3. Поздний Ренессанс

3. Поздний Ренессанс (XV–XVIвв.): Пантеистическая философия Возрождения. Натурфилософия и космология

Философия Возрождения не могла сразу стать открытым и прямым отрицанием средневекового теологического мировоззрения. Процесс отрицания нарастал постепенно, он представлял трансформацию и реформацию схоластической философии, теологии, сохраняя первоначально ее проблематику, понятийный аппарат. Например, фундаментальное и многофункциональное понятие всего средневекового мировоззрения – понятие Бога – сохраняется и в философии Возрождения, но под влиянием формирующейся новой культуры начинает наполняться иным содержанием. В этом плане большой интерес представляет философия Николая Кузанского (1401–1464 гг.). Николай родился в Кузе, недалеко от Трира. Это во многом типичная ренессансная личность: человек широкой образованности – он учился в Гейдельбергском и Падуанском университетах, продолжил образование в Кельнском. Куза выполнял ряд важных поручений римских пап, был возведен в сан кардинала и почитался как один из глубочайших и выдающихся мыслителей католической церкви.

И вместе с тем Н. Кузанский известен своими математическими исследованиями, научными занятиями в космологии, филологии. Универсальные знания Н. Кузанского делают его и выдающимся философом. Вообще следует сказать, что у Н. Кузанского, как и у многих других выдающихся деятелей Возрождения, очень трудно отделить в их творчестве философию, космологию,  естественнонаучные исследования, теологию друг от друга. Подобно Данте («последний поэт средневековья и вместе с тем первый поэт Нового времени» (Ф. Энгельс), Н. Кузанский создал на рубеже двух эпох такую философскую систему, которую В. Вандельбанд охарактеризовал как «последнюю систему средневековой философии и первую систему новой философии»[1].

Две темы стоят в центре его философской системы: тема «Бог и мир» и тема «Бог и человек». В решении их можно проследить общую логику эволюции Кузы: от дуализма к пантеизму. Но к пантеизму своеобразному, еще далекому от пантеизма натуралистического, но уже не являющимся чисто мистическим. В работе «Об ученом незнании»[2] Н. Кузанский еще стоит на дуалистических позициях. Дуалистичность его проявляется в том, что он разграничивает Бога как предмета веры и Бога как предмета научного и философского познания. В первом случае Бог выступает как проблема теологии, во втором – как проблема философии. За дуализмом Н. Кузанского стоит реальное диалектическое противоречие: бесконечность Вселенной, взаимная связь всего существующего и единство многообразного, конечного, индивидуального. У него это противоречие принимает теологическую форму: отношение Бога

как бесконечного существа, стоящего над миром, и мира как совокупности своеобразных конечных индивидуальных вещей.

Кузанский обнаруживает, что Вселенной тоже свойственны бесконечность и единство. Всякая вещь связана со всякою другою, отлична от нее и вместе с тем согласна с ней, содержит в себе все остальное и сама содержится в них. Бесконечность и единство Кузанский видит и в конечном индивиде, которого он называет микрокосмом по примеру античных философов. Индивид отражает в себе весь мир, но в сжатом, сокращенном, виде, и, самое главное, человек знает об этом. Как же соотносятся между собой эти две бесконечности?

По Н. Кузанскому, они однородны, но и вместе с тем различны. Бесконечность Бога внепространственна и сверхвременна, это абсолютная бесконечность. Бесконечность мира как бы ослаблена, он – бесконечная протяженность в пространстве и бесконечная длительность во времени. Единство Вселенной не превышает всякое множество и различие… Поэтому если вещи в мире и имеют свое бытие Бога, то само бытие их иного рода.

В Боге сущность и существование (essentiaи exsistentie) совпадают[3], для конечных существ их сущность, напротив, означает лишь их идею в Боге как возможность или как скрытую сущность. Что касается их существования, то оно вызывается каждый раз особой причиной, каковой является та или иная конечная вещь. В этом-то и состоит случайность существования конечных вещей. Если бы их можно было вывести только из Бога, из их сущности, то они были бы необходимы: подобны Богу. Таким образом, мир конечных вещей в своей совокупности, целостности и единстве, т.е. в своей сущности, а не по фактическому, реальному существованию, богоподобен.

Абсолютная бесконечность и всемогущество Бога логически приводят к выводу о необходимости безграничного обнаружения его творческой силы. Из этого же вытекала необходимость бесконечности мира, а иначе Бог не был бы абсолютным совершенством: если продукт несовершенен, то сомнительно совершенство его творца. Однако эти два совершенства отличаются. Мир совершенен и бесконечен лишь в целом, но не в каждой своей отдельной вещи. Бог совершенен и бесконечен в каждом своем атрибуте. И тем не менее определенная тождественность бесконечности и совершенства Бога и мира позволяли сделать вывод о наличии в философии Кузанского пантеистической

тенденции. Точнее сказать, что в философской системе Н. Кузанского видна и христианско-дуалистическая, и пантеистическая тенденции, т.к. Бог у него не персонифицируется.

Пантеизм Н. Кузанского не является натуралистическим, но и не носит характера чисто мистического пантеизма. Кузанскому принадлежит тезис: «Бытие Бога в мире есть не что иное, как бытие мира в Боге». В. Соколов так комментирует этот тезис Кузанского: «Вторая часть этого утверждения свидетельствует о

мистическом пантеизме (иногда именуемого панентеизмом), а первая – о натуралистическом. В силу первого из них вещи и явления – только символы Бога, а в силу второго они достаточно стабильны и представляют интерес сами по себе»[4].

В этот период развития философии Возрождения пантеизм основывался на двух типах теологии, сохранивших свои традиции: позитивной и негативной.

Положительная (катафатическая) теология рассматривала Бога через его предикаты, а отрицательная (апофатическая) теология считала, что определить и познать Бога через атрибуты Его невозможно, ибо Бог Сверхжизнь, Сверхмудрость, Сверхкрасота, Сверхбытие… Отрицательная теология подчеркивала Сверхприродность Бога.

Поэтому такие суперлятивные атрибуты через превосходство выражают отрицание. В этом случае супранатуральность Бога делает его безымянным, обезличенным, деперсонализированным.

Но, лишая Бога всех антропоморфических характеристик, Бог не отрывается от человека, а как бы уже и сливается с ним. Если Бог выступает «Всем во всем и Ничем в чем-нибудь», то оказывается, что бытие Бога состоит в его небытии. Деперсонализированный и дезантропоморфизированный, непознаваемый Бог оказывается синонимом актуальной бесконечности.

Разумеется, бесконечность мира у мистика-пантеиста не равна бесконечности божественного Абсолюта, но мир уже не столь конечен, как в средневековой теологии. Кузанский против положительной теологии, которая приближала Бога к его творению. Если пантеизм, выраставший на основе отрицательной (апофатической) теологии, может быть выражен формулой «Все заключено в Боге» или «Все в Боге» – собственно так и говорит Кузанский[5], – то сущность натуралистического пантеизма, опиравшегося на положительную теологию, может выразить формула: «Бог есть все» или «Бог везде».

Однако в учении о человеке у Н. Кузанского можно обнаружить элементы натуралистического пантеизма.

Мы уже говорили, что Н. Кузанский рассматривал человека как микрокосм, малый мир, стягивающий в себе всю Вселенную. Христос, говорит Кузанский, максимальный человек, а человек – «второй бог». Бог есть творец реальных вещей и естественных форм, а человек – творец искусственных форм, «второго» бытия. По сути дела, Н. Кузанский приходит к обожествлению человека. Каково место в мире «человеческого бога»? Н. Кузанский говорит о «трехсложности» мира, выделяя в нем: «малый мир» – человек; «божественный мир» – универсум; «максимальный мир» – Бог, божественный Абсолют. Все эти три мира подобны.

По Кузанскому, человеческая природа лишь немного уступает божественной природе ангелов, а в каком-то смысле и выше ее: ангелы свои высшие духовные совершенства получили от Бога сразу или вскоре после своего создания, а человек достиг совершенства в трудной жизненной борьбе. «Человеческая природа – такая природа, которая была помещена над всеми творениями Бога и лишь немного ниже ангелов»[6]. Следовательно, нельзя считать Н. Кузанского мистическим пантеистом, не оговорившись, что в своем учении о человеке он ближе к натуралистическому пантеизму.

Н. Кузанский оказал влияние на Д. Бруно (1548–1600 гг.), философия которого может служить образцом  естественнонаучного натуралистического пантеизма. «Если процесс натурализации мистического пантеизма XIV– нач. XVв., – утверждает Горфункель А. – начал Патриции, то завершает его в формах, свойственных эпохе Возрождения, Бруно Д.»[7]. Д. Бруно – вершина в развитии натурфилософской линии в философии Возрождения. Он опирался на достижения в области естественных наук, в частности, на открытия Леонардо да Винчи и Коперника.

Следуя логике нашей работы, мы ограничимся самыми общими замечаниями, касающимися Леонардо да Винчи, а Коперника рассмотрим в качестве второго важнейшего источника философии Д. Бруно (первым источником был Кузанский).

Леонардо да Винчи не оказал прямого влияния на философскую мысль Возрождения, поскольку труды его были опубликованы значительно позже. К тому же они носили фрагментарный, незаконченный характер, хотя рукописное наследие Леонардо да Винчи значительное. Влияние Леонардо оказал скорее своею личностью, в которой наиболее полно воплотился вариант ренессансной личности.

Натурфилософия Д. Бруно – это развитие и философское обоснование гелиоцентрической системы Коперника с помощью логики Н. Кузанского. Гелиоцентрическая теория Коперника, изложенная им в труде «О вращении небесных сфер» (1543 г.) принципиально отвергала средневековую идею о Земле как о центре мироздания. Коперник объективно наносил удар по средневековому теоцентрическому мировоззрению.

Опираясь на идею Н. Кузанского о бесконечности мира, о бесконечной множественности миров во Вселенной, которые в бесконечном течении времени возникают и исчезают, Д. Бруно нашел ей подтверждение в учении Коперника.

