Искусство при петре 1 кратко: Культура при Петре 1: изменения в России

Содержание

Выставка «Войны и походы Петра I»

Войны и походы эпохи Петра I серьезно подорвали экономику государства, но именно они, а точнее необходимость создания боеспособной армии и инфраструктуры для ведения боевых действий, стали точкой опоры всех петровских реформ и преобразований. Представленные на выставке материалы кратко характеризуют военные конфликты, произошедшие за время правления Петра I. Вы увидите некоторые тома грандиозного исторического труда Голикова И. И.«Деяния Петра Великого, мудрого преобразителя России, собранные из достоверных источников и расположенные по годам», 1837 года издания. В нем по годам описаны все события жизни и деятельности Петра Первого. Перед читателем предстает панорама жизни России начала 18-го столетия. Книга была построена по образцу французских анналов того времени. Автор провел громадную и кропотливую работу, собрав множество фактического материала в архивах, в рукописях современников событий. Труд Голикова и поныне считается одним из самых главных и основополагающих при изучении истории Петра.

Для того чтобы осуществить свои реформы, Петр I вынужден был бороться не только с внутренней реакцией, но одновременно вести тяжелую войну со Швецией и Турцией за выход к Балтийскому и Черному морям, об этом книга Порфирьева  Е. И.  « Петр I — основоположник военного искусства русской регулярной армии и флота».

Первой морской школой в России по праву считается Переславская флотилия, созданная Петром в Переславле-Залесском. Летом 1689 г. на воду Плещеева озера были спущены два небольших фрегата и две яхты, началось строительство «Потешного» флота. Летом 1692 г. было готово уже несколько десятков кораблей, прошли маневры Переславской флотилии и Бутырского полка. (Митрофанов В. П. «Школы под парусами»)

Гангутское сражение, состоявшееся 27 июля 1714 года между русским и шведским флотами, может и не впечатляет своими масштабами, но это была первая морская баталия, в которой молодой русский флот одержал полную победу над противником. По-сути, он только ещё зарождался, ведь дата его создания датируется 1696 годом. До этого Россия вообще не имела своих военных морских сил. А шведы на тот период времени были профессиональными моряками. Однако неопытные русские флотоводцы сумели разгромить просоленных «морских волков», что делает победу ещё более значимой

. Об этом в книге Шигина В. В. «Гангут первая победа российского флота».

Почти четверть века длилась война России со Швецией за выход к Балтийскому морю, за возвращение исконно русских земель, захваченных у России  Швецией в конце XVI и начале XVII века.

Исход Северной войны имел колоссальное значение для дальнейшего развития России. После этой войны Россия стала играть огромную роль в международной политической жизни, превратившись в одно из могущественных государств Европы. В ходе этой войны Петр создал русскую регулярную армию и военно-морской флот, разработал основы русского военного искусства, которые в течение долгого времени  — до Румянцева и Суворова – были тем фундаментом, на котором строилась, обучалась и воспитывалась русская армия. Об этом вы узнаете из книги

Тельпуховского  Б. С. «Северная война».

Петр Великий считал Полтавскую битву самым светлым воспоминанием своего царствования. По его желанию Церковь установила ежегодное благодарственное воспоминание об этой победе 27 июня. В этот день в 1709 году под Полтавой русские войска разбили шведскую армию короля Карла XII, до этого дня считавшуюся в Европе непобедимой.

Полтавская битва явилась переломным моментом в ходе Северной войны, которая решила вековой спор между Россией и Швецией за берега Балтийского моря.

В книге Тельпуховского Б. С. «Полтавская битва», рассказывается о том, что уже в 1721 году Петр готовил к выходу в море весь свой флот. Эти решительные действия Петра оказали сильное влияние на тянувшиеся бесплодные переговоры о мире. 30 августа 1721 года в Ништадте был заключен мир, по которому Лифляндия, Эстляндия, Ингрия и часть Финляндии отошли к России. Русскому государству был возвращен выход к морю. В Петербурге при большом стечении народа был торжественно отпразднован Ништадский мир. Петр призвал собравшихся на празднество, «надеясь на мир, не ослабевать в военном деле».

Были и другие военные походы и победы русской армии. Разнообразные материалы об этом представлены на нашей выставке.

Ждем всех, кто интересуется историей России и личностью Петра Великого.

Выставка находится на 3-м этаже библиотеки в каталожном зале.

Проходит с 17 июня по 14 июля согласно графику работы библиотеки.

 

Собор святого Петра и Музеи Ватикана — История и искусство — Куда поехать

В самом центре Рима (Roma), на территории города Ватикан (Città del Vaticano), возвышается великолепный Собор святого Петра (Basilica di San Pietro), самый большой в мире храм с величественным куполом, вознесшимся над крышами Вечного города (Città Eterna). Здесь же расположены Музеи Ватикана (Musei Vaticani) с удивительной Сикстинской капеллой (Cappella Sistina).
Собор святого Петра  (Basilica di San Pietro)
Сюда, где бьется сердце католицизма, каждый год стремятся миллионы паломников, прибывающих со всего мира, чтобы объединиться в молитве и получить благословение Папы.
Строительство этой базилики, возвышающейся над площадью Святого Петра (Piazza San Pietro), началось 18 апреля 1506 года по воле папы Юлия II (papa Giulio II) и было закончено в 1626 году во время понтификата папы Урбана VIII, а оформление лежащей перед ней площади завершилось только в 1667 году.
На том же месте, где сегодня расположена базилика, ранее находилась другая, более древняя, выстроенная в IV веке по приказу римского императора Константина I.
Множество архитекторов поочередно приняли участие в строительстве собора: Браманте (Bramante) в сотрудничестве с Джулиано да Сангалло (Giuliano da Sangallo), Рафаэль вместе с тем же Джулиано да Сангалло и Фра Джокондо (Frà Giocondo), Антонио да Сангалло Младший (Antonio da Sangallo il Giovane) совместно с Бальдассаре Перуцци (Baldassarre Peruzzi), Микеланджело (Michelangelo), Пирро Лигорио (Pirro Ligorio) и Джакомо Бароцци да Виньола (Jacopo Barozzi da Vignola), Джакомо делла Порта (Giacomo Della Porta) с Доменико Фонтана (Domenico Fontana), Карло Мадерно (Carlo Maderno) и, наконец, с 1629 года Джованни Лоренцо Бернини (Gian Lorenzo Bernini).

Бернини в XVII веке построил внушительные боковые колоннады, состоящие из 284 дорических колонн, увенчанных 140 статуями святых высотой 3 метра 10 сантиметров и шестью большими гербами папы Александра VII Киджи.
Если встать на порфировые диски в центре площади, то, благодаря архитектурному гению Бернини, можно увидеть, как колонны, словно по волшебству, выравниваются, выстраиваясь идеально одна за другой. Длина бòльшего диаметра площади равна 240 метрам, а в ее центре расположен обелиск высотой 25 метров.
Поднявшись по лестнице, перестроенной Бернини (Bernini) и состоящей из трех маршей, мы подходим к портику длиной 71 метр, прорезанному пятью порталами, закрытыми решетками. Каждому из порталов соответствует одна из входных дверей базилики. Портик и фасад были построены Карло Мадерно.
Войдя в базилику, вы тотчас поразитесь богатством ее художественного убранства и проникаетесь ощущением исходящей от нее святости, однако грандиозный масштаб этого сооружения осознается не сразу.
В глубине центрального нефа находится статуя святого Петра, поднявшего руку в благословляющем жесте, чья стопа истерлась от прикосновений верующих.
В правом нефе находится «Оплакивание Христа», знаменитая Пьета (Pietà) Микеланджело, мраморная группа, оказывающая на зрителей глубочайшее эмоциональное воздействие, завершенная скульптором в возрасте 23 лет.

Символом католической церкви и Рима (Roma) стал главный купол собора –монументальная конструкция, спроектированная Микеланджело и возведенная после его смерти всего за два года архитекторами Доменико Фонтана и Джакомо делла Порта.
Внутренняя отделка, выполненная в технике мозаики, представляет сцены из жизни Христа, образы апостолов, а также бюсты римских пап и святых. Ступени консольной лестницы, ведущей на вершину купола, выполнены из терракотовых плит, изготовленных в Ферентино, знаменитом изделиями из обожжённой глины.
Под куполом находится грандиозный «Балдахин» — алтарная сень над гробницей святого Петра, также разработанный Бернини и возведенный в 1624-1633 годах. Он отлит из бронзовых украшений, снятых с Пантеона, достигает почти 30 метров в высоту и поддерживается четырьмя витыми колоннами.
Нижний уровень базилики называют Ватиканскими гротами (Grotte Vaticane). Они располагаются под полом собора, здесь находится гробница Петра, а также захоронения римских пап, среди которых Иоанн Павел II.

