как в концерте), разными инструментами и тембрами играют важную роль во многих композициях в стиле барокко. Композиторы также стали более точными в отношении инструментовки, часто указывая инструменты, на которых следует играть произведение, вместо того, чтобы позволить исполнителю выбирать. Популярность блестящих инструментов, таких как труба и скрипка, также росла.

Монодия и появление бассо континуо
В предыдущие музыкальные эпохи музыкальное произведение, как правило, состояло из одной мелодии, возможно, с импровизированным аккомпанементом, или из нескольких мелодий, играемых одновременно. Только в период барокко понятия «мелодия» и «гармония» начали по-настоящему формулироваться. Стремясь подражать старинной музыке, композиторы стали меньше сосредотачиваться на сложной полифонии, преобладавшей в пятнадцатом и шестнадцатом веках, и больше на одном голосе с упрощенным аккомпанементом, или монодии. Если бы музыка была формой риторики, как показывают писания греков и римлян, то необходим сильный оратор, а кто лучше подходит для этой работы, чем вокалист-солист? Новое слияние между выражением чувств и соло-исполнителем ярко и отчетливо проявляется в предисловии Монтеверди к

Combattimento di Tancredi e Clorinda из его Восьмой книги мадригалов (1638 г.), в которой он пишет: «Мне кажется, что главных страстей или привязанностей нашего ума три, а именно: гнев, невозмутимость и смирение. Лучшие философы соглашаются, и сама природа нашего голоса с его высокими, низкими и средними частотами указывает на это». Самые ранние оперы являются прекрасной иллюстрацией этой новой эстетики.

Наряду с упором на единую мелодию и басовую партию пришла практика basso continuo , метод нотной записи, при котором мелодия и басовая партия выписываются, а гармонический наполнитель указывается в виде стенографии. Как объяснил итальянский музыкант Агостино Агаццари в 1607 году:

.

Поскольку наконец был найден истинный стиль выражения слов, а именно путем воспроизведения их смысла наилучшим образом, что лучше всего удается одним голосом (или не более чем несколькими), как в современных ариях различными способные люди, и поскольку в Риме постоянно практикуется концертная музыка, я говорю, что нет необходимости делать партитуру … Достаточно баса с его знаками для гармоний. Но если бы кто-нибудь сказал мне, что для исполнения старых произведений, полных фуги и контрапунктов, одного баса недостаточно, я бы ответил, что вокальные произведения такого рода больше не употребляются.

Поскольку basso continuo, или тщательный бас, оставался стандартной практикой до конца периода барокко, эту эпоху иногда называют «эпохой тщательного баса».

Различные инструментальные звуки
Музыка барокко, которую десятилетиями игнорировали, за последние пятьдесят лет становится все более популярной. В рамках этого нового интереса ученые и музыканты потратили бесчисленные часы, пытаясь понять, как музыка могла звучать для публики 17 и 18 веков. Хотя мы никогда не сможем точно воссоздать спектакль, их работа выявила несколько основных различий между барочными и современными ансамблями:

высота тона: В 1939 году современные оркестры согласились настроиться на а’=440 Гц (нота ля звучала с частотой 440 циклов в секунду), которая заменила ранее более низкую высоту звука (а’=435 Гц), принятую в 1859 году. До 1859 года однако стандарта подачи не было. Поэтому нота, на которую настраивались барочные ансамбли, сильно различалась в разное время и в разных местах. В результате музыка, записанная в партитуре, могла звучать на полтона ниже, чем в традиционном исполнении сегодня. Стремясь учесть это несоответствие, многие ансамбли в стиле барокко подстраивают свою настройку под исполняемый репертуар: а’= 415 Гц для музыки позднего барокко, а’=392 Гц для французской музыки, a’=440 Гц для старинной итальянской музыки и a’=430 Гц для классического репертуара.

тембр: Хотя большинство инструментов в ансамбле в стиле барокко знакомы, есть несколько выдающихся участников, которые больше не представлены в современных ансамблях. Клавесин был основным клавишным инструментом (и важным членом группы континуо), и инструменты, важные в 16 и 17 веках, такие как лютня и виолончель, все еще продолжали использоваться. Вариации на инструментах, популярные и сегодня, также придали ансамблю в стиле барокко другое звучание. Струнные инструменты, такие как скрипка, альт и виолончель, использовали струны из кишечника, а не струны, обернутые металлом, с которыми они натянуты сегодня, например, что придавало им более мягкий и сладкий тон.