Бруно идет значительно дальше Коперника. Он устраняет твердую оболочку неподвижных звезд, которую окружена наша солнечная система. У Коперника солнечная система ограничена сферой неподвижных звезд. Бруно логически обосновывает множество и бесконечность миров, а потому ни один из них не может быть центром[8].

Неподвижные звезды суть те же самые вещества, как и земля, и приводятся в движение своими собственными душами, или формами. Каждая звезда есть живое существо и вместе с тем является местом пребывания бесконечно многих живых существ, различных степеней совершенства. Все организмы слагаются из мельчайших элементов, которые Бруно назвал монадами, каждая из них является зеркалом Вселенной. Вселенная бесконечна во времени и пространстве, находится в постоянном развитии.

Высшая монада, «монада монад», по Бруно, и есть Бог. Бруно говорит, что «природа есть Бог в вещах». Однако это не стоит понимать таким образом, что Бог присутствует в любой единичной вещи. У Бруно понятие Бога совпадает с порядком, организованностью, с душой природы. То есть понятие Бога совпадает с тем, что придает природе системность. Душа природы – это ее закономерности, которые и придают природе характер закономерной системы. Следовательно, божественная мощь природы – это не воля Творца, а объективные закономерности эволюции, развития. Разумеется, из Бруно не следует делать атеиста, он остается всего лишь пантеистом, но пантеистом натуралистическим: Бог у него утрачивает свой высший характер по отношению к природе, утрачивает свою надприродность, становясь системой самоорганизующейся и саморазвивающейся.

Центральное понятие философии Бруно – понятие Абсолютного как Единого. Единое заключает в себе духовную и телесную стороны мира, которые различны, но не раздельны. Все сплетено в одну великую и единую связь, систему. Благодаря этому все противоречия и противоположности, господствующие и обнаруживающиеся в единичных, частных явлениях, в рамках целого образуют единое и гармоничное. Именно гармония целого делает его божественным.

Картина мира, созданная воображением Д. Бруно, опирающегося на научные достижения своего времени, гуманитарную культуру Возрождения, представленная в яркой чувственно-художественной форме, возможно с наибольшей полнотой передает гуманизм и оптимизм ренессансного мировоззрения. Творчество Д. Бруно оказало влияние на развитие философской мысли Нового времени. Его идеи были поддержаны такими мыслителями, как Спиноза, Лейбниц, Шеллинг.

---

[1] См.: Общая история философии. Т. 2. С. 107.

[2] Под ученым незнанием Н. Кузанский понимает сознательное ограничение ученым предмета своего познания, ясное представление о познавательных возможностях науки: «Человек, объятый самым пламенным рвением, может достичь более высокого совершенства в мудрости в том лишь случае, если будет оставаться весьма ученым даже в своем незнании, составляющем его свойство…». [Кузанский Н. Об ученом незнании. Кн. I. Гл. 1. СПб., 2001. С. 101]. По существу, этот тезис направлен против всезнания средневековых схоластов и подчеркивает самокритичный дух научного познания.

[3] «Абсолютный максимум единствен, потому что он – все, в нем – все, потому что он – высший предел», – говорит Н. Кузанский в «Об ученом незнании». [Гл. 2. С. 102].

[4] Соколов В.В. Указ. соч. С. 49.

[5] «В своем универсальном единстве этот максимум охватывает всякую вещь таким образом, что все, что исходит от абсолюта, находится в нем и он – во всем, – он не мог бы, однако, существовать вне множественности» [Кузанский Н. Указ. соч. С. 102–103].

[6] Там же. Кн. III. Гл. 3.

[7] См.: История диалектики XIV–XVIII вв. М.,1974. С. 69.

[8] См.: Бруно Д. О бесконечности, Вселенной и мирах // Бруно Д. Избранное. М., 2000.

Поздний «Ренессанс».

Почему классический private banking в сложной ситуации?

Партнеры компании FP Wealth Solutions, ставшей multi-family office для 50 семей из России, Восточной Европы и Ближнего Востока со средним счетом $5–10 млн, пытаются привлечь из отделений private banking глобальных банков не только клиентов, но и новых партнеров. Многие банкиры разочаровались в своей работе и хотят начать собственный бизнес.

Как-то швейцарский банкир признался одному из партнеров FP Wealth Solutions, что все чаще ощущает себя высокооплачиваемым почтальоном, поскольку его работа заключается в переноске бумажек и форм на подпись. Классический private banking сейчас в достаточно сложной ситуации: отчасти из-за ужесточившегося законодательства и политики единого европейского регулятора, отчасти из-за усложнения внутренних комплаенс-процедур в банках.

FP Wealth Solutions уже сейчас предоставляет продуктовую и юридическую экспертизу для банкиров из СНГ и ведет переговоры с банкирами в Персидском заливе, Швейцарии и Англии. Как партнеры нашли друг друга и откуда у них мысль о закате private banking?

Реклама на Forbes

В 2002 году выпускник юридического факультета Санкт-Петербургского государственного университета аэрокосмического приборостроения Юрий Емелин искал работу и наудачу отправил резюме в корпорацию «Аэрокосмическое оборудование» (КАО). Ее генеральный директор Сергей Бодрунов решил взять его своим референтом. Малоизвестная компания оказалась одним из крупнейших холдингов в сфере авионики — с контрольным пакетом государства и годовым оборотом $200 млн.

От бумажной работы Емелин перешел к более ответственным поручениям: вошел в состав дирекции и участвовал в переговорах с правительствами Индии, Китая, Малайзии, Великобритании и Франции. Основная часть работы Емелина была связана с финансами. Сергей Бодрунов запустил параллельный финансовый бизнес — банк «Таврический» и НПФ Оборонно-промышленного комплекса. Емелин стал куратором финансового направления и создал первый венчурный индустриальный фонд аэрокосмической промышленности. Одним из удачных проектов корпорации была система платежей PayCash, в которую КАО инвестировала $15 млн. В России партнером PayCash был «Яндекс», долю в его сервисе «Яндекс.Деньги» (75% минус одна доля) в 2012 году купил Сбербанк за $60 млн.

В 2004 году КАО решила создать компанию для управления деньгами НПФ и дочерних структур. И Емелин поехал в Москву, где познакомился с Андреем Мовчаном, руководившим «Ренессанс управление инвестициями» (RIM). «Ренессанс» помог КАО создать управляющую компанию «Орион». Емелин стал ее генеральным директором и получил в управление $120 млн.

Когда «Ростех» начал консолидацию оборонно-промышленных предприятий и КАО потеряла самостоятельность, Емелин решил перебраться в Москву. В 2006 году он принял предложение Мовчана перейти в «Ренессанс», где возглавил группу продаж продуктов для институциональных и коллективных инвесторов. Группа работала с крупными российскими компаниями, готовыми инвестировать более $50 млн, разрабатывала для них структурные продукты, а также участвовала в запуске первых эндаумент-фондов — для Мариинского театра, РЭШ и ВШЭ.

Рубеж 2008 и 2009 года оказался сложным временем для «Ренессанса», инвестбанк чуть не разорился в кризис и спасся лишь благодаря новому владельцу миллиардеру Михаилу Прохорову и его $500 млн. Емелин покинул «Ренессанс», а вскоре с группой менеджеров ушел и Мовчан, который основал компанию «Третий Рим».

Незадолго до этого бывший глава «Ренессанс групп» Олег Киселев, которого ранее обвиняли в участии в хищении акций Михайловского ГОКа, вернулся из Лондона, чтобы начать работу в «Роснано». Он предложил Емелину устроиться в госкорпорацию и поучаствовать в запуске венчурного фонда нанотехнологий «Роснано капитал». Параллельно Емелин с коллегой по «Ренессансу» Лораном Реймоном запустил в Швейцарии собственный бизнес по структурным продуктам. В кризисный период большой популярностью у клиентов пользовались продукты, имеющие целевую доходность 10–20%, — короткие кредитные ноты российских госкомпаний и более рискованные деривативы на акции с целевой доходностью до 30%. Доход компании Емелина был привязан к итоговой доходности самих клиентов или же составлял фиксированную комиссию около 1% от сделки.

В 2012 году бизнес получил название FP Wealth Solutions. Имен клиентов Емелин не раскрывает и говорит, что среди них были крупнейшие российские компании, которые покупали структурные продукты на несколько сотен миллионов долларов в год. Однако сам Емелин сосредоточился на работе с частными клиентами и в 2015 году выкупил у Реймона его долю, превратив компанию в multi-family office. В Москве он встретился с будущими партнерами — уходившими из «Третьего Рима» Данило Лацмановичем и Александром Варюшкиным. До 2013 года они были совладельцами «Третьего Рима» и впоследствии вместе с Мовчаном перепродали компанию Oracle Capital Group, но остались в ней работать.

Лацманович говорит, что под управлением «Третьего Рима» было $400 млн. Нынешний совладелец «Третьего Рима» Андрей Ляхов называет другую сумму — $150 млн на момент покупки компании. После того как в компании сменилось руководство, из нее в 2015  году ушли почти все клиенты. Знакомый Лацмановича утверждает, что у него есть пул лояльных клиентов, переходящих вслед за ним в  другие компании еще со времен «Ренессанса». По словам другого его знакомого, в разное время клиентами «Третьего Рима» были менеджеры группы «Парламент», «Фосагро» и бывший президент ФК «Локомотив» Ольга Смородская.

В FP Wealth Solutions Емелин сохранил за собой операционный контроль и стратегию. Лацманович занимается привлечением клиентов и новых партнеров, а Варюшкин — рынками и инвестициями. Всего под управлением компании $400 млн. Доход складывается из management fee (порядка 1%) и performance fee (10%). На эти комиссии приходится порядка 80% доходов.

Большая часть портфелей (80–90%) вложена в облигации. Но Варюшкин уверен, что время для инвестиций в облигации уходит: «Сорок лет, на протяжении которых рынок облигаций приносил доходность, сопоставимую с рынком акций, закончились. И сейчас только акции могут предоставить защиту от инфляции». У компании есть две стратегии, ориентированные на акции. Первая — глобальный портфель: инвестиции в американские и европейские компании (33% и 22% соответственно), с 2012 года стратегия приносила долларовую доходность в среднем 11,5%. Вторая — вложения в недооцененные российские акции, такие, например, как «Алроса», «Газпром нефть», «Лукойл», «Магнит». Среднегодовая доходность с  момента основания составляет 12% годовых.

