Русское искусство во второй половине XIX века

Изобразительное искусство 

Вторая половина XIX в. ознаменовалась расцветом русского изобразительного искусства. Оно стало подлинно великим искусством, было проникнуто пафосом освободительной борьбы народа, откликалось на запросы жизни и активно вторгалось в жизнь. В изобразительном искусстве окончательно утвердился реализм — правдивое и всестороннее отражение жизни народа, стремление перестроить эту жизнь на началах равенства и справедливости.

Центральной темой искусства стал народ, не только угнетенный и страдающий, но и народ — творец истории, народ-борец, созидатель всего лучшего, что есть в жизни.

Утверждение реализма в искусстве проходило в упорной борьбе с официальным направлением, представителем которого была Академия художеств. Она проповедовала идею о том, что искусство выше жизни, выдвигала лишь библейскую и мифологическую тематику для творчества художников. Академия художеств стала реакционной силой, мешавшей развитию передового искусства.

 

 

Передвижники

В начале 60-х годов группа художников во главе с И. Н. Крамским порвала с Академией художеств и объединилась в Петербургскую артель свободных художников, по типу коммун, описанных Чернышевским в романе «Что делать?».

Художники жили одной дружной семьей, которая стала художественным центром, академией Крамского, как ее называли. В 1870 г. было создано Товарищество художественных передвижных выставок, которое объединило лучших художников России и сыграло огромную роль в развитии изобразительного искусства.

Выдающимся художником этого времени был Василий Григорьевич Перов (1834-1882). Его творчество пронизано любовью к народу, стремлением осмыслить явления жизни и языком искусства правдиво рассказать о них.

В своих произведениях Перов страстно обличает существующий строй, с большим мастерством и убедительностью показывает тяжелую долю народа. В картине «Сельский крестный ход на пасхе» художник показал русскую деревню в праздничный день, нищету, беспробудное пьянство, сатирически изобразил сельское духовенство.

Поражает своим драматизмом, безысходной скорбью одна из лучших картин Перова — «Проводы покойника», изображающая проводы в последний путь крестьянина — кормильца семьи. Большой известностью пользуются его картины

• «Последний кабак у заставы»,
• «Старики родители на могиле сына».

Тонким юмором и лиризмом, любовью к природе пронизаны картины «Охотники на привале», «Рыболов». Картины Перова принадлежат к лучшим образцам русского искусства. Его творчество как бы перекликается с поэзией Некрасова, с произведениями Островского, Тургенева.

Идейным вождем Товарищества передвижных выставок был Иван Николаевич Крамской (1837-1887) — замечательный художник и теоретик искусства. Крамской страстно боролся против так называемого «чистого искусства», он призывал художника быть человеком и гражданином, своим творчеством бороться за высокие общественные идеалы. Крамской создал целую галерею замечательных портретов русских писателей, художников, общественных деятелей:

• Толстого,
• Салтыкова-Щедрина,
• Некрасова,
• Боткина,
• Шишкина и других.

Самым крупным художником этого времени, богатырем русской живописи был Илья Ефимович Репин (1844-1930).

Родился он в небольшом украинском поселке Чугуеве в семье военного поселянина. Образование получил в Академии художеств. Репин был близок к Крамскому и к другим передовым художникам 60-х годов.

Критикуя сторонников «чистого искусства», он писал: «Окружающая жизнь меня слишком волнует, не дает покоя, сама просится на холст; действительность слишком возмутительна, чтобы со спокойной совестью вышивать узоры,- предоставим это благовоспитанным барышням». Репин — стал знаменем передвижников, их гордостью и славой.

Репин был замечательным мастером во всех жанрах живописи и в каждом сказал свое, новое слово. Центральная тема его творчества — жизнь народа во всех ее проявлениях. Он показал народ в труде, в борьбе, прославил борцов за свободу народа.

Лучшим его произведением в 70-е годы была картина «Бурлаки на Волге», воспевшая героический труд народа, его могучие силы. Репин писал, что «судья теперь мужик, а потому надо воспроизводить его интересы». Картина была воспринята как событие в художественной жизни России, она стала символом нового направления в изобразительном искусстве.

Целую серию прекрасных картин посвятил Репин русскому революционному движению:

• «Арест пропагандиста»,
• «Сходка»,
• «Отказ от исповеди перед казнью»,
• «Не ждали» и др.

С глубокой симпатией Репин создает образы революционеров — борцов за народное счастье, беспредельно преданных идеалам революции. Блестящие полотна создал художник на исторические сюжеты. Духом протеста против деспотизма проникнута картина Репина «Иван Грозный и сын его Иван». В «Запорожцах» он воспевает богатырскую силу народа, его патриотизм, сплоченность, свободолюбие. Художник создал целую галерею портретов. И в этом жанре он сказал новое слово, нашел новые краски, новые приемы для отражения духовной жизни человека.

