Эгон Шиле – биография, фото, личная жизнь, картины, причина смерти

Биография

В детстве Эгон Шиле много рисовал: поезда, рельсы и семафоры, потому что это единственные достопримечательности небольшого австрийского города Тульн-ан-дер-Донау, где он родился и рос. Наброски с течением времени перевоплотились в картины, и в 28 лет Шиле ушел из жизни ярчайшим представителем австрийской живописи наравне с Густавом Климтом.

Детство и юность

Родился Эгон Шиле 12 июня 1890 года в семье Марии и Адольфа, мать по национальности чешка, отец — австриец. Глава семейства работал на железной дороге, и оттуда мальчик черпал вдохновение для первых эскизов. К нему будущий художник был привязан.

Эгон Шиле в детстве

Адольфа мучили приступы шизофрении. В 1905 году семья вынужденно переехала в Вену, потому что его состояние здоровья ухудшилось. Спустя некоторое время отец умер, что стало сильным ударом для мальчика.

Отношения с матерью у Эгона складывались нелегко, и после смерти супруга Мария без зазрения совести оставила мальчика и его младшую сестру Гертруду на воспитание брату Леопольду Чихачеку. Эгон презирал мать за слабость и винил в смерти отца. Будучи уже популярным, он облачил свои эмоции в портрете «Умирающая мать», хотя Мария была в добром здравии.

Эгон Шиле в молодости

Сестра была на четыре года младше Эгона. Есть предположения, что с ней мальчик познавал таинства обнаженного тела. Когда Герте исполнилось 12, они уехали на поезде в итальянский город Триест, где провели несколько ночей в номере отеля. Еще пару раз Леопольду приходилось выбивать дверь комнаты, чтобы узнать, чем заняты дети.

Нельзя сказать наверняка, передалась ли австрийскому художнику болезнь отца, но отдельные симптомы проявились в характере и поведении Эгона еще в юности. Он страдал манией величия и преследования, иногда — галлюцинациями, часто находился в состоянии возбуждения. Впрочем, легкое сумасшествие прослеживается и в произведениях Шиле.

Живопись

Восхождение австрийца к Олимпу живописи началось в 1906 году с поступления в Венскую школу искусств и ремесел, затем — в Академию изобразительного искусства. Спустя год он познакомился с Густавом Климтом — прославленным австрийским модернистом. На тот момент художник был в творческом расцвете и как раз писал известнейшую картину «Поцелуй».

Эгон Шиле и Густав Климт

Климт рассмотрел в Шиле тягу к творчеству, первое время покупал картины юного дарования и показывал коллегам по ремеслу. Такая реклама помогла Эгону в 1908 году дебютировать на выставке. В залах Художественной галереи Вены, в окружении работ Климта, Ван Гога и Эдварда Мунка, висели его не по годам взрослые, осознанные и мрачные картины.

Эгон Шиле и Валли Нойциль

Нескольких недель выставки хватило, чтобы имя Эгона Шиле узнали в Австрии. Скоро ему начали заказывать портреты, но художник привык творить свободно, рисовал лишь тех, кто был ему симпатичен, чаще — любовниц. Например, некоторое время у Шиле был роман с 17-летней Валли Нойциль. «Портрет Валли», написанный в 1912 году, стал шедевром среди множества работ Эгона, потому что он пропитан любовью художника и страстью модели.

Картина Эгона Шиле «Портрет Валли»

Биография Шиле оказалась коротка, но за годы занятий живописью он успел создать немало шедевров, которые по сей день украшают мировые музеи. Наброски знаменитых картин хранятся в галерее Альбертина в Вене.

Преобладающие темы в творчестве Эгона — смерть и зарождающаяся жизнь. 1910 год автор провел в гинекологической клинике: рисовал беременных женщин, сочетающих в себе оба этих понятия. Ведь во время родов женщина может умереть, оставив вместо себя на свете существо, у которого впереди вечность. Так появилась картина «Беременная женщина и смерть».

Картина Эгона Шиле «Беременная женщина и смерть»

Женщина — частый «гость» в картинах Эгона. Как Климт, он тяготел к обнаженной натуре. Так, на полотне «Two Friends» (в переводе «Два друга») изображены фигуры. Слово «друг» не намекает на принадлежность людей к какому-либо полу, однако по очертаниям понятно, что на картине две женщины.

Картина Эгона Шиле «Two Friends» («Два друга»)

«Женщина в черных чулках», «Женщина в зеленых чулках», «Дерущиеся обнаженные женщины», «Обнаженное женское тело» — эти картины Шиле рисовал с бедных девушек, которые приходили в мастерскую, чтобы подзаработать. Не менее четверти из 250 созданных им картин отдавали дань эротизму. Характерно, что Эгон не пытался показать людей красивыми, совершенными — фигуры узловатые, вытянутые и малопривлекательные.

Картина Эгона Шиле «Женщина в зеленых чулках»

В раннем периоде жизни австрийский художник рисовал пейзажи. Так, первая картина, которую он показал Климту, — «Гавань в Триесте». Она не имеет ничего общего с тем, что Шиле будет наносить на холст позднее: яркие цвета, близость к реализму. При взгляде на нее словно слышишь шум прибоя.

Отдельную часть наследия Эгона составляют автопортреты и самый известный из них — «Автопортрет с физалисом».

Картина Эгона Шиле «Автопортрет с физалисом»

Последняя картина, которую Шиле успел написать до кончины, — «Семья». На ней изображен он сам, супруга Эдит Хармс и их нерожденный ребенок. Силуэты сглажены, а лица людей — спокойны, несмотря на наступающую смерть. Спустя несколько недель после того, как произведение было завершено, автор умер.

Личная жизнь

В личной жизни художника было много любовниц, в том числе Валли Нойциль и, по данным некоторых исследователей, младшая сестра Гертруда. Однако законом он успел связать себя с одной женщиной.

Эгон Шиле и его жена Эдит Хармс

В 1915 году, после бурного романа с Валли Нойциль, Шиле взял в жены состоятельную Эдит Хармс. Она жила по соседству с мастерской. Накануне вспышки испанки в 1918 году Эдит узнала, что беременна, но так и не успела родить — умерла на шестом месяце беременности.

Смерть

В 1918 году испанский грипп добрался до Австрии. Сначала болезнь подхватила Эдит Хармс.

Эгон Шиле на смертном одре

Шиле как мог облегчал ее участь, но так и не смог помочь — супруга скончалась 28 октября. Спустя три дня, 31 октября, на 29-м году жизни от испанки умер сам художник.

Произведения

• 1907 — «Дома под склоном горы».
• 1908 — «Стилизованные цветы на декоративном фоне»
• 1909 — «Портрет Гертруды Шиле»
• 1910 — «Автопортрет с гримасой»
• 1910 — «Умирающая мать»
• 1911 — «Автопортрет с черным керамическим сосудом»
• 1911 — «Видящий собственного духа, или Смерть и мужчина»
• 1912 — «Портрет Валли»
• 1914 — «Слепая мать, или Мать»
• 1914 — «Обнаженный мужчина в красном полотенце»
• 1918 — «Семья»

Интересные факты

Отношения Шиле с Валли Нойциль стали поводом для общественного осуждения. Во время их романа Эгону было 22 года, а девушке — 17, она не достигла совершеннолетия. Художнику предъявили обвинения в растлении малолетних, и хотя этого приговора удалось избежать, во время обысков у него нашли несколько десятков порнографических набросков. Это стало поводом для 23-дневного ареста за распространение порнографии.