«Сильный импульс к развитию и росту у нас был в 2016 году в связи с законодательством о КИК, — рассказывает Лацманович. — Глобальные банки не давали клиентам никакой поддержки по этому вопросу». По его словам, некоторые клиенты даже не знали, что у них есть необходимость что-то делать в рамках закона о КИК.

описание и 50 + фото

Стиль ренессанс гармонично сочетает элементы роскоши и строгость форм, четкость линий и великолепие отделки.

История зарождения стиля

В начале 14 века в Италии берет начало эпоха Возрождения — от французского «renaissance». Имелось ввиду возрождение античной культуры и интерес людей к творчеству. Архитекторы и живописцы стремились отойти от канонов прошлого и создать нечто новое — революционное.

В основе архитектуры эпохи Возрождения лежат античные формы, идеи древности — Греции и Рима — пропорциональность, симметричность. Все это сменило величественную, но несколько угрюмую и строгую готику. Условно ренессанс делят на три этапа:

• Раннему ренессансу близок переход от строения крепостей и храмов к строению дворцов с арками, колоннами, ордерами.

• Высокий ренессанс называют отправной точкой для развития всего стиля. В это время направление расширяется, встраивается в архитектуру и искусство других стран. Великолепные картины и фрески, величественные здания эпохи Возрождения стали шедеврами. Многие сохранились до нашего времени.

• Поздний ренессанс стал толчком стилей рококо и барокко. Этому периоду характерно обилие античных форм, вычурных элементов, роскоши как в экстерьерах так и в интерьерах построек. Витиеватые узоры, колонны, арки, пилястры, затейливая лепнина на потолках.

Эпоха Возрождения продлилась до конца 16 века и повлияла на архитектуру, искусство, моду, литературу.

Характерные особенности стиля

Важным отличием эпохи ренессанса стало то, что теперь архитекторы и авторы стали не анонимны. В отличие от Средневековья человек перестал быть «орудием Бога» и начал подписывать свои работы. Архитектуру ренессанса отличает монументальность, античные формы, крыши с двумя скатами, симметрия и массивные основания зданий с лестничными пролетами.

Для ренессанса в интерьере характерна та же монументальность, что и для внешнего вида построек. Стиль требует широких площадей, чтобы развернуться в полной мере. Дверные проемы заменяют арками и колоннами.

В комнатах важна симметрия предметов, соблюдение пропорций, дворцовая пышность оформления, мотивы античности. Мебель массивная в спокойных тонах при этом обязательно сохранять свободное пространство и воздушность.

Очень важно обилие дневного и мягкого искусственного света в комнатах. Правильное освещение поможет выделить каждый элемент интерьера и создать необходимое настроение.

Планировка

Широкие окна, высокие многоуровневые потолки. Ренессансу необходим размах, поэтому лучше всего стиль смотрится в частном доме с просторными комнатами.

Меблировку в помещении располагают вокруг одного предмета и не обязательно по центру. В гостиной это может быть камин встроенный в стену, тогда рядом с ним расставляют диван, кресла, кофейный столик. Или же обеденный стол в столовой.

Стиль ренессанс в интерьере — это до мелочей продуманная и тщательно построенная композиция, в которой каждая деталь и предмет независимы от других, но гармонично с ними сочетаются.

Материалы отделки и палитра

Ренессансу присущи богатые природные материалы: камень, ценная древесина, слоновая кость. Эпоха Возрождения в отделке широко использовала мрамор: облицовывали стены, пол, камин и даже двери.

Камень сегодня не часто применяют из-за высокой цены. Допускается замена настоящего мрамора или песчаника на стилизованную керамическую плитку.

Палитра ренессанса предполагает любые тона. Чаще всего используют бежевые, кремовые, молочные оттенки и более темные. Белые и черный цвета практически отсутствуют в интерьере. Для текстиля и декора выбирают насыщенные синий зеленый, бордо, винный или пастельные: голубой, розовый, оливковый. Некоторые акценты расставляют с помощью золотого.

При выборе палитры важно, чтобы оттенки плавно переплетались друг с другом, а резкие контрастные переходы цветов отсутствовали. Тогда получится создать умиротворяющую атмосферу присущую ренессансу.

• Быстрый просмотр

  32 732 ₽ 46 760 ₽

  -30%

  Цена за всю гостиную

  Общие размеры

• Доставим завтра

  Быстрый просмотр

  Цена за всю гостиную

  Общие размеры

  длина

  272,4/152,4 см

• Быстрый просмотр

  Цена за всю гостиную

  Общие размеры

• Доставим завтра

  Быстрый просмотр

  48 762 ₽ 50 625 ₽

  -4%

  Цена за всю гостиную

  Общие размеры

• Доставим завтра

  Быстрый просмотр

  40 446 ₽ 57 780 ₽

  -30%

  Цена за всю гостиную

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  Цена за всю гостиную

  Общие размеры

Отделка стен

В отделке стен отдают предпочтение декоративной штукатурке, панели из древесины или декорируют тканями: бархатом, парчой, кожей с тиснением. Узоры выбирают плавные и ненавязчивые.

Из-за больших площадей комнат ренессанс не требует дополнительного визуального расширения, поэтому зеркал в интерьере мало. Чаще всего они присутствуют только в ванной. Реже — в спальне и гостиной.

Оформление пола

Кроме керамической плитки для отделки полов подходят ценные породы дерева. Добавить уюта помещениям помогут мягкие ковры с восточным орнаментом.

Оформление потолка

В помещениях эпохи Возрождения потолки были высокие, сводчатые, украшенные позолоченной лепниной и кессонами. Оформляя комнаты в стиле ренессанс сегодня стоит выбирать многоуровневые конструкции с обилием резных деталей. Органично впишутся в интерьер потолки из дерева покрытого лаком.

Мебель

При всей массивности мебели она должна быть практичной и не загромождать пространство. Каждый предмет выполняет свою роль. Приветствуются простые геометрические формы и натуральное дерево. Никакого пластика и металла. Украшают мебель инкрустацией, резными элементами, позолотой.

Оттенки мебели от светлых тонов — кремового, молочного — до темно-коричневого и шоколадного. Для меблировки комнаты подойдет почти вся мебель 18 века. Антикварные буфеты, секретеры с выдвижными ящиками обитыми внутри бархатом, обеденные столы прямоугольной или многоугольной формы, стулья и кушетки, обитые мягкой тканью, а также сундуки с позолотой или росписью.

В гостиных и спальнях необходимо размещать невысокий письменный стол на резных ножках. Кровать обязательно украшают балдахином из легкой ткани на витых деревянных колоннах.

• Хит

  Быстрый просмотр

  37 588 ₽ 53 697 ₽

  -30%

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

Декор

Интерьер ренессанса не обойдется без аксессуаров. Они позволяют создать атмосферу богатства, великолепия и закончить композицию. Но каждый аксессуар следует внимательно подбирать.

Стены украшают пилястрами и репродукциями полотен эпохи Возрождения. Для окон подбирают кованые карнизы и вешают тяжелые гардины в пол, декорируя подхватами с кистями. Ткань выбирают блестящую с вышитым узорами и блестящей нитью.

Всевозможные ниши оформляют фресками, а внутрь устанавливают статуэтки из бронзы. Осветительные приборы — кованые люстры, канделябры, подсвечники и торшеры — выполняют еще и декоративную функцию. Размещенные локально они привлекают внимание необычными формами.

Оформление разных комнат в стиле ренессанс

Гостиная

Просторная комната в светлых оттенках не требует большого количества мебели. Композицию можно выстроить вокруг настоящего или искусственного камина, расставив только самое необходимое. Диван, стулья, кофейный столик, секретер или сервант со стеклянными дверцами. На полки ставят фарфоровую или керамическую посуду в нежных оттенках.

Если позволяет идея и площадь в гостиной размещают пианино. Потолок оформляют изящной лепниной, вешают стилизованную под старину люстру и настенные светильники. Окна занавешивают легкими шторами, подбирая оттенок гармонирующий с интерьером. Разбавить строгость помогут живые растения в кадках.

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  35 536 ₽ 50 766 ₽

  -30%

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  39 425 ₽ 56 321 ₽

  -30%

  Цена за всю кухню

  Общие размеры
• Хит

  Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

Кухня и столовая

Стены отделывают «под мрамор». Кухонный гарнитур можно выбрать островного типа и выстроить композицию вокруг него или взять за основу обеденный стол. Оформляют кухню в нежных тонах: кремовый, бежевый, молочный с золотыми элементами. Мебель выбирают гармонирующую с оттенками потолка и стен. Интересно, что в отличие от других комнат кухню не украшают лепниной.

Из осветительных приборов обязательна шикарная люстра, а во время романтических ужинов зажигают свечи в металлических канделябрах.

Спальня

Центр комнаты отдыха — роскошная кровать. Помимо нее в спальне присутствует комод, туалетный стол, иногда с зеркалом, платяной шкаф для белья или книг. Над кроватью вешают небольшую люстру. На прикроватных тумбах размещают светильники с абажурами без вышивки.

Потолки стараются не украшать лепниной. Подходят глянцевые натяжные варианты или гипсокартон. Переход между потолком и стеной можно оформить резным карнизом. Полы в интерьере ренессанса не бросаются в глаза. Подходит паркет в коричневых тонах.

В качестве декора выступает резьба с позолотой, витиеватые линии и узоры на комодах и кровати. На стены вешают картины в стиле эпохи Возрождения или репродукции шедевров великих художников. На туалетном столике размещают вазу с живыми срезанными цветами, а по углам — растения в кадках.

Ванная комната

Просторная ванная предполагает минимум предметов. Ванная или душевая система, раковина, тумба на резных ножка с зеркалом и подвесной унитаз, если комната совмещена с санузлом. Вся сантехника в белом, кремовых или молочных тонах. Стены и пол отделывают керамической плиткой. В качестве декора выступают настенные панно и бра.

Интерьер в стиле ренессанс — это величие и роскошь, добиться которых можно внимательно следуя принципам стиля, продумывая композицию и любые мелочи.