техника исполнения : партитура в стиле барокко содержит мало (если вообще содержит) информации о таких элементах, как артикуляция, орнаментация или динамика, поэтому современные ансамбли должны делать осознанный выбор перед каждым выступлением. Механические различия между инструментами в стиле барокко и современными инструментами также предполагают, что старые инструменты звучали бы по-другому, поэтому такие ансамбли, как «Музыка барокко», часто корректируют свою технику, чтобы учесть это. Поскольку смычки в стиле барокко и современные смычки имеют разную структуру, например, струнники, использующие современные смычки, часто используют более мягкую атаку на струну, а также крещендо и диминуэндо на более длинных нотах. Трактаты об исполнительском искусстве 17-го и 18-го веков также подразумевают, что пальцевое вибрато (техника, при которой струнник качает кончиком пальца по струне, чтобы обогатить тон) использовалось умеренно для выразительных моментов, в то время как вибрато смычка (волнообразное движение смычка) в целом было предпочтительным.

Вернуться к началу

Какие музыкальные формы определили эпоху барокко?

В то время как формы более ранних эпох, такие как мотет или определенные танцы, продолжали использоваться, интерес к музыке как форме риторики вызвал развитие новых жанров, особенно в области вокальной музыки. Многие формы, связанные с эпохой барокко, возникают непосредственно из этого нового драматического импульса, особенно опера, оратория и кантата. В области инструментальной музыки понятие контраста и стремление к созданию масштабных форм породили концерт, сонату и сюиту.

Вокальная музыка

Опера: Драма, которая в основном поется, сопровождается инструментами и исполняется на сцене. В операх обычно чередуются речитатив , речевая песня, продвигающая сюжет, и арии, песни, в которых персонажи выражают чувства в определенные моменты действия. Хоры и танцы также часто включаются. Появление этого жанра на рубеже семнадцатого века часто связывают с деятельностью группы поэтов, музыкантов и ученых во Флоренции, известной сегодня как Флорентийская камерата. Первой сохранившейся оперой была «9» Якопо Пери.0071 Dafne , основанный на либретто Оттавио Ринуччини и исполненный во Флоренции в 1598 году; самая ранняя опера, исполняемая до сих пор, — « Орфей » Клаудио Монтеверди (1607). Все сюжеты первых опер взяты из греческого мифа, что отражает тесную связь жанра с попытками воссоздать музыку и драму древних культур, и исполнялись исключительно в аристократических кругах для приглашенных гостей.

Когда в 1637 году в Венеции открылись первые публичные оперные театры, жанр был изменен в соответствии с предпочтениями публики. Сольные певцы приобрели своего рода статус знаменитостей, и в результате больше внимания уделялось арии. Речитатив стал менее важным, а хоры и танцы практически исчезли из итальянской оперы. Сказались и финансовые реалии постановки частых оперных постановок. Захватывающие сценические эффекты, связанные с оперой при дворе, сильно преуменьшались, и либретто были созданы с использованием стандартных сценических приемов. К началу 18 века (особенно в Неаполе) стали очевидны два поджанра оперы: опера серия , в которой основное внимание уделялось серьезной теме, и da capo aria , и опера-буффа , имевшая более легкий, даже комический тон и иногда использовавшая дуэты, трио и более крупные ансамбли. Итальянская традиция оперы постепенно доминировала в большинстве европейских стран. Однако в конце 17 века во Франции уроженец Италии Жан-Батист Люлли и либреттист Филипп Кино создали уникальную французскую версию оперы, известную как tragédie-lyrique .

Оратория: расширенная музыкальная драма с текстом на религиозную тематику, предназначенная для исполнения без декораций, костюмов и действий. Первоначально оратория означала молитвенный зал, здание, расположенное рядом с церковью, которое было спроектировано как место для религиозных переживаний, отличных от литургии. Хотя в репертуаре мотетов и мадригалов есть прецеденты оратории конца шестнадцатого века, оратория как отдельный музыкальный жанр возникла среди превосходной акустики этих пространств в начале 1600-х годов. К середине 17 века оратории исполнялись во дворцах и публичных театрах и становились все более похожими на оперы, хотя тематика, разделение на две части (а не на три действия) и отсутствие постановочного действия по-прежнему выделяли их. Некоторые из композиторов, связанных с этим жанром в Италии, включают Джокомо Кариссими, Алессандро Скарлатти и Антонио Вивальди. Популярность оратории росла и в других частях Европы. В протестантской Германии драматическая музыка, сочиненная для использования в лютеранской церкви, постепенно сливалась с элементами оратории, особенно при включении небиблейских текстов. Ораториальная страсть, как ее стали называть, достигла кульминации в великих произведениях И. С. Баха. Другие хорошо известные примеры за пределами Италии включают английские оратории Джорджа Фридриха Генделя, который популяризировал жанр в Лондоне в результате неприязни англичан к итальянской опере. Такие работы, как Мессия , Израиль в Египте и Иуда Маккавей остаются любимцами публики и по сей день.

