Самые знаменитые театральные режиссёры Москвы, о которых стоит знать
Самые знаменитые театральные режиссёры Москвы, о которых стоит знать
4 11036
mix» data-ping-position=»3″ data-featured-url=»https://kudago.com/msk/list/gde-v-moskve-priobresti-biletyi/» data-item-url=»https://kudago.com/msk/list/gde-v-moskve-priobresti-biletyi/» data-featured-path=»/msk/best-plays/»> 4 14164
Кирилл Серебренников
Фото:
rbc.
ru
Необычные концерты в Соборе Петра и Павла. 12+
Джаз, средневековая и классическая музыка на органе. Реклама. ИП Романенко Олег Иванович. ИНН 771471613250
Смотреть расписание
Сергей Женовач
«Студия Театрального Искусства» Сергея Женовача — это единственный чисто литературный театр столицы. Основная часть спектаклей поставлена по прозаическим произведениям. Будучи учеником Петра Фоменко, Сергей Женовач следует заветам мастера и, в принципе, работает в той же системе координат. Для него характерна идея совместного творчества, общего сочинения с актёрами, нацеленного на свободное течение творческой фантазии, а сам режиссёр играет роль лидера, объединяющего отдельные эпизоды в единую и целостную композицию.
Иван Вырыпаев
Драматург, театральный и кинорежиссёр поставил более десяти спектаклей в Москве, Иркутске и польских городах — Варшаве и Кракове. За спектакль «Кислород» Вырыпаев награждён «Золотой маской», также является лауреатом многочисленных российских и международных театральных фестивалей. В 2009-м Вырыпаев был назван лучшим драматургом года в Германии, его пьесы переведены на множество языков и идут по всей Европе.
Филипп Григорьян
Пришёл в режиссуру из актёрской труппы Театра им.
Вахтангова, также выступал как перформер. Долгое время отказывался от постановок, основанных на текстах, но, познакомившись с Павлом Пряжко, начал активно ставить его пьесы. Режиссёрский стиль Григорьяна называют дизайнерским, предшественником этого направления является Боб Уилсон. Крупнейшие работы режиссёра — спектакль-бродилка «Шекспир. Лабиринт» в Театре Наций и премьера сезона 2014-2015 — гоголевская «Женитьба» с Ксенией Собчак и Максимом Виторганом в главных ролях.
Кирилл Серебренников
Основатель московского «Гоголь-центра», обладатель «ТЭФИ», «Золотой маски» и других престижных премий, Кирилл Серебренников знаменит не только как театральный, но и как кинорежиссёр. Его спектакли шли и идут на крупнейших театральных площадках Москвы и Петербурга (Большой театр, Мариинский театр, «Современник», Театр Наций и другие), а также на сценах Риги и Берлина.
Кама Гинкас
Народный артист РФ, профессор Школы-студии МХАТ, обладатель крупнейших театральных премий, среди которых «Золотая маска», «Чайка» и «Хрустальная Турандот». Спектакли Гинкаса отличаются мрачным колоритом, чувственностью, безжалостностью и натурализмом деталей. Мастерски воплощая трагедию, он также интересуется русской классикой, трагифарсом, темой смерти и судьбы.
Римас Туминас
Худрук Театра им.
Вахтангова, Римас Туминас придерживается традиций русской психологической школы. В его постановках нет эпатажа или политической сатиры, они всегда философичны и неспешны. Классическая русская драматургия в постановке Туминаса наполнена метафорами, поэтикой и визуальными символами. Режиссёр удостоен Государственной премии РФ, Ордена Дружбы и «Золотой маски».
Дмитрий Крымов
Неожиданное смешение драмы и живописи в его работах объясняется тем, что Дмитрий Крымов — не только режиссёр, но и художник-сценограф. Его спектакли поражают визуальными метафорами, в них много юмора и фантазии, в то время как диалоги героев или даже сюжет могут полностью отсутствовать. Дмитрий Крымов является членом Союза художников России, лауреатом «Золотой маски» и международных театральных наград.
Евгений Каменькович
Художественный руководитель «Мастерской Петра Фоменко» тяготеет к масштабным постановкам, основанных на романах «нетеатральных авторов» (Джеймс Джойс, Владимир Набоков). Его спектакли зачастую ироничны и даже гротескны. Помимо сцены «Мастерской» постановки Каменьковича идут в «Современнике», Театре им. Ермоловой, Студии театрального искусства. Режиссёр является лауреатом премий «Золотая маска», «Гвоздь сезона» и других.
Миндаугас Карбаускис
Художественный руководитель Театра им.
Вл. Маяковского награждён премией им. Станиславского, «Хрустальной Турандот», «Золотой маской» и не только. Его спектакли чаще всего основаны на классических текстах, они сдержанные, тонкие и проникнуты философской глубиной. Работы Карбаускиса не имеют ничего общего с развлекательным театром, а новаторствам и задору он предпочитает внятно выраженную основную мысль.