Зенцом творчества Репина-портретиста является огромная многофигурная картина — групповой портрет «Заседание Государственного совета». В ней художник мастерски сумел показать ничтожество высшей бюрократии, ее холопство, тупость и самодовольство.

Творчество Репина -это целый этап в развитии изобразительного искусства. Его картины — выдающийся вклад не только в русскую, но и мировую художественную культуру.

Изумительные картины на исторические темы создал великий русский живописец Василий Иванович Суриков (1848-1916). Его произведения

1. «Утро стрелецкой казни»,
2. «Меншиков в Березове»,
3. «Боярыня Морозова»,
4. «Покорение Сибири Ермаком Тимофеевичем»,
5. «Степан Разин»

— вершина русской и мировой исторической живописи. История русского народа, его красота, несгибаемая воля, величие души — вот что вдохновляло художника.Творчество Виктора Михайловича Васнецова (1848- 1926) тесно связано с русской народной сказкой, с былинами, сюжеты которых он брал за основу для своих картин.

Его лучшее произведение — «Богатыри».

Перед зрителем любимые герои русского былинного эпоса — богатыри, защитники Русской земли и родного народа.

Во второй половине XIX столетия творили такие замечательные художники, как

• Ге,
• Саврасов,
• Поленов,
• Куинджи,
• Шишкин,
• Верещагин,
• Левитан,
• скульптор Антокольский и многие другие.

Их творчество — самоотверженное служение народу.

 

Музыка

Размах демократического общественного движения во второй половине столетия, общий подъем художественной культуры, внимание к судьбам народа, как основной проблеме эпохи, вызвали к жизни расцвет русского музыкального искусства.

Величайшим композитором является

Петр Ильич Чайковский (1840-1893). Его симфонии (он создал шесть симфоний), оперы («Евгений Онегин», «Пиковая дама», «Мазепа», «Орлеанская дева» и др. ), балеты («Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик»), романсы стали вершиной русского музыкального искусства. Ведущей темой творчества Чайковского является борьба человеческой личности за свободу, независимость чувства и право на счастье. Правдиво, с огромной силой выразительности Чайковский умел показать средствами музыкального искусства радость и страдание людей, глубокие жизненные конфликты, жизнь и быт народа. «Мне кажется,- писал он,- что я действительно одарен свойством правдиво, искренно и просто выражать музыкой те чувства, настроения и образы, на которые наводит текст. В этом смысле я реалист и коренной русский человек».

Творчество Чайковского получило мировое признание. Его произведения пользуются огромнейшей популярностью во всех странах мира.

 

 «Могучая кучка» 

Всеобщее признание и мировую славу получило творчество великих композиторов «Могучей кучки»:

1. М. П. Мусоргского,
2. А. П. Бородина,
3. Н. А. Римского-Кор-дакова и других.

В начале 60-х годов сложилось творческое объединение замечательных композиторов, которое и получило название «Могучей кучки». Это были люди, для которых тема народа, его титаническая борьба стали центральной проблемой творчества. Продолжая традиции Глинки, композиторы этого направления

особенно большое внимание уделяли изучению народной музыки, которая стала источником их вдохновения.

Особенно мощно выразил революционно-демократические идеи 60-х годов великий русский композитор Модест Петрович Мусоргский (1839-1881)

. Его гениальные оперы

• «Борис Годунов» и
• «Хованщина»

проникнуты безграничной любовью к народу и ненавистью к самодержавию. В истории мирового музыкального искусства никто не смог с такой силой раскрыть характер народа. До конца своих дней композитор был верен следующему принципу, который он сам сформулировал: «Жизнь, где бы ни сказалась; правда, как бы ни была солона; смелая, искренняя речь к людям. .. вот моя закваска, вот чего хочу и вот в чем боялся бы промахнуться».

Произведения Мусоргского подвергались травле со стороны реакционных музыкальных деятелей и критиков.

Замечательным композитором демократического направления был и Александр Порфирьевич Бородин (1833-1887). Его симфонии, романсы и особенно его опера «Князь Игорь» проникнуты пламенным патриотизмом, идеей величия и моральной чистоты русского народа, жаждой свободы и осуждением насилия. «Талант Бородина,- писал о нем современник,- равно могуч и поразителен как в симфонии, так и в опере и романсе. Главные качества его — великанская сила и ширина, колоссальный размах, стремительность и порывистость, соединенная с изумительной страстностью, нежностью и красотой».

Талант Бородина был исключительно разносторонен. Он был не только музыкантом, но и выдающимся ученым, профессором химии.

