Мадонна Литта с младенцем картина Леонардо Да Винчи
TopKartin » Шедевры мирового искусства
Шедевры мирового искусства
Содержание
- История создания картины
- Описание “Мадонны Литты”
- Художественные особенности картины
Картина Леонардо да Винчи «Мадонна Литта» является одной из самых узнаваемых работ художника. На ней изображена Богоматерь, кормящая грудью своего Божественного младенца. История этой картины, как и многих других полотен да Винчи, была долгое время окутана тайнами и вызывала споры об авторстве.
История создания картины
Картина была написана приблизительно в 1490—1491 г., точный период её создания неизвестен. Вероятнее всего, «Мадонна Литта» Леонардо была написана в период проживания художника в Милане. Есть также предположения, что да Винчи писал картину, находясь в Риме.
Первое название работы – «Мадонна с младенцем», однако позже её переименовали в «Мадонну Литту» в честь семьи итальянских владельцев по фамилии Литта, у которых полотно хранилось на протяжении почти всего XIX века.
В 1864 году герцог Литта отправил письму императору Российской империи, Александру III, о намерении продать четыре картины, среди них была и «Мадонна с младенцем» да Винчи.
Гедеонов, директор Эрмитажа, привез из Италии этот шедевр мировой живописи. В самой Европе к этой новости отнеслись весьма болезненно, ведь картину отправили в такую далекую страну – Россию… А вот эскиз лица Богоматери остался в Европе, и сегодня он находится в Лувре (Франция).
Стоит отметить, что такой библейский сюжет, как Богоматерь с младенцем на руках, Леонардо изображал очень часто. Его биографы связывают это с тем, что он сам с трех лет был разлучен со своей матерью-крестьянкой. Отец художника был знатного происхождения и изъявил желание растить сына сам, забрав ребенка у его родной матери.
Из-за некоторых отличных друг от друга художественных особенностей картины среди искусствоведов распространено мнение, что автором «Мадонны» является вовсе не Леонардо да Винчи, а один из его учеников. При этом не вызывает сомнений то, что лицо Богоматери нарисовал сам Леонардо. А вот отдельные детали вызвали сомнения. Например, одежда Мадонны изображена будто бы не до конца и даже немного грубо, что не было характерно для живописи той эпохи. Ведь тогда художники прорисовали каждую досконально складочку.
Иного мнения придерживаются другие исследователи. Они считают, что такое разнообразие художественных приёмов допущено автором умышленно: одни детали он стремился подчеркнуть, а другим умышленно придавал косвенное значение и указал на их второстепенность.
Описание “Мадонны Литты”
Приступим к детальному описанию бессмертного полотна да Винчи.
Фоновый горный пейзаж выполнен в голубых тонах, что роднит «Мадонну» с другой картиной Леонардо «Тайная вечеря». Свет на фигуру Христа и на его апостолов также падает слева, как и на Богоматерь с младенцем. Несмотря на то, что за основу взят библейский мотив, образы Богоматери и младенца очеловечены и не лишены эмоций.
В лице Мадонны читается нежность, трепет и радость, с которыми она смотрит на своего Божественного сына. Здесь показана её материнская человеческая сторона. Внимательный и пристальный взгляд ребенка серьезен не по годам, он направлен прямо на зрителя. От этого создается впечатление присутствия и приближенности героев к зрителю. Младенец словно устанавливает контакт и приглашает в свой мир.
Черты лица Богоматери выполнены в традиционном стиле да Винчи: овальный тип лица с высоким лбом, нос немного удлинен и, конечно, присутствует коронная «леонардовская» улыбка – еле уловимая и загадочная.Художественные особенности картины
Если внимательно разглядеть на картину, то мы увидим множество интересных деталей, которые не бросаются в глаза.
На одеянии Мадонны видно для разреза для груди. Один из них зашит, другой же, с правой стороны, разорван специально для кормления дитя. Возможно, ребенок уже был отучен брать грудь матери, однако она не устояла перед его плачем, и ей пришлось разорвать швы на своём платье.