Кантата: расширенное произведение, состоящее из последовательности речитативов и стандартных частей, таких как арии, дуэты и хоры. Возникшая в Италии начала 17 века, кантата начиналась как светское произведение, написанное для сольного голоса и бассо континуо, скорее всего, предназначенное для исполнения на частных общественных мероприятиях. Многие из этих произведений были опубликованы, что позволяет предположить, что они были исполнены как профессиональными музыкантами, так и любителями. К середине века кантаты публиковались реже, что свидетельствует о том, что выступления все чаще исполнялись профессионалами. К концу 17 века кантаты стали включать da capo aria и часто сопровождалась оркестровым сопровождением. Среди крупных композиторов итальянского жанра кантаты Луиджи Росси, Антонио Чести, Алессандро Страделла, а в первой половине 18 века Алессандро Скарлатти, Гендель, Бенедетто Марчелло и Иоганн Адольф Хассе. За пределами Италии расширяющийся жанр лютеранского мотета начал включать многие элементы итальянской кантаты, особенно приемы драматического выражения, такие как речитатив и ария. Многие кантаты Баха демонстрируют широкое влияние их итальянских аналогов.

Инструментальная музыка

Соната : Используется для описания нескольких типов пьес в эпоху барокко, термин соната чаще всего обозначает произведение в нескольких частях для одного или нескольких инструментов (чаще всего скрипки) и бассоконтинуо; соната для двух скрипок или других скрипичных инструментов плюс бас обычно называлась трио-сонатой. К 1650-м годам сонаты часто классифицировались либо как sonatas da chiesa («церковные сонаты»), обычно состоящие из четырех частей, чередующихся между медленным и быстрым темпом и исполняемые в церкви, либо как sonatas da camera («камерная соната»), состоявшая из ряда танцев, родственных сюите. Примеры обоих типов можно найти в работах Корелли конца XVII века. В 18 веке Телеман, Бах и Гендель написали множество сонат по образцу сонаты Корелли da chiesa . Расцвет сольных сонат для клавишных инструментов начинается в конце эпохи барокко, в том числе для органа (Бах) и клавесина (Гендель, Доменико Скарлатти). Другие известные примеры сольных сонат включают произведения Баха для скрипки без аккомпанемента и виолончели.

Концерт : производное от итальянского Concertare (соединяться, объединяться), концерт принял несколько форм в эпоху барокко. До начала 18 века концерт был просто произведением, объединяющим разнородный ансамбль, состоящий из голосов, инструментов или того и другого. Духовные произведения для голосов и инструментов часто назывались концертами, в то время как подобные светские произведения обычно назывались arie (арии), кантаты или musiche . В то время как масштабные духовные концерты можно найти в творчестве Клаудио Монтеверди, более интимные композиции для одного-четырех голосов, континуо и дополнительных сольных инструментов были гораздо более распространены. В Германии замечательные образцы духовного концерта можно найти в произведениях Иоганна Германа Шейна, Михаэля Преториуса, Самуэля Шейдта и Генриха Шютца (особенно его Kleine geistliche Concerte , или «Маленькие духовные концерты», 1636–1639 гг.).

Позднее, в семнадцатом веке, концерт стал обретать свое современное определение: многочастное произведение для солиста (или группы солистов) и оркестра. Взяв за основу канцоны и сонаты конца шестнадцатого и семнадцатого веков, в которых с большим эффектом использовались контрастные группы инструментов, Concerto Grosso чередует небольшую группу солистов с более крупным ансамблем. Произведения Корелли, особенно его соч. 6, представляют собой, пожалуй, самые известные образцы концерта гроссо конца 17 века. В то время как произведениям Корелли подражали в 18 веке, особенно в сочинении Генделя. 6, многие образцы концерта гроссо 18 века показывают возрастающее влияние сольного концерта (например, Бранденбургские концерты И. С. Баха).

Самым распространенным типом концертов в 18 веке был сольный концерт, в котором выступал один инструмент, а не ансамбль. Самым плодовитым композитором сольного концерта был Антонио Вивальди, который написал около 350 и установил стандартную трехчастную форму концерта (две быстрые внешние части, одна средняя часть в более медленном темпе). В то время как большинство сольных концертов были написаны для скрипки, концерты для трубы также были популярны, а также концерты для виолончели, гобоя, флейты и фагота. В 1730-х годах Гендель написал 16 концертов для органа, и примерно в то же время Бах также написал несколько концертов для клавесина (большинство из них представляют собой аранжировки ранее существовавших произведений).