Исключительно богато музыкальное наследие великого русского композитора и музыкального деятеля Николая Андреевича Римского-Корсакова (1844-1908). Им написаны 15 опер, симфонии, балеты, романсы и много музыкальных произведений других жанров. До сего времени его оперы

1. «Садко»,
2. «Снегурочка»,
3. «Майская ночь»,
4. «Царская невеста»

и другие пользуются огромной популярностью не только в нашей стране, но и за рубежом.

Римский-Корсаков был выдающимся педагогом, воспитавшим целую плеяду композиторов и артистов.

Во второй половине XIX в. больших высот достигло театральное искусство.

На сцене Малого театра расцвел неповторимый талант великой русской актрисы Марии Николаевны Ермоловой (1853-1928).

Отличительной особенностью русского искусства — музыки, театра, живописи — были глубокий демократизм и народность, стремление ответить на потребности и нужды своей страны, поднять народ на борьбу за лучшие идеалы человечества.

• < Русская литература во второй половине XIX века
• -> Культура народов России во второй половине XIX века >

Добавить комментарий

Искусство России 20 века.

Часть 1

Часть первая
В развитии русской художественной культуры XX столетия чѐтко
выделяются два периода — отначала века до 30-х гг. и 30—80-е гг.
Первые два десятилетия XX в. — время расцвета русского
искусства, особенно живописи и архитектуры. Стиль модерн,
сложившийся в России в последней
трети XIX в., глубоко изменил сознание мастеров, выдвинув на
первый план проблему созданияновых форм и выразительных
средств.
Художественная жизнь стала захватывающе интересной: одназа
другой следовали выставки, вызывавшие, как правило, бурные
дискуссии в прессе, издавались разнообразные журналы.
Основные течения европейского искусства — фовизм, кубизм,
футуризм идругие — получили в России блестящее развитие.
Почти все они пришли на российскую почву с некоторым
опозданием, поэтому художники сочетали черты разных стилей,
создавая собственные, совершенно новые и уникальные варианты.
В свою очередь и русское искусство нашло серьѐзных ценителей на
Западе. Европейские и отечественные мастера словно заново
открыли друг друга, ощутив себя при этом единым творческим
целым.
Поиски новых образов привели к более глубокому изучению
национальных корней и традиций. Художники-примитивисты
включили в сферу «высокого» искусства сложный и
парадоксальный миргородского фольклора, обратились к
народной и бытовой культуре — лубку, вывескам и афишам.
Именно в первые десятилетия XX в. было заново открыто
древнерусское наследие, особенноиконопись. Изобразительный
язык русских икон во многом повлиял на отношение к цвету,
пространству и ритмической организации холста.
Примитивизм -направление в искусстве,
использующее в своём творчестве формы
первобытных, ранних и народных
стилей.
Лубо́к — вид графики, изображение с
подписью, отличающееся простотой и
доступностью образов. Первоначально
вид народного творчества. Выполнялся в
технике ксилографии, гравюры на
меди, литографии и дополнялся
раскраской от руки.
Творческая манера Кузьмы Сергеевича
Петрова-Водкина своеобразна и в то же
время тесно связана страдициями
европейской и русской живописи. В его
картинах, одухотворѐнных и полных
тонкойизысканности, сложно
переплелись впечатления от
древнерусских икон иполотен
итальянского Возрождения, русского
модерна и французского фовизма. Всѐ это
стало мощным средством для
утверждения собственных эстетических
идеалов мастера.Петров-Водкин родился
на Волге, в городе Хвалынске Саратовской
губернии. Основноехудожественное
образование он получил в Московском
училище живописи, ваяния и
зодчества;одним из его педагогов был
Валентин Александрович Серов. Молодой
художник много путешест-вовал: побывал
во Франции, Италии и Северной Африке.
Автопортрет . 1918
Итогом исканий Петрова-Водкина стал настоящий шедевр —
написанная в 1912 г. картина «Купание красного коня». Художник работал
над ней в деревне на берегу реки Иловли, притока Дона; основой сюжета
стала сцена купания лошадей, которую мастер часто видел и здесь, и в
местах, где прошло его детство. Однако бытовой мотив Петров-Водкин
превратил в символ, в замечательную живописную метафору,
выражающую романтическую мечту о красоте и гармонии человека и
окружающего мира.
«Купание красного коня». Фрагмент. 1912 г.
Композиция первого плана — юноша верхом на красном коне — во
многом близка традициям древнерусской иконописи: та же мягкость
линий и ясность цвета. Зелѐные и синие тона реки резко контрастируют с
пламенеющим красным цветом коня, занимающим почти половину
полотна. Пространство передано условно, что приводит к тонкой игре
между объѐмными и плоскостными формами. Эта картина своей
монументальностью приближается к фреске.
«Купание красного
коня». 1912 г.
Очень важным для
Петрова-Водкина был
образ матери. В его
творчестве всегда
присутствовала мысль
о непреходящей
ценности вечно
возобновляющейся
жизни, о святости
материнства. Одним из
самых значительных
произведений на эту
тему стала картина
«1918 год в Петрограде»
(«Петроградская
мадонна», 1920 г. ).