Урок 4. Эпоха Возрождения: Ренессанс в искусстве

Этот урок, посвященный эпохе Возрождения или Ренессансу, будет для вас легким, понятным и изящным, если вы хорошо изучили урок №2, где мы разбирали искусство Древней Греции и Древнего Рима. Эпоха потому и получила такое название, что в этот период истории началось возрождение античных традиций в искусстве.

Разумеется, культура и искусство обогатились новыми стилями и веяниями, появились новые, характерные данному историческому периоду черты. И если античное искусство нашло отклик в вашей душе, с высокой степенью вероятности искусство Ренессанса точно так же затронет ваше сердце и разум.

Цель урока: изучить основные тренды искусства эпохи Возрождения.

 Изучив материал урока, вы узнаете, как развивались архитектура, скульптура, живопись и литература данного периода, познакомитесь с наиболее знаковыми памятниками культуры, именами творцов и произведениями искусства.

Содержание:

Итак, какой же отрезок времени мы имеем в виду, когда говорим о Ренессансе?

Периодизация эпохи Возрождения

Из материала прошлого урока вы уже знаете, что эпоха раннего Возрождения примерно совпадает по времени с периодом позднего Средневековья, а хронологические границы Ренессанса условны и весьма усреднены, т.к. в разных странах культурно-исторические процессы имели свои черты и особенности и свой темп развития. В целом же периодизация Ренессанса выглядит следующим образом:

• Раннее Возрождение – 15 век.
• Высокое Возрождение – начало 16 века.
• Позднее Возрождение – 20-е годы – конец 16 века.

Кроме того, историки часто в качестве самостоятельного периода выделяют Проторенессанс, включая туда вторую половину 13 века и 14 век полностью. Ввиду того, что этот период имел самостоятельное значение только в Италии, где и зародился Ренессанс, мы его не включаем в общую таблицу периодов, однако, безусловно, упомянем деятелей искусства того времени, когда будем изучать тренды в разных его сферах.

И еще одна ремарка: искусство Ренессанса имеет общие черты, свойственные каждому из периодов, а процесс развития отличается гармонией и высокой степенью преемственности на протяжении всей эпохи.

По этой причине будет удобнее рассматривать каждое направление в искусстве – архитектуру, скульптуру, живопись и т.д. – единым блоком, чтобы можно было нагляднее оценить как преемственность традиций, их большую или меньшую выраженность, так и некоторые отличия периодов. Чтобы было понятнее, о чем речь, мы начнем с общей характеристики эпохи Ренессанса.

Общая характеристика Ренессанса

Ренессанс – это, прежде всего, возрождение интереса к человеку как к центральному субъекту искусства, его личности как высшей ценности. Такой подход получил название гуманизма. Идеями гуманизма пропитано все искусство Ренессанса, все стили и направления, зародившиеся в данный период. Тому было несколько предпосылок.

Во-первых, это рост и развитие городов-республик, где формировались принципиально новые, отличные от феодальных, социально-экономические отношения. Там не было землевладельцев и крестьян, зато были торговцы, ремесленники, банкиры и прочие группы населения, без которых городская жизнь и городская инфраструктура невозможны как таковые. Вполне логично, что у них были свои взгляды на жизнь, изрядно отличавшиеся от взглядов консервативного и набожного сельского населения.

Вторым важным фактором, повлиявшим на идеологию Ренессанса, стало падение Византийской империи. Оно сопровождалось массовым исходом населения из охваченных военными конфликтами земель. Бывшие подданные Византии оседали в Европе, знакомили местное население с достижениями своей культуры, усваивали нормы и правила городской жизни, в результате чего рождался уникальный симбиоз культур, ставший основой новой эпохи в искусстве.

Возможно, что и переселенцы, пережившие стресс, связанный с военными действиями у себя на родине и кардинальной сменой привычного образа жизни, тоже стали носителями запроса на новые веяния в культуре и искусстве. Так или иначе, Ренессанс – это принципиально новое явление в искусстве, с которым мы и познакомимся в данном уроке. Начнем, как обычно, с архитектуры.

Архитектура

В архитектуре Ренессанса с самого начала эпохи четко прослеживаются черты античного зодчества: симметричность, рациональность, практичность, более светский характер строений и их оформления, внимание к инженерным деталям. В этом заключается принципиальное отличие как от тяжеловесных строений романского периода, так и от мрачноватой готики.

Исследователи архитектуры эпохи Возрождения часто пользуются такими терминами, как «ордерная архитектура» и «тектоника». Если в двух словах, ордерная архитектура означает использование элементов конструкций в определенном порядке и соблюдение пропорций, предписанных для того или иного стиля.

Под тектоникой понимается качество формы и ее соответствие внутреннему содержанию. Другими словами, строение должно «быть прочным» и «выглядеть прочным», оба компонента должны быть в гармонии, для чего должны быть выбраны адекватные художественные средства оформления.

Более подробно термины разъяснены в книге «Теория архитектурной композиции» [Г. Леденева, 2008]. Мы же дали краткое пояснение их сути с одной целью: показать, что стремление к гармонии стало превалирующим трендом эпохи и нашло свое отражение, в том числе, в новых архитектурных решениях. Кстати, в эпоху Возрождения наблюдается подъем в развитии теории архитектуры и формирование профессионального словаря терминов архитекторов. Итак, как же развивалась архитектура Ренессанса?

Проторенессанс

Считается, что предтечей новой эпохи в архитектуре стали творения художника и архитектора Джотто ди Бондоне (1266-1337). В частности, спроектированная им церковь Санта-Кроче во Флоренции:

Конечно, там еще просматриваются элементы готики, однако в целом здание визуально легче, чем традиционные готические образцы архитектуры.

Архитектура раннего Ренессанса

Сразу скажем, что в качестве типичных образцов ренессансной архитектуры мы рассмотрим творения итальянских зодчих. Во всех остальных государствах Европы еще нестойкие традиции Ренессанса смешивались с местными особенностями национального зодчества. Поэтому неискушенному читателю будет сложно вычленить элементы ренессансной архитектуры и отделить их от национальных особенностей.

Одним из первых образцов архитектуры раннего Средневековья считается

Оспедале дельи Инноченти или Воспитательный дом во Флоренции, спроектированный архитектором Филиппо Брунеллески (1377-1446):

Поясним, что Воспитательный дом – это некое подобие приюта для бездомных детей, где им оказывают медицинскую помощь и пытаются адаптировать к нормальной жизни. Данный проект Филиппо Брунеллески воплотил в жизнь в самом начале своей карьеры.

В числе прочих заслуг Филиппо Брунеллески стоит назвать открытие перспективы в архитектуре, что позволяло представить объект в трехмерном пространстве со всеми возможными искажениями зрительного восприятия еще до начала его строительства.

Он же первым возвратил к жизни элементы античной архитектуры, тщательно изучая и замеряя развалины строительных конструкций античного периода, коих в Риме предостаточно, и вписывая их в свои проекты.

Архитектура высокого Ренессанса

В эпоху высокого Ренессанса центром итальянской архитектуры становится Рим, и наличие наглядного материала в виде останков конструкций сыграло в этом немалую роль, став источником вдохновения многих мастеров эпохи. Заимствование идей идет полным ходом, светские и культовые здания становятся все больше похожи на образцы античной архитектуры, впрочем, изрядно осовремененные по меркам того времени.

В качестве примера приведем темпьетто (ротонду) во дворе римского монастыря Сан-Пьетро-ин-Монторио, которую построил в 1502 году итальянский архитектор Донато Браманте (1444-1514):

Архитектуру высокого Ренессанса часто называют «римским классицизмом» и считают апогеем традиций Возрождения. За пределами Италии традиции Ренессанса ощущаются все больше, хотя местные архитектурные традиции по-прежнему сильны. В качестве наиболее яркого воплощения Ренессанса можно назвать фасад Лувра в Париже (Франция).

Архитектура позднего Ренессанса

По мере развития архитектура строений эпохи Возрождения все больше усложнялась. Появлялось множество разнородных деталей, фасады начали всячески украшать и расписывать, чего не наблюдалось в массовых масштабах в предыдущие отрезки времени, а сами строительные конструкции становились все более изощренными. В качестве образца вычурности и избыточности часто приводят Палаццо дель Те в Ломбардии, спроектированный Джулио Романо (1492-1546): 

Дворец (палаццо) принадлежал одному из представителей местной знати, а страсть богатых людей к украшательству зашкаливала всегда. К слову, данный тренд полностью сохранился и в наше время. Как бы там ни было, но поздний Ренессанс дал жизнь сразу двум направлениям в архитектуре. Это, во-первых, маньеризм (от итальянского maniera – манера, манерность), который как раз и символизировал избыточность форм и украшений.

Во-вторых, это стиль барокко, которые получил развитие уже в последующие периоды истории. К слову, из барокко со временем ответвился свой «маньеризм». Стиль, которому свойственна избыточность с налетом безвкусия при сохранении общих признаков барокко, получил название рококо. Более подробно об этом мы расскажем в наших следующих уроках.

Вот такой путь прошла архитектура Ренессанса. Узнать больше можно из книги «Архитектура эпохи Возрождения: Италия» [В. Лисовский, 2007]. А мы продолжаем наше путешествие в Ренессанс и поговорим теперь о скульптуре данного периода.

Скульптура

Как вы помните из предыдущего урока, скульптура в период Средневековья в силу разных причин претерпела упадок. Там, где скульптурные традиции сохранились, они были в большей степени дополнением к архитектурной практике, нежели самостоятельным направлением в искусстве. Пионером в деле возрождения скульптурных традиций античности стала Италия.

Тут наблюдаются два тренда. С одной стороны, мастера стремятся воссоздать античные скульптурные традиции в плане соблюдения пропорций и придания статуям общего гармоничного вида. С другой, творцы эпохи Возрождения стремятся избавиться от избыточного монументализма скульптуры, который нередко наблюдался в более ранние периоды.