Музеи Ватикана и Сикстинская капелла (Musei Vaticani e Cappella Sistina)
Пройдя вдоль высокой стены, недалеко от базилики вы найдете вход в Музеи Ватикана, сокровищницу произведений искусства непревзойденной ценности.
Среди других музеев посетите Египетский музей, где экспонируются многочисленные образцы скульптуры, саркофаги и мумии, а также клинописные таблички и печати из Месопотамии.
Художественная галерея знакомит с шедеврами Джотто, Караваджо, Фра Анджелико, Перуджино, Тициана, Леонардо и Рафаэля.
В Ватиканских дворцах можно посетить Станцы Рафаэля (Stanze di Raffaello), расписанные великолепными фресками, созданными художником в 1508-1524 годах.

Но главной достопримечательностью является Сикстинская капелла (Cappella Sistina), построенная в 1475-1481 годах во времена папы Сикста IV из династии делла Ровере, чье имя и дало название капелле. В создании этого уникального шедевра приняли участие такие выдающиеся художники, как Перуджино, Боттичелли, Росселли и Гирландайо.
Но, несомненно, самый большой вклад в ее создание внес Микеланджело, расписавший своды и создавший фреску «Страшный суд» (Giudizio Universale)  на торцевой стене над алтарем.
Сикстинская капелла известна во всем мире не только благодаря своему художественному убранству, но и как место проведения конклавов (conclave).

Любопытные факты
Собор святого Петра является самым большим католическим храмом.
На полу центрального нефа, следуя от входа к апсиде, можно увидеть вставленные в мрамор позолоченные звезды: они обозначают размеры в длину (измеряемую от апсиды собора святого Петра) других крупных церквей мира.

ОБРАЗ ПЕТРА I В РУССКОЙ КУЛЬТУРЕ

Образ Петра в отечественной культуре

Образ Петра I получил ярчайшее воплощение в отечественной литературе, скульптуре, театре, живописи, кино. Его неординарный облик был запечатлен художниками А.Н. Бенуа, Е.Е. Лансере, В.И. Суриковым, В.А. Серовым. Жизнь и деятельность Петра были описаны писателями в повестях и романах. Мир увидел такие произведения, как «Петр Первый» (А.Н. Толстой), «Полтава», «Медный всадник», «Арап Петра Великого» (А.С. Пушкин), «Петр и Алексей» (Д.С. Мережковский).

Память о великом государе хранят многочисленные памятники в Петербурге («Медный всадник» Э.М. Фальконе, бронзовая статуя Б.К. Растрелли, бронзовая сидячая скульптура в Петропаловской крепости, выполненная М.М. Шемякиным), а также в Архангельске, Таганроге, Петродворце (М.М. Антокольский), Туле, Петрозаводске (И.Н. Шредер и И.А. Монигетти), Москве (З. Церетели). Открыты мемориальные дома-музеи Петра I в таких городах, как Ленинград, Таллин, Переславль-Залесский, Вологда, Лиепая.

Образ Петра I не раз использовался в кинематографе. Были сняты такие фильмы, как «Царевич Алексей» (1918), «Петр Первый» (1937), «Баллада о Беринге и его друзьях» (1970), «Табачный капитан» (1972), «Сказ про то, как царь Петр арапа женил» (1976), «Юность Петра» (1980), «В начале славных дел» (1980), «Россия молодая» (1982), «Дмитрий Кантемир», «Царевич Алексей» (1997), «Тайны дворцовых переворотов. Завещание императора» (2000), «Петр Первый. Завещание» (2011).

Образ Петра в скульптуре

Петру Великому воздвигнуты памятники в разных уголках России и европейских стран. Наиболее известный памятник – «Медный всадник» на Сенатской площади Санкт-Петербурга, отлитый из бронзы скульптором Э.М. Фальконе и открытый 7 (18) августа 1782 г.

По приказу императора Павла I в 1800 г. перед Михайловским замком был установлен памятник Петру I с надписью «Прадеду Правнук». Петр I предстал в виде римского императора, сидящего на коне и сжимающего в правой руке жезл полководца.

В ознаменование 300-летия российского флота в 1997 г. был открыт памятник Петру I, воздвигнутый по заказу Правительства Москвы на искусственном острове, насыпанном у разделения Москвы-реки и Водоотводного канала. Автор – скульптор З.К. Церетели. Общая высота памятника составляет 98 метров, высота фигуры Петра – 18 м.

Российский скульптор М.М. Шемякин создал несколько памятников Петру Великому. Один из них – памятник Петру I в Петропавловской крепости Санкт-Петербурга (1991) – одна из главных достопримечательностей города, другой – памятник Петру Первому в Дептфорде (Лондоне) (2001). Еще один памятник – «Царская прогулка» (2003) стоит в Стрельне близ Санкт-Петербурга и изображает императора,  направляющегося к заливу вместе с супругой и охотничьими собаками.

Образ Петра в живописи

И.Н. Никитин – любимый художник Петра I – оставил миру портреты Петра. Однако перед зрителями престает не могущественный реформатор, а обычный человек, со свойственной ему усталостью, мягкостью. Картина «Петр I на смертном ложе» (1725) передает всю человечность императора.

Всемирно известно полотно русского художника Н.Н. Ге «Петр I допрашивает царевича Алексея в Петергофе» (1871). Лейтмотив – Петр I, ломая прежний порядок, строит новое государство.

Художник-передвижник В.А. Серов посвятил образу российского императора несколько картин: «Петр I на псовой охоте» (1902), «Петр I» (1907). Изображая Петра, шагающего навстречу ветру, и его свиту, комично пригибающуюся под порывами воздушных масс, художник в картине «Петр I» показал всю мощь и величие российского императора.

О Русском музее — Русский музей

Русский музей – крупнейший в мире музей русского искусства, уникальный архитектурно-художественный комплекс в историческом центре Санкт-Петербурга.

Это первый в стране государственный музей русского изобразительного искусства. Решение о его основании было принято Александром III. Позднее, в   1895 г. Николай II подписал указ «Об учреждении особого установления под названием «Русского Музея Императора Александра III» и о представлении для сей цели приобретенного в казну Михайловского дворца со всеми принадлежащими к нему флигелями, службами и садом». В мае того же года началась перестройка дворцовых помещений для будущих музейных экспозиций (арх В.Свиньин).

Торжественное открытие Русского музея для посетителей состоялось 19 (7) марта 1898г. Основой собрания Русского музея служили предметы и произведения искусства, переданные из Зимнего, Гатчинского и Александровского дворцов, из Эрмитажа и Академии художеств, а также коллекции частных собирателей, переданные музею в дар.

Коллекция музея насчитывает около 400 000 экспонатов и охватывает все исторические периоды и тенденции развития русского искусства, основные виды и жанры, направления и школы более чем за 1000 лет: с Х по ХХI век.

Основная ретроспективная экспозиция музея расположена в Михайловском дворце (арх. Карл Росси, 1819-1825 гг.), построенном для сына императора Павла I Великого князя Михаила Павловича, и в корпусе Бенуа, первоначально построенном как выставочный павильон Академии художеств (арх. Л.Н.Бенуа и И.С.Овсянников. 1914-1919 гг.)

Общая площадь территории музея в настоящее время составляет более 30 га. Коллекция размещена в зданиях, являющихся выдающимися памятниками архитектуры XVIII–XIX вв.: Михайловском, Строгановском, Мраморном дворцах и Михайловском замке. В состав музейного комплекса также входят Михайловский сад, Летний сад с Летним дворцом Петра I и домик Петра I.

Русский музей cегодня – обширный музейный комплекс, крупнейший авторитетный научно-исследовательский, реставрационно-хранительский и методический центр, курирующий работу всех художественных музеев страны.

Научная библиотека музея была организована в 1897 году. Сегодня фонд библиотеки составляет около 170 000 единиц хранения. В 1978 году был организован сектор редких книг. В 1993 году установлена автоматизированная информационно-поисковая система.