Картина Эгона Шиле «Смерть и девушка»

После того, как Шиле связал себя узами брака с Эдит Хармс, он предложил Валли роль любовницы и поездки раз в год в отпуск. Она отказалась. После расставания с Эгоном девушка закончила курсы медсестер и работала в военном госпитале. В 1917 году она скончалась от скарлатины. Когда Шиле узнал о смерти бывшей возлюбленной, то переименовал портрет 1915 года «Мужчина и девушка» в «Смерть и девушка» («Смерть и дева»).

Картина Эгона Шиле «Семья»

Изначально на картине «Семья» между ног женщины был изображен букет цветов, но Шиле заменил его на ребенка. Кстати, для создания образа женщины позировала не Эдит Хармс (хотя она была еще жива), а профессиональная натурщица.

Творчество Эгона Шиле популяризировалось и после его смерти. О короткой жизни художника было снято немало фильмов, самые известные из них – «Эгон Шиле — Скандал» об аресте за распространение порнографии и «Эгон Шиле: Смерть и дева». Образ художника появляется в фильме «Климт». 2006 года.

Техника Шелли арт. Sheleeart – Bloom, Swipe technique. Акриловая заливка, флюид арт.

Самая модная техника акриловой заливки флюид арт на сегодня. И самая специфичная по материалам. Никакого силикона, но при этом восхитительное кружево из многоцветных ячеек.
В этой статье я опишу классическую технику, которая предлагается ее создателем — Австралийской художницей Шелли и применяется многими зарубежными художниками. Я в отдельной статье выложу подробный рецепт адаптированный под российский рынок.
Техника Шелли арт. Sheleeart – Swipe technique.
1. Особенный Медиум – акриловая полуглянцевая краска база С (или база3) с полиуретановым водным однокомпонентным лаком в соотношении 3:1. Допускается соотношение 3:2. Все компоненты покупаются в строительном магазине. Краска база С — это краска без пигмента. Она светло бежевого цвета и нужна для колерования в насыщенные цвета. На полках такую краску обычно не ставят. Ее нужно спрашивать в отделе, где колеруют краску. Иногда приходится сталкиваться с непониманием продавцов и нежеланием ее продавать без колеровки. Объясните, что она нужна Вам для художественных целей и все необходимые манипуляции Вы проведете самостоятельно.
Полиуретановый водный однокомпонентный лак. Глянцевый. Обязательно читайте описание на обороте.   Никаких алкидных смол. Только жидкий полиуретан.
Полиуретановый водный однокомпонентный лак. Глянцевый. Обязательно читайте описание на обороте. Никаких алкидных смол. Только жидкий полиуретан.
В оригинале — Untinted (Base C) semigloss wall paint, Minwax Polycrylic gloss varnish в соотношении 3:1
Minwax Polycrylic gloss varnish. Полиуретановый водный однокомпонентный лак.
2. Медиум смешивается с акриловой краской в соотношении 2:1.
3. Активатор ячеек.
Классический рецепт- краска Amsterdam standard series acrylic paint любого цвета, но чаще используют белила титановые Amsterdam Titanium white . Замешивают краску с Австралийским флоетролом в соотношении 3:1 иногда 4:1. Краски Golden тоже подойдут, но они у нас стоят совсем дорого.
Amsterdam standard series — краска акриловая.
Австралийский флоетрол. Иногда его называют красный флоетрол. Floetrol paint conditioner.
Упрощенный, но рабочий рецепт. Краска Amsterdam с водой в соотношении 2:1. Примерно. Состав получается очень жидкий. Если что-то не получается — пробуйте немного изменить соотношение краски и воды. Например 10:6. Размешать и дать настояться хотя бы пару минут.
Есть так же рецепт с Американским флоетролом. Достаточно сложный. Я его не пробовала, так как не обладаю акриловой тушью Liquitex. Просто краска и американский флоетрол у меня работают плохо.

• American Flood Floetrol — 2 столовые ложки
• ПВА — 1 столовая ложка
• Liquitex Acrylic Ink — 5 капель
• Amsterdam Titanium White — 1 столовая ложка
• Minwax Wood conditioner — 5 капель

4. Подушка. Строительная полуглянцевая (semigloss) краска.
С материалами разобрались — теперь опишу процесс.
В технике Шелли арт есть два типа формирования рисунка.

1. Техника раздувания Блум Шелли арт. Bloom technique Sheleeart. Акриловая заливка, флюид арт.Наносим на холст подушку. Это любая акриловая строительная полуглянцевая (semigloss) белая краска. В идеале это не густой состав, который наливается на холст прямо из банки. Он должен медленно растекаться по холсту. Если состав будет гуще нужного, то растянуть краску по холсту будет крайне тяжело, а толстый слой при высыхании просто растрескается.
На подушку мы наносим краску с медиумом Шелли арт лужами. От 3 до 10 слоев в луже. Цвета могут быть разными, а могут чередоваться. Puddle Pour. Заливка лужами. Последним наносим лужицу активатора ячеек. Без промедления начинаем раздувать активатор ячеек поверх красочной лужи. Направление дыхания должно быть из центра лужи в разные стороны. В идеале мы увидим образование мелких ячеек. Получается что-то подобное или лучше.

На поверхности краски после раздувки образуются впадинки. Подождите пока они выправятся. Это может занять 1-5 минут. Далее начинайте растягивать рисунок по холсту. Самый простой и эффективный способ — это растяжка на крутящемся столике.
Чуть более сложный классический способ растяжки покачиванием. Наклоните холст так, что бы рисунок стек на один угол и зацепился за него. Наклоните холст в противоположную сторону, зацепите рисунок за угол. Верните основную массу краски на середину и тяните ее к следующему углу. Растяните рисунок полностью.
Шелли арт. Sheleeart – Bloom technique.

Если мы формируем только одну лужу, то оптимально взять холст размером 10 х 10, или 20 х 20. Круглый, квадратный или многоугольный. Можно и больше, но будет сложнее.
Для рисунка, который мы формируем из нескольких луж можно взять произвольную форму холста. Но не очень большую, так как будет сложно растягивать.
Существует понятие грязной заливки. Мы наносим краску в центр не лужами, а множественными струйками. Получается некоторое месиво.
Раздувку можно делать не только дыханием, но и феном. Тут нужно приноровится и найти свой способ.

2. Техника растягивания Шелли арт. Swipe technique Sheleeart. Акриловая заливка, флюид арт. Все очень похоже. Подушка, на нее краска с медиумом Шелли арт полосами друг на друга. По диагонали холста, рядом с краем холста, по середине холста. Техника растягивания в акриловой заливке флюид арт.
В зависимости от направления растяжки наливаем активатор ячеек поверх цветной полосы или с одного из краев. Шпатель, карточку или другой инструмент для растяжки накладываем на полосу с активатором ячеек и растягиваем краску.

Растяжка картонной карточкой. Зеркальная продольная растяжка. Акриловая заливка, флюид арт. Техника Шелли арт  Sheleeart Technique.
Когда мы закончили растяжку — покачивая распределяем рисунок по всей поверхности холста. Холст со стороной от 10 до 30 см оптимален. С большим холстом работать тяжело, так что начинайте с маленького.
Возможно, прочитав всю статью Вы спросите меня: «Зачем такие сложности? Много новых материалов, расходы если есть силикон?» Я отвечу так.