Скульптура раннего Ренессанса

В отличие от прочих жанров искусства, в скульптуре есть вполне однозначная дата, с которой начинается Ренессанс. Это 1401 год, когда прошел открытый конкурс на лучшее украшение для северных ворот баптистерия (здания, где совершали обряд крещения) во Флоренции. Конкурсным заданием было обыграть сюжет «Жертвоприношение Авраама» в рельефе, а победила работа молодого скульптора Лоренцо Гиберти (1378-1455):

В дальнейшем деление рельефа на пространства станет классикой жанра. В изготовлении статуй наблюдаются два тренда: подражание классике и стремление к реализму. В качестве материала используется как мрамор, так и бронза. Интересна статуя Георгия Победоносца в исполнении скульптора Никколо Донателло (1386-1466):

Как видим, здесь наблюдается явное сходство со скульптурами периода античности. Однако и Донателло, и другие скульпторы практикуют изображение людей в одежде, а не только обнаженной натуры, как в античные времена.

Скульптура высокого Ренессанса

В период расцвета Ренессанса мы наблюдаем все те же тенденции, что зародились в ранний период Возрождения. Однако техника исполнения достигла величайших высот. Из образцов скульптуры высокого Ренессанса достаточно вспомнить статую Давида работы Микеланджело (1475-1564):

Здесь мы видим лучшее воплощение античных традиций в скульптуре. Кроме того, здесь ясно прослеживается контрапост. Это прием, усиливающий визуальное впечатление от композиции путем умышленного контрастного противопоставления правой и левой части композиции.

Скульптура позднего Ренессанса

В отличие от архитектуры, в скульптуре позднего Ренессанса не наблюдалось упадка. Непревзойденный Микеланджело продолжал творить, подрастало новое поколение скульпторов, предопределивших портрет эпохи. Среди них стоит отметить Бенвенуто Челлини (1500-1571), получившего известность как скульптора, художника, ювелира и музыканта. Он в совершенстве освоил технику бронзового литья и делал много скульптур на заказ. Среди них наиболее известна скульптура «Персея», держащего в руках голову поверженной им Медузы Горгоны:

Некоторые исследователи все же считают «Персея» образцом маньеризма, однако внятно назвать, какие детали у этой композиции являются лишними, не берется никто.

Живопись

Как и в прочих жанрах искусства, в живописи наблюдается заимствование художественных приемов Античности. Даже в библейские сюжеты постепенно проникает тема красоты человеческого тела и совершенства его форм. Впрочем, это произошло не одномоментно.

Проторенессанс

Что касается темы живописи, здесь самое время вновь вспомнить о Проторенессансе и величайшем художнике этого периода Джотто ди Бондоне. Дело в том, что его наработки послужили источником вдохновения и были позаимствованы главными фигурами эпохи Возрождения в живописи: Леонардо да Винчи (1452-1519), Микеланджело (1475-1564) и Рафаэлем (1483-1520). Эти наработки вряд ли сможет обнаружить глаз человека, не имеющего художественного образования, поэтому в этот раз мы сначала расскажем, а потом покажем.

Особенности творчества Джотто ди Бондоне:

• Тщательная проработка деталей.
• Тесная взаимосвязь деталей между собой.
• Зависимость визуального восприятия деталей от освещения.
• Ощущение чувства пространства на изображении.
• Смещение оптической перспективы с возможностью перенаправить взгляд на зрителя.
• Активное использование светлых тонов для фресок.
• Достижение визуальных эффектов за счет градации оттенков цвета.

Оценить воочию эти нюансы можно, посмотрев живописные работы Джотто ди Бондоне. Возьмем для примера «Полиптих Барончелли» – одну из его росписей в построенной им церкви Санта-Кроче:

Живопись раннего Ренессанса

В искусство живописи раннего Ренессанса огромный вклад внес уже упоминавшийся нами художник и архитектор Филиппо Брунеллески. Напомним, он открыл перспективу в архитектуре и живописи, что стало новым словом в этой области. Это хорошо заметно в работах художников данного периода. Например, в работе Сандро Ботичелли (1445-1510) «Мадонна Евхаристии»:

Живопись высокого Ренессанса

Расцвет Ренессанса предопределен творчеством таких великих художников, как Леонардо да Винчи (1452-1519), Микеланджело (1475-1564) и Рафаэль Санти (1483-1520).

«Сикстинская мадонна» Рафаэля является одной из самых узнаваемых работ в истории живописи. Кроме того, он прославился как мастер портретной и алтарной живописи, мастер многофигурной композиции, гравировщик и стихотворец. Рафаэль Санти часто сопровождал сонетами свои рисунки. Так, один из рисунков сопровождался прекрасными строками:

Амур, умерь слепящее сиянье

Двух дивных глаз, ниспосланных тобой…

О литературе Ренессанса мы поговорим позже, а сейчас предлагаем оценить пример многофигурной композиции в работе Рафаэля «Афинская школа»:

Наиболее известной картиной Леонардо да Винчи является, безусловно, «Мона Лиза», она же «Джоконда». Все, кто видел картину, заметили, что Джоконда как бы «следит» взглядом за зрителем. Это как раз пример смещения оптической перспективы с возможностью перенаправить взгляд на зрителя. В творчестве Леонардо да Винчи были тесно связаны наука и искусство. Так, он предметно изучал анатомию и делал множество рисунков, точно передающих анатомические особенности человеческого тела. Примером может служить работа Леонардо да Винчи «Витрувианский человек»:

Микеланджело прославился своей росписью Сикстинской капеллы. Единственная законченная картина его авторства, дошедшая до нашего времени, это «Мадонна Дони»:

Живопись позднего Ренессанса

В живописи в эпоху позднего Ренессанса явно заметны черты маньеризма: изогнутость фигур, неестественность положений, нарушенные пропорции. Классикой жанра считается картина Пармиджанино «Мадонна с длинной шеей»:

Мы охватили лишь малую часть шедевров эпохи Возрождения. Тут, как говорится, лучше один раз увидеть, чем сто раз прочитать, поэтому рекомендуем вам книгу «Живопись эпохи Возрождения» [Н. Василенко, Е.Яйленко, 2014]. Кроме того, весьма интересно исследование «Вокруг Леонардо да Винчи: модернизм, террор, грезы и метаистория» [А. Рыков, 2015]. А мы переходим к литературному наследию Ренессанса.

Литература

Литература эпохи Возрождения насквозь пронизана идеями гуманизма, воспевает красоту и достоинство человека, утверждая человеческую личность как высшую ценность. В противовес церковным догматам, щедро популяризируемым литературными средствами в Средневековье, литература Ренессанса воспевает идею раскрепощения человека.

Именно человек в литературе Ренессанса выступает творцом своего счастья, а вовсе не какое-то предопределение свыше, и это принципиальное отличие светской литературы от религиозной. Это был весьма радикальный по тем временам подход к жизни и искусству. Считается, что предвестником появления новой литературы стали творения Данте Алигьери, написанные еще в начале 14 века.

Проторенессанс

В какой-то степени «переходной» можно считать литературу Проторенессанса. В частности, Франческо Петрарка (1304-1374) в своих произведениях старался балансировать между светской направленностью своего творчества и церковной доктриной. Это особенно заметно в его трактатах «О презрении к миру», «Об истинной мудрости» и других. А вот сонеты Петрарки, благодаря которым он и прославился, носят уже исключительно светский характер [Ф. Петрарка, 2018].

Литература раннего Ренессанса

В полной мере гуманистической можно считать литературу раннего Ренессанса. Деятели этой эпохи воплотили все идеи гуманизма в своих произведениях. Так, «Декамерон» Джованни Бокаччо стилистически исполнен в соответствии с традициями античной литературы, а роль творца мира в этом произведении отводится человеку, а не Богу.

Литература высокого и позднего Ренессанса

Расцвет Ренессанса в литературе предопределен творчеством целой плеяды талантливых авторов из самых разных стран. Это английский поэт и драматург Уильям Шекспир (1564-1616), создавший такие поистине бессмертные произведения, как «Ромео и Джульетта», «Гамлет», «Король Лир» и другие.

Это романтичный Мигель Сервантес (1547-1616), испанский писатель, известный нам по своему задушевному роману «Дон Кихот» и новеллам «Театр чудес», «Лабиринт любви» и прочим. Это французский писатель, мастер утонченной сатиры Франсуа Рабле (1494-1553), известный по произведению «Гаргантюа и Пантагрюэль».

А еще это английский писатель Томас Мор (1478-1535) и его «Утопия», итальянский писатель и политический деятель Никколо Макиавелли (1469-1527) и его «Государь». Это талантливейший нидерландский сатирик Эразм Роттердамский (1456-1536) и его величайшая «Похвала глупости». И это далеко не весь список литераторов эпохи Возрождения.

В связи с вышесказанным у многих может возникнуть вопрос: а был ли упадок, свойственный эпохе позднего Ренессанса, в литературе? Ответим кратко: маньеризм не пощадил никого.

Маньеризм в литературе

Справедливости ради стоит сказать, что образцы маньеризма в литературе просто померкли на фоне блестящих успехов по-настоящему талантливых литераторов той эпохи. С другой стороны, любое творчество имеет право на жизнь, и маньеризм вовсе не всегда синоним слова «плохо».

Лучше, если вы сами познакомитесь с образцами литературы, которые относят к маньеризму, и составите собственное впечатление. Так, к примерам маньеризма традиционно относят роман «Эвфуэс» английского писателя Джона Лили (1553-1606), поэму «Освобожденный Иерусалим» итальянского поэта Тассо Торквато (1544-1595), сонеты португальского поэта Луиша де Камоэнса (1524-1580).

Обратите внимание, что применительно к литературе отнесение к тому или иному периоду происходит не столько на основе формальной периодизации истории искусств, сколько на основе литературоведческого анализа произведений и выделения признаков, свойственных тому или иному стилю и направлению.

Музыка и зрелищные искусства

Эпоха Возрождения в музыке характеризуется расширением технических возможностей передачи музыкальных идей, появлением новых музыкальных инструментов. Помимо известных с древнейших времен ударных, духовых и струнных инструментов, традиционно изготавливаемых из доступных в регионе материалов, появляются струнные смычковые инструменты. Например, виола:

В эпоху возрождения появились клавишные инструменты, такие как клавесин, чембало, клавикорд, верджинел. Таким образом, возможностей для передачи богатства мелодических звуков стало заметно больше.