Влияние реформ Петра I на развитие русской культуры и просвещения

В ходе своих реформ Петр I прежде всего позаботился о просвещении своих подданных [см. Культура и просвещение при Петре I], – в этом деле главными помощниками его были киевские и московские ученые. Из учеников Киевской и Московской духовных академий, выбирали они наиболее талантливых людей для посылки за границу, или, позднее, в гимназию и университет при Петербургской Академии наук. Это были первые учители в петровских школах, первые переводчики книг с иностранного, защитники и усердные истолкователи его реформ.

 

Реформы культуры, быта первой четверти XVIII века. Видеоурок

 

Император не был охотником до поэзии, до изящной литературы, – его практический ум, особенно под давлением обстоятельств, искал лишь прикладных знаний. По словам Петра, он не терпел «лишних рассказов, которые время только тратят и у чтущих охоту отъемлют». Этим объясняется, что при нем появилось в печати лишь нисколько беллетристических сочинений («Война мышей и лягушек», «Метаморфозы» Овидия, «Притчи» Эзопа, «Библиотека о богах» Аполлодора, «Апофегматы»). Между тем, потребность к чтению была в русской публике сильная.

Это видно из того, что, даже при Петре, эти литературные произведения выдержали несколько изданий: «Притчи Эзопа» (5 изд.), Аполлодора «Библиотека о богах» (5 изд.), «История о разорении града Трои» (3 изд.), «Книга Квинта Курция о делах, соделанных Александром Великим» (4 изд.). Кроме того, литературное значение имеют следующие издания: «Юности честное зерцало, или показание к житейскому обхождению, собранное от разных авторов» и «Приклады, како пишутся комплименты».

Из учебных руководств при Петре были напечатаны «Введение краткое в историю», «Славянская и латинская грамматики», «Руковедение в арифметику», «География, или краткое земного круга описание», «Арифметика Магнитского», «Синопсис» Гизеля и др.

При Петре начала издаваться и первая русская газета: «Русские Ведомости».

Особое внимание обратил император на устройство школ. В 1701 г. в Москве учреждена была «Школа математических и навигацких наук» (в 1715 г. она была перенесена в Петербург и преобразована в Морскую академию). В тон же 1701 году была преобразована Московская академия; с 1700 года начали открываться «епархиальные» школы. В 1703 г. в Москве открыта была школа пастора Глюка с самой широкой программой, охватившей чуть не все науки, – впрочем, с преобладанием наук гуманитарного характера. Она существовала недолго, до 1706 г. В Новгороде в 1706 г. была устроена «Славяно-греческая школа», которая давала не только духовное, но и светское образование; из этой школы возникло до 15 таких же; в 1714 г. постановлено было учреждать в городах школы «цыфирные», чисто светские, которые в 1723 г. слились с епархиальными «архиерейскими». «Славяно-греко-латинская академия» о «Школа математических наук» сделались исходными пунктами целой сети низших школ.

Создание этой первой в России сети духовных и светских школ и было тем огромным шагом вперед, который делает из петровского царствования эпоху в истории русского образования. Обе академии поставляли в провинцию учителей. К концу царствования Петра в провинции светских «цыфирных» школ было до 50, а «духовных» архиерейских – до 46.

Посещение светских школ было для русских людей тяжелой повинностью, так как характер нового просвещения был слишком чужд для русской провинции, приученной к образованию церковному. Вот почему все заботы Петра о насильно вводимом просвещении, надо сознаться, принесли, на первых порах, больше смуты, чем пользы. Гораздо плодотворнее была массовая посылка за границу русских людей: из них многие вышли людьми с ясным сознанием, с определенными идеалами, – они-то и были настоящими воспитателями и учителями русской молодежи XVIII века.

Страсть к «раритетам» (редкостям) привела Петра к устройству в России естественноисторического и анатомического музея; интерес к книгам привел к учреждению первой публичной библиотеки. Кроме того, Петр много усилий приложил к развитию переводческого и типографского дела. Первые русские типографии были открыты за границей (в 1700 г. Тессинга и Копиевского в Амстердаме). Затем число их стало быстро расти и в России. Благодаря этим типографиям, появились на русском языке напечатанные гражданским шрифтом политические и исторические сочинения Пуфендорфа, Гуго Гроция, Барония, Липсия и др.

Художественные богатства Западной Европы нравились Петру не менее фабрик и верфей, – он охотно посещал картинные галереи, покупал за границей произведения искусств. В выборе картин особенно сказались его «голландские» вкусы, – благодаря этому в картинной галерее Эрмитажа так хорошо представлена «фламандская школа» живописи.

Не щадил денег Петр и на художественные архитектурные постройки. «Оградя отечество безопасностью от неприятеля, надлежит стараться находить славу государству чрез искусства и науки» – вот, о чем он мечтал.

Заботы Петра о русском театре совершенно отвечали этой программе, т. к. театр облагораживает общество, возвышая его эстетические потребности. При Петре был выстроен первый общественный театр, в Москве в 1702 г., – при царе Алексее это была исключительно царская и придворная потеха, недоступная народу. Немецкая труппа Кунста, а с 1703 г. Фирста, составленная отчасти из немцев, отчасти из их русских учеников, с успехом давала пьесы в этой «комедийной хоромине». Репертуар Кунста и Фирста был очень разнообразен – они играла немецкие комедии, драмы и оперы, оригинальные и переводные, представляли и пьесы, сочиненные на «случаи» (на победу, на приезд царя и т. д.). В 1707 г. театр этот перестал существовать, и все «убранство» его перешло в Преображенский театр царевны Натальи, а затем в театр царицы Прасковьи, – тоже любительницы театральных зрелищ.

В Москве после Фирста театральное дело перешло в руки учеников хирургической школы и студентов Московской академии. В Петербурге театр был устроен царевной Натальей; посещение его было общедоступно и бесплатно; в 1723 г. существовал немецкий театр Манна и простонародный театр, на котором, во время Масляной, служители царских конюшен разыгрывали балаганные фарсы.

Кроме театра позаботился Петр и о других публичных развлечениях. Как ни грубы были его «ассамблеи», маскарады, шутовские свадьбы, – все-таки они значительно приблизили нас к Европе, тогда в забавах своих тоже не особенно разборчивой.

Таковы, вкратце, результаты забот Петра о просвещении и развитии ума и чувства своих подданных.

 

Как графическое искусство помогло Петру I построить империю — Российская газета

Хотелось, как в Европе

Гравюра в Петровскую эпоху была не столько произведением искусства, сколько средством массовой информации. И это отнюдь не парадокс! При отсутствии газет и журналов (как известно, первая российская газета «Ведомости» появилась в 1703 г.) царю важно было информировать население о ходе Северной войны, и для наглядной визуальной картины он использовал гравюру. Гравюры так же информировали население о триумфальных шествиях, празднествах, фейерверках, построенных новых кораблях и других важных государственных и придворных событиях…

Гравюра на дереве была давно известна в России, она украшала издания московского Печатного двора. Гравюра на меди была освоена русскими мастерами в XVII столетии, в особенности художниками Оружейной палаты. Одним из первых был Афанасий Трухменский, иллюстрировавший книги Симеона Полоцкого в 1670-1680-е гг. Однако изготовление сложных по композиции и барочных по форме гравюр на меди не было столь распространенным и популярным в России, как в Европе, а царю хотелось, чтобы было именно как в Европе. Вероятно, он еще в Амстердаме оценил преимущества гравюры перед другими видами «художеств»: ее дешевизну по сравнению с живописью, доступность технологии изготовления, быстроту исполнения. Именно гравюра была выбрана им в качестве иллюстративного ресурса для отражения начавшихся в стране преобразований и, в особенности, военных событий.

А. Шхонебек. Города Азова списание от взятья. 1699 г.

Петр Первый в подмастерье у мастера Шхонебека

Интерес Петра Великого к гравюре проявился еще во время Великого посольства в Амстердаме в 1697 году. Он не только посещал там мастера-гравера Адриана Шхонебека (Схонебека), но и сам лично попробовал сделать гравюру на тему «Победа христианства над исламом». Царь вырезал гравюру под руководством Шхонебека, а затем пригласил своего учителя приехать работать в Россию, на что Шхонебек согласился.