Доподлинно известно, что женщины знатного рода уже в начале XIV века переставали кормить своих детей грудью, нанимая для этого кормилиц. В том же веке да Винчи и другие художники начинают идеализировать образ самостоятельно кормящей матери. Поэтому разорванные швы на платье символизируют некое милосердие по отношению к своему ребенку и самоотдачу.
В левой руке младенца маленький птенец – щегол, являющийся символом чистой христианской души.
Еще одна занятная деталь – это улыбка на лице Мадонны, которой на самом деле нет. У уголка губ падает тень, отчего создается иллюзию улыбки.
Также стоит обратить внимание на отсутствие нимбов матери и младенца. Да Винчи хотел показать именно человеческую сторону Богоматери и её Божьего сына, а не сверхъестественную.
Леонардо можно считать истинным гуманистом, для которого человеческое начало (даже для святых) было основополагающим.
«Мадонна с младенцем» Леонардо или «Мадонна Литта» – картина, воспевающая материнство и определяющая его как одну из самых важнейших ценностей в жизни человека. Каждый смотрящий на это бессмертное полотно Леонардо, увидит в нем что-то свое, очень близкое, родное и умиротворенное.
Смотрите также:Понравилась статья, поделись с друзьями
Оцените автора
( 2 оценки, среднее 4 из 5 )
«Мадонна Литта» Леонардо да Винчи. Необычные детали шедевра
Мадонна Литта (1491). Любящая мать держит своё дитя. Который сосет грудь. Дева Мария красива. Младенец поразительно похож на мать. Серьёзным взглядом он смотрит на нас.
Картина небольшая, всего 42 x 33 см. Но она поражает своей монументальностью.
Маленькое пространство картины вмещает в себя что-то очень важное. Чувство, что присутствуешь при событии, которое не подвластно времени.
Эта картина отличается не только величественностью. Но и своими деталями.
Обратили ли вы внимание, что младенец держит птичку в руке? Что вырезы для кормления на платье Мадонны были зашиты. И в спешке один из них был распорот? Заметили ли вы, как необычно освещаются герои? И почему Леонардо не проработал всех деталей картины?
У Леонардо да Винчи нет ничего лишнего. Каждая деталь имеет свой смысл. Его картины важно “читать”. Этим мы сейчас и займёмся.
1. Освещение на картине, как на фреске “Тайная вечеря”
Мадонна стоит на фоне двух арочных окон. Через которые виднеется пейзаж. Голубые горные хребты и небо. Но функции освещения эти окна не несут. На Мадонну падает свет от неяркого источника откуда-то спереди слева.
Подобное освещение Леонардо уже однажды использовал в другом своём шедевре. В “Тайной вечери”.
Леонардо да Винчи.
Тайная вечеря. 1495-1498 гг. Монастырь Санта-Мария-делле-Грация, МиланЗдесь мы тоже видим голубой горный пейзаж. Свет падает на фигуры Христа и апостолов также откуда-то слева. Как будто из окон трапезной монастыря, в которой находится роспись. Леонардо создал такую иллюзию, чтобы фреска гармонично вписывалась в пространство.
Возможно, того же эффекта он добивался и в “Мадонне Литта”. С учётом помещения, в котором она должна была висеть.
2. Леонардо НЕ проработал все детали картины
Обратите внимание, как тщательно проработаны лица героев на картине. При этом плащ Мадонны написан грубее. Вспомните, как прорисовывали каждую складку художники Эпохи Возрождения. Не удивительно, что возникли домыслы.
Якобы Леонардо в очередной раз не хватило терпения завершить работу. Еще до сих пор популярна версия, что ему помогал кто-то из учеников. Лица написал Леонардо. А вот все остальное, худшего качества, написал другой человек.
Я уверена, что работа принадлежит полностью кисти Леонардо.
Просто он в очередной раз “забежал вперёд”.
Сделав разную степень проработки, он раставил акценты. Чтобы зрение зрителя “выхватывало” из пространства картины самое главное. Лица Мадонны и младенца.
После Леонардо к этому эффекту придёт Рембрандт. Иногда он оставлял часть работы незавершённой. “Картина закончена, как только художник осуществил в ней своё намерение”, говорил мастер.