Молодая женщина,
прижавшая к себе
ребѐнка, изображена на
балконе; еѐ окружает
городской пейзаж,
написанный нежными,
ясными красками.
«Петроградская мадонна», 1920 г.
Приметы трудного
времени (например,
группы людей, которые
стоят в очереди за
хлебом) привлекают
внимание не сразу —
настолько сильны
внутренняя
просветлѐнность, чистота
и самоотверженность,
исходящие от героини.
В облике молодой матери
сочетаются черты
портретов итальянского
Возрождения и
древнерусских икон.
Творчество Петрова-Водкина на первый взгляд кажется
погружѐнным в атмосферу великих эпох прошлого, однако
онпривнѐс и нечто новое. Мастер не подражал традициям
Ренессанса, древнерусской живописи иевропейского
искусства рубежа веков, а использовал их как выдающийся
интерпретатор, выражаявечные понятия — красоту,
гармонию, чистоту.
Смерть комиссара. 1928 г.
«Бубновый валет» — это название выставки, состоявшейся в
Москве в марте — апреле 1910 г. и давшей начало одноимѐнному
художественному объединению. Ядро экспозиции составляли
работы М. Ф. Ларионова, Н. С. Гончаровой, П. П. Кончаловского,
И. И. Машкова, А. В. Лентулова, А. В.Куприна, Р. Р. Фалька —
мастеров яркого дарования, чьи творческие позиции далеко не во
всѐм совпадали друг с другом.
Название выставки, предложенное Михаилом Ларионовым,
также взято из уличного жаргона:«бубновый валет»
означало «мошенник», «плут», «человек, не заслуживающий
доверия». Лентулов вспоминал: «Слишком много в то время
и изощрѐнно придумывали разные претенциозные
названия… Поэтому как протест мы решили, чем хуже, тем
лучше, да и на самом деле, что может быть нелепее
„Бубнового валета»?».
Выставка имела шумный и скандальный успех: многое в еѐ организации и
характере работ шокировало и возмущало как публику, так и критику.
Такая реакция была спровоцирована и самими мастерами. По мнению
членов «Бубнового валета», представление их работ должно было
восприниматься как некое уличное зрелище, пронизанное балаганным
духом. Эта атмосфера «площадного живописного действа» вызывалась
общим интересом художников к народному искусству -изображениям с
провинциальных вывесок и старинных лубков, росписям подносов и
игрушек.
Одна из скандальных
работ выражает
подражание античным
принципам -красоту духа
и тела, но написана в
намеренно примитивной
манере.
Машков. «Автопортрет и портрет Петра
Кончаловского» 1910
Художественный облик «Бубнового
Кончаловский Портрет Г. Б. Якулова. 1910 г.
валета» определяли живописцы,
считавшие себя последователями
Сезанна. В картинах французского
мастера их привлекала некая
глубинная энергия цвета и
пространства, чувствующаяся в
каждом предмете, изображѐнном
художником. Поэтому центральное
место среди произведений членов
«Бубнового валета» занимали
любимые жанры Сезанна — пейзаж и
натюрморт. Помимо этого они
интересовались поисками Анри
Матисса и его друзей кубистов.
В творчестве Петра Кончаловского
(1876—1956) влияние Сезанна
сочеталось с примитивизмом.
Простота, доведѐнная почти до
гротеска, — главный художественный
приѐм и в другой работе — «Портрете
Г. Б. Якулова» (19Ю г.). Герой,
сидящий по-турецки на фоне стены,
увешанной оружием, напоминает
восточного факира; в его лице явно
преувеличены «экзотические» черты.
Во всѐм облике героя чувствуется
нечто игрушечное, ненастоящее.
Произведения Ильи Ивановича Машкова (1881 — 1944) прекрасно
демонстрируют особенности «русского сезаннизма». В работе — «Снедь
московская. Хлебы» (1924 г.) — мастер, изображая аппетитные булки и
калачи, стремился привлечь внимание к красоте самих красок — густых и
очень ярких. Именно их насыщенность и плотность создают ощущение
изобилия и полноты жизни, приближающее эту картину к знаменитым
фламандским натюрмортам XVII в.
Машков. Снедь московская.
Хлебы (1924 г.)
Совершенно иные задачи
решал в своих работах
Аристарх Лентулов (1882—
1943).Попытавшись
представить все предметы
реального мира как постоянно
движущиеся абстрактные
формы, художник показал
знаменитые постройки
Московского Кремля и
Красной площади(«Василий
Блаженный», 1913 г. ; «Звон»,
1915 г.) в таком виде, что
кажется, будто все части
зданий, сдвинувшись со своих
мест, кружатся в
стремительном танце на
глазах у зрителя. Краски
положенымелкими, часто
точечными мазками, делая
масляную живопись похожей
на мозаику.
Лентулов. Василий Блаженный. 1913 г.
В области пейзажа очень интересны работы Роберта
Фалька (1886—1958), такжеблизкие по стилю Сезанну.
Впоследствии среди участников начались разногласия,
Ларионов и Гончарова в 1912 г. вышли изобъединения и
организовали две самостоятельные выставки:
«Ослиный хвост», а через год —«Мишень». Группа
«Бубновый валет» просуществовала почти до 1917 г.
Фальк. Старая Руза. 1913 г.
Выставка «Ослиный хвост» (1912 г.), организованная лидерами русского примитивизма М. Ф.
Ларионовым и Н. С. Гончаровой, многим казалась вызовом не только консервативно
настроенной публике, но и объединению «Бубновый валет». По мнению Ларионова, члены
«Бубнового валета» относились к западному искусству с преувеличенным вниманием и
недооценивали русские художественные традиции.