Адриан Шхонебек прибыл в Россию в 1697 г. и трудился в Оружейной палате до своей кончины в 1705 г. Его резцу принадлежат более пятидесяти самых разных гравюр. Большинство из них посвящены битвам Северной войны, представленным то планами и схемами взятых русскими войсками крепостей, то сценами сражений, то географическими картами. Но попадаются и изображения фейерверков 1697 и 1704 гг., портреты Петра I и фельдмаршала Б.П. Шереметева (1702-1705), изображение любимого корабля Петра I «Гото Предестинация» («Божье предвидение»; 1701), усадьбы графа Ф.А. Головина в Немецкой слободе в Москве.

Последняя гравюра не была завершена мастером, и ее заканчивали ученики. Как и всем приглашаемым тогда в Россию специалистам, Адриану Шхонебеку было поручено готовить российских учеников, с чем он успешно справился. Среди его учеников были Алексей и Иван Зубовы (сыновья живописца Оружейной палаты Федора Зубова), Петр Бунин (сын московского гравера Леонтия Бунина), Василий Томилин, Степан Закройщиков, Иван Никитин, Егор Воробьев и другие.

Манера Шхонебека как нельзя лучше подходила для воплощения задач, поставленных царем. Мастер стремился к предельной реалистичности изображений, к точности в передаче деталей, нюансов, тех или иных значимых подробностей. При этом он включал в свои гравюры барочные картуши (щиты с изображениями или текстом), превращавшие схематичные чертежи в произведения искусства.

А. Шхонебек. Географскии чертеж над Ижерскою землеи с своими городами, уездами, погостами. 1704 г.

Гравюра — витрина России

Команда граверов под руководством Шхонебека не справлялась с большим числом заказов, которые на них обрушивал царь, поэтому Шхонебек вызвал на подмогу своего пасынка и ученика Петра Пикарта. Тот приехал в Россию в 1702 г.

Все ученики Шхонебека продолжили лучшие традиции голландской и русской школ гравирования. А вот Алексей Зубов, без сомнения, превзошел своего учителя, став одним из самых знаменитых художников Петровской эпохи. Вместе со Шхонебеком работали также печатники Варфоломей Терехов, Матвей Познанский, Парфен Иванов, терщик Иван Кормилицын, чистильщик Иван Фомин и другие.

Сотни гравюр, выполненных в первой четверти XVIII в., убедительно доказывают, какое значение придавал император-преобразователь этому виду искусства, видя в нем способ показать своему народу, как и всей Европе, достижения России. Гравюры отображали буквально все стороны русской действительности. Военная тема раскрывалась через изображения осад и штурмов турецких, а затем и шведских крепостей, видов военных кораблей, а также «дедушки русского флота» — английского ботика, на котором Петр Великий плавал еще мальчиком; панорам сухопутных и морских сражений. Печатались топографические и географические карты и схемы. Большими тиражами штамповались таблицы флагов всех стран, астрономические и математические таблицы. Широко привлекалась гравюра для фиксации чертежей и схем в учебных пособиях по военному, морскому, инженерному, артиллерийскому делу. Гравированные картины показывали виды городов, в частности, Москвы и строящегося Санкт-Петербурга, «образцовые дома» всех типов для разных социальных слоев в новой столице. Крайне трудной задачей, с которой, однако, справлялись художники, была фиксация на больших гравюрах триумфальных шествий и фейерверков в честь русских побед в Северной войне. Планы садов и парков, клейма гербовой бумаги, картуши для компасов, а также портреты, «конклюзии» и «тезисы» (аллегорические композиции философско-религиозного содержания) — все это и многое другое фиксировалось с помощью гравюр.

Форт Кроншлот у южного побережья острова Котлин.

Походная гравировальная мастерская

Особую роль в создании гравюр-иллюстраций событий Северной войны сыграла Походная гравировальная мастерская, возглавляемая Петром Пикартом, прожившим в нашей стране до 1737 г. Уже к 1703 г. относятся сведения, подтверждающие существование на театре военных действий походной гравировальной мастерской. Сохранились перечни мастеров, время от времени выезжавших на театр войны по вызову Петра Великого и выполнявших его заказы на изготовление видов крепостей, различных схем и планов, батальных сцен, происходивших под Шлиссельбургом, Шлотбургом, Дерптом, Нарвой. Среди граверов помимо Петра Пикарта значатся Иван Зубов, Петр Бунин, Василий Томилов и другие1. В их задачу входило делать гравированные изображения по свежим следам военных событий.

Гравюры Пикарта отличались сухим, практически документальным языком. Он соответствовал задачам гравюры как информационного документа, дающего хотя и схематичное, но точное отображение расположения осаждающих или атакующих войск, видов вооружения воюющих сторон и основных моментов сражений. Так, например, Пикарт предельно реалистично изобразил взятие в плен двух шведских судов, захваченных русскими лодками в устье Невы в мае 1703 г. Ему принадлежит, по подсчетам исследователей, около 50 работ. Самые известные его произведения — офорт «Полтавское сражение» (1710), гравюра с первым видом Санкт-Петербурга (1704 г.), парные конные портреты Петра I и А.Д. Меншикова в рыцарских доспехах, париках, на фоне сражения (1707), три листа с изображением триумфальных арок в честь Полтавской победы, «Шведский галиот «Гедан».

А. Зубов. Триумфальный привод взятых 30 мая 1719 г. господином Сенявиным шведских галер.

Ученик превзошел мастера

В 1708 г. П. Пикарт был послан на Московский печатный двор для организации там гравировальной мастерской. Но вскоре он начал терять зрение, поэтому число его работ резко сократилось.

Ему на смену пришел великолепный гравер-художник Алексей Зубов, возглавивший в 1711 г. гравировальную мастерскую при только что созданной Санкт-Петербургской типографии. Работы Зубова (а их насчитывают около 110) легко узнаются по главным отличительным признакам — наличию панорамных видов «с птичьего полета», обилию воздуха, динамичности изображений, удачным композиционным решениям. Зубов был прекрасным рисовальщиком и делал сам рисунки для своих гравюр. «Визитная карточка» мастера — гравюры «Васильевский остров» (1714), «Панорама Санкт-Петербурга» (1716), «Торжественное вступление русских войск в Москву после победы под Полтавой» (1711), «Летний сад с Летним дворцом» (1716), «Гренгамская пирамида» (1720).

В гравюрах на батальные темы («Сражение у мыса Гангут», 1715; «Сражение при Гренгаме», 1721, и др.). Зубов делал акцент на динамичности и эмоциональности сцен морского сражения, показывая столкновения судов в пороховом дыму, стреляющих из ружей солдат в лодках, упавших в воду людей и т.д. Вместо скромного топографического плана в «Битве у реки Пелкиной» (1713) он создал условную картину, на которой видны деревенька с домиками и шпилем церквушки, рота солдат (отдельные человеческие фигуры и конный командир), река с набегающими на берег волнами.

Шмуцтитул «Книги Марсовой».

История «Книги Марсовой»

Когда в 1711 г. возникла мысль собрать все изготовленные ранее гравюры, посвященные Северной войне в отдельную «Книгу Марсову», и добавить к ним недостающие «документальные свидетельства», во главе этой большой работы оказался Алексей Зубов.

Вместе с А. Зубовым над «Книгой Марсовой» работали П. Пикарт, А. Ростовцев, Г. Девит и другие. Поскольку большинство гравюр не имеет подписей, не все авторы могут быть установлены. Алексей Ростовцев, работавший до переезда в новую столицу в гражданской типографии В.О. Киприанова в Москве и оформлявший математические и астрономические таблицы и цельногравированные издания (в том числе и «Брюсов календарь»), выполнил для «Книги Марсовой» гравюру «Осада русскими войсками города Выборга в 1710 году» (1715). Помимо гравюр в «Книги Марсовой» он много изображал архитектурные сооружения: меншиковский дворец на Васильевском острове (1716), Большой каскад и верхние палаты Петергофа (1716), «Сastrum doloris» (поперечный разрез Погребальной залы Петра I (1725).

Гендрик Девит отмечен в документах как «грыдоровальный мастер», посланный в Ригу для рисования «рижского прешпекту» в 1715 г.

Сначала в цельногравированном издании было помещено только 16 гравюр со схемами сражений2. Но затем царь, посетивший типографию, указал добавить к ним тексты реляций, перечни трофеев, изображения фейерверков, триумфальных врат и виды завоеванных городов. Кроме того, гравюры «План сражения при Лесной 28 сентября 1708 года» и «План Полтавского сражения 28 июня 1709 года» были сделаны по чертежам самого монарха. После этого «Книга Марсова» превратилась в некую визуальную хронику, отражающую не только победы России, но и торжества, им посвященные.