• Силикон не даст именно таких ячеек и его так не получится растянуть.
• Силикон потом придется тщательно очищать с поверхности. Чем удалить силикон с картины. Есть художники, которые вообще не признают использование силикона. Они считают это дурным тоном.
• Если рисование в технике флюид арт это хобби или увлечение — всегда хочется совершенствоваться, расти и овладеть чем-то новым. Штамповать одно и тоже это уже для заработка.

Техника Шелли арт. Sheleeart – Swipe technique.




Желаю Вам волшебных результатов и захватывающего творческого процесса.

Волнующее искусство маринистов

Волнующее искусство маринистов

На протяжении многих веков художники и композиторы, писатели и поэты создавали свои шедевры под влиянием различных природных явлений. Но, пожалуй, только многогранная красота и непокоренная сила моря могли сформировать отдельное направление искусства под названием “марина”.

Человек, не одаренный памятью, хранящей впечатления о живой природе, может быть отличным копировальщиком или живым фотографическим аппаратом, но истинным художником — никогда.  Иван Айвазовский

Безусловно, морская тематика является одной из самых распространенных в живописи, хотя освоили ее художники не так быстро. Сюжеты с водными просторами стали появляться на полотнах голландских мастеров еще в XIV–XV веках. Сам же процесс изображения вечно меняющегося потока воды для многих был сложным и непостижимым. Поэтому понадобился еще не один век, чтобы возникли сценарии и техники написания морской стихии. И лишь в XVII столетии благодаря творчеству

Бакхёйзена, отца и сына де Вельде, Порселлиса и других выдающихся живописцев Голландии маринистика смогла сформироваться в отдельный вид живописи. Также нужно отметить, что именно эти художники отвели долгожданную главную роль морю, которое на протяжении долгих десятилетий лишь сопровождало различные библейские сюжеты и морские баталии.

Дальнейшее развитие жанра было достаточно стремительным. Он завоевал сердца и умы, кисточки и стеки художников разных стран и направлений искусства. Кто-то посвятил ему несколько работ, а кто-то возложил на его алтарь всю свою творческую жизнь. И миру явились произведения таких выдающихся маринистов, как Тёрнер (Англия), Бёрне (Франция), Месдах (Голландия), Сальватор Роза (Италия), Айвазовский (Россия) и многие другие покорители морской пучины. Приносили ли они жертву Нептуну за свой талант, история умалчивает, но их работы на сегодняшний день составляют мировое наследие не только этого жанра, но и искусства в целом.

Полный штиль: стабильность или отсутствие роста?

Если смотреть на творения маринистов как на объект инвестирования, то здесь вы не увидите скоротечного взлета цен. Произведения этого жанра в основном приобретают по-настоящему увлеченные морем и кораблями коллекционеры, которые чаще всего руководствуются эстетическими пристрастиями, нежели финансовым расчетом. Поэтому, если вы желаете приумножить свой капитал, следует рассмотреть другие варианты. В свою очередь, если, помимо страсти к морю, ваша цель — сохранение активов и дифференциация рисков, то море вам в этом определенно может помочь.

Ведущие аукционные дома достаточно редко устраивают специализированные торги по этой тематике, так что лучше всего “вылавливать” маринистов на других аукционах, где можно встретить работы мастеров абсолютно разного калибра и с разным ценовым диапазоном. Некоторые известные представители этого жанра уже выделились миллионными продажами на аукционах. Так, в 1999 году картина “Утренний залп” кисти

Виллема ван де Вельде Младшего ушла с молотка на Sotheby’s за 1,59 миллиона фунтов. Но настоящим и уже, наверное, недостижимым рекордсменом является Иван Айвазовский. Согласно статистике продаж, за последние 15 лет его полотна на мировых аукционах более 30 раз продавались за сумму, превышающую миллион долларов. Такого результата даже и близко нет ни у одного русского художника.

Виллем ван де Вельде

Тем не менее такие случаи, скорее всего, исключения из правил. Миллионы стоят единицы. А на арт-рынке можно встретить огромное количество великолепных произведений, чьи эстимейты начинаются всего с нескольких тысяч. И что еще очень характерно для этого направления — вам вполне может попасться и работа известного автора всего за несколько тысяч фунтов. Возможно, она не будет больших размеров и столь значимой в глазах искусствоведов, но определенно это будет исторически интересный оригинал, достойный стать семейной реликвией.

Также специалисты предостерегают, что на арт-рынке очень много подделок произведений именно этого жанра. Обычно это бывают оригинальные работы неизвестных голландских мастеров, которых пытаются выдать за дорогостоящих мэтров русской живописи. Поэтому старайтесь покупать в проверенных местах и всегда знакомьтесь с провенансом.

 “Айвазовский! Я — царь земли, а ты — царь моря!”

Без всяких сомнений, говоря о выдающихся маринистах, мы не можем обойти вниманием русских авторов, чьи произведения по сегодняшний день достойно выглядят на международной арене. В Россию маринистика ворвалась в XIX веке с такими именами, как Алексей Боголюбов, Лев Лагорио и непревзойденный Иван Айвазовский, чьи картины известны даже тем, кто не интересуется искусством как таковым.

Иван Константинович за всю свою жизнь создал более 6 000 произведений. Его судьба хоть временами и терниста, но полностью опровергает тот факт, что “художник” — от слова “худо”. Он был признан при жизни, его работы разлетались как горячие пирожки, что позволило объехать целый мир в поисках новых воспоминаний. А это было для него очень важно, так как, по его словам, море невозможно писать с натуры — исключительно только по памяти.

Айвазовский был осыпан многочисленными почетными званиями, вплоть до контр-адмирала, а также он был вхож в царское окружение, о чем даже остались весьма любопытные истории. Как, например, однажды Николай I вышел в море на колесном пароходе и взял с собой Айвазовского. Царь стоял на кожухе одного пароходного колеса, а художник — на другом. И Николай крикнул ему: “Айвазовский! Я — царь земли, а ты — царь моря!”

Доподлинно неизвестно, правда это или быль. Но хочется отметить, что мастер был благодарным человеком и очень много сделал не только для искусства, но и для своего родного города. Он построил школу искусств и музей древностей, похлопотал о железной дороге и водопроводе, а также создал уникальную художественную галерею, которую вместе со своими работами завещал Феодосии.

Айвазовский. Американские суда у скалы Гибралтара

Одна, пожалуй, из самых известных его картин — “Девятый вал”, которая находится в Государственном Русском музее Санкт-Петербурга. Самая же большая коллекция его работ, насчитывающая свыше 400 единиц, радует гостей и жителей Крыма в Феодосийской картинной галерее имени Айвазовского.

Что же касается аукционных продаж, то вклад Айвазовского неоценим. Его картины одними из первых среди работ русских художников преодолели планку в миллион долларов. Также он по сей день является обладателем рекордной цены среди маринистов. В 2007 году на аукционе Christie’s его произведение “Американские суда у скалы Гибралтара” было продано за 5,34 миллиона долларов, войдя в топ-25 самых дорогих картин русских авторов. После этого знаменательного события специалисты арт-рынка назвали мэтра “символом эпохи становления русского рынка искусства”.

Истории картин Клод Моне.  “Впечатление. Восходящее солнце”

У Моне много достойных морских пейзажей, но эта картина уникальна своей историей. Мало кто знает, что название импрессионизма как художественного направления произошло именно от названия работы Impression, soleil levant. И всему виной разгромная газетная статья, которая была посвящена художественной выставке, где впервые экспонировалось это полотно. Журналист Луи Леруа в своем очерке “Выставка импрессионистов” так и написал: “Обои и те смотрелись бы более законченно, чем это “Впечатление”!”  (то есть Impression). Пожалуй, это также единственный случай в истории, когда имя журналиста осталось в веках благодаря названию статьи.