Художники, участвовавшие в выставке «Ослиный хвост», стремились соединить живописные
приѐ- мы европейской школы с достижениями русской вышивки, лубка, иконописи. Скрытый
протест про- тив западного влияния содержался и в самом названии объединения. Это был
намѐк на скандальную ситуацию, возникшую в парижском «Салоне независимых» 1910 г.
Противники новых форм в живописи попытались выдать за шедевр авангардного искусства
холст, размалѐванный хвостом осла.
Участникам выставок не удалось создать цельного направления, и каждый пошѐл своим путѐм,
но для большинства исследователей название «Ослиный хвост» прочно связано с
понятием«примитивизм», и прежде всего с творчеством его лидеров.
Михаил Фѐдорович Ларионов (1881 — 1964) родился в городе
Тирасполе Херсонской губернии в семье военного фельдшера. С
1898 по 1910 г. он занимался в Московском училище живописи,
ваяния из одчества; его преподавателями были Валентин
Александрович Серов, Исаак Ильич Левитан, Константин
Алексеевич Коровин. В 1900 г. Ларионов встретил Наталию
Сергеевну Гончарову (1881 — 1962), учившуюся здесь же. Они
поженились, и с тех пор их жизненные и творческие пути были
неразрывно связаны.
Гончарова и Ларионов
В 1906 г. живописцы начали выставляться: имена Ларионова и Гончаровой стали известны
публике благодаря выставкам Московского товарищества художников , Союза русских
художников и Мира искусства. Вскоре Ларионов вместе с Дягилевым отправился в Лондон и
Париж, где Дягилев представил русское искусство различных направлений. Произведения
Ларионова, Гончаровой и Кузнецова вошли в раздел «самоновейших».
После 1907 г. Ларионов увлѐкся примитивизмом. Об этом говорят энергичные мазки, сочные,
красочные пятна, чѐткие контуры, ничем не стеснѐнная фантазия, и прежде всего сюжеты,
взятые из провинциальной городской жизни.
Ларионов. Осень
счастливая , 1912 год
В 1908—1909 гг. Ларионов служил в армии. Воспоминания о военной службе дали художнику
материал для обширной серии работ из солдатской жизни. Это цикл незатейливых бытовых
сценок, не связанных определѐнным сюжетом; их главный герой — солдат.
Облик солдата на всех картинах дан в традициях русского лубка — пропорции фигуры
деформированы, в позах и жестах чувствуется нарочитая неуклюжесть, колорит нередко
напоминает вызывающе размалѐванные надписи на ярмарочных балаганах. Безусловно, в этой
серии есть некая ирония и мягкая улыбка. Однако главной целью Ларионова была всѐ же не
пародия и насмешка, а тонкая имитация народных форм живописи и размышление над
фольклорными представлениями о герое, причѐм не эпических, а бытовых жанров творчества баек, прибауток, анекдотов.
Михаил Ларионов.
Отдыхающий солдат.
1910 г.
В начале 10-х гг. мастер пришѐл к идее лучизма — одного из первых
вариантов абстрактной живописи. В брошюре под этим же
названием он объяснял это понятие так: «Лучизм имеет в виду
пространственные формы, которые могут возникать от
пересечения лучей различных предметов, формы, выделенные
волею художника». В первых «лучистых» полотнах Ларионова
хорошо заметны мотивы природы, но затем становятся боле
беспредметными
Петух. 1912 г.
В 1907 г. Ларионов сблизился с Давидом Бурлюком (1882—
1967), одним из основателей русского футуризма; они
устроили в Москве выставку «Стефанос». А в 1910 г.
живописец оказался в числе основателей объединения
«Бубновый валет»,но в 1912г. Ларионов и Гончарова
покинули «Бубновый валет» и организовали экспозицию
«Ослиный хвост». Через год открылась новая выставка
«Мишень», а вслед за ней появилась и творческая группа
под тем же названием.
Абстракциони́зм —
направление в искусстве,
использующее в качестве
принципа отказ от изображения
реальных предметов в
живописи, скульптуре и графике
Лучистый пейзаж. 1912 г.
Затем началась Первая
Ларионов «Лето» Из цикла «Времена
года». 1912
мировая война,
ставшая тяжѐлым
испытанием в жизни
мастера. Творческие
планы пришлось
отложить на
неопределѐнный
срок. Ларионов,
призванный в армию,
участвовал в боях в
Восточной Пруссии,
был контужен и после
лечения в госпитале
демобилизован. После
выздоровления он
присоединился как
художник-декоратор к
балетной труппе
Дягилева в
Швейцарии и в
Россию уже больше не
вернулся.
В произведениях
Наталии Гончаровой
прослеживаются
несколько иные мотивы.
Темы некоторых еѐ работ
явно навеяны
живописью Поля Гогена
и Винсента Ван Гога
(«Крестьяне,
собирающие яблоки»,
1911 г.; «Подсолнухи»,
1908—1909 гг.; «Рыбная
ловля», 1909 г.).
Гончарова.«Подсолнухи», 1908—1909 гг.;
Влияние Гогена
чувствуется в
мягких, как бы
тягучих контурах
фигур, в контрастах
плотных, чуть
матовых красок
Гончарова. Евреи. Шабаш.
1912 г.
Особенно хороши в творчестве Наталии
Гончаровой картины, на создание которых еѐ
вдохновили иконы. Выразительный пример тому
— «Спас в Силах» (1911 г. ).
Домашнее задание.
-Написать конспект
-Развернутый анализ любой из представленных
работ(не менее половины страницы) и ее цветная
зарисовка любым материалом размером не менее
половины тетрадного листа.
Фотографию выполненного задания
отправить в ватс ап в личные сообщения
до воскресенья