Живая книга

Остается открытым вопрос, вышла ли «Книга Марсова» первым тиражом в 1713 г., потому что в 1716 г. директор Санкт-Петербургской типографии М.А. Авраамов сообщал, что работа еще не завершена. Т.А. Быкова, сравнившая сохранившиеся экземпляры по составу, пришла к выводу, что они «не вышли определенным тиражом, они подбирались по мере требования, обычно Петра I»3. Известно, что второе издание состоялось лишь в 1766 г., в правление Екатерины II.

По-видимому, гравюры выпускались почти после каждого сражения, затем их просто вклеивали в отдельные экземпляры. И таким образом «Книга Марсова» пополнялась в течение 1712-1716 гг. Это объясняет, почему в 18 сохранившихся до наших дней экземплярах разное количество гравюр, реляций, перечней трофеев. В 1715 г. в «Книгу» входили уже около 30 офортов. В среднем в экземплярах содержатся от 16 до 23 изображений сражений, 6-13 видов крепостей и городов, по несколько триумфальных врат, фейерверков, транспарантов. Считается, что изображения фейерверков и виды взятых русскими войсками в ходе Северной войны городов внесены в «Книгу Марсову» в 1715-1717 гг.

В целом гравюры Петровской эпохи акцентировали внимание прежде всего на военных событиях. Иногда гравюры вывешивались на улицах Санкт-Петербурга, например, гравюры с изображениями планов сражений при деревне Лесной и битвы под Полтавой, рисунки которых набросал сам Петр Великий. Листы с батальными сценами и видами покоренных городов продавались в Санкт-Петербургской книжной лавке и пользовались большим успехом у покупателей. И, по справедливому наблюдению специалистов, «ни один из последующих периодов в истории русской гравюры не знал такого разнообразия тем, такого широкого охвата современности, как петровский»4.

1. См.: Макаров В.К. Из истории петровской гравюры (походная гравировальная мастерская 1703-1704 гг.) // Книга. Исследования и материалы. М., 1961. Сб. 4. С. 260-272.

2. Алексеева М.А. Гравюра петровского времени. Л., 1990. С. 155.

3. Быкова Т.А., Гуревич М.М. Описание изданий гражданской печати. 1708 — январь 1725. Л., 1955. С. 523.

4. Коростин А.Ф, Смирнова Е.И. Русская гравюра XVIII века. М., 1952. С. 5-6.

Петропавловская крепость

Именно с этой крепости началась история Санкт-Петербурга

Петропавловская крепость, основанная Петром I в 1703 году, — памятник фортификационного искусства XVIII-XX веков. Доминанта архитектурного ансамбля — Петропавловский собор, в котором находятся мемориальные гробницы всех российских императоров. 

Петропавловская крепость заложена 27 мая 1703 года. По преданию, Петр I сам выбрал место для новой крепости – небольшой Заячий остров (по-фински – Енисаари), расположенный в устье реки Невы. Цитадель в форме шестиконечной звезды сооружалась по проекту, составленному французским инженером Ж.Г. Ламбером при участии царя. Шесть куртин соединяют шесть мощных бастионов, названных именами сподвижников Петра I. 

Оборонительную систему с запада и востока замыкают Иоанновский и Алексеевский равелины. Два моста — Иоанновский и Кронверкский — соединяют Заячий остров с Петроградским. 1 октября 1703 года крепость освятили. На Государевом бастионе был поднят Андреевский флаг, на крепостных валах установлены триста орудий. 29 июня 1703 года в центре Петропавловской крепости заложили небольшую деревянную церковь во имя апостолов Петра и Павла, на месте которой в 1712–1732 годах возвели каменный собор. С 1731 по 1858 год Петропавловский собор имел статус кафедрального храма столицы, затем был причислен к придворному ведомству. Собор служил усыпальницей царствующего Дома Романовых. Здесь похоронены русские императоры и императрицы от Петра I до Николая II, за исключением Петра II и Иоанна VI. С собором крытой галереей соединена Великокняжеская усыпальница. 

В течение XVIII–XIX веков на территории крепости были построены здания и сооружения разного назначения: Ботный дом, Артиллерийский цейхгауз, Монетный двор, Комендантский и Инженерный дом, a также гауптвахта и другие. Уже в XVIII веке крепость стала местом заключения государственных преступников, в XIX — главной политической тюрьмой России. При императоре Александре I в начале XIX века крепость впервые была открыта для посетителей. В 1900-е годы в Петропавловском соборе проводились экскурсии по императорскому некрополю. В 1924 году тюрьма Трубецкого бастиона превратилась в музей. В 1954 году комплекс зданий Петропавловской крепости был передан Государственному музею истории Ленинграда (Санкт-Петербурга).

На территории крепости в Комендантском доме расположен музей повседневной жизни города в XVIII-XIX, а также тюрьма Трубецкого бастиона, где содержались политические заключенные. Среди узников — народовольцы, министры царского правительства, Л.Д.Троцкий, Ф.М.Достоевский и Н.Г.Чернышевский. В Ботном доме находится первый корабль, давший начало русскому флоту. Территория крепости и пляж открыты для свободного посещения.

В крепости существовала система подземных ходов. Часть из них открыта для посещения: ищите вход в потерну в Государевом бастионе.

Питер Пауль Рубенс — Художник

Питер Пауль Рубенс был одним из самых известных и успешных европейских художников 17 века, известен такими работами, как «Снятие с креста», «Охота на волка и лиса» и «Сад». любви.»

Сводка

Фламандский художник Питер Пауль Рубенс, родившийся 28 июня 1577 года, был одним из самых знаменитых и плодовитых художников Европы как при жизни, так и на протяжении всей эпохи барокко. Среди его покровителей были члены королевской семьи и церкви, а его искусство изображало предметы из религии, истории и мифологии.Известный по таким работам, как «Снятие с креста», «Охота на волка и лиса», «Мир и война», «Автопортрет с Еленой и Питером Полом» и «Сад любви», стиль Рубенса сочетал в себе знания Классицизм эпохи Возрождения с пышной манерой письма и живым реализмом. Он умер в 1640 году.

Годы становления

Питер Пауль Рубенс родился 28 июня 1577 года в городе Зиген в Вестфалии (ныне Германия), он был одним из семи детей преуспевающего юриста и его культурной жены. После смерти его отца в 1587 году семья переехала в Антверпен в испанских Нидерландах (ныне Бельгия), где молодой Рубенс получил образование и художественную подготовку.Он был учеником нескольких известных художников и был принят в профессиональную гильдию художников Антверпена в 1598 году.

Ранняя карьера и путешествия

В 1600 году Рубенс отправился в Италию, где познакомился с искусством таких мастеров эпохи Возрождения, как Тициан и Тинторетто в Венеции, Рафаэль и Микеланджело в Риме. Вскоре он нашел работодателя, Винченцо I Гонзага, герцога Мантуи, который поручил ему рисовать портреты и спонсировал его путешествия. Винченцо послал Рубенса в Испанию, в город Геную в Италии, а затем снова в Рим.Одаренный бизнесмен, а также очень талантливый художник, Рубенс начал получать заказы на рисование религиозных произведений для церквей и портретов для частных клиентов.

Успех в Антверпене

Рубенс вернулся домой в Антверпен в 1608 году. Там он женился на Изабелле Брант и основал собственную студию со штатом помощников. Он был назначен придворным художником эрцгерцога Альберта и эрцгерцогини Изабеллы, которые управляли Южными Нидерландами от имени Испании. Во время социально-экономического восстановления после войны богатые купцы Антверпена создавали свои частные коллекции произведений искусства, а местные церкви обновляли с использованием нового искусства.Рубенс получил престижный заказ на создание двух больших религиозных работ, «Поднятие креста» и «Снятие с креста», для собора Антверпена между 1610 и 1614 годами. Помимо многих проектов для римско-католических церквей, Рубенс также создавал картины с историческими и мифологическими сценами этих лет, а также сценами охоты, такими как «Охота на волков и лис» (около 1615-21 гг.).

Рубенс стал известен как «принц художников и художник принцев» в течение своей карьеры из-за его частой работы для королевских клиентов.Он создал цикл гобеленов для Людовика XIII Французского (1622-25), серию из 21 большого холста, прославляющего жизнь и правление Марии Медичи во Франции (1622-25), и аллегорическую «Мир и войну» для Карла I. Англия (1629-30).