Работу можно посмотреть в парижском Музее Мармоттан-Моне, где хранится около 300 картин выдающихся импрессионистов и постимпрессио­нистов.

Клод Моне Впечатление. Восходящее солнце

Иван Айвазовский. “Среди волн”

Данное произведение Айвазовского размером 28 на 42 метра является самым масштабным. Картина была написана художником в возрасте 81 года. По словам очевидцев, по сюжету там была изображена крошечная шлюпка с моряками. Но один опытный морской офицер, у которого автор поинтересовался его мнением, сказал, что такое крохотное суденышко не выдержало бы натиска столь могучих волн. Айвазовский был недоволен этим замечанием. Но, так как он всегда стремился к максимальному реализму и правдивости своих работ, на следующий день шлюпка с полотна “уплыла”. Данное полотно было написано в Феодосийской картинной галерее, где и доступно для посетителей до сих пор.

Вдохновленные Балтикой.

Юрис Германис (1941 г. р.) 

Последователь латвийской школы живописи, учился в Латвийской академии художеств, где одним из его наставников был Эдуардс Калниньш. Автор более 40 персональных выставок. Основные темы его работ — это образы женщин и пейзажи, в том числе и морские, которые, по его признанию, и служат главным источником вдохновения. Его картины находятся в музеях и частных коллекциях на родине, а также в США, Австралии, Польше, Швеции и Финляндии. Несмотря на возраст, он активно занимается творческой деятельностью, выезжая на пленэр в Марокко, а также путешествуя по Латвии. Цены на его картины начинаются с 1 000 евро.

Эдуардс Калниньш (1904–1988)

Ведущий маринист Балтийского моря, один из самых ярких представителей латышской жанровой живописи. Его монументальные работы посвящены не только красоте морской стихии, но и суровому труду рыбаков. “Тот, кто пишет море с бережка, еще не маринист. Море можно написать, только почувствовав его”, — любил отмечать на своих лекциях мастер. Калниньш долгое время преподавал в Латвийской академии художеств, оставив после себя не только картины, но и море учеников и последователей, многие из которых тоже стали признанными мастерами своего дела.

Станислав Крейц (1902–1992)

Мастер морского пейзажа, продолжатель традиций тональной живописи. На протяжении долгих лет был руководителем выставочного отдела Художественного фонда. Крейц оставил после себя большое творческое наследие — им было написано около 5 000 картин, которые находятся в частных коллекциях в Японии, США, Германии, Швеции, России, Англии и, конечно, на родине, в Латвии.

Оба выдающихся мариниста являются учениками мэтра Вильгельма Пурвитиса, который в свою очередь учился у самого Архипа Куинджи. Работы Калниньша и Крейца можно увидеть в Латвийской академии художеств, а также приобрести в местных галереях. Ценовой диапазон варьируется от 800 до 6 000 евро.

Лев Лагорио. Морской пейзаж

 Современные повелители волн

Жанр маринистики популярен и среди современных художников, которые находят свое вдохновение в бушующих страстях и умиротворяющей глади моря. Безусловно, многие любители искусства сочтут морской пейзаж весьма консервативным течением в живописи. Тем не менее на арт-рынке представлена целая плеяда современных авторов с весьма интересным видением водной стихии.

Патрик Уолкер Даффи (Нью-Йорк, США)

В произведениях Патрика фундаментальными элементами являются чувство ритма и цветовая гамма. Молодой художник в своих интервью признается, что начинает рисовать, заранее зная, что цвет и структура изображения будут трансформировать рисунок в неожиданные узоры. Ему нравится находить новые иллюстративные техники и сочетания цветов. А его любовь к водной стихии родом из детства, так как он много времени проводил на побережье океана, в то время как его отец занимался проектированием домов и лодок, создавая невероятно точные наброски. Все это в дальнейшем и повлияло на выбор будущей профессии Даффи. Морские ритмичные узоры от Патрика Уолкера могут вам обойтись от 3 000 до 7 000 долларов.

Патрик Уолкер Даффи

Шелли Андерсон (Корнуолл, Великобритания)

Если вы любите смотреть на завораживающую водную рябь, то вам определенно понравится художник Шелли Андерсон, которого смело можно назвать скульптором морской глади. Его бронзовые настенные рельефы навеяны детством, которое он провел, блуждая по береговой линии Западного Корнуолла.

Шелли вручную формирует волнообразные формы, работая с различными металлами и химическими патинами, которые помогают ему достигнуть нужного цвета и эффекта мерцания. Стоимость “застывшего моря” может колебаться от 5 000 до 7 000 долларов.

Анна ван Матр (Польша, США)

Уроженку Польши Анну ван Матр можно смело назвать философом-исследователем стихий, так как на протяжении своего творческого пути она уже создала многочисленные серии работ, посвященные водопадам, волнам, вулканам, горам, ветрам, облакам и другим явлениям природы.

Несмотря на безобидную тематику, в своих картинах Анна поднимает достаточно серьезные темы, исследуя парадокс красоты, которая одновременно может быть разрушительной и завораживающе прекрасной. Поэтому в ее, на первый взгляд, невинных работах можно найти и безумной красоты облака, появившиеся от взрыва, и превращающуюся в кровь опустошающую лаву.

В своих произведениях Анна использует всевозможные дополнительные природные материалы, как, например, графит, чтобы лишний раз подчеркнуть превосходство природы над человеком. Ее философские картины ежегодно выставляются в галереях Европы и США, ценовой диапазон которых в зависимости от серии, материала и размера может составлять 6 000–10 000 долларов.

Анна ван Матр

Маринистика, как живой организм, тоже со временем претерпевает изменения. И, возможно, в работах современных авторов уже не встретить морские сражения ввиду отсутствия таковых. Но суровые битвы заменила борьба современного мира за выживание и экологию. Единственное, что, пожалуй, осталось, как прежде, — это созидательная энергия моря, которая продолжает вдохновлять творцов на поиски все новых форм самовыражения, чтобы когда-нибудь все-таки обуздать эту неуловимую водную стихию.

Из архива журнала TiTanium. Автор: Александра Архипова. PR фото

Мультимедиа Арт Музей, Москва | Выставки | Ги Бурден

Ги Бурден считается одним из самых смелых новаторов в мире визуальной культуры ХХ века. С большой эмоциональной отдачей, он сумел оставить глубокое эстетическое впечатление у нескольких поколений читателей, работая для глянцевых журналов. Уникальный художник с редким вкусом в области искусства, моды, рекламы и жизни вообще, он был автором работ, которые стали настоящим прорывом в мире визуальной образности.

Как художник Ги Бурден сформировался в послевоенной Франции, где царила атмосфера консерватизма, цензурных запретов и разнообразных табу. На творчество Ги Бурдена повлияли работы Эдварда Уэстона, Ман Рэя и Рене Магритта. Он близко воспринял некоторые идеи сюрреализма, в первую очередь — неограниченное право свободы в самовыражении художника. Будучи подлинным творцом с необыкновенно богатым культурным багажом и множеством источников вдохновения, в своем творчестве он воплощает единственный в своем роде, глубоко оригинальный подход.