Марат Гацалов
Выпускник ВГИКа и ГИТИСа, обладатель спецприза «Золотой маски» за спектакль «Жизнь удалась», Марат Гацалов ставит пьесы современных молодых драматургов, используя впечатляющие театральные приёмы. По словам режиссёра, ему интересно изучать жизнь с расстояния вытянутой руки. Такой экспериментальной лабораторией для него стала «новая драма», воспитавшая у молодого режиссёра тонкий слух к театральной фальши.
Юрий Квятковский
Молодой режиссёр, выпускник Школы-студии МХАТ, прославился благодаря своей хип-хоп-опере «Копы в огне», герои которой вскоре вышли за пределы сцены в медийное пространство. Сегодня Юрий Квятковский преподаёт в Школе-студии МХАТ, и один из спектаклей, поставленных со студентами, — вербатим «Это тоже я», — вошёл в репертуар Театра «Практика». Недавним грандиозным проектом режиссёра стал спектакль-бродилка «Норманск», поставленный в пространстве Центра им. Мейерхольда.
Кирилл Вытоптов
Выпускник ГИТИСа, получил диплом, будучи обладателем «Золотой маски» — общей на весь Liquid Theatre, в спектакле которого Вытоптов участвовал как актёр.
Активно участвует в столичных творческих лабораториях и фестивалях. Среди лучших работ режиссёра — постановка синтетической современной оперы «Сны Минотавра». В режиссуре Вытоптова отсутствует деструктивное начало, он крепко держится за надёжное и проверенное, при этом не боится пользоваться самыми новейшими технологиями.
Константин Богомолов
Мастер эпатажа, известный своими более чем неординарными постановками классики, Константин Богомолов особенно прославился благодаря спектаклям «Идеальный муж» по Оскару Уайльду и «Карамазовы» по роману Достоевского. В 2014 году по приглашению Марка Захарова Богомолов поставил на сцене «Ленкома» пушкинского «Бориса Годунова», полного неожиданных находок.
Также спектакли режиссёра идут в МХТ им. А. П. Чехова, Театре-студии Олега Табакова и не только.
Клим (Владимир Клименко)
Художественный руководитель Центра драматургии и режиссуры — пожалуй, самый загадочный из всех столичных режиссёров. Ученик Эфроса и Васильева, легенды о котором ходят с начала 90-х. Первый проект Клима на сцене ЦДР — дилогия «Служение Слову — русский Логос», первая часть которой длится 5 часов, а вторая — почти 2. Со сцены звучит поэтический текст в исполнении единственной актрисы. Спектакли Клима — это соприсутствие группы людей — зрителей — между прошлым и настоящим наедине с магическим законом словосочетания.
Если вы нашли опечатку или ошибку, выделите фрагмент текста, содержащий её, и нажмите Ctrl+↵
Выберите рассылку:
Нажимая на кнопку «Подписаться», вы соглашаетесь на передачу и обработку предоставленной
персональной информации в соответствии с условиями Политики конфиденциальности.
Подписка оформлена
Спасибо!
20. Европейская театральная режиссура второй половины XX века.
Напряженная борьба двух театральных формаций — актерской и режиссерской, развернувшаяся на рубеже XIX-XX вв., привела в начале 1910-х гг. к полной победе театра режиссерского.Различные типы театра — экспериментальный, коммерческий, адаптирующий новации для широкой публики и даже академический — стали использовать и развивать принципы режиссуры. В этом общая закономерность театраXX в. Различные режиссеры, выдвигая свои концепции и формулируя системы, стремились усилить значение театра в жизни человечества. Вновь остро встают вопросы катартического преображения зрителя или создания универсального художественного языка.
Специфика театра XX в. заключается еще и в том, что все искусство оказывается во взаимодействии-противодействии с массовой культурой.
Развитие театра происходит в направлениях,
не связанные даже общими законами.
Театр
традиционный утрачивает силу воздействия
на зрителей. Театр авангардный,
взрывающий традиции, либо быстро исчерпывает свои способы воздействия, либо переходит в традицию. Театр массовой культуры имитирует законы театра, но не затрагивает человеческой души.
В 50-е гг. закономерным продолжением экзистенциализма стал абсурдизм.
Свободная личность, противостоящая толпе, в драмах абсурда исчезает. На первый план выходит проблема некоммуникабельности, неспособность выразить себя, утрата индивидуальности. Параллельно абсурдизму в 50-е гг. происходит распространение наследия эпического театра и брехтовской драматургии.
Швейцарская драматургия Макса Фриша и Фридриха Дюрренматта соединила в себе принципы, найденные Брехтом, с экзистенциальной проблематикой. В результате
возникло органичное единство трагического и комического и была найдена яркая сценическая форма, давшая при постановке пьес Фриша и Дюрренматта яркие
достижения европейской и мировой
сцены.
Абсурдистская драма и швейцарская трагикомедия наиболее полно отразили противоречивое мироощущение 50-х.
Следующее десятилетие было отмечено обострением социальных противоречий и повсеместным разочарованием в культуре. В театре это воплотилось в документализме — обращении к актуальным политическим и историческим темам, отказе от эстетизма, стремлении разрушить рампу.