Содержание музыкальных произведений стало более светским, что, впрочем, не означает отказа от дальнейшего развития церковной музыки. Так, именно в эпоху Возрождения появилась Римская школа в музыке. Под Римской школой принято понимать творчество композиторов второй половины 16 – первой половины 17 веков, работавших в Сикстинской капелле и писавших церковную многоголосую музыку, ориентируясь на каноны, принятые на Тридентском католическом соборе (собрании).

В светской музыке появляются новые жанры. Например, в Италии появился мадригал – произведение любовного лирического характера. Наиболее известными авторами мадригалов считаются Лука Маренцио (1553-1599) и один из основателей жанра Якоб Аркадельт (1507-1568).

Эпохе Возрождения мы обязаны и возникновением баллады, прочно занявшей свое место в музыкальной культуре, и удерживающей свою нишу в искусстве по сей день. Кроме того, возникло бесчисленное множество жанров, имевших локальное или региональное значение, однако сохранявших свое влияние на протяжении многих десятилетий той эпохи. Например, вильянсико в Испании, фроттола в Италии и многие другие.

В наследие от Ренессанса нам достались сборники музыкальных произведений для различных музыкальных инструментов. Так, лютнист и композитор Эммануэль Адрианссен (1554-1604) составил сборник произведений для лютни Pratum Musicum:

В эпоху Ренессанса продолжает развиваться танцевальное искусство. В этот период явно заметно разделение танцев на народные и придворные. Технические танцевальные приемы эпохи Ренессансы систематизированы в трудах Доменико из Пьяченцы (1390-1470), Антонио Корнацано (1430-1484), кстати, тоже родившегося в Пьяченце, и Гульельмо Эбрео (1420-1484). Их работы имели большое значение как для историков, пытавшихся воссоздать культурный облик эпохи, так и собственно для развития хореографии.

Как и прочие жанры искусства, в музыке имело место влияние маньеризма. К таковым относят поздние мадригалы Карло Джезуальдо (1560-1613) из-за их избыточной эмоциональности. При этом его вклад в развитие музыки был высоко оценен следующими поколениями композиторов, в частности, Стравинским в его «Диалогах» [И. Стравинский, 1971].

Вот такой путь прошло искусство Ренессанса. Заинтересовавшимся рекомендуем дополнительную литературу, книгу «Искусство итальянского Ренессанса. Архитектура. Скульптура. Живопись. Рисунок» [Р. Томан и др., 2005]. А сейчас самое время пройти проверочный тест и перейти к следующему уроку.

Проверьте свои знания

Если вы хотите проверить свои знания по теме данного урока, можете пройти небольшой тест, состоящий из нескольких вопросов. В каждом вопросе правильным может быть только один вариант. После выбора вами одного из вариантов система автоматически переходит к следующему вопросу. На получаемые вами баллы влияет правильность ваших ответов и затраченное на прохождение время. Обратите внимание, что вопросы каждый раз разные, а варианты перемешиваются.

Как и следует полагать, за периодом Возрождения наступает эпоха Нового времени.

Ольга Обломова

Поздний Ренессанс и эпоха барокко

К середине XVI в. в западноевропейском искусстве (Италия, Нидерланды, Франция) четко обозначились те плодотворные взаимодействия видов художественного творчества («живопись – театр», «живопись – музыка» и традиционная триада «архитектура – скульптура – живопись»), которые в последующую эпоху барокко создадут предпосылки для возникновения синтеза искусств практически в его современном значении.

В условиях формирования этого синтеза линейное симультанное представление объектов все более отходит на второй план; на первое место выходят всевозможные логические художественные построения, целью которых вновь становится универсализация языка искусства.

Двигаясь по этому пути, создавая уникальные собственные стили, мастера (теоретики и практики) XVI в. обращаются, прежде всего, к античным эстетическим теориям, ищут новое в «классике». Еще в самом начале итальянского Ренессанса, в третьей четверти XIV в., Ченнини повторяет сравнение живописи с поэзией, приведенное Горацием в «Послании к Пизонам». Формула «Ut pictura poesis», с одной стороны, лаконичная и меткая, а с другой – дающая возможность для различных ее истолкований и подражаний – становится отправной точкой художественных экспериментов, которыми отмечен этот период. В 1548 г. П. Пино в «Диалоге о живописи» говорит: «Искусство это поэзия, которая не только заставляет нас верить, но показывает и небо с солнцем, луной и звездами, дождь, снег и тучи, порожденные ветром»[24].

Вслед за Пино уподобление различных видов искусства поэзии, нахождение у них общих черт, признаков, уровней выразительности встречается в трактатах самых разных теоретиков эпохи. Дж. Царлино в «Установлении гармонии» (1588) сравнивает поэзию с музыкой: «Затем – поэзия. Она настолько связана с музыкой, как это наблюдается, что тот, кто бы захотел ее отделить от нее, оставил как бы тело, отделенное от души»[25]. Леонардо да Винчи утверждает, что музыка является сестрой живописи, а живопись, в свою очередь – это «немая поэзия».

В предисловии к сборнику «Художественные модели мироздания» В. П. Толстой и Д. О. Швидковский пишут: «Начиная с эпохи Возрождения, можно говорить о принципиально ином синтезе различных искусств на основе их относительной суверенности: взаимосвязь архитектуры, скульптуры, живописи и декоративных искусств, составляющих классические ансамбли Высокого Возрождения, скорее напоминает „Sacra conversazione“ – величавую беседу равных, чем слитное хоровое звучание голосов в ансамблях средневековья. Именно тогда, в эпоху Возрождения, возникло и было осознано стремление к сознательному объединению всех пространственных искусств»[26].

В следующем, семнадцатом, столетии, отмечает М. И. Свидерская, сравнение живописи и литературы (и – добавим от себя – вполне объяснимые попытки нащупать «точки соприкосновения») становится общим местом: так, мастера, работавшие в стилистике классицизма, сравнивали картину с трагедией; художники, тяготевшие к барокко, проводили параллели между живописным полотном и эпической поэмой «со свойственной ей широтой повествования, множеством разнородных эпизодов, красочностью и свободой построения. В академических спорах с Сакки последователи Кортона отстаивали преимущества изображения, которое не требует от зрителя тщательного разглядывания каждой фигуры и внимательного „чтения“ сюжета для раскрытия всех оттенков смысла, а развертывает перед ним „сияющий, гармоничный и живой общий эффект, способный вызвать восхищение и изумление“

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Продолжение на ЛитРес

Стиль Ренессанс в интерьере (архитектуре) — фото

Рассказываем об основных чертах стиля и показываем, какие идеи можно реализовать в квартире

Имена Донателло, Рафаэль, Леонардо и Микеланджело даже в детстве ассоциировались у вас с итальянскими художниками, а не с черепашками-ниндзя? Знаете все известные работы Сандро Боттичелли? Или читаете “Божественную комедию” в оригинале? Тогда стиль интерьера  ренессанс именно для вас.

 

В этой статье мы перенесемся на несколько веков назад и расскажем о появлении стиля и его основных чертах. А еще  покажем, какие идеи можно реализовать в собственной квартире.

История стиля

Эпоха Ренессанса или Возрождения (фр. Renaissance – возрождение, итал. Rinascimento) – одна из самых значимых в истории европейской культуры. Она зародилась в Италии в начале XIV века, придя на смену Средним векам, и просуществовала до конца XVI века. Условно этот период разделяют на три этапа: раннее Возрождение, высокий Ренессанс и поздний Ренессанс.

Для раннего Возрождения характерен переход от строительства угрюмых крепостей к  приветливым и нарядным дворцам. Во всем чувствуется симметрия, гармония пропорций. И, конечно, никак не обойтись без многочисленных аркад и колонн.

Высокий Ренессанс – переломная точка развития стиля. Он начинает проникать в другие страны и постепенно адаптируется к местным вкусам и традициям. Строятся здания, ваяются скульпутры, пишутся картины – впоследствии многие из них становятся шедеврами. Даже спустя несколько веков сложно оставаться равнодушным при упоминания имен Микеланджело Буонарроти, Рафаэля Санти и Леонардо да Винчи.

В эпоху позднего Ренессанса, как никогда раньше, ценятся античные мотивы и вычурность форм. Затейливый орнамент, сложные детали, обилие колонн, полуколонн и пилястр – в дальнейшем именно благодаря этим тенденциям зарождается стиль барокко и рококо.

Основные черты стиля ренессанс

После краткого экскурса в историю можно выделить несколько основных черт стиля ренессанс в интерьере:

• симметрия

• гармония пропорций

• характерная для дворцов торжественность и пышность

• античные мотивы

• затейливый орнамент, сложные детали

Планировка

Лучше всего ренессанс смотрится в просторных помещениях с большими окнами. Главное – чтобы было, где развернуться: добавить несколько арок, поставить колонну, сделать многоуровневый потолок. Кровать с балдахином размера king size тоже никто не отменял. Иначе для чего все это затевалось?

Композицию в интерьере выстраивают вокруг одного ключевого объекта. Не обязательно, чтобы он находился в центре комнаты. В столовой это может быть массивный деревянный стол,  в гостиной – камин.

Материалы

Главный материал – мрамор. В эпоху Ренессанса им облицовывали практически все: полы, стены, двери. Помимо мрамора используют дорогие породы дерева, камень, песчаник, слоновую кость.

Оформление пола

Чтобы избежать поистине королевских затрат на облицовку пола мрамором или натуральным камнем, сегодня в помещениях укладывают керамическую плитку или керамогранит. Независимо от материала, приветствуются симметричные геометрические узоры.

Оформление стен

Стены можно отделать мрамором, покрыть венецианской штукатуркой, обшить деревом, декорировать тканью или тисненой кожей. Пространство для творчества весьма обширное. Главное помнить, что стиль ренессанс в интерьере – это скорее про изысканность, чем про роскошь.

Оформление потолка

Сводчатый, многоуровневый, кессонный…При оформлении потолка в первую очередь стоит опираться на технические характеристики помещения, а потом уже на индивидуальный вкус. В качестве элементов декора гармонично смотрятся лепнина, геометрический или растительный орнамент, небольшие живописные фрески.