В начале своей артистической карьеры, в начале 1950-х, Ги Бурден снимал пейзажи, постановочные сцены, уличные сюжеты. Его первая работа, сделанная на заказ, появилась в 1955 году в февральском номере парижского «Vogue». Используя фотографию моды как средство самовыражения, он воплощал в ней нечто глубоко индивидуальное, нечто, что было совсем непросто расшифровать, имея в виду воображаемые пространства между абсурдным и возвышенным. Став знаменитым благодаря интригующим сюжетам, безупречным декорациям и сюрреалистической эстетике, Ги Бурден радикально изменил каноны коммерческой фотографии, руководствуясь непобедимой тягой к совершенству и тонким чувством юмора.

Эстетика Ги Бурдена привлекла внимание людей к фотографии моды, помогая осознать, что этот жанр не сводится к простой рекламе. Располагая абсолютной свободой самовыражения и строго следуя своим творческим принципам, Ги Бурден создал снимки, которые стали откровением для целого поколения. Период, считающийся временем наивысшего расцвета его творчества, пришелся на конец 1970-х. Именно тогда ему удалось создать собственное видение гламура, привнеся в него увлекательный сюжет и продуманную композицию, и воплотить свои замыслы на страницах самых интеллектуальных и утонченных журналов того времени. Прекрасно владея техникой создания образов в журнальном формате, Ги Бурден принял вызов соблазнить читателя глянцевого журнала очередной парой туфель или еще одним платьем: он с блеском создавал образы, которые скрывали сложную интригу и будили сознательные или подсознательные фантазии и желания читателя.

На протяжении более 30 лет фотографии Ги Бурдена помогали расширять рамки нашего восприятия фотографии моды, и сегодня они продолжают служить источником вдохновения и вызывают восторг у публики.

Все слайды и негативы, отпечатки с которых представлены на этой выставке, созданы Ги Бурденом в период с 1928 по 1991 год. Все цветные фотографии напечатаны цифровым способом в 2003 году Паскалем Данженом из компании Box Ltd и предоставлены «The Art Collection, The Estate of Guy Bourdin, 2004», кроме тех случаев, когда это особо не оговорено.

Шелли Вертим
2005

ЕЕ СТУДИЙНОЕ ПРОСТРАНСТВО МОЖЕТ БЫТЬ МИНИМАЛЬНЫМ, НО ХУДОЖНИК ШЕЛЛИ САЗДАНОВ ЗАНОВО ОТКРЫВАЕТ ЦВЕТ

Share

Pin

Tweet

Send

Share

Send

кредит: Питер Швейцер

Кто: Шелли Сазданов
Где: Портланд, штат Орегон
Стиль: Минимализм ручной работы

Художница из смешанных волокон Шелли Сазданов заново открывает цвет — и это для нее несколько неприятный сюрприз. «Это весело, как страшно сейчас», — написала она в Instagram. В обсуждаемой части — Искусство извлечениякусок 21 на 21 дюйм, изготовленный из волокна ручной работы и бетона, установленный в еловой раме Дугласа — насыщенный блюз — яркие тона цвета и энергии, особенно в минимальном пространстве студии Сазданова в Портленде, штат Орегон.

кредит: Питер Швейцер

Сама студия находится в доме, которым она делится со своим мужем, Иеремией, директором музейного опыта в Детском музее Портленда, и их двумя маленькими детьми.

«Для меня на этом этапе жизни работа на дому очень важна », — говорит она.« Я женщина с множеством шляп, уравновешивающая свою роль матери и художника. Добавление сторонней студии усложнит ситуацию ».

К счастью, сложная работа, на которой она специализируется, не занимает много места.

кредит: Питер Швейцеркредит: Питер Швейцеркредит: Питер Швейцер

Миниатюрное бунгало, в которое Сазданоффы переехали четыре года назад, восходит к 1910 году — плюс студия, дополнение. «Естественно, с опорными балками у них отдельное ощущение», — говорит она. Она встроила стол прямо в стену, чтобы прислонить ее ткацкий станок во время плетения, вырвала ковер с высоким ворсом и покрасила деревянные полы в белый цвет. «Это осветляет все и делает комнату более открытой», — объясняет она. «И давайте посмотрим правде в глаза — когда вы живете в Портленде, вы должны взять свет, где вы можете получить его».

В другом месте дома атмосфера также минимальна и современна, с кураторскими акцентами и более или менее сдержанной палитрой. «Все нейтральное и белое с голубыми пятнами по всему пространству, как ребристая ваза Эшли Харди и принт Матисса», — говорит она. А остальное — это сочетание винтажных, современных и розничных магазинов, таких как Target или Urban Outfitters. (Комод середины века, находка Craigslist.)

кредит: Питер Швейцер

Сазаданов говорит, что о своих смешанных материалах: «Работа минимальна, но при ближайшем рассмотрении мир полон тонкостей, разговор между материалами происходит». По всему дому происходит похожий рефрен — тонкий контраст, минимализм с текстурой, продуманный цвет и скрытая теплота. Целью является сплоченность на многих уровнях.

«Дом и работа жизнь Можно теките вместе », — говорит Сазданов.« У вас может быть хороший дизайн и пространство, которое создается вместе, а также маленькие дети, которые чувствуют, что могут жить в нем, а не трогать его. Вы можете создать пространство, которое говорит с тем, кто вы есть. «

кредит: Питер Швейцер

«Не все в моем доме является местным или сделано художником, но я действительно стараюсь быть преднамеренным, вкладывая деньги в работы других художников», — говорит Сазданов. Печать ограниченным тиражом в коридоре принадлежит Энни Свидерски. Сазданофф поднял его в одной из своих любимых галерей в Портленде, Nationale.

кредит: Питер Швейцер

Сазданов также собирает керамику местными художниками, такими как Эшли Харди, Мика ДеМаркес, Александрия Каммингс и Мартина Торнхилл. Обычно она покупает у художников или находит их в камине или дворце, двух местных магазинах.

кредит: Питер Швейцер

Книги делают заявление также. «Мы собираем книги о наших любимых художниках уже почти 15 лет, поэтому обычно вы можете найти хотя бы одну или две в каждой комнате нашего дома», — говорит она.

кредит: Питер Швейцер

Растения являются ключевыми декоративными элементами, а также коллекцией записей Иеремии (он также диджей).

кредит: Питер Швейцеркредит: Питер Швейцеркредит: Питер Швейцеркредит: Питер Швейцер

«Я думаю, что я больше всего нуждаюсь в том, что когда я проектирую свою студию или дом, это пространство, которое хорошо продумано и курировано, но и привлекательно», — говорит Сазданов. «Я никогда не хочу, чтобы это выглядело так, как будто в нем не жили».

кредит: Питер Швейцер

Сазданов сделал трехцветную скамью за обеденным столом.

кредит: Питер Швейцер

«Мне также очень нравится идея, что мои дети растут вокруг моей работы и пространства вместо того, чтобы держать их отдельно», — говорит она. «Я чувствую, по-своему, это учит их страсти, творчеству и преданности практике. Это также научило меня, как сочетать эти два в здоровом образе».

кредит: Питер Швейцер

«Я много экспериментировала в своей среде с самого начала», — добавляет она. «Только около двух лет назад я действительно начал углубляться и обрести себя и свой голос как художника. Я чувствую, что вся работа была необходима, чтобы привести меня туда, где я нахожусь, улучшить свое мастерство и создать работу, которую я создаю сегодня «.

кредит: Питер Швейцер

«Моя работа глубоко личная. Она медленная, требует терпения и времени. Каждое произведение тщательно продумано, зарисовано, измерено, сплетено, а затем растянуто и раскрашено. Поскольку оно минимально, речь идет о внимании к деталям. очень большая часть того, кем я являюсь, и я очень большая часть этого «.