Более поздняя карьера

После смерти своей жены Изабеллы в 1626 году Рубенс несколько лет путешествовал, совмещая свою артистическую карьеру с дипломатическими визитами в Испанию и Англию от имени Нидерландов. Когда он вернулся в Антверпен, он женился на своей второй жене, Хелене Фурмент; его семейная группа «Автопортрет с Еленой и Петром Павлом» была свидетельством его семейного счастья с женой и новым сыном.В 1630-х годах Рубенс создал несколько своих главных мифологических произведений, в том числе «Суд Парижа» и «Сад любви», идиллическую сцену ухаживания пар на фоне пейзажа.

Наследие и влияние

На момент своей смерти 30 мая 1640 года в Антверпене, Испанские Нидерланды (ныне Бельгия), Рубенс был одним из самых знаменитых художников в Европе. Он оставил после себя восемь детей, а также многочисленных помощников в студии, некоторые из которых — в первую очередь Энтони ван Дайк — сделали успешную артистическую карьеру.

Умение Рубенса создавать сложные группы фигур в композиции, его способность работать в больших масштабах, его легкость в изображении разнообразных предметов, а также его личное красноречие и обаяние способствовали его успеху. Его стиль сочетал в себе идеализацию человеческих форм эпохи Возрождения с пышной манерой живописи, динамичными позами и живым чувством реализма. Его любовь к изображению мясистых, пышных женских тел, в частности, сделала слово «рубенский» знакомым термином.

Поклонниками творчества Рубенса были его современник, Рембрандт, а также художники из других регионов и более поздних веков, от Томаса Гейнсборо до Эжена Делакруа.

Краткая история яйца Фаберже

Даже когда они были произведены, яйца Фаберже считались новаторскими в художественном отношении. «Они были визитной карточкой Фаберже», — объясняет Шифман, отмечая, что некоторые из яиц выставлялись на Всемирной выставке в Париже в 1900 году и на выставке 1902 года в Санкт-Петербурге. «Даже в то время у них была магия, все знали, что они важны, и они влияли на других», — продолжает он. «Другие художники пытались сделать свои яйца.(Известно, что в то время Дом Фаберже делал яйца для богатых покровителей, не принадлежащих к императорской семье.)

Каждый год Фаберже заново изобретал задачу, используя неожиданные материалы, такие как горный хрусталь, или новые приспособления, такие как коготь. постаменты, часы или автоматы в форме маленьких птиц или слонов.

Самым культовым яйцом Фаберже, сохранившимся сегодня, фон Габсбург считает, что яйцо Coronation Egg (1897), которое ознаменовало собой императорскую коронацию Александры. Покрытый светящейся желто-зеленой эмалью поверх выгравированного гильошированного рисунка в виде солнечных лучей, он украшен портретными бриллиантами и удерживает карету размером с игрушку — миниатюрную копию автомобиля 18-го века, который перевозил императрицу в день императорской церемонии .Можно было открыть дверцы маленькой кареты и вытащить табурет, а внутри него было крошечное алмазное яйцо (которое с тех пор было потеряно). ( Coronation Egg сейчас находится в Музее Фаберже в Санкт-Петербурге.)

Личным фаворитом Фон Габсбурга, которое он считает «самым оригинальным из всех», является Winter Egg (1913). «Он состоит из трех блоков горного хрусталя, которые сделаны так, что представляют собой блоки тающего льда в ознаменование прихода весны», — объясняет он.Подарок Николая его матери, яйцо с внешней стороны выгравировано платиновыми и алмазными снежинками, а внутри него можно найти небольшую плетеную платину корзинку с цветами из белого кварца.

Последние императорские яйца Фаберже, созданные в 1916 году, отражают нестабильный исторический момент и начало конца Дома Фаберже. «В годы войны яйца стали немного более простыми и суровыми, менее сложными из-за обстоятельств политического времени», — отмечает Шифман.В дополнение к вышеупомянутому Ордену St. George Egg , в 1916 году Фаберже создал военное яйцо Steel Military Egg , сделанное из блестящей стали и расположенное на цоколе в форме пули; он мало похож на эффузивные яйца десятилетий назад.

Николай и его семья ушли в изгнание в 1917 году, после того как он отрекся от престола; все они были казнены в июле 1918 года. К тому времени мастерская Фаберже была распущена, так как многие рабочие уехали воевать в Первую мировую войну, а сам Фаберже бежал в Швейцарию, где умер через два года.

50 императорских яиц были разграблены и перевезены в Москву во время русской революции; многие из них были проданы, 10 в конечном итоге попали в Оружейную палату Московского Кремля, а восемь пропали без вести. «Большевики не имели пощады и не интересовались художественной ценностью, единственное, что имело значение для них, — это финансовая отдача», — объясняет фон Габсбург. В некоторых случаях они продавали сюрпризы из яиц отдельно, поэтому многие из этих ценных вещей сейчас потеряны.

Некоторые яйца попали к частным торговцам, которые привозили их в Соединенные Штаты и продавали богатым американцам после Великой депрессии.Например, дилер Арман Хаммер продал пять яиц Лилиан Томас Пратт, покровителю VMFA. В 1933 году она начала производить выплаты на трехцветном золоте Яйцо Петра Великого (1903 г.), которым отмечалось 200-летие основания города Санкт-Петербурга; в конечном итоге она заплатила за это 16 500 долларов и купит еще четыре в течение следующего десятилетия. Несколько яиц Фаберже было продано в нью-йоркском антикварном магазине A La Vieille Russie.

Сегодня 43 известных яйца разбросаны по всему миру, крупнейшие коллекции находятся в Оружейной палате Кремля и в Музее Фаберже в Санкт-Петербурге.Петербург. Третий по величине кластер — это коллекция Пратта в VMFA, за ней следует тройка яиц, принадлежащих Матильде Геддингс Грей, которая находится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке. У британской королевской семьи также есть три яйца.

Музей Фаберже, открытый в 2013 году, хранит девять императорских яиц, среди множества других предметов Фаберже, все из коллекции российского бизнесмена Виктора Вексельберга. Он купил коллекцию в 2004 году у американского предпринимателя и издателя журнала Малкольма С.Forbes, который собрал тайники Фаберже, чтобы составить конкуренцию оружейной палате Кремля. Фон Габсбург приписывает современное безумие вокруг яиц мистеру Форбсу, чьи методы сбора не только подняли цены на яйца, но и привлекли к ним внимание общественности.

Фон Габсбург вспоминает, как в 1986 году путешествовал с одним из яиц Forbes на выставку Фаберже, которую он организовал в Мюнхене. «Я нес одно из яиц Forbes через океан, и яйцо должно было находиться рядом со мной и охранником», — вспоминает он.«Об этом, конечно же, просочилась пресса, и она их очень заинтересовала».

Художник — Питер Уильямс — Луис Де Хесус Лос-Анджелес

Более 45 лет Уильямс ведет хронику текущих и исторических событий, смешивая живописные рассказы с личными анекдотами и вымышленными персонажами, чтобы создавать яркие картины о разнообразном опыте чернокожих американцев. Смело и с юмором он обращается к самым темным темам, включая, помимо прочего, жестокость полиции, линчевание, рабство, массовое заключение и другие сферы расового угнетения.Уильямс использует культурную критику, чтобы сформировать новые мифы о творении, пересказывая историю Америки с новой и космической точки зрения.

Более поздние картины

Уильямса обращаются к целому ряду тем, включая угнетающие социальные структуры, превосходство белых, жестокость полиции, злоупотребление властью и политическую активность. В своей продолжающейся серии, Black Exodus , Уильямс рассказывает афрофутуристскую историю о коричневокожей расе, которая сбегает в космическое пространство в поисках новых домов на планете и прекращения циклов угнетения, которым они подверглись.Сказка, которую предвидел Уильямс, — это путешествие сознания и совести, метафора внутренних и внешних путешествий, которые все мы должны предпринять, чтобы противостоять истине о расе и самих себе.