Рембрандт. Портрет Яна Сикса. 1654 г. Коллекция Сикса, Амстердам. Wikimedia.commons.orgПосмотрите на неожиданный для 17 века импрессионизм Рембрандта. Одежда заказчика написана толстыми, быстрыми мазками. Для Голландии, которая славилась тщательностью в деталях, это было слишком революционно. Рембрандта не понимали.
А представьте, насколько был непонятым Леонардо. Который прибегал к таким эффектам на полтора столетия раньше. Может быть зря многие его работы считаются незавершёнными? Может они были задуманы такими?
3. Прототип Мадонны Литта был создан за 13 столетий до Леонардо
Был ли Леонардо первым в изображении Мадонны, кормящей грудью? На самом деле подобный образ встречается ещё на раннехристианских фресках.
В Римских катакомбах.
До официального признания христианства верующие вынуждены были скрывать свою религию. Были вырыты подземные помещения. В них хоронили христианских мучеников и первых Римских Пап. Там же проходили богослужения. А стены подземелья покрывались фресками на библейские сюжеты.
У меня нет сомнений, что Леонардо был в этих катакомбах. Их вновь открыли при его жизни.
Неизвестный мастер. Мадонна с младенцем. Катакомбы святой Присцилы, РимДева Мария на одной из стен катакомб очень похожа на Мадонну Литту. Много совпадений. То, как мать держит ребёнка. Как ребёнок сосет грудь и смотрит в сторону зрителей. Даже наклон головы Мадонны такой же.
А рядом стоит святой Иоанн Креститель и указывает пальцем на звезду. Его жест похож на жест со знаменитой картины Леонардо “Иоанн Креститель”. Если обе картины поставить рядом, то как раз получается роспись из Римских катакомб.
Слева: Леонардо да Винчи. Святой Иоанн Креститель. Справа: Леонардо да Винчи. Мадонна Литта.
4. Разорванные стежки на груди Мадонны, как символ милосердия
Самая необычная деталь картины. На которую редко кто обращает внимание. На платье Мадонны – два выреза для кормления грудью. Они были аккуратно зашиты. Что видно по разрезу на левой груди.
Однако стежки на правой груди разорваны. Что бы это значило? Не может же мать каждый раз после кормления зашивать вырезы. А перед кормлением их разрывать. Напрашивается только один вывод.
Мадонна планировала отлучить ребёнка от груди. Поэтому вырезы за ненадобностью были зашиты. Однако она не устояла перед плачем ребёнка. Который просил маминого молока. В спешке стежки были разорваны. И дитя припало к груди.
Зачем же Леонардо добавляет такую деталь? Почему бы не изобразить обычный процесс кормления. Без предшествующей маленькой драмы?
Примерно с 1300 года знатные дамы прекратили кормить детей грудью. Нанимая кормилиц. А кто победнее обходился коровьим молоком. Так как в моду вошли “неиспользованные”, упругие груди.
Поэтому не случайно в 14 веке старшие современники Леонардо начали изображать образ Мадонны Млекопитательницы. Сами вскормленные в лучшем случае молоком кормилицы, они идеализировали образ кормящей родной матери.
Амброджио Лоренцетти. Мадонна Млекопитательница. 14 век. Национальная Пинакотека в Сиене, ИталияЛеонардо скорее всего мать кормила грудью. Ведь она была девушкой из низшего сословия, крестьянкой.
Но он пережил другую травму. В 3 года он был разлучен с матерью. Знатный отец пожелал видеть своего незаконнорождённого сына рядом с собой.
Несомненно, эта детская травма повлияла на Леонардо. Поэтому он с таким трепетом изображает образ матери. Матери милосердной и любящей.
5. Щеглёнок. Иллюзия улыбки. Отсутствие нимбов.
Немало и других необычных деталей в “Мадонне Литта”. Щеглёнок в руке младенца. Эта птичка символизирует христианскую душу.
Вам кажется, что Мадонна улыбается? На самом деле нет. Это иллюзия за счёт тени в уголке губ.