кредит: Питер Швейцер

Прайс-лист и произведения искусства доступны по запросу. Связаться с Шелли на [email protected] или через ее веб-сайт.

Share

Pin

Tweet

Send

Share

Send

Смотреть видео: Студийная съемка. Гибридный курс. Занятие 1. Алексей Довгуля (October 2021).

14 октября. Календарь памятных и знаменательных дат Сахалина и Курил

Введено губернаторство в Сахалинской области [1991] Всемирный день зрения Покров Пресвятой Богородицы и Приснодевы Марии Принятие резолюции №874 СБ ООН В Петербурге открыт оперный Мариинский театр [1783] Всемирный день стандартов Родился Дмитрий Писарев, русский публицист, критик [1840] Родился Генрих Шютц, немецкий композитор и органист [1585] Родился Уильям Пенн, английский квакер [1644] ПЕНН Уильям (1644-1718), основатель английской колонии в Сев. Америке, получившей название Пенсильвания. Квакер. Родился Николай Юсупов, русский дипломат [1750] Родился Яков Захаров, русский химик [1765] Родился Дуайт Эйзенхауэр, 34-й президент США [1890] Родился Андрей Еременко, советский маршал [1892] Родилась Лилиан Гиш, американская актриса [1896] Родился Семен Косберг, русский конструктор [1903] Родился Владимир Фетин, русский кинорежиссер [1925] Родился Наум Коржавин, русский поэт [1925] Родился Клифф Ричард, английский певец [1940] Родился Вадим Спиридонов, русский актер [1944] Родился Николай Андрианов, русский гимнаст, семикратный олимпийский чемпион [1952] Родился Алексей Касатонов, русский хоккеист [1959] День Украинского казачества День учителя Польши Для большинства учителей и учащихся в Польше это выходной день. Лишь в некоторых школах организуют линейки, встречи или вечеринки. Ученики поздравляют своих учителей с праздником и дарят им цветы. День святого Калликста День преподобного Романа Сладкопевца Впервые напечатана книга Алана Милна о Винни-Пухе [1924] День матери в Беларуси Октябрь Начало свою работу сахалинское радиовещание [1946]Создана База океанического рыболовства в г. Корсакове [1946]Первая морская скважина дала первую промышленную нефть [1977]Открылась поликлиника № 1 в г. Южно-Сахалинске [1946]Установлена мемориальная доска в память о Анкудинове Ф.С. [1996] Открылась горнопромышленная школа строителей в г. Южно-Сахалинске [1951] Завершено строительство учебного корпуса и учебно-производственных мастерских Южно-Сахалинского государственного педагогического института и проведен митинг, посвященный открытию нового здания института [1961] Вступила в действие линия электропередачи Сахалинская ГРЭС – Южно-Сахалинск [1966] Создано Сахалинское отделение Всероссийского хорового общества в Южно-Сахалинске [1966] Здание Сахалинского обкома КПСС передано областному суду [1991] При Южно-Сахалинском государственном педагогическом институте организован Восточный факультет с изучением японского и корейского языков [1991] Образовано управление охраны МГБ на Южно-Сахалинской железной дороге и в Сахалинском морском пароходстве [1947]

Календарь событий завтрашнего дня Переименованы 363 населенных пункта Сахалина Гороскопы на сегодня Дева 14 октября Сегодня вы будете той скалой, что стоит недвижимо посреди самой жуткой бури. К вам будут обращаться за помощью, за поддержкой, просто желая вашего внимания. Не отталкивайте этих людей. Новости прошлых лет 14 октября 2016 года 14 октября 2015 года 14 октября 2014 года 14 октября 2013 года 14 октября 2012 года 14 октября 2011 года 14 октября 2010 года 14 октября 2009 года 14 октября 2008 года 14 октября 2005 года 14 октября 2004 года 14 октября 2003 года 14 октября 2002 года

back forward rewind

Уильям Хукер и Фил Ниблок

HookerNiblock, 2015—2019

Одноканальная видеоинсталляция, HD, 17’49”. Видео: Фил Ниблок. Музыка: Уильям Хукер. Предоставлено авторами

Уильям Хукер — джазовый музыкант, ударник, он родился в 1946 году и переехал в Нью-Йорк в семидесятых, играл с легендарными музыкантами и в легендарных клубах, таких, как Knitting Factory. А Фил Ниблок, переехавший в Нью-Йорк в 1958 году, как раз начинал с того, что фотографировал по клубам джазовых музыкантов. И только спустя годы сам стал композитором и саунд-художником. Удивительно, что двое людей, неравнодушных к джазу и живущих в одном городе, встретились совсем недавно, да и то в Риге, и решили сделать что-то вместе. Хукер исполнил соло на ударных, а Ниблок решил снять к нему видео — но вот вопрос, как подобрать изобразительный ряд к такой музыке? Может быть, подойти ближе к музыканту, вплотную, настолько близко, что тарелки превратятся в абстрактное изображение, потеряют цвет, растворятся в звуке и ритме? Во всяком случае, эту работу нужно слушать с начала и до конца, как музыкальную композицию, не рассчитывая, что уже все понял в первые минуты.

Фил Ниблок (США). Художник, работает с синтетическим искусством, используя музыку, кино, фотографию, видео и компьютеры. Его музыкальные и синтетические перформансы были представлены на различных площадках, среди которых Музей современного искусства в Нью-Йорке, пространство The Kitchen (Нью-Йорк), Центр Помпиду (Париж), Центр изящных искусств BOZAR (Брюссель), Институт современного искусства (Лондон). Был директором Experimental Intermedia, нью-йоркского фонда, занимающегося авангардной музыкой, куратором лейбла фонда XI. В 2014 году был удостоен премии Джона Кейджа Фонда современного искусства (Нью-Йорк).

Уильям Хукер (США). Барабанщик, композитор и поэт, создает произведения от джаза и «новой» музыки до экспериментальных жанров. Записал более 70 компакт-дисков. Выступал в Бруклинской музыкальной академии (Нью-Йорк), Уодсворт Атенеум (Хартфорд), в Атриуме Дэвида Рубинштейна в Линкольн-центре (Нью-Йорк), Зале королевы Елизаветы (Лондон) и на других площадках по всему миру. Принимал участие во множестве джазовых фестивалей, среди которых Edgefest, Vision, JVC, Experimenta Argentina и другие.

Artiste contemporain Shelley — Carré d’artistes

Шелли открыла для себя искусство в раннем детстве благодаря своему отцу, который был художником. Он увлекался классической живописью кистями и внушал дочери вкус рисунка и цвета. Юность она провела в районе Парижа, где посещала различные мастерские изящных искусств. Даже будучи любителем искусства, она все еще не планировала делать искусство своей профессией. Она поселилась на Юго-Востоке и начала работать в сфере услуг.
С материнством она вернулась к юношескому увлечению и снова занялась живописью.Она завершила свое художественное образование как самоучка, всегда в поисках гармонии между формой и цветом. Она открыла для себя яркий свет Экс-ан-Прованса. Ее деревня Les Terres Rouges контрастирует между яркими красками земли и пастельными оттенками горы Сент-Виктуар.
Краски на льняном масле присутствовали в ее жизни всегда. Шелли — прежде всего колорист, влюбленный в южный свет. Между образностью и абстракцией ее работы играют с пространством и кристаллизуют акцент на главном, используя, прежде всего, чистоту.
Работа Шелли описывает ее интимный мир и ее воображаемые путешествия. Она предлагает очень индивидуальный и стимулирующий стиль рисования. Ее полотна — это встречи с более духовным и абстрактным миром, в котором каждый может найти себя. Ее нож работает с оттенками красного и оранжевого, которые улавливают свет. Она также рисует образцы мягких цветов, которые успокаивают.
Шелли хочет быть художником эмоций и черпает из природы и ее света мягкие или сильные эмоции, которые пронизывают всех нас.Пейзажи с их безмолвными тайнами рождают атмосферу, которая со сложностью цвета и среды выражена в ее картинах.
Шелли нелегко отзывается о своей работе и предпочитает идею о том, что «искусство гораздо больше выражается самим произведением, чем художником». Сейчас она живет в Бордо, но регулярно возвращается в Экс-ан-Прованс, где у нее есть студия.