Наряду с возникновением множества политических театров
и документальных пьес в разных странах появляются уникальные новаторские коллективы: ЛивингТиэтр в Нью-Йорке, студия при Лондонской академии музыкального и драматического искусства под руководством П. Брука и Ч. Маровица, Театр-лаборатория Е. Гротовского. Здесь вырабатывались новые возможности взаимоотношений между людьми, преодоление условности театра и условности жизни.
Шестидесятые годы стали серьезным
испытанием для крупнейших режиссеров,
театральные концепции которых
сформировались в 40-50-е гг.
Д. Стрелер, Ж.
Вилар, Ж. Л. Бар-ро, И. Бергман ищут новые
формы, иногда решительно отказываясь
от прошлого.
Один из величайших режиссеров XX в. — Ингмар Бергман (род. 1918) свои всемирно известные кинофильмы насыщает театральной эстетикой.
И реальная жизнь, и реальность кино видятся Бергману как театральное представление, которое человек разыгрывает для себя или для кого-то другого. Человек сам пишет сценарий своей жизни, но сценарий почему-то всегда оказывается трагическим.
Бергман постоянно ставит спектакли, наряду со съемкой фильмов, созданием сценариев, пьес, прозы, мемуаров.
В середине 80-х вершиной театрального творчества шведского режиссера становятся трагедии Шекспира «Король Лир» (1984) и «Гамлет»(1986).
«Гамлет» в режиссуре Бергмана превращается
в монументальное полотно, насыщенное
современными деталями. В русле общей
тенденции этого времени режиссер
выстраивает несколько сюжетных линий,
связанных единой структурой мифа, чтобы
потом разрушить всю эту структуру под
натиском новых, «внетеатральных» сил,
Для Бергмана характерна разработка и
укрупнение «промежуточных персонажей».
Призрак (Эрланд Юсефсон) появляется в
спектакле постоянно. В нем нет ничего
инфернального. В широких белых одеждах,
словно в домашнем халате, живой,
«положительный», он не «давит» на Гамлета
(Петер Стурмаре) необходимостью мести,
а ведет свою линию, присутствуя в
обыденной жизни как рок. Однако в сцене
убийства Клавдия именно он схватит
убегающего короля и будет держать его,
пока рапира Гамлета не достигнет цели.
Офелия (Пернилла Ёстергрен) — невыразительная
и покорная дочь Полония, любящая Гамлета
и неспособная противостоять заговору
против него. Только после сцены прощания
с Гамлетом она снимает красные туфельки,
надетые на нее Гертрудой, как символ
чуждой, навязанной ей роли. Когда Офелию
похоронят и процессия под зонтами
разойдется, последней одинокой фигурой,
оставшейся от толпы, окажется Офелия.
В этом мире только призраки свободны и
добры. Люди — жестоки и эгоистичны.
Гамлет -одинокий и взрослый, жестокий
и действенный, в черном свитере, черных
очках, кожаном плаще.
Он ищет свой путь,
ни в ком не нуждается, а оказывается
таким же, как все. Когда все основные
линии сюжета исчерпаны и каждый получил
по заслугам, действие неожиданно
срывается с размеренного пути. Черный
задник разламывается, и сквозь яркий
сияющий разлом под оглушительную
современную музыку врывается Фортинбрас
с компанией бандитов. Они приканчивают
Горацио и устанавливают свой порядок,
свой хаос.
После аскетизма и публицистичности 60-х последующее десятилетие принесло в театр изысканный эстетизм и масштабность замыслов.
Однако спектакли не забывали напоминать о хрупкости театральных иллюзий и жестокой реальности, не отпускающей человека. В финале шекспировской «Бури» Джорджо Стрелера (версия 1979 г.) идеальный лучезарный мир рушился, задник, залитый солнечным светом и лазурным морем, падал, обнажая кирпичную сцену. Такая тенденция представляется повсеместной (пример тому финал бергмановского «Гамлета»).
С конца 60-х возникает устойчивый
интерес к проблеме мифа, к созданию на
сцене некоего синтеза мифологической
структуры и театрального драматизма.
Спектакль Питера Брука «Махабхарата» (1985). Эпическое повествование превратилось по воле режиссера в высокую трагедию. Боги исполнились противоречивыми чувствами и человеческими страстями. Сюжеты, возникающие на сцене (точнее, на открытом игровом пространстве), оказывались лишь игрой воображения, воплощением иллюзий, охвативших богов и людей. За ними открывалась иная реальность, столь же хрупкая и театрально условная.
Режиссура — режиссура ХХ века | Британика
Ремесло театрального режиссера в XX веке стало очень многообразным и сложным. В обязанности входит стиль игры в конкретных постановках, интерпретация пьесы, руководство актерами в изучении их ролей, а иногда, хотя и неоднозначно, полный контроль над их исполнением. Режиссер также обладает верховной властью в вопросах декора, костюмов и освещения (иногда он действует сам в этих трех областях, но профсоюзные ограничения в некоторых странах, особенно в Соединенных Штатах, препятствуют этому в коммерческих постановках, хотя они и позволяют ему окончательное решение).
слово). Случайная музыка, если таковая имеется, и хореография в музыкальном спектакле также находятся под его контролем, как и визуальные и звуковые эффекты.