Мебель

Для создания интерьера эпохи Ренессанса необходимо выбрать соответствующую мебель. Основной материал – дерево. Каждый предмет должен быть не только красивым, но и практичным в использовании. Выбирайте симметричные модели геометрических форм в сдержанной цветовой гамме. В качестве декора отлично подойдет резьба, позолота и рельефные узоры.

Эффектно и уместно будут выглядеть такие предметы мебели, как секретер, буфет, обитые парчой или бархатом кушетки, массивный стол с мраморной поверхностью. Особое внимание стоит обратить на кровать. Внушительное сооружение с резным изголовьем и роскошным балдахином станет настоящим украшением спальни.

Еще одной удачной отсылкой к эпохе будет изобретенный в то время стул Строцци с тремя ножками и высокой спинкой: в современном интерьере это отличный вариант для столовой. А небольшой раскладной стул Савонаролы (его ровесник) гармонично впишется в интерьер гостиной. Интересно, что название он получил  в честь инквизитора Джироламо Савонаролы, который всегда приходил на заседания суда со своим маленьким скромным стулом. 

Декор

Сложно представить  ренессанс в интерьере без обилия декора. Ведь именно он создает атмосферу роскоши и праздничности: колонны с орнаментом, пилястры, статуи, репродукции полотен эпохи Возрождения. В окружении такой королевской красоты быстро забываешь, что за окном XXI век.

Большие арочные окна с коваными карнизами украшают шторами и драпировками. Для штор используют блестящую ткань и декорируют ее изящной вышивкой, пушистыми кисточками, шнурами и бахромой.

Сегодня воссоздать стиль ренессанс в стандартной квартире практически невозможно. Однако ничто не мешает нам вдохновиться этим направлением и взять на заметку некоторые идеи. Украсьте стены репродукциями картин эпохи Возрождения, поставьте возле камина небольшую белоснежную статую, попробуйте расписать стены или потолок. Кто знает, вдруг в вас проснется второй Микеланджело?

Автор: Анастасия Кудрявцева

Венеция Ренессанса: Тициан, Тинторетто, Веронезе

Выставка «Венеция Ренессанса» будет идти в Пушкинском музее до конца августа. В экспозиции — 23 полотна Тициана, Веронезе и Тинторетто, главных венецианских художников Ренессанса.

Их ценят за разное, но вместе эти художники, жившие в одно время, сформировали лицо венецианской живописи — и одновременно совершили несколько революционных открытий, на которые ориентировалось все последующее искусство. Мы решили вспомнить, чем знамениты эти художники, что надо знать, чтобы оценить их живопись, и зачем вообще стоит пойти на выставку.

Кто такие Тициан, Тинторетто и Веронезе?

Автопотрет, Тициан, музей Прадо

Это итальянские художники, которые жили в Венеции в XVI веке. Тициан был одним из самых знаменитых художников своего времени, Тинторето — его учеником, а Веронезе — протеже.

Все трое жили и работали в период Ренессанса. Как и другие художники той эпохи, эти трое писали картины на библейские и мифологические сюжеты и портреты современников.

Как и многие выдающиеся художники, эти трое конкурировали друг с другом. Итогом соперничества стал расцвет венецианской школы эпохи высокого и позднего Ренессанса.

Что за Ренессанс и почему «высокий»?

Ренессанс (или Возрождение) — общее название эпохи возрождения искусства после нескольких сотен лет средневековых запретов на многие художественные образы и приемы. Вместо скорбных иконописных ликов художники стали изображать живых и настоящих людей (часто обнаженных), дополнять библейские сценки, смелее работать с цветом.

Высокий Ренессанс — вершина развития искусства эпохи Ренессанса —продолжался около 40 лет, когда его сменил поздний Ренессанс. Разделение Ренессанса на этапы условно.

Венецианское Возрождение отличалось смелостью, независимостью и меньшей оглядкой на традиции. Яркие краски, праздничная атмосфера, проработка деталей — это все про венецианцев.

Почему Тициана называют главным художником Венеции эпохи Ренессанса?

Три главных имени Ренессанса — это Леонардо, Рафаэль и Микеланджело. Тициан восхищался их работами, но смог найти собственный стиль — и полностью перепридумать его за свою долгую жизнь.

Тициан совершил революцию в технике живописи. До него художники сначала намечали черновые контуры фигур, а затем заполняли их цветом. Тициан стал сразу наносить краску на холст. От этого фигуры становятся более размытыми и нечеткими, зато приобретают большую эмоциональность — эффект, который спустя несколько столетий использовали импрессионисты в полную силу. Кроме того, Тициан одним из первых стал работать масляными красками, а не темперой. Вместо идеально гладкой поверхности он получил фактурный объем картин, мазки стали выпуклые и добавили новое измерение картинам — этого открытия при жизни Тициана оценить еще никто не смог.

Наконец, Тициан — про торжество деталей, предельно реалистичное изображение мехов, жемчугов и прочего предметного мира. Женщины Тициана — «настоящие женщины», не в меру обнаженные, с привлекательной пышной женской плотью, без стеснения, с румяными щеками и рыжими волосами. Причем в поздних картинах Тициана взгляды, позы и выражения лиц становятся более важны, чем их окружение, обстановка и фон.

Венера с органистом, Тициан, Берлинская картинная галерея старых мастеров

Чем хороши картины Веронезе?

Веронезе — один из учеников и протеже Тициана. Веронезе — это праздник, роскошь и щедрые бытовые детали.

Библейские сцены в исполнении Веронезе были понятны даже простому обывателю, потому что он добавлял повседневные мелочи, сценки и живые детали, которые сглаживали пафосность сюжета. Играющие дети, смена блюд, домашние животные, беспорядок на столах, — создают ощущение репортажности, как будто художник сделал случайное фото в случайный момент.

У своего учителя и покровителя, Тициана, Веронезе взял смелость в работе с цветом и светом, и это добавляет его полотнам, фрескам и плафонам еще больше яркости и праздничности.

Пир в доме Симона Фарисея, Веронезе, Пинакотека Брера, Милан

На что смотреть в картинах Тинторетто?

Тинторетто сосредоточен на психологии и драматургии. Главная мысль, черта или сюжетная линия важнее техники и живописности.

В этом заключался их главный спор с Тицианом. Для Тициана живописность полотна была главным критерием, он — мастер цвета и света. Тинторетто считал технику второстепенной и стремился произвести эмоциональное впечатление за счёт силы замысла и глубины сюжета.

Тинторетто первым стал изображать толпу людей как единый образ, одного героя. До этого художники стремились наделить всех участников действия собственным образом и переживаниями, поэтому толпа на картинах Рафаэля и Леонардо — это совокупность отдельных личностей. Тинторетто стал объединять людей одним переживанием, движением и порывом.

Чудо Святого Марка, Тинторетто, Галерея Академии, Венеция

Итак, зачем вообще стоит идти на эту выставку?

На выставке будут собраны 23 картины трех выдающихся художников Ренессанса из итальянских и российских коллекций и собраний. Чтобы увидеть эти шедевры вне специально организованной выставки, нам пришлось бы побывать в 2 странах, 11 городах и 16 музеях, потратить в десятки раз больше времени и денег.

Увидеть эти картины вместе стоит хотя бы ради того, чтобы понять и почувствовать жажду жизни, любовь к людям, чувство прекрасного, — которые были свойственны художникам Ренессанса.

Трое художников обогатили живопись новыми приемами и идеями. Работа маслом, отказ от контура, яркий цвет и игра света, выразительная фактура каждого мазка, нестандартная композиция, страсть к деталям, работа с группой людей как с одним персонажем, — эти приемы мы видим и у классиков, и у импрессионистов, и даже у модернистов.

Если хочется глубже погрузиться в тему, а также разобрать основные картины выставки и путь каждого художника, приходите на лекцию Алины Аксёновой — за два часа экскурсовод ГМИИ имени Пушкина научит смотреть на творчество венецианцев:

Художников по направлению: Маньеризм (Позднее Возрождение)

Художественное движение

Маньеризм — это стиль в европейском искусстве, возникший в последние годы итальянского Высокого Возрождения около 1520 года, продолжавшийся примерно до 1580 года в Италии, когда стиль барокко начал его заменять. Северный маньеризм продолжался до начала 17 века.

Стилистически маньеризм включает в себя множество подходов, основанных на гармоничных идеалах, связанных с такими художниками, как Леонардо да Винчи, Рафаэль и ранний Микеланджело, и реагирующих на них. В то время как искусство Высокого Возрождения подчеркивает пропорции, баланс и идеальную красоту, маньеризм преувеличивает эти качества, часто приводя к асимметричным или неестественно элегантным композициям. Стиль отличается интеллектуальной изысканностью, а также искусственными (в отличие от натуралистических) качествами.Он предпочитает композиционное напряжение и нестабильность, а не баланс и ясность ранней живописи эпохи Возрождения. Маньеризм в литературе и музыке отличается чрезвычайно витиеватым стилем и интеллектуальной утонченностью.

Определение маньеризма и его фаз по-прежнему является предметом споров среди историков искусства. Например, некоторые ученые применили этот ярлык к некоторым ранним формам литературы (особенно поэзии) и музыке XVI и XVII веков. Этот термин также используется для обозначения некоторых художников поздней готики, работавших в Северной Европе примерно с 1500 по 1530 год, особенно антверпенских маньеристов — группы, не связанной с итальянским движением. Маньеризм также применялся по аналогии с Серебряным веком латинской литературы.

Слово «манера» происходит от итальянского слова maniera, означающего «стиль» или «манера». Подобно английскому слову «стиль», маниера может указывать либо на определенный тип стиля (красивый стиль, абразивный стиль), либо на абсолют, который не требует уточнения (кто-то «имеет стиль»).Во втором издании «Жизни выдающихся художников, скульпторов и архитекторов» (1568) Джорджо Вазари использовал маниеру в трех различных контекстах: чтобы обсудить манеру или метод работы художника; для описания личного или группового стиля, например, термин maniera greca для обозначения византийского стиля или просто манеры Микеланджело; и подтвердить положительное мнение о художественном качестве. Вазари также был художником-маньеристом и описал период своей работы как «la maniera moderna», или «современный стиль».Джеймс В. Миролло описывает, как поэты «bella maniera» пытались виртуозно превзойти сонеты Петрарки. Это понятие «bella maniera» предполагает, что вдохновленные таким образом художники стремились копировать и улучшать своих предшественников, а не напрямую противостоять природе. По сути, «bella maniera» использовала лучшее из ряда исходных материалов, синтезируя это во что-то новое.