Питер Уильямс (1952-2021) родился в Сафферне, штат Нью-Йорк, и вырос в городе Найак, штат Нью-Йорк. Он получил степень магистра искусств в колледже искусств Мэрилендского института и степень бакалавра искусств в колледже искусства и дизайна Миннеаполиса. В 2021 году он стал лауреатом стипендии Гуггенхайма 2021 года, премии Американской академии искусств и литературы 2021 года и премии Миннеаполисского колледжа искусств и дизайна за заслуги перед выпускниками.В 2020 году он получил премию Artists ’Legacy Foundation Artist Award. В 2018 году он был принят в Национальную академию дизайна. Среди других наград — Программа художников-резидентов Джерасси (2018), Премии Джоан Митчелл (2004, 2007), Стипендии Фонда Форда (1985, 1987) и Стипендии Фонда Макнайта (1983). Он должен был уйти на пенсию в сентябре 2021 года с должности старшего профессора факультета изящных искусств Делавэрского университета и 17 лет до этого преподавал в Государственном университете Уэйна.

Уильямс много выставок, включая Black Universe (2020) в Музее современного искусства, Детройт, штат Мичиган; Trinosophes , Детройт, Мичиган; и Луис Де Хесус из Лос-Анджелеса. Men of Steel, Women of Wonder (2019), Музей американского искусства Crystal Bridges, Бентонвилл, AK; Река Стикс (2018), Луис Де Хесус, Лос-Анджелес; Так мало быть уверенным (2018), CUE Art Foundation , Нью-Йорк; Проспект 4: Лотос, несмотря на болото (2017-18), Проспект Триеннале, Новый Орлеан, Луизиана; Черный юмор: Питер Уильямс (2017), Галерея Оллкотта, Университет Северной Каролины, Чапел-Хилл, Северная Каролина; N-слово: нарицательные и собственные существительные (2017), Галерея Раффина, Университет Вирджинии, Шарлоттсвилль, Вирджиния; Я, мой, мой: командная субъективность в живописи (2016), DC Moore Gallery, Нью-Йорк, Нью-Йорк.

Картины Питера Уильямса хранятся в постоянных коллекциях Смитсоновского музея американского искусства, Художественного центра Уокера, Музея американского искусства Уитни, Детройтского института искусств, Художественного музея Нашера, Художественного музея Делавэра, Художественного музея Дэвиса / колледжа Уэллсли, Ft. Художественный музей Уэйна, Университет Говарда в Вашингтоне, округ Колумбия; Государственный университет Уэйна, Детройт; а также многочисленные частные коллекции, включая Хорхе М. Перес / Эль Эспасио 23, Майами, Флорида; Коллекция Пиццути, Колумбус, Огайо; Семейная коллекция Макэвой, Сан-Франциско, Калифорния; Коллекция Мотта-Варша, Флинт, Мичиган; Коллекция Бет Рудин ДеВуди / Бункер, Палм-Бич, Флорида; Билл и Кристи Готро, Канзас-Сити, Миссури; CCH Pounder, Новый Орлеан, Лос-Анджелес; Ред.Аль-Шандс, Луисвилл, Кентукки; Келли Уильямс и Эндрю Форсайт, Палм-Бич, Флорида; Коллекция Бургеров Гонконг; среди прочего.

Питер Саул — Художники — Венера над Манхэттеном

Питер Сол родился в 1934 году в Сан-Франциско, Калифорния.Он учился в Калифорнийской школе изящных искусств в Сан-Франциско и в Школе изящных искусств Вашингтонского университета в Сент-Луисе. В 2020 году Новый музей современного искусства провел первую ретроспективу работ Питера Сола в Нью-Йорке «Питер Сол: Преступление и наказание». В 2019 году les Abattoirs в Тулузе представили «Питер Сол: поп, фанк, плохая живопись и многое другое», крупную ретроспективу работ Сола, которая побывала в Le Delta в Намюре, Бельгия. Его работы были предметом многочисленных международных персональных презентаций, в том числе недавних выставок в Deichtorhallen Hamburg; Ширн Кунстхалле, Франкфурт; Städtische Galerie Wolfsburg; Галерея Арнольда и Мари Шварц, Метрополитен-опера, Линкольн-центр, Нью-Йорк; и Фонд Salomon Art Contemporain, Alex.В 2008 году его работы стали предметом передвижной ретроспективы под куратором Дэна Кэмерона, которая открылась в Художественном музее округа Ориндж, Ньюпорт-Бич, и побывала в Академии изящных искусств Пенсильвании, Филадельфия, и Центре современного искусства Нового Орлеана. Более ранняя ретроспектива его работ открылась в Musée de l’Hôtel Bertrand, Dole, в 1999 году и побывала в Musée des Beaux-Arts, Mons. Работы Сола часто экспонируются на крупных групповых выставках в учреждениях как в США, так и за рубежом, включая недавние презентации в Музее американского искусства Crystal Bridges в Бентонвилле; The Met Breuer, Нью-Йорк; Художественный музей Шелдона, Линкольн; Кунстхалле Эмден; Центр изучения искусства Фонда Бранта, Гринвич; Нью-Йоркская художественная академия; Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк; Музей современного искусства, Марсель; Государственный центр современного искусства, Москва; MoMA PS1, Лонг-Айленд-Сити; Музей школы дизайна Род-Айленда, Провиденс; и Центр искусств Векснера, Колумбус.Его работы хранятся в постоянных коллекциях многих государственных учреждений, в том числе Чикагского института искусств; Художественный музей Беркли и Тихоокеанский киноархив; Институт Карнеги, Питтсбург, Центр Жоржа Помпиду, Париж; Художественный музей Далласа; Художественный музей округа Лос-Анджелес; Метрополитен-музей, Нью-Йорк; Moderna Museet, Стокгольм; Музей современного искусства, Нью-Йорк; Музей современного искусства Сан-Франциско; Smart Museum of Art при Чикагском университете; Смитсоновский музей американского искусства, Вашингтон, округ Колумбия.C .; Музей Стеделийк, Амстердам; Художественная галерея Йельского университета, Нью-Хейвен; Центр искусств Уокера, Миннеаполис; и Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк. В 1993 году Саул получил стипендию Мемориального фонда Джона Саймона Гуггенхайма. В 2008 году Сол получил премию Фонда художников за наследие. В 2010 году Сол был избран членом Американской академии искусств и литературы. Питер Сол живет и работает в Нью-Йорке и Джермантауне, штат Нью-Йорк.

Караваджо написал отречение Петра от Иисуса незадолго до своей загадочной смерти.

Этот Караваджо в Музее искусств Метрополитен считается одной из последних двух работ, которые он написал.Датированная 1610 годом, годом его смерти — событием, все еще окутанным тайной, — картина посвящена интимному, индивидуальному дизайну предательства.

Художник обращался к теме раньше в своем великом «Взятии Христа». На этой картине Караваджо, похоже, использовал ту же модель для Иуды (который предает Иисуса поцелуем), что он использует здесь для Петра, к которому обращается солдат после того, как он последовал за Иисусом во двор первосвященника Каиафы.Петр, который станет скалой христианской церкви, отрицает какую-либо связь с Иисусом, тем самым исполняя пророчество своего господина о том, что Петр отречется от него трижды, прежде чем запоет петух. Действие происходит ночью. Огненный свет придает изображению атмосферу мерцающей случайности.

Караваджо, обладавший талантом наживать врагов, интересовался всеми способами, которыми люди являются , а не скалами — всеми способами, в которых мы непрочны, непостоянны и на которые нельзя полагаться.Поскольку он сам не был святым (запись в каталоге Метрополитена, звучавшая немного так, как будто она исходила от руководителя отдела кадров, отмечает «склонность художника к насилию и его неспособность ладить со своими коллегами»), мы могли бы распространить эту идею на говорят, что он был обманут всеми способами, которыми — не желая быть мучениками добродетели — мы жаждем трансформации.

Петр, конечно, умрет мученической смертью за добродетель. За свои беды он был распят вверх ногами. (Караваджо это тоже нарисовал.) Но в этой работе он показывает Петра в самом низком моральном плане.

Караваджо вовлекает нас в сцену всеми способами, которые мы привыкли ассоциировать с искусством барокко. Он плотно обрезает композицию, помещая три фигуры на темном фоне так, что они почти выталкиваются из холста в наше собственное пространство. Вы почти чувствуете горячее и коварное дыхание Питера.

Маляр убирает все несущественное. Но вместо того, чтобы окутывать фигуры ясным, рациональным светом — как на картинах эпохи Возрождения Рафаэля или Пьеро делла Франческа — он подчеркивает нехватку света, его быстротечность, так что мы чувствуем, что являемся свидетелями мимолетного и опасного момента.Обратите внимание на то, как тени нерационально падают на лицо женщины, делая ее похожей на кубистический портрет Пикассо.