А ещё обратите внимание, что над Мадонной и младенцем нет нимбов. Если заказчики не настаивали на их изображении, то Леонардо предпочитал писать святых без них.
Он был гуманистом. Возвеличивающим человека. И в святых ему также была интересна больше их человеческая, нежели божественная сторона.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Автор: Оксана Копенкина
Перейти на главную страницу
Англоязычная версия статьи
«Богоматерь с младенцем и святой Анной» Леонардо да Винчи
Предоставлено LeonardoDaVinci. net |
Богородица с младенцем и святой Анной была написана Леонардо да Винчи в 1510 году. Она написана маслом на дереве и имеет размеры 168 x 130 см (5 1/2 x 4 1/2 фута). Оригинал сейчас находится в Музее Лувра в Париже.
На этой картине изображены святая Анна, ее дочь Дева Мария и младенец Иисус. Христос показан борющимся с жертвенным ягненок, символизирующий его страсть, в то время как Богородица пытается его удержать. Картина была заказана как главный алтарь для Церковь Сантиссима Аннунциата во Флоренции и ее тема давно занимали Леонардо.
Леонардо впервые исследовал тему Богородицы с Младенцем со святой Анной около 149 г.8. Его оригинал
набросок теперь утерян для нас, но в изображенном ниже, обычно называемом мультфильмом Берлингтон-Хаус,
младенец Христос благословляет юного святого Иоанна во время встречи в пустыне.
Это только один из многих
зарисовки на тему, так и не вошедшую в картину; Леонардо должен был полностью отказаться от этих прежних
идеи. Шаржи – это подготовительные крупномасштабные рисунки, предназначенные для переноса на стену или холст во время
окончательная покраска; этот был назван в честь британской коллекции, которой он когда-то принадлежал. Многие ученые отдают предпочтение
Карикатура Burlington House на законченную картину маслом Леонардо, показывающая, насколько сильно лицо Мадонны
более естественный и менее деревянный вид.
Здесь он расположил фигуры в виде пирамиды на фоне пейзажа. Хотя тема Девы Марии, ее
мать (Анна), а Иисус был обычным, Марию необычно изображать на коленях у матери. Фон
Пейзаж, скалы которого словно воспроизведены в фате Анны, практически тает в его сфумато-дымке. Ребенок
ягненок является одновременно символом невинности и жертвы Иисуса за человечество, увековеченной в Иоанна Крестителя.
ссылка на Иисуса как на «Агнца Божьего».
Мона Лиза
Тайная вечеря
Витрувианский человек
Спаситель мира
Автопортрет
Богородица с младенцем и святой Анной
Поклонение волхвов
Мадонна прядильщика
Крещение Христа
Благовещение
Дама с горностаем
Бахус
Голова женщины
Литта Мадонна
Портрет Джиневры де Бенчи
Битва при Ангиари
Святой Иоанн Креститель
Эмбрион в утробе матери
Произведения по стилю: Высокое Возрождение
Художники Высокого Возрождения находились под влиянием линейной перспективы, затенения и натуралистической образной обработки, начатой художниками раннего Возрождения, такими как Мазаччо и Мантенья.
В то время как живопись Высокого Возрождения продолжала традицию фресковой живописи в связи с религиозными сценами, практика таких мастеров, как Рафаэль, Леонардо и Микеланджело, основывалась на новшествах среды. Например, для росписи Сикстинской капеллы Микеланджело не только разработал систему строительных лесов, чтобы добраться до места, но и разработал новую формулу и способ нанесения фрески для решения проблемы плесени, а также технику мытья и использование различных кистей.
В то же время многие шедевры Высокого Возрождения впервые были написаны маслом, как правило, на деревянных панелях, но иногда и на холсте. Поскольку масла давали больше возможностей для тонких тональных и цветовых градаций, полученные работы были более реалистичными. В результате появился новый корпус убедительных портретов обычных людей.