Линнетт Шелли, художник | Contemporapry Animal Art

БИОГРАФИЯ

Уникальные картины и рисунки, написанные художницей Линнетт Шелли в смешанной технике, посвящены животным, узорам, архетипам, иконографии и мифологии.Ее работы и кропотливо детализированы, и кажутся фантастическими в своем уникальном видении обычных (и некоторых не очень распространенных) фигур животных. Эти почти тотемные существа захватывают воображение своей смелой напряженностью и откровенным взглядом на зрителя.

ИСТОРИЯ

Линнетт Шелли — отмеченная наградами художница из Пенсильвании, специализирующаяся на современных картинах животных и природы в смешанной технике. Обладая большой любовью к дикой природе, узорам и архетипам, Шелли объединяет эти влияния в своих поразительно уникальных произведениях искусства.Ее очень подробные и сложные композиции создаются с использованием сложного процесса, разработанного путем наращивания нескольких слоев, включающих техники как в рисовании, так и в живописи — от штриховки до брызг чернил и линейного рисования. Некоторые из работ Шелли (ее «фальшивые» картины) также включают элементы коллажа, в котором она добавляет раскрашенную вручную и вырезанную акварельную бумагу к произведению искусства в процессе, напоминающем мозаичную плитку.

Произведения Шелли, посвященные животным и природе, выставлялись как на национальном, так и на региональном уровне в музеях, художественных галереях и других местах.В 2021 году Гильдия мастеров Пенсильвании присвоила Шелли статус мастера-ремесленника.

В дополнение к своим занятиям изобразительным искусством, Шелли также является соучредителем The Red Masque, оригинальной дарк-арт-рок / прогрессив-рок-группы, которую она пишет и выступает с 2001 года. Шелли также является вокалисткой в ​​Green Cathedral. рок-группа современного искусства. Они выпустили свой дебютный альбом в 2017 году.

Шелли родом из Делавэра, живет в Эмблере, штат Пенсильвания, и владеет частной студией в Норристауне.

ЗАЯВЛЕНИЕ ХУДОЖНИКА

Одно из моих основных художественных интересов — изучение животных, икон и архетипов. Будь то нарисованные на стенах пещер, изображения в виде предзнаменований или тотемов или даже поклонения как олицетворения богов, животные были любимым мотивом для наших предков, и они до сих пор продолжают увлекать людей. Анималистические образы и темы можно увидеть в поп-культуре во всем: от фольклора и мифологии до мультфильмов, логотипов и талисманов. Мои работы более подробно рассматривают это архетипическое царство животных.Переосмысленные с помощью искусства, абстракции, декоративных элементов и современного видения, эти существа обращаются к нашему коллективному бессознательному.

Кроме того, мне нравится рисовать картины с изображением находящихся под угрозой исчезновения или вымерших животных, а также необычных животных, чтобы привлечь внимание к тому, что мы, люди, делаем с нашей планетой, а также исследовать все разновидности жизни вокруг нас.

Свяжитесь со мной

Случайное искусство: старая подножка Линнетт / рабочая поверхность с многолетними пятнами чернил, краски и графита (а также кровью, потом и слезами!)

Картины Шелли Халл

Произведения Шелли Халл в течение последних 30 лет выставлялись по всей стране в таких местах, как Новый музей современного искусства. Искусство в Нью-Йорке, Университетские галереи в Государственном университете Иллинойса, Центр искусств Арвада, Центр искусств Предгорья в Колорадо.Ее работы находятся во многих частных коллекциях в США и Великобритании. Она была удостоена таких наград. как NEA, грант на получение стипендии визуального художника, живопись в 1984 году. Ее работы были отобраны для размещения в сенатском офисе Кори. Гарднер из Вашингтона, округ Колумбия, и был предоставлен во временное пользование через программу «Искусство в посольствах» в Суве, Фиджи, а также в Катманду, Непал. Эти пейзажи отражает любовь к юго-западу, пешим прогулкам и рисованию западных пейзажей. Ее картины — современные пейзажи вдохновленные американским Западом и его размышления.

Я давно очарован юго-западным пейзажем. Когда я переехал в Денвер в 1997 году, я был возможность исследовать и делать зарисовки ежедневно, а не только во время ежегодных посещений. Я люблю рисовать горы, пустыню, скалы, худу, морены, цирки, каньоны, долины, облака и огромное постоянно меняющееся западное небо. Его привлекательность одновременно ощутима и загадочна.

Утюги сквозь деревья
Холст, акрил, 20 x 16 дюймов, 2019
Нажмите на изображение выше, чтобы увидеть его в увеличенном виде.

Текущие и предстоящие выставки

Up to Snow Good , The Framed Image, Денвер, Колорадо, 29 сентября — 28 декабря

11-я ежегодная национальная выставка жюри SAGE Arts, Шеридан, Вайоминг, 19 октября — 27 ноября 2021 г. (член жюри Т. Аллена Лоусона)

Для запросов о картинах, комиссионных или ценах напишите мне, посетите мой магазин на etsy или заказать распечатки некоторых картин на Artfully Walls ™ и антропология За границей.

Shelley Lazarus Bio — TAG Gallery

Основная цель Шелли Лазарус как художника — привнести в свои картины ощущение движения и эмоций с помощью цвета. Ее пейзажи создаются в основном на натуре, где она может почувствовать силу атмосферы вокруг себя и, используя цвет, композицию и движение пространства, уловить тонкие нюансы, которые отражаются в свете.

Каждая новая картина, будь то пейзаж на пленэре, натюрморт, созданный в комфорте ее студии или работа с моделью, — это захватывающее путешествие в мир, который она может создавать и изменять, чтобы выразить свое собственное видение и себя.Как дочь, мать и бабушка, она постоянно осознает связь одного поколения со следующим, влияние, которое они оставляют, и необходимость ценить то, что произошло раньше, и то, что мы можем оставить в качестве нашей отметки как для наших биологических наследников, так и для наших духовные. С ощущаемой радостью она попытается найти и прикоснуться к людям посредством бумажных композиций.

Шелли родилась и получила образование в Нью-Йорке, где, будучи подростком, она начала изучать искусство в Пратт-колледже , продолжая посещать среднюю школу Линкольна.Позже она была студенткой Сиракузского университета и Школы дизайна Парсонса . В 1973 году она переехала в район Лос-Анджелеса с мужем и тремя сыновьями. Хотя ее художественная карьера была прервана на время, в 1981 году она стала работать в Арт-центре Брентвуда .

С тех пор она активно занимается художественной карьерой. Ее работы ежегодно выставлялись как на местных, так и на национальных выставках. Эти работы получили множество наград, в том числе Диптих и Триптих, которые были на Международном конкурсе художников для Олимпийских игр в 1984 году, первое место от Арт-клуба долины Сан-Фернандо за акварель на Празднике горы Санта-Моника и недавнем фестивале в Оклахоме. Национальная инвестиционная премия в области акварели.Она является членом Общества чести акварели и подписным членом Национального общества акварелистов Оклахомы.