Сюита: Основанная на традиционном сочетании танцев эпохи Возрождения, эта сюита стала первым многочастным произведением для инструментов. По сути, сюита представляла собой серию танцев в одной тональности, большинство из них или все в двухчастной форме. Примерно в середине 17 века в Германии последовательность аллеманды, куранты, сарабанды и жиги стала относительно стандартной, хотя часто вставлялись другие танцевальные движения, такие как дополнительные аллеманды или куранты, бурре, гавоты и менуэты. Большинство сюит также начинались с вводной части, такой как прелюдия, увертюра или фантазия. Для многих композиторов эпохи барокко разные танцы олицетворяли определенных персонажей. В его Der volkommene Capellmeister (Полный музыкальный руководитель), 1739 г., немецкий теоретик Иоганн Маттезон дал список характеров каждого танца: менуэт был «умеренным весельем», гавот — «ликующей радостью», бурре — «довольством», курантой». надежда», сарабанда «амбиции» и жигу могут обозначать ряд эмоций, от гнева до легкомыслия. Сюиты в стиле барокко были написаны как для сольных инструментов, так и для оркестра; те, которые написаны для одного или двух инструментов мелодии и континуо, иногда называют сонатой да камеры. Французские сюиты для клавишных иногда называют ordres (как в работах Франсуа Куперена, который вставил множество нетанцевальных движений, в том числе вызывающие воспоминания зарисовки персонажей придворных.

Вернуться к началу

Каково было посетить концерт в эпоху барокко?

В В наше время посещение концерта — это событие. Мы слышим объявление по радио или видим объявление в газете; покупаем билеты; идем в концертный зал и тихо сидим, пока не наступит время аплодировать. В эпоху барокко Такого рода публичные концерты были редкостью. Многие из самых известных барочных композиций исполнялись в церквях на службе или как часть частного концерта или праздника в доме богатого покровителя. Однако в ходе барокко публичные выступления стали более распространенными, особенно в жанрах оперы и оратории, и наша современная концертная традиция начала объединяться во многих европейских городах. он 1670-е:

Первая попытка была низкой: проект старого [Джона] Банистера, который был хорошим скрипачом и театральным композитором. Он открыл малоизвестную комнату в трактире в Белых монахах; заполнил его столами и сиденьями, а для музыки сделал боковой ящик со шторками. Иногда консорт, иногда соло, скрипка, флажолет, бас-виолончель, лютня и песня all’Italiana , и подобные разновидности отвлекали компанию, которая платила при входе. Один шиллинг за штуку, называйте что хотите, платите расчет и Добро пожаловать господа .

Появление публичных концертов сделало растущий средний класс важным источником дохода для музыкантов. К концу барокко это социальное подмножество стало музыкальным покровителем почти таким же могущественным, как церковь или двор.

Наверх

Что было после эпохи барокко?

К середине восемнадцатого века барочная идея музыки как формы риторики подверглась нападкам. Музыка обладала удивительно мощной способностью выражать даже самые сложные понятия — но только в ее самой «естественной» форме, которую эпоха барокко якобы запутала. Как сказал Иоганн Адольф Шайбе об И. С. Бахе в 1737 г.,

Этот великий человек вызывал бы восхищение у целых народов, если бы он сделал больше приятности, если бы он не убрал естественный элемент в своих произведениях, придав им напыщенный и путаный стиль, и если бы он не омрачил их красоту излишеством. искусства. Поскольку он судит по своим пальцам, его пьесы чрезвычайно трудно играть; ибо он требует, чтобы певцы и инструменталисты могли делать своим горлом и инструментами все то, что он может сыграть на клавире, но это невозможно… Напыщенность привела [его] от естественного к искусственному и от возвышенного к мрачному. ; и… восхищаешься тягостным трудом и необычайными усилиями, которые, однако, напрасно используются, поскольку противоречат природе.

Стремление Шайбе к ясности и простоте исполнения намекает на серьезные изменения в музыкальной эстетике: на протяжении всей его обличительной речи окончательным арбитром вкуса являются не Платон или Аристотель, а, в конечном счете, сами слушатели и исполнители. Этот новый акцент на непосредственном мелодическом выражении и ясной музыкальной архитектуре указывает путь к классическому периоду, эпохе Моцарта и Гайдна.

Вернуться к началу

Эпоха барокко в современности

Хотя эпоха барокко закончилась более 250 лет назад, следы той эпохи можно услышать повсюду. Некоторые из самых влиятельных и любимых композиций регулярно исполняются в концертных залах, а множество записей делают барокко доступным по запросу. Многие музыкальные жанры, используемые до сих пор, такие как оратория, концерт и опера, возникли в этот период. Композиторы двадцатого века, такие как Ральф Вон Уильямс, Игорь Стравинский и Бенджамин Бриттен, отдали дань уважения барокко в своих произведениях.