Леонардо Мона Лиза (ок. 1519), несомненно, самый известный пример. Другие художники Высокого Возрождения, такие как Андреа дель Сарто в его Мадонна с гарпиями (1517) и Фра Бартоломео в его Портрете Джироламо Савонаролы (ок. 1497-1498) также создали мощные работы маслом.
Практика Леонардо в масляной живописи привела его к разработке новой техники под названием sfumato , что означает «постепенно исчезал, как дым». Он включал использование полупрозрачных глазурей, наносимых кистью, для создания постепенных переходов между тонами света и тени. В результате, как писал Леонардо, «без линий и границ, в отношении дыма», создавалась яркая имитация реальности, лишенная всех признаков мазков художника. Другие художники Высокого Возрождения, такие как Рафаэль, Фра Бартоломео и Корреджо, также освоили этот стиль, который позже сильно повлиял на художников эпохи Возрождения венецианской школы, таких как Джорджоне, а затем и на художников-маньеристов. Мастерство Рафаэля sfumato можно увидеть, в частности, в его обработке лица Богородицы в его Мадонне с младенцем Христом и святым Иоанном Крестителем (1506).
Ведущим архитектором Высокого Возрождения был Донато Браманте, наиболее известный своим акцентом на классическую гармонию, использование центрального плана и вращательной симметрии, как видно из его Tempietto (около 1500 г.). Вращательная симметрия включала использование восьмиугольников, кругов или квадратов, чтобы здание сохраняло одинаковую форму с разных точек зрения. Он также создал первый эффект trompe l’oeil для архитектурных целей в церкви Санта-Мария-прессо-Сан-Сатиро в Милане. Из-за наличия дороги за стеной церкви для зоны хора оставалось всего три фута, поэтому архитектор использовал линейную перспективу и живопись, чтобы создать иллюзорное ощущение расширенного пространства.
Ученик Браманте Антонио да Сангалло Младший спроектировал Палаццо Фарнезе, который сэр баристер Флетчер назвал «самым внушительным итальянским дворцом 16 века». Дизайн придерживался классических принципов, имел спартанскую простоту и использовал рустацию, в результате чего строительный камень оставался в текстурированном и незавершенном состоянии, что позволяло сохранять естественные линии и цвет.
Однако эта эпоха была отмечена конкурирующими проектами и личным соперничеством. Кардинал Фарнезе, ставший папой Павлом III в 1534 году, был недоволен дизайном карниза Палаццо и провел конкурс на новый проект, который был присужден Микеланджело. Популярная история рассказывает, как Сангалло Младший умер от стыда в следующем году, когда Микеланджело завершил последние штрихи здания.
Микеланджело был главным соперником Браманте, так как в более позднем возрасте он работал архитектором. Он спроектировал Лаврентьевскую библиотеку во Флоренции и создал купол базилики Святого Петра, хотя здание в целом отражало работы Браманте, Рафаэля и более поздних архитекторов, таких как Бернини. Эта работа, выполненная в период с 1523 по 1571 год, была особенно новаторской; создавая динамическое ощущение движения в элементах лестницы и стен, которые оказали влияние на более поздних архитекторов.
Несомненным мастером скульптуры эпохи Высокого Возрождения был Микеланджело, чья Пьета (1499 г.
), законченная, когда ему было всего двадцать четыре года, положила начало его карьере. Он решил изобразить необычно юную Деву Марию, держащую на коленях мертвого Христа. Хотя обработка этой сцены была популярна во Франции, она была совершенно новой для итальянского искусства. Пирамидальная композиция произведения и натуралистическая образная трактовка создали мощный классический эффект. Тем не менее, работа также показала инновационные варианты. Монументальный масштаб Богородицы по сравнению с Христом придавал произведению высокоэмоциональный материнский аспект и стал фирменным приемом художника в его творчестве, этой манипуляцией с высоким контрастом. В отличие от скульпторов раннего Возрождения, таких как Донателло, которые работали с бронзой, Микеланджело единолично возродил классическое использование мрамора и привнес элементы монументальности во все свои последующие скульптуры, как в размере фигур, так и в масштабе проектов.
Леонардо также занимался скульптурой, в частности, спроектировал самую большую в мире бронзовую конную статую.