История искусства: русский импрессионизм

Как зародился русский импрессионизм

Вскоре после подъема французского импрессионизма, который начался в 1860-х годах, их стиль импрессионистской живописи был немедленно скопирован русскими. Однако только в конце 1880-х годов картины русского импрессионизма появились в галереях.

Первыми художниками, представившими картины русского импрессионизма, были Валентин Серов, Исаак Левитан, Константин Коровин, Николай Фешин и Илья Репин. Одна из первых официальных выставок русского импрессионизма состоялась в Москве и была организована Московским обществом любителей художеств в декабре 1888 года. Валентин Серов получил первую премию за «Девушка с персиками»  (1887), Коровин получил вторую премию за жанровую картину с «За чайным столом» (1888), а Исаак Левитан получил вторую премию за пейзаж с «На Волге». Вечерний водопад  (1888). Художники русского импрессионизма, писавшие в конце 1800-х и начале 1900-х годов, были хорошо образованы, много путешествовали и находились под сильным влиянием импрессионистов из Европы.

Развитие русского импрессионизма

Когда большинство людей думают о русском искусстве, на ум приходят образы пропагандистских плакатов и роскошное великолепие России. Однако русские художники внесли огромный вклад в импрессионистическое и реалистическое искусство. По сравнению с Европой импрессионизм получил сложное развитие в России в 1860-1819 гг.30. В этот период художники сочетали множество разных стилей — впоследствии произведения русских импрессионистов и постимпрессионистов часто подпадали под другие жанры искусства, включая сезаннизм, неопримитивизм и русский символизм.

Вклад России в движение импрессионизма представлен в Музее русского импрессионизма, где выставлены оригинальные работы лучших художников русского импрессионизма. Постоянная коллекция музея состоит из более чем семидесяти произведений искусства выдающихся русских художников, таких как Константин Коровин, Игорь Грабарь, Константин Юон, Петр Кончаловский и Юрий Пименов, а также избранные произведения Бориса Кустодиева и Валентина Серова. Картина ниже написана Титом Дворниковым, художником-самоучкой, одаренным от природы, который учил других.

У моря Тита Дворникова

Импрессионизм был широко представлен в России. Художники 19-го и начала 20-го веков изучали импрессионистские художественные течения в Европе и копировали их мотивы — изображение реальной жизни, природы и света было важной формой выражения в России.