Эти театральные инструменты режиссера более многочисленны и совершенны, чем в XIX веке. Более того, актер теперь намного лучше знаком с приемами голоса и речи, так что режиссеру необходимо хотя бы теоретическое знание того, как исполнитель достигает той полной выразительной тональной октавы, на которую он должен быть способен. Он также должен быть чувствителен к ритмам и динамике речи и к тому, как на них влияют эмоции и ситуация; благодаря контрастам, возникающим в результате этого, он может создать в исполнении образец, который обращается как к уму, так и к чувствам. Многое зависит и от композиции его сценических картин, которые никогда не должны оставаться надолго статичными, и от того, как и когда двигаются его актеры. Функцию современного режиссера можно резюмировать так: он создает последовательность фокусов, которые должны неотразимо привлекать внимание публики; затем, посредством качества игры, он старается сделать эти фокусы настолько актуальными, насколько это возможно.
Опыт отдельных режиссеров — кто-то был актером, кто-то режиссером, кто-то пришел в театр из других профессий — сформировал их стиль. И все же стиль режиссера трудно оценить. На него сильно влияет материал, и легкомысленные критики могут навесить на режиссера ярлык в зависимости от вида производства, с которым он был наиболее явно связан. Макс Рейнхардт был известен на двух континентах во многом благодаря пьесе « Чудо » (премьера 1911 г.), не слишком выдающейся пьесе, которая во многом обязана своим успехом его эффектной обработке. Его менее известная интерпретация 9 Луиджи Пиранделло.0007 Шесть персонажей в поисках автора , психологическая пьеса, не требующая декораций, была, однако, не менее типична для этого выдающегося венского режиссера. Имя Станиславского неразрывно связано с именем Чехова, и принято считать, что он был идеальным интерпретатором великого русского драматурга. Это убеждение связано не столько с полным пониманием Чехова со стороны Станиславского, сколько с тем фактом, что Станиславский неоднократно и подробно писал о том, какая игра необходима чеховским пьесам.
Мы знаем из подсказки первого из Чайка и из писем Чехова видно, что эти два человека расходились во мнениях по некоторым фундаментальным вопросам художественного суждения. Письма Чехова и последняя постановка Немировича-Данченко «» «Три сестры » (1938), которую продолжали ставить более 20 лет, позволяют предположить, что русскому драматургу гораздо лучше служила более сдержанная партнерша Станиславского.
Успех, с которым режиссер выполнил свою задачу, нелегко оценить ни любителю театра, ни критику. Оба могут быть обмануты захватывающими декорациями или смелыми театральными эффектами, заставив их переоценить эти инструменты ремесла и забыть об их цели, которая состоит в том, чтобы обеспечить творческую интерпретацию того, что написал автор. Луи Жуве, выдающийся французский режиссер 20-го века, однажды написал:0003
Есть два типа режиссеров: тот, кто всего ждет от спектакля, для которого важен сам спектакль; и тот, кто не ждет ничего, кроме самого себя.
В этом утверждении много правды, если только не принимать крайности всерьез.
Питер Брук из Королевской шекспировской труппы, казалось, мало ожидал от автора, когда в 1955 году он поставил выдающуюся постановку « Титус Андроник ». изобретения, публика была бы беднее. С другой стороны, обработка Бруком великих пьес Шекспира не всегда была удачной; они не нуждаются в финансировании и, скорее, требуют, чтобы режиссер и актеры создали свидетельство поэзии и величия Шекспира.
Возможно, лучших режиссеров невозможно вписать в категории. Тайрон Гатри (1900–1971) за 45 лет постановки всевозможных пьес перешел от почти извращенного пренебрежения к авторам к беззаветному уважению к ним. Его работы варьировались от Шекспира до Эсхила, и по пути он познакомился с Гилбертом и Салливаном. При рассмотрении всего творчества Гатри сильнее всего бросается в глаза неудержимая комедийная оригинальность. Способность разглядеть комедию, неизбежно скрывающуюся за очевидными печалями существования, свидетельствует не только о зрелости; это также демонстрирует знание режиссером драматических приемов и средств, ибо лицо за маской у лучших писателей всегда различимо, а у менее хороших оно все же есть, чтобы быть насильственно разоблаченным.
Открытие скрытой комедии придает изюминку хорошим диалогам и создает впечатление, по крайней мере, дополнительного измерения любого письма, которое в противном случае могло бы показаться безликим.
От режиссера, работающего в традиционном репертуаре европейского классического театра, требуется разнообразие. Тревор Нанн из Королевской шекспировской труппы, возможно, добился своего самого запоминающегося шекспировского спектакля с его интенсивной мелкосерийной постановкой Macbeth (1976), рассчитанной на менее чем 200 зрителей, но он был не менее успешен в 1980 году в постановке эпопеи. инсценировка романа Чарльза Диккенса Николас Никльби , история которого разворачивалась более восьми часов. Это было после того, как он продемонстрировал свое мастерство в классическом театре, включая постановку в 1978 чеховского «Три сестры », известного своим точным вниманием к деталям и меланхоличным юмором, — что Нанн продолжал руководить крупными коммерческими постановками в музыкальном театре, включая « кошек » Эндрю Ллойда Уэббера (1981) и спектакль с катанием на роликах.