Ее картины находятся в коллекциях частного, корпоративного и государственного секторов здесь и за рубежом, в том числе в библиотеке Музея искусств округа Лос-Анджелес .. Она является активным участником женщин-художников Западного , Общества акварели долины , Галерея 825 и Институт визуальных искусств Вэлли (VIVA).

Шелли преподавала искусство как детям, так и взрослым.В настоящее время она преподает курс акварельной живописи взрослым в Центре искусств Брентвуда. Летом она также преподает живопись на пленэре и дает частные уроки представителям индустрии развлечений и членам королевской семьи.

В 1993 году она приняла участие в создании TAG Gallery — галереи для совместной работы, расположенной в районе Музейной улицы Чудо-Майл на бульваре Уилшир, Лос-Анджелес, Калифорния. В 2000 году она занимала пост президента TAG и была в их совете почти с момента его основания.

Линнетт Шелли | Побег в жизнь

Artist Bio

Линнетт Шелли — уроженка Делавэра, переехавшая в Филадельфию в 1999 году. Ее работы выставлялись на различных площадках столичного региона Филадельфии, в том числе во Филадельфийских открытых студийных турах (POST) и в Академии естественных наук. Некоторые из ее рисунков существ были показаны в короткометражном мультфильме «Паук — это паутина», показанном на кинофестивале в Торонто в 2008 году, в то время как большая часть ее работ была представлена ​​в рамках экранного художественного шоу на фестивале H.Кинофестиваль П. Лавкрафта в Портленде, штат Орегон. Она также участвовала в художественной выставке, организованной жюри на Dragon Con в Атланте, штат Джорджия, в 2009 году, одном из крупнейших в мире съездов, посвященных фэнтези / научной фантастике.

Линнетт в настоящее время представлена ​​галереей «Три вороны» в Ардморе, штат Пенсильвания.

Находится под сильным влиянием кельтских, восточных, азиатских и местных работ; ар-нуво, абстрактный экспрессионизм и средневековое искусство; фэнтези и научная фантастика; Наряду с зооморфизмом, териантропией, криптозоологией, мифологическими историями и легендами Линнетт объединяет эти стили в своих поразительно уникальных иллюстрациях.

«Я поклонник множества художников — от различных художников, пишущих пером и тушью, таких как Обри Бердсли и Эдвард Гори, до средневековых иллюминированных рукописей, созданных кельтскими монахами, и русских художников-иконописцев, японских художников-свитков и местных мастеров. Я также ценю художников, которые изображают мир вокруг себя с уникальным взглядом и ярким воображением — Винсент Ван Гог, Уильям Блейк, Фрида Кало, Марк Шагал, Густав Климт, Анри Руссо, Эдвард Мунк, Сьюзан Седдон Булет и Уолтон Форд, и многие другие. несколько.”

Работа

Линнетт вызывает у многих зрителей первобытный отклик, вызывая почти юнгианские ассоциации с цветами и формами. Ее изображения животных и существ одновременно примитивны и сложны, и их сравнивают с изображениями неизведанной древней цивилизации или культуры.

Веб-сайт Линнетт Шелли

Твиттер Линнетт Шелли

Связанные

Шелли Джордон | | Колледж свободных искусств

Шелли Джордон
Профессор изящных искусств
sjordon @ oregonstate.edu
541-737-5019
Fairbanks 317
www.shelleyjordon.com

Шелли Джордон — живописец и художник движущихся изображений, получившая степень бакалавра в Школе визуальных искусств в Нью-Йорке и степень магистра в Бруклинском колледже Городского университета Нью-Йорка. Ее картины, анимация и анимационные инсталляции исследуют пересечения между внутренним и внешним миром и связи между прошлым и настоящим опытом. Рисунок и живопись с натуры — в прямом и переносном смысле — основа ее творчества.Обладатель стипендии изобразительных искусств Американской академии в Иерусалиме, двух наград Индивидуальной стипендии Комиссии по искусству штата Орегон и гранта на исследования в области путешествий группы Фулбрайта-Хейса, она была награждена резиденцией художников в Американской академии в Риме и Центре Векснера. Искусство в Колумбусе, штат Огайо.

Произведения Шелли Джордон широко выставлялись и собирались на национальном и международном уровнях в таких местах, как The Frye, Museum, Сиэтл, Вашингтон, Художественный музей Портленда, Портленд, штат Орегон, и Музей искусств Портленда, Портленд, штат Мэн.Часто сотрудничая с альтистом и композитором Куртом Роде, она получила премию «Лучшее искусство и анимация» за свою анимацию Terremoto на фестивале Radar / Hamburg Film Festival в Гамбурге, Германия, и приз присяжных заседателей от кинокритика LA Times Кена Турана в Международный кинофестиваль в Портленде Семейная история . Ее недавний проект «Путешествие Аниты », анимационный фильм о детстве ее свекрови в нацистской Германии, включен в коллекцию фильмов о катастрофе в Кельне, Германия, и в Еврейский музей в Берлине, Германия.Спонсируемая посольством США в Латвии, Джордон недавно вернулась из Риги, Латвия, где ее пригласили принять участие в выставке и симпозиуме «Виртуальный мемориал », Команда «А: художники за перемены» .

Преподавание философии:
Творчеству нельзя научить, но его можно взрастить. Обучение студентов нестандартному мышлению и за пределами их мира поощряет исследование и экспериментирование идей и материалов. Создав прочную основу и знакомство с традиционными и современными художниками и подходами к созданию искусства, учащимся предоставляются инструменты, необходимые для поиска собственных форм визуального выражения.

Shelley Haven — Yonkers Arts Weekend (YAW)

Шелли Хейвен большую часть времени можно встретить в своей студии Yonkers в Йохо, в окружении богатой коллекции природных объектов и пышных растений, изображающих любимые моменты природы. Созданные со слоем цвета и отметки, произведения Шелли представляют собой хронику путешествия открытий и воспоминаний, в котором исследуются оттенки и формы природы, ее узоры и ритмы, прозрачность и отражения — все трансформируется светом и временем, в одно мгновение, едва различимое, в другой, взрывоопасный.

Теплая погода соблазняет ее рисовать на открытом воздухе в любимых местных садах или парках — Унтермайер, Вейв-Хилл, Нью-Йоркском ботаническом и вересковом садах, а также в фантастических местах, обнаруженных во время пеших походов. Когда она работает среди какофонии природы, меняется свет и температура, лепестки и листья танцуют, поют птицы и насекомые, текут воды и иногда смещаются валуны. Часы и дни открывают тайные преобразования, характерные для каждого места.

Шелли летом 2017 года была ординатором-преподавателем в Музее реки Гудзон.А раньше она преподавала в Wave Hill. В нашем сообществе ее работы недавно выставлялись в галерее Riverfront, художественном центре Blue Door; и в галерее Чепмена колледжа Ионы и галерее Media Loft в Нью-Рошель.

Работы г-жи Хейвен хранятся в Библиотеке Конгресса, Музее современного искусства, Нью-Йоркских государственных специальных коллекциях, Амстердамском музее Стеделийк, а также в университетских, корпоративных и частных коллекциях. Ее работы выставлялись в США и за рубежом.И она получила гранты по искусству и стипендии для художников на местном, национальном и международном уровнях. В настоящее время Шелли преподает в Школе визуальных искусств и самостоятельно.