Живопись на пленэре  и этюдный стиль привели художников к мотивам, выражающим беззаботность современного отдыха в импрессионистических, залитых светом интерьерах, побуждающих к отходу от старых сюжетов русского искусства. Исследования световых эффектов в интерьерных сценах и в натюрмортах привели к новому пониманию этих малоизвестных в московской академии жанров.

В семейных портретах и ​​картинах русские художники писали их более честно и с большей глубиной чувства, создавая свой стиль импрессионизма. Национальная идентичность была так же важна, как и отношение к традиции реализма. Импрессионизм, с его акцентом на спонтанное выражение и современность, дал новые способы выражения этого.

Таким образом, русские импрессионистские картины обладают особым чувством, и от этих картин исходит ощущение радостной и трагической культуры и наследия России. Дословный перевод импрессионизма на французский язык сильно отличается от русского перевода, что совершенно очевидно при сравнении стилей. Французы интерпретируют его как впечатление времени, настроения и света. Русский перевод означает печаль, поэтому их картины больше о чувствах, семье и поэзии.

Такие художники, как Илья Репин, считали, что русский народ хотел, чтобы художники изображали настоящую русскую жизнь. Художники, которым это удалось, стали знаменитыми, национальным достоянием. Сенсацией, например, стала картина Валентина Серова «Девушка с персиками «. Изображение русской деревенской жизни было важно в культурном и эмоциональном плане для русской души. Живые художники Исаак Левитан сделали это замечательно. Знаменитые братья Алексей и Сергей Ткачёвы создали потрясающие работы.

Самые знаковые ранние русские импрессионисты

Вот некоторые из наиболее известных художников ранней эпохи русского импрессионизма.

Константин Коровин (1861 – 1939)

Один из самых выдающихся русских импрессионистов, Коровин черпал вдохновение во время своего пребывания в Париже, где, по сути, и родился этот жанр. Французской столице художник посвятил множество картин: «Париж. Бульвар Капуцинок», «Париж. Утро», «Ночная улица. Париж» входят в их число.

Валентин Серов (1865 – 1911)

Мастер психологического портрета, Серов был чрезвычайно популярен в элитных кругах. Он сделал несколько портретов семьи Романовых. Серов прославился после того, как его картины «Девушка с персиками» (1887) и «Девушка в солнечном свете» (1888) были показаны публике. Его портреты отличаются изображением души субъекта.

Николай Фешин (1881-1955)

Фешин стал известным художником в двух странах: на родине в России и в США, где он прожил почти 30 лет. В Америке он был известен своими портретами коренных индейцев, а в России и изображением быта.

Сегодня его картины продаются на аукционах за копейки, превышающие миллионы долларов. Работа Фешина «Маленький ковбой», проданная в 2010 году за 6,9 млн фунтов стерлингов, сделала художника одним из самых дорогих художников России.

Владимир Баранов-Россине (1888–1944)

Художник начал свою карьеру с создания ряда импрессионистских работ, но позже Баранов-Россине увлекся орфизмом и даже создавал так называемые политехнические скульптуры из органических и неорганических материалов. . После окончания Петербургской Академии художеств художник отправился в Париж и поселился в богемном квартале у Марка Шагала и Амедео Модильяни по соседству. Его импрессионистские натюрморты — самые элегантные.

Петр Кончаловский (1876 – 1956)

Страстный поклонник Поля Сезанна и поклонник европейской культуры, Кончаловский искал свое призвание в различных направлениях искусства, таких как импрессионизм, постимпрессионизм и кубизм. Он запечатлел красоту природы в своих натюрмортах из цветов. Подобно Ренуару, живописец считал, что «боль проходит, а красота остается», стараясь запечатлеть положительную сторону жизни.

Как развивался русский импрессионизм

В отличие от импрессионизма во Франции и США, русский импрессионизм продолжал развиваться на протяжении всего ХХ века. Первоначальные импрессионисты учили следующее поколение, которое, в свою очередь, учило последующие поколения. В настоящее время существует множество современных русских импрессионистов, которые до сих пор рисуют на пленэре, как оригинальные импрессионисты, и той же манерой письма. Однако их картины развились, чтобы больше использовать свет и цвет, а также использовать другие методы для разработки нового стиля искусства.

Современные русские импрессионисты

Вот несколько художников, хорошо известных в современном движении русского импрессионизма.

Бато Дугаржапов (1966– )

Цветы, Бато Дугаржапов

Бато Дугаржапов родился в г. Дулдурга Читинской области Сибири. Учился в Московском художественном училище, окончил Московский художественный институт имени Сурикова. Член Московского союза художников, живет и работает в Москве.