Старлайт Экспресс (1984). Лоуренс Оливье, первый директор Национального театра Великобритании, прославился своим владением широким спектром театральных стилей и был особенно известен своей способностью поставить пьесу, в которой он также играл главную роль. Это редкий талант. Актеру-режиссёру крайне сложно сохранять творческую объективность, одновременно погружаясь в собственное личное творчество.
Ингмар Бергман, хотя и наиболее известен во всем мире своими работами в кино, своими постановками оказал значительное влияние в Европе не только в своей родной Швеции, но и в Германии. Он мастер драматического искусства во множестве форм и техник и входит в число самых глубоких режиссеров современности. Его поправки к классическим пьесам Европы и скандинавских собратьев с уважением относятся даже к тем, кто с ними не согласен. Частично успех постановок Бергмана обусловлен его обращением с актерами и восхищением, которое он в них внушает. Следовательно, лучшие исполнители во всем мире расценили приглашение работать на него как награду.
Условия в американском театре не способствовали такому разнообразию, и самые известные режиссеры в Соединенных Штатах, как правило, были тесно связаны с определенными писателями или жанрами письма. Таким образом, Элиа Казан по-прежнему отождествляется с ранними великими успехами Теннесси Уильямса и Артура Миллера; Майк Николс с утонченной комедией; Хосе Кинтеро с постановками Юджина О’Нила; и Гарольд Принс с бродвейскими мюзиклами.
Во второй половине 20 века главным развитием режиссерского искусства стало усиление интернациональных влияний. Ариана Мнушкина, например, руководя собственной труппой в Париже, не стеснялась преподносить пьесы Шекспира как восточные зрелища, наиболее успешно заимствуя у театра кабуки. Там, где исследование актерского искусства было главным интересом режиссеров, происходили удивительные совпадения самых разных традиций, так что, когда компания Suzuki Tadashi Waseda из Токио прибыла в Европу в 1972, его физически сравнивали с Польским театром-лабораторией Ежи Гротовского из Вроцлава в Польше, хотя эти две компании были основаны независимо друг от друга в начале 1960-х годов.
Несмотря на то, что Петер Штайн знал о более экзотических методах, доступных театральному режиссеру в конце 20-го века, в 1970-х и 80-х годах в Западном Берлине он сосредоточился на некоторых особенно плодотворных европейских условностях, включая развитие традиций исторических исследований, заложенных герцогом де Компания Саксен-Майнингена и Станиславский в России. Работа Штейна с западноберлинской труппой Schaubühne включала групповые визиты в Грецию для исследования греческой трагедии и в Англию для подготовки к постановкам Шекспира; в этих случаях Штейн и компания инсценировали само исследование в виде дополнительных представлений, призванных помочь осветить соответствующие пьесы. Их работа представляет собой, пожалуй, наиболее полный синтез режиссерских идей таких разных теоретиков, как Бертольт Брехт, выступавший за холодную рациональность в театре, и Антонен Арто, предлагавший интуитивный «театр жестокости».
Национальные условия влияют на режиссерскую жизнеспособность.
Огромные размеры Соединенных Штатов и их нерешительность принять культурное достояние профессиональной драмы, за исключением очень немногих городов, поляризовали американский театр в период после Второй мировой войны. С одной стороны, доминировал Бродвей — высокопрофессиональный, но зависящий от ограниченного видения спекулятивных инвесторов и мало требовательный к режиссерам с богатым воображением. Его интеллектуальное бесплодие поощряло противоположную крайность Off Broadway и Off-Off-Broadway, где были и эксперименты, и воображение, но также, к сожалению, много профессиональной некомпетентности.
Многообещающим событием стало создание региональных театров в крупных населенных пунктах и вокруг них. Театры-новаторы, такие как Arena Stage в Вашингтоне, округ Колумбия, и Alley Theater в Хьюстоне, штат Техас, предоставили форумы не только для широкого репертуара мирового театра, но и для новых драматургов и режиссеров. По мере того как Бродвей продолжал приходить в упадок, значение региональных театров продолжало расти; «школы» актерского мастерства, режиссуры и драматургии возникли в Чикаго, Сан-Франциско, Лос-Анджелесе и других городах.
Нехватка хороших режиссеров ставит вопрос, почему современные драматурги не должны ставить свои собственные пьесы, как это делали Расин и Мольер в 17 веке. Современные писатели кажутся более замкнутыми, им не хватает как сценического мастерства, так и желания вдохновить труппу актеров. Заметным исключением является современный английский драматург Гарольд Пинтер. Сам актер, он такой же хороший режиссер, как и драматург. В Италии Пиранделло зарекомендовал себя как режиссер, уникально способный реализовать свои собственные передовые идеи драмы, подобно тому, как позже это сделал Брехт с ансамблем «Берлинер». Дарио Фо продолжил эту традицию, привнеся в свои политические комедии, такие как Случайная смерть анархиста (1970) плоды его изучения традиционной итальянской комедии дель арте. Среди других современных исключений были Харли Грэнвилл-Баркер и Джордж Бернард Шоу, которые следили за тем, чтобы их пьесы исполнялись так, как они того хотели. Более того, они оба оказали заметное влияние на английскую актерскую игру и заложили основы ее превосходства в 20-м веке в англоязычном мире.