Фигуры, составляющие инстинктивный заряд картины, скорее хрупкие и знакомые, чем идеализированные. Мы видим грязь и морщины на лбу Питера, грязь, запекшуюся на его руках. Эти руки отвечают на указательные пальцы его обвинителей умоляющим жестом, сочетающим протест («Кто, я?») С чем-то более мучительным, почти подразумевающим начало покаяния («Пожалуйста, я умоляю вас…»)

сцена переполнена неизвестным и полностью лишена ясности.Караваджо предлагает нам взглянуть на картину более глубоко, чтобы выявить ее двойственность.

Что всегда кажется странным в Страстях Христовых, так это не только их предопределенное качество, но также странное участие Иисуса в «создании» собственных страданий. В случаях сначала Иуды, а затем Петра события разворачиваются таким образом, что предполагает почти эротическую близость предательства. Это как если бы (если использовать фразу Сола Беллоу) нож и рана болели друг за друга.

Предательство ужасно.Это самое худшее. Но перед удивительной картиной Караваджо возникает соблазн заметить в ней аспект, который, как я подозреваю, художник не только понял, но и нашел глубоко заманчивым. В провокационном эссе об Иуде писатель Адам Филлипс писал о центральной роли предательства в творчестве, преобразовании и росте. Считая это подарком, он посетовал на «все возможности предать и быть преданными, которые мы упустили», «риски, которых мы избежали по разным причинам», «нервные сбои, которые мы переписали для себя как обязательство. , или верность, или порядочность, или доброта.

Это очень современный подход. И, конечно же, рассматривать предательство в таких терминах — значит покупать запутанный, макиавеллистский мир мотивов и средств, смешанных с целями и идеалами. Мир, в котором возможность скальной этической последовательности постоянно разрушается. Мир мерцающего света и непрекращающихся изменений. Это мир, который Караваджо написал одним из первых.

Великие произведения, в фокусе

Серия любимых произведений искусствоведа Себастьяна Сми из постоянных коллекций в США.«Это то, что меня трогает. Часть удовольствия — попытаться выяснить, почему ».

Редактирование фотографий и исследование Келси Эйблс. Дизайн и разработка Junne Alcantara.

ART REVIEW; Когда радикальное искусство и политика шли (кратко) рука об руку

К 1922 году Родченко подчинил форму функции: круги стали доминирующим мотивом в дизайне тканей и чайных сервизов. Похожий путь прослеживается в использовании Родченко диагоналей. Они снова берут начало в плавающих формах более сложных супрематических произведений Малевича, они переработаны и систематизированы в веерные линии «Конструкции No.89 (на светло-желтом) » 1919 года, и они становятся репрезентативными на многих из его самых известных фотографий: в наклонных, падающих изображениях зданий, тележек или людей на улицах, снятых сверху или снизу сверху или снизу.

Далее следует этап, на котором Родченко все больше движется в сторону массовой коммуникации, часто в сотрудничестве с Маяковским. Иллюстрируя поэму Маяковского «Pro Eto», он перекликается с запутанными, запутанными фотомонтажами немецких дадаистов Ханны Хох и Рауля Хаусмана. Но два друга также сотрудничали в рекламе государственной сети продуктовых магазинов «Моссельпром» и государственной авиакомпании «Добролет».Для последнего Родченко разработал плакаты, канцелярские товары, значки на лацканах, рекламные буклеты и эмблему компании на черно-красном биплане, создав, по сути, ранний пример скоординированной рекламной кампании. Маяковский, который когда-то определил рекламный текст как высшую форму поэзии, написал пропагандистские тексты, объявив, что русские, не владеющие акциями Добролетия, не являются настоящими коммунистами.

Не все, что они делали вместе, было настолько идеологически загружено: среди немногих эмоциональных точек шоу — фотографии Родченко с Маяковским, его угловатые черты лица и конфронтационный взгляд напоминают скульптора Ричарда Серра, который сам был конструктивистом последних дней.

Родченко был охвачен революционными идеалами с такого раннего возраста, что, когда революция провалилась, ему, похоже, не было на что отступить, по крайней мере, недостаточно, чтобы помочь ему взглянуть в лицо реальности. Обычная фотожурналистика в заключительном разделе выставки превосходит обычные пропагандистские искажения. Пытаясь вернуть себе расположение властей, Родченко совершил три поездки, чтобы сфотографировать строительство Беломорканала, где в условиях ГУЛАГа погибало 10 000 рабочих в месяц.Этот факт, который, должно быть, был неизбежен, не был затронут ни в его изображениях, ни в его письмах домой. Рабочие, которых в журнале, опубликовавшем эти фотографии, называли преступниками, на самом деле были просто «врагами народа».

Ни одна из работ Родченко, сделанных после 1935 года, когда он снова занялся живописью, сюда не включена, а именно: прискорбно, потому что это могло бы раскрыть больше о самом человеке. Интересно прочитать в каталоге, что он начал писать изображения клоунов и цирков.Цирк был страстью детства, и возвращение к нему наводит на мысль о задержке развития.

«Александр Родченко» находится в Музее современного искусства, 11 West 53d Street, до 6 октября. Он отправится в Kunsthalle Dusseldorf (октябрь-январь 1999 г.) и Moderna Museet, Стокгольм (6 марта — 24 мая. , 1999).

Питер Блюм | Смитсоновский музей американского искусства

БЕТСИ БРОУН: В детстве Питер Блюм эмигрировал из России со своей семьей.К 15 годам он был зачислен в Образовательный альянс в Нижнем Ист-Сайде Нью-Йорка, где узнал о современном искусстве и познакомился со многими продвинутыми художниками. Он написал эту картину «Овощной ужин», когда ему был не по годам развитый 21 год. Из этого рисунка и других картин мы знаем, что Блюм был знаком с прошлыми традициями, включая египетскую привычку показывать головы строго в профиль и туловища спереди. Посмотреть. Однако эта женщина кажется менее египетской, чем современный ар-деко. Она довольно пикантна с зажженной сигаретой и платьем с зигзагообразным узором.Стоит ли отмечать, что отец Блюма работал в торговле одеждой? Он был маркером, известным своей способностью раскладывать узоры на ткани для экономии материалов, сохраняя при этом совпадение узоров.

Нижний Ист-Сайд Нью-Йорка, где Блюм изучал искусство, был полон вегетарианских ресторанов. Многие радикальные иммигранты считали, что строгое воздержание от мяса хорошо сочетается с политическими обязательствами. Когда Блюм узнал, что многие люди, которыми он восхищался, были вегетарианцами, Джордж Бернард Шоу, Толстой, Шелли, он тоже на время принял этот режим, но овощи, приготовленные на этой картине, кажутся скорее эротичными, чем политическими.Интересно, что мы можем хорошо представить, какие овощи — мужские, а какие — женские, но пол картофелечистки по-прежнему неоднозначен.

Blume использовала стиль под названием «пуризм», в котором подчеркивались изысканные контуры и упрощенные формы. Пуризм удаляет все беспорядочные и запутанные аспекты жизни, оставляя ясный современный классицизм. Блюм овладела взглядом, который мы видим в этих четко очерченных руках и кистях. Тем не менее, есть что-то в том, как нож, рассекающий картофельную кожуру, приставлен к уязвимому большому пальцу, возможно, для более глубокого резания.Блюм мог найти темное напряжение в этой игре граней и поверхностей.

Внутренний мир органичен, но вид на гавань из окна геометрический. Он настолько четкий, что выглядит как картина на стене. Блюм кладет пару парусов на плечо женщины, как если бы там села бабочка. Стена под острым углом выступает против форм кубистического дома. Поскольку он не прикреплен к какому-либо зданию, он должен быть там, чтобы отражать форму паруса. Лучше всего то, что Blume точно выравнивает взгляд женщины по горизонту, формально объединяя видение и вид.

Эротические овощи, мазохистские ножницы, напряжение и контроль. Мы чувствуем усиление эмоционального течения Блюма в балансе между загадкой и раскрытием. Разные зоны занимают холст, нелегко сосуществуя, но не совсем соприкасаясь. На одном уровне Блюм демонстрирует свое мастерство, комбинируя в одном изображении три традиционных предмета: пейзаж, интерьер с фигурами и натюрморт. В 21 год он показывает нам, что уже заработал членский билет как художник. С другой стороны, он играет с традициями.Он превращает натюрморт с морковью и тыквой в лежащие обнаженные овощи.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.