Ключевой силой творчества Дугаржапова является его превосходное сочетание музыки далекой и музыки близкой. Композиции всегда очень сильные, с интересным расположением форм и красивой цветовой гармонией. Он использует много видов контраста: контраст деталей, контраст температуры , и контраст толстого и тонкого. Картины обычно написаны в средних тонах с несколькими темными акцентами, а иногда и в высоком ключе, чтобы подчеркнуть ощущение сильного солнечного света.

Он один из очень немногих художников, которые могут довести репрезентативную картину до абстракции и при этом сделать ее реалистичной. Другим живописцем, которому удалось добиться этого, был Федор Жакаров, но с не совсем такой же степенью цветовой гармонии.

См.: Искусство Бато Дугаржапова

Денис Саражин. Украинская художественная академия. Эта престижная национальная награда присуждается только элитной группе выпускников всех ведущих художественных учебных заведений страны. С 2007 года член харьковской секции объединения Союза художников Украины.

Работа Саражина характеризуется сильным абстрактным дизайном с красивыми цветовыми гармониями. Красивый цвет исторически был сильной стороной украинских живописцев с 20-го века, и приятно видеть, что эта традиция продолжается в современных живописцах.

Ованес Берберян  (1951 – )

Берберян – русский армянин, получивший начальное художественное образование под руководством своего русского отца, который был членом Общества армянских художников, а также театральным сценографом и профессор колледжа искусств. Когда он переехал в США в 19В 77 лет он учился у Сергея Бонгарта, который родился в Киеве на Украине и изучал искусство в Киеве, Праге, Вене и Мюнхене, прежде чем эмигрировать в Соединенные Штаты.

Глубокое понимание Берберяном оттенков, значений и цветовых отношений делает его востребованным не только коллекционерами, но и студентами, которые приезжают из ближнего и дальнего зарубежья, чтобы получить возможность посетить один из его семинаров. В основном он пишет на пленэре, но некоторые из своих крупных работ он делает в студии.

Он недвусмысленно утверждает, что в живописи самое главное — цветовая гармония. Использование Берберяном цвета в сочетании с его динамичным живописным стилем оживляет каждый пейзаж и натюрморт, затрагивая струны глубоко внутри зрителя.

Вероника Лобарева

Вероника Лобарева — замечательная современная русская не-импрессионистка с замечательным чувством цвета и дизайна. Вы можете увидеть больше ее работ в нашем профиле Вероники Лобаревой

Джеймс Баттервик | TEFAF

Украинское и европейское изобразительное искусство

Адреса

---

Галерея Джеймса Баттервика

42 Brook Street, Mayfair, W1K 5DB, Лондон, Великобритания

Местоположение

1 из 1

Галерея Джеймса Баттервика

Мы являемся частной галереей, доступной только по приглашениям, расположенной в самом центре Мейфэр. сервис полной аутентификации любой работы Авангард. Кроме того, мы продаем изделия западных мастеров и советских нонконформистов.

Джеймс Баттервик начал собирать и продавать украинское и русское искусство в 1985 году и зарекомендовал себя как один из ведущих мировых дилеров и экспертов в этой области. В течение 1990-х жил в Москве, став единственным иностранным членом Российского общества частных коллекционеров, формируя коллекции, участвуя в музейных выставках и читая лекции по истории русского искусства. В 2008 году Джеймс стал единственным иностранным членом Международной конфедерации антикваров и арт-дилеров России и СНГ, а в 2013 году вступил в Лондонское общество арт-дилеров, ведущую группу в своем роде.

В 2015 году Джеймс стал первым дилером украинского и русского искусства, которого пригласили выставиться на TEFAF, Маастрихтской художественной ярмарке, где была представлена ​​коллекция работ художников-авангардистов, в том числе украинца Александра Богомазова (1880-1819 гг. ).30), семь работ которого он продал музею Креллера Мюллера в Нидерландах. После этого Джеймс выставлялся на TEFAF в Нью-Йорке в 2017 году и продолжает выставляться в Маастрихте.

Свободно говорящий по-русски, Джеймс читает лекции по всему миру по вопросам аутентичности, которые окружают украинский и русский авангард. Он выступал в Третьяковской галерее, Музее русского импрессионизма в Москве, Нью-Йоркском и Кембриджском университетах, Киевском центре международных отношений, а в январе 2021 года выступил на основополагающей выставке «Оригинал или подделка» в Музее Людвига, Кельн. Далее он читает лекции о Богомазове, потерянном футуристе Украины. Постоянно выступая на радио и телевидении, Джеймс имел собственное место на радио «Матрешка» в Лондоне и участвовал в программе BBC «Fake or Fortune» в 2014 году9.0005

Джеймс много писал об украинском и русском искусстве, опубликовал шестнадцать выставочных каталогов и активно участвовал в музейных выставках. В феврале 2020 года Джеймс выиграл знаменательное судебное дело в Милане, Италия.