Шоу, в частности, вдохновил многих молодых исполнителей на понимание ударения, каденса и ритма, и даже сегодня его сценические ремарки (у большинства драматургов они являются не более чем обобщенными указаниями и бесполезны для практических целей) являются образцами поучительной ясности. от которого директор отходит только на свой страх и риск.
Бродвей 101: 10 режиссеров, которых должен знать каждый ботан истории Бродвея
Списки Бродвей 101: 10 режиссеров, которых должен знать каждый ботан истории Бродвея От Орсона Уэллса до Гарольда Принса и Джули Теймор, мы углубляемся, чтобы убедиться, что вы знаете самых важных игроков в истории Бродвея.
По Логан Калуэлл-Блок
18 августа 2017 г.
Гарольд Принс Марк Дж. Франклин Хотя режиссер сейчас является одним из самых важных людей в творческой группе спектакля, создающим и формирующим видение всего спектакля, эта выдающаяся роль, как ни странно, является относительно недавним событием в контексте истории театра.
До Второй мировой войны было вполне нормально видеть кого-то, кому приписывают просто «постановку» в бродвейской афише, если вообще существовал указанный режиссер. Иногда драматург или продюсер брал на себя эти обязанности и оставался незамеченным.
Эти десять театральных легенд помогли сформировать роль современного бродвейского режиссера в том виде, в каком мы ее видим сегодня, и любой любитель истории Бродвея должен знать их имена.
(Примечание редактора: мы не включили в этот список режиссеров-хореографов. Мы рассмотрим эти цифры в будущем списке Broadway 101). Орсон Уэллс Карл Ван Вехтен
Возможно, вы лучше всего знаете Орсона Уэллса по его карьере в кино и на радио; его фильм 1941 года «Гражданин Кейн » часто занимает первые места в списках лучших фильмов, когда-либо созданных, а его радиопередача 1938 года « Война миров » печально известна и по сей день тем, что обманывает людей по всей стране, заставляя их поверить в то, что мы действительно подверглись вторжению инопланетян.
.
Но Уэллс начал свою карьеру на сцене и был одним из первых, кто пришел с широким видением постановки, а не просто с идеей хорошей блокировки сцены. В свои 20 лет он работал с Федеральным театральным проектом, ставя такие постановки, как All-Black 9.0078 Макбет в 1936 году и политический мюзикл 1937 года Колыбель будет качаться . Последнее было настолько спорным, что WPA прекратила финансирование за несколько дней до запланированного открытия Бродвея. Шоу продолжалось, но, чтобы избежать ограничений профсоюзов и правительства, композитор Марк Блицштейн исполнил свою музыку за фортепиано на пустой сцене, в то время как актеры выкрикивали свои реплики из зала. Эта история послужила источником вдохновения для фильма 1999 года « Cradle Will Rock ».
Многие считают « Цезарь » своим самым большим сценическим успехом, премьера которого состоялась на Бродвее в ноябре 1937 года. Адаптация шекспировской пьесы « Юлий Цезарь », Уэллс использовал современные костюмы и минимум декораций, чтобы провести сравнение с современной фашистской Италией и нацистской Германией.
Гарольд Клурман
18 сентября 1901 г. – 9 сентября 1980 г.
За свою карьеру Гарольд Клурман поставил более 20 пьес на Бродвее, в том числе Bus Stop , Touch of the Poet , Incident at Vichy и Golden Boy . Групповой театр, соучредителем которого в 1931 году стал Клурман, стал одной из первых площадок для обучения актерскому методу Станиславского, который стал доминирующим актерским стилем на Бродвее и в Голливуде в середине 20 века.
Но, возможно, писательским трудом он оставил свой режиссерский след в истории театра. Он написал семь книг о театре, охватывающих историю The Group Theatre в Пылкие годы , его собственная жизнь в автобиографии, его взгляды на режиссуру и то, каким должен быть театр в О режиссуре .
Он также работал драматическим критиком более 30 лет, написав для The New Republic и The Nation .
В следующий раз, когда вы пойдете на спектакль в комплексе Theater Row в Нью-Йорке, ищите театр Клурмана, названный в его честь.
Джордж Эбботт
25 июня 1887 г. – 31 января 1995 г.
Джордж Эббот, или «Мистер Эббот», как его называли работавшие на него люди, был одним из самых плодовитых режиссеров Золотого века музыкальной комедии на Бродвее. Среди его многочисленных хитов The Boys from Syracuse , Too Many Girls , Pal Joey , On the Town , Зови меня мадам , Чудесный город , Пижамная игра , Проклятые янки , Однажды на матрасе , Фиорелло! , Забавный случай по дороге на Форум , и Флора, Красная Угроза .
Во многих его шоу были представлены серьезные нововведения в жанре: первый балетный эпизод с интегрированным сюжетом в «На пальцах ног» , первый американский мюзикл по пьесе Шекспира с «Мальчики из Сиракуз» и В городе — гибрид музыкальной комедии и симфонии.
Эбботт был одним из первых сторонников важности книги мюзикла, настаивая на том, чтобы история была достаточно сильной, чтобы существовать отдельно без партитуры. В свою очередь, он также был писателем, написал книги для нескольких классических мюзиклов, которые он также поставил (в том числе «Проклятые янки» и «Пижамная игра» и другие).
Эббот также стал одним из самых известных «шоу-врачей». Творческие группы, работающие над новыми мюзиклами, приглашали его на пробы за городом, чтобы предложить свежий взгляд на то, как они могут исправить свои производственные проблемы.
Часто это потребует существенной реструктуризации и переписывания, а также превосходных навыков режиссера. Карьера Эббота была, пожалуй, самой длинной в истории Бродвея. В возрасте 9 лет6 августа Эббот стал старейшим режиссером, поставившим хит на Бродвее, возродив « На пальцах ног ».
Ли Страсберг
17 ноября 1901 г. – 17 февраля 1982 г.
У Ли Страсберга была успешная карьера режиссёра на Бродвее, но больше всего он приложил эти навыки, работая учителем актёрского мастерства. Его часто считают отцом метода актерского мастерства в Америке, он преподавал метод Станиславского сначала в Групповом театре и, что особенно примечательно, будучи директором знаменитой Актерской студии в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе. Этот метод включает в себя импровизационный подход к игре с интенсивным использованием воспоминаний из реальной жизни, чтобы приблизить эмоции играемого персонажа.
Среди его знаменитых студентов-актеров Дастин Хоффман, Джеймс Дин, Энн Бэнкрофт, Мэрилин Монро, Джейн Фонда, Джули Харрис, Аль Пачино, Эллен Берстин, Пол Ньюман и многие другие. Он также работал с Сидни Люметом, Фрэнком Перри и Элией Казаном, со всеми, кто впоследствии стал режиссером и кинорежиссером и продолжил метод Станиславского. Хотя Страсберг не создал этот метод, его актерские институты определили новый актерский стиль на бродвейской сцене и в Голливуде окончательно с 19-го века.50-х по 1980-е годы и далее.
Джошуа Логан
5 октября 1908 — 12 июля 1988
Джошуа Логан — еще один влиятельный режиссер Золотого века Бродвея, которого, возможно, больше всего помнят за его работу над фильмом «, южная часть Тихого океана, », для которого он также написал книгу в соавторстве (с Оскаром Хаммерштейном II) и получил Пулитцеровскую премию.
Его постановка South Pacific стал новаторским для 1949 года мюзиклом, в котором предлагались переходы от сцены к сцене в кинематографическом стиле, а не традиционное опускание занавеса для подготовки следующей сцены.
Его сценические работы включают Annie Get Your Gun , Picnic , Mister Roberts и Fanny . Он выиграл Тони за Picnic , South Pacific и Mister Roberts . Логан также добился значительного успеха в Голливуде, сняв экранизации бродвейских пьес. Он вышел на фильм Мистер Робертс в 1955 году, за которым последовали киноверсии Пикник и Автобусная остановка . Он воссоздал свою режиссуру для киноверсии South Pacific 1958 года, а также руководил экранизациями Camelot и Paint Your Wagon .
Гарольд Принс
Родился 30 января 1928
Гарольд Принс начал свою карьеру в театре, работая под руководством Джорджа Эботта, сначала в качестве помощника режиссера, а затем продюсера. У него был свой первый режиссерский успех в 1966 году с фильмом Кандера и Эбба « Кабаре », но определяющей работой в его карьере стало десятилетие сотрудничества с композитором-лириком Стивеном Сондхеймом, начиная с Company в 1970 году.
Когда дело доходит до определяющих моментов в истории музыкального театра: большинство людей смотрят на Show Boat в 1927 году как первое музыкальное театральное произведение с серьезным сюжетом и песнями с интеграцией истории и Оклахома! в 1943 году за то, что он стал первым мюзиклом, полностью объединившим сюжет, песню и танец.
Компания также заслужила свое место в качестве важной вехи в успешном нарушении традиций классического музыкального театра с нелинейным сюжетом, который ставит на первое место всеобъемлющую концепцию, уступая место десятилетнему экспериментированию и дальнейшему развитию жанра концептуального мюзикла. . Принц и Сондхейм подписались на Company с беспрецедентной серией художественных хитов, включая Follies 1971 года, A Little Night Music 1973 года, Pacific Overtures 1976 года и Sweeney Todd 1979 года. С ГАРОЛЬДОМ ПРИНСОМ О МЮЗИКАЛАХ, КОТОРЫЕ СДЕЛАЛИ ИСТОРИЮ
Принс также активно сотрудничал с Эндрю Ллойдом Уэббером, руководя премьерами на Вест-Энде и Бродвее Эвиты и Призрака Оперы несколько лет спустя. Призрак оперы , безусловно, является самым продолжительным мюзиклом в истории Бродвея и самым прибыльным развлекательным предприятием в мире.
Получив 21 премию «Тони» за свою работу в качестве режиссера и продюсера, Принс является рекордсменом по количеству полученных наград «Тони». Принц Бродвея , который сейчас играет в Манхэттенском театральном клубе на Бродвее, представляет собой ретроспективу долгой и легендарной карьеры Принса.
Для покупки Prince of Broadway 9Билеты 0079 , нажмите здесь. Чтобы купить билеты со скидкой на некоторые спектакли, нажмите здесь!
Виннетт Кэрролл
11 марта 1922 г. – 5 ноября 2002 г.
Виннетт Кэрролл добилась успеха в начале своей карьеры в качестве актрисы на Бродвее, в Лондоне, на телевидении и в кино. Однако ее самое продолжительное влияние было как режиссера, и особенно как афроамериканской женщины-режиссера.
Она была неотъемлемой частью создания формы театра евангельских песен. Когда Не беспокойте меня, я не могу справиться открылась в 1972 году, она стала первой афроамериканкой, которая поставила на Бродвее. Это был большой успех, он длился более двух лет и дал 1065 представлений. Затем Кэрролл выпустил Your Arms Too Short to Boxing with God , еще один успех, благодаря которому Дженнифер Холлидей дебютировала на Бродвее, когда он был возрожден в 1980 году. продюсер репертуарной труппы Виннетт Кэрролл, где она работала до выхода на пенсию в 2001 году.0003
Тревор Нанн
Родился 14 января 1940 г.
Тревор Нанн сделал себе имя, работая в Лондоне. Он стал художественным руководителем Королевской шекспировской труппы в 1968 году, где добился большого успеха со своими постановками « Антоний и Клеопатра » и « Макбет ».
Он приехал в Нью-Йорк в 1981 с бродвейской передачей Жизнь и приключения Николаса Никльби . С двумя частями — более четырех часов каждая — Николас Никльби стал настоящей театральной эпопеей и имел огромный успех. Нанн получил свою первую премию «Тони» за нее в 1982 году.
Хотя за эти годы Бродвей получил несколько переводов в Вест-Энд, особенно Оливер! в 1963 году, Половина шестипенсовика в 1964 году, и Эвита в 1979 году — Николас Никльби ознаменовал период британского господства на Бродвее, и Тревор Нанн был у руля на протяжении большей части этого периода. Нанн направил Кошки , который открылся на Бродвее в 1982 году и стал одним из самых продолжительных мюзиклов в истории, Звездный экспресс и Отверженные в 1987 году, Шахматы в 1988 году, Аспекты любви 907 и
8 в 190908 году Бульвар Сансет в 1994 году.
Даже когда британское вторжение на Бродвей утихло, Нанн продолжал руководить на Бродвее, руководя постановкой Оклахома! в 2002 году, Женщина в белом в 2005 году, Маленькая ночная музыка в 2009 году, и действующее в настоящее время возрождение Cats , которое открылось в 2016 году.
Джордж С. Вулф
Моника Симоэс Хотя Джордж С. Вулф начал свою карьеру в первую очередь как драматург, он также иногда ставил свои собственные работы, в том числе свою внебродвейскую пьесу 9.0078 Spunk, , за который он получил премию Оби 1989 года как лучший режиссер. Он дебютировал на Бродвее как автор книги и режиссер «Последний джем Джелли », мюзикла, рассказывающего историю жизни известного чернокожего музыканта Джелли Ролл Мортон.
Шоу имело успех, получив 11 номинаций на премию «Тони» в 1992 году. Вулф получил признание как за свою режиссуру, так и за книгу. Всего год спустя Вулф вернулся на Бродвей, поставив двухсерийную эпическую пьесу Тони Кушнера « ангелов в Америке », первая половина которой получила Пулитцеровскую премию, а Вулф — свою первую премию «Тони».
Работая художественным руководителем The Public Theatre с 1993 по 2004 год, Вулф разработал чечеточный мюзикл Bring in ‘Da Noise, Bring in ‘Da Funk , работая с хореографом, ставшим лауреатом премии «Тони», Сэвьоном Гловером, который выступал в слепок Последний джем Джелли . Он получил еще одного Тони за режиссуру популярного шоу. Он продолжал ставить ряд успешных в художественном и финансовом отношении пьес и мюзиклов на Бродвее, в том числе The Wild Party , Topdog/Underdog , Кэролайн, or Change , Обычное сердце, и 2016 года, вперемешку, или Создание музыкальной сенсации 1921 года и все, что последовало за ним .
Вулф совсем недавно занялся режиссурой телевидения и кино, в том числе Nights of Rodanthe в 2008 году и Бессмертная жизнь Генриетты Лакс .
Джули Теймор
Родилась 15 декабря 1952
Джули Теймор, как известно, начала свою карьеру, изучая кукольное искусство в Японии, наряду с экспериментальным театром. В середине 1980-х Теймор начала работать с Театром для новой аудитории, руководя постановками «Сон в летнюю ночь » и «Буря », но наибольшего успеха она добилась на Бродвее в 1997 году, поставив «Король Лев ». .
Теймор внес свой вклад в режиссуру, дизайн масок и марионеток, а также дизайн костюмов для этой смелой адаптации диснеевского анимационного фильма, в котором персонажи и истории были явно театрально представлены.