Как стилистический ярлык, «маньеризм» нелегко определить. Его использовал швейцарский историк Якоб Буркхардт и популяризировал немецкие историки искусства в начале 20-го века, чтобы классифицировать, казалось бы, неклассифицируемое искусство итальянского 16-го века — искусство, которое больше не демонстрировало гармоничных и рациональных подходов, связанных с Высоким Возрождением.«Высокое Возрождение» означало период, отмеченный гармонией, величием и возрождением классической античности. Термин «маньеризм» был переопределен в 1967 году Джоном Ширманом после выставки картин маньеристов, организованной Фрицем Гроссманом в художественной галерее Манчестер-Сити в 1965 году. Ярлык «маньеризм» использовался в 16 веке, чтобы прокомментировать социальное поведение и передать изысканный виртуоз. качество или обозначать определенную технику. Однако для более поздних авторов, таких как Джан Пьетро Беллори 17-го века, «la maniera» было уничижительным термином, обозначающим предполагаемый упадок искусства после Рафаэля, особенно в 1530-х и 1540-х годах.С конца 19 века историки искусства обычно использовали этот термин для описания искусства, которое следует за классицизмом эпохи Возрождения и предшествует барокко.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3. 0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Википедия: https: // ru.wikipedia.org/wiki/Mannerism

Позднее Возрождение и живопись маньеризма в Италии

Терминология.

В то время как Высокое Возрождение было временем блестящих художественных достижений, созданный им идеализированный и гармоничный стиль вскоре пришел в немилость, особенно в Центральной Италии и Риме. После 1520 года художники начали экспериментировать с новыми условностями. Этот новый стиль, часто называемый маньеризмом, берет свое начало в творчестве покойного Рафаэля, а также среднего и пожилого возраста Микеланджело.Термин «маньеризм» был придуман в семнадцатом веке для обозначения тех, кто следовал образцам, установленным этими двумя художественными гениями. К тому времени ученые использовали слово маньеризм как критику искусственности и искажений, которые они наблюдали в искусстве конца шестнадцатого века. Эти неблагоприятные оценки маньеризма сохранялись даже в двадцатом веке, поскольку критики считали это движение художественным кризисом, разрушившим красоту синтеза Высокого Возрождения.Этот синтез подчеркивал классические пропорции, идеальную красоту, гармонию и безмятежность. Напротив, критики называли искусство маньеризма искусственным, чрезмерно эмоциональным, ярко колористическим, излишне элегантным и искаженным. Однако новые художественные вкусы в двадцатом веке привели к позитивной переоценке маньеризма позднего Возрождения. Ученые показали, что слово maniera , на котором более поздние критики основали свой критический термин «маньеризм», в шестнадцатом веке означало просто «стильный».Таким образом, в последнее время маньеризм рассматривался как «стильный стиль», в котором ценились те же самые ценности, которые более поздние критики сочли неприятными. Маньеризм шестнадцатого века, художественное направление, повлиявшее на искусство в Риме, Флоренции и большей части Центральной Италии, теперь, как было показано, вытекает из определенных предположений об элегантности и красоте, которые отличались от представлений Высокого Возрождения. Вместо прежних оценок периода как периода художественного упадка, маньеризм теперь стал положительно оцениваться как богатая эра творческого индивидуального художественного выражения.

Вдохновения.

Многие стилистические тенденции поздних художников-маньеристов заимствованы из работ потолочных фресок Микеланджело Сикстинской капеллы и покойного Рафаэля, особенно его фрески «Огонь в Борго» для апартаментов Ватикана (написанные между 1514 и 1517 годами). В этих композициях Микеланджело и Рафаэль искусно расположили свои человеческие фигуры, разместив их в элегантных, красивых положениях, демонстрирующих физические возможности человеческой формы.Они нарисовали эти мускулистые фигуры и поместили в пространствах, обозначенных яркими цветами. Таким образом они помогли расширить границы художественного стиля. Второй источник Маньеризм вдохновлялся работами, которые Микеланджело завершил во время своей резиденции во Флоренции между 1516 и 1534 годами. В эти годы искусство Микеланджело становилось все более беспокойным и умышленным, поскольку он все больше участвовал в строительстве гробниц семьи Медичи и Лаврентьевская библиотека. Как и большинство проектов Микеланджело, гробницы Медичи так и не были закончены так, как они изначально планировались.Для этой комиссии Микеланджело полагался на традиционный язык архитектуры Брунеллески, чтобы сформировать фон для гробниц. Скульптуры, которые Микеланджело вырезал для гробниц, отошли от гармоничного классицизма, который он использовал в своих ранних работах. Обнаженные фигуры, украшающие гробницу, были мускулистыми, искусственно удлиненными и скрученными. Микеланджело также выполнил две статуи сыновей семьи Медичи, Лоренцо и Джулиано, для гробниц. Хотя эти фигуры были сидящими, художник вырезал и их в очень идеализированном, удлиненном и элегантном стиле, чтобы, по его признанию, увековечить их.Проект семейной гробницы Медичи занял большую часть времени Микеланджело в этот период во Флоренции. Это потребовало от художника нанять и контролировать работу более 300 рабочих и продемонстрировать острые организаторские способности Микеланджело. Однако состояние семьи Медичи во Флоренции в 1520-е годы увеличивалось и уменьшалось, а между 1527 и 1530 годами семья была изгнана из города. В этот период работы над гробницей и библиотекой прекратились. Когда семья вернулась к власти в 1530 году, Микеланджело продолжил эти проекты, но с меньшим энтузиазмом, чем раньше.Постепенно он начал проводить больше времени в Риме, а к 1534 году полностью покинул Флоренцию в пользу столицы церкви.

ЕСТЕСТВЕННОЕ НАСТУПЛЕНИЕ

введение: Среди множества достижений Микеланджело фрески «Страшный суд» на алтарной стене Сикстинской капеллы были одними из самых влиятельных. Они также были среди его самых противоречивых. Консервативные вкусы сочли изображение обнаженной натуры оскорбительным, как рассказывает Вазари в своей книге Жизни самых выдающихся художников, скульпторов и архитекторов .В конце концов большая часть изображения обнаженной натуры была скрыта, но даже в ее измененном стиле преднамеренный, очень творческий стиль, который Микеланджело показал в картине, стал важным источником для художников-маньеристов.

Микеланджело завершил работу на три четверти, когда Папа Павел пошел посмотреть на нее; и мессера Бьяджо да Чезена, церемониймейстера, очень щепетильного человека, находившегося в часовне с понтификом, спросили, что он думает о представлении. На это он ответил, что было очень неподходящим делом рисовать столько обнаженных фигур, все показывая свою наготу таким бесстыдным образом, в столь почетном месте; добавив, что такие картины больше подходят для ванной или придорожной винной лавки, чем для папы.Недовольный этими замечаниями, Микеланджело решил отомстить; и Мессер Бьяджо не успел уйти, как наш художник нарисовал свой портрет по памяти, не требуя дальнейшего сидения, и поместил его в ад под фигурой Миноса, с большой змеей, обвившей его конечности, и стоящего посреди отряда. дьяволов; равно как и мольбы мессера Бьяджо к Папе и Микеланджело о снятии этого портрета; достаточно, чтобы убедить хозяина согласиться; он был оставлен таким, каким он был впервые изображен, как памятник этому событию, и его все еще можно увидеть…

Поистине удачливым человеком будет уважать его, и счастливы его воспоминания, кто удостоился чести созерцать это чудо нашей эпохи.Трижды благословен и удачлив ты, о Павел III, поскольку Бог допустил, чтобы под твоей защитой была защищена та слава, которую перья писателей дадут его памяти и твоей собственной! Как высоко твои заслуги увеличиваются в его искусстве! Более того, великое счастье, несомненно, было его рождением для художников нашего времени, так как рукой Микеланджело была снята пелена всех тех трудностей, которые ранее скрывали черты живописи, скульптуры и архитектуры; видя, что в своих работах он дал решение всех трудностей в каждом из этих искусств.

Над этой работой Микеланджело трудился восемь лет. Он представил его на всеобщее обозрение в день Рождества (как я думаю, в 1541 году). Он сделал это к изумлению и восторгу… всего мира. Что касается меня, я, который в тот год был в Венеции и поехал в Рим, чтобы увидеть ее, был этим совершенно поражен.

источник: Джорджио Вазари, Жизни семидесяти самых выдающихся художников, скульпторов и архитекторов , Vol. 4. Пер. и ред. Э. Х., Э. У. Блашфилд и А. А. Хопкинс (Нью-Йорк: Скрибнер, 1896 г.): 139–140; 145–146.

Страшный суд.

Рим 1530-х годов был совсем другим местом, чем он был во времена Высокого Возрождения. В 1527 году имперские силы армии Карла V разграбили город, и экономика и культурная жизнь города пришли в упадок. Однако избрание Папы Павла III, настроенного на реформы, стало сигналом начало обновления. Поль поручил Микеланджело завершить ряд проектов в городе, первая и, возможно, самая важная из которых — фреска «Страшный суд» для Сикстинской капеллы. Чтобы написать эту массивную фреску, которая находится на торцевой стене часовни за Высоким алтарем, Микеланджело пришлось разрушить часть своих потолочных фресок, выполненных всего двадцать лет назад. Полученная композиция мало похожа на те более ранние фрески. Вместо безмятежных и идеализированных фигур на потолке, Страшный суд на торцевой стене появляется как кружащаяся масса человеческих фигур, которая вращается вокруг центральной фигуры Христа. Все расположено на синем фоне, и земля предлагается только в качестве сцены этой драмы в самом низу композиции.В видении Микеланджело нельзя найти никаких традиционных атрибутов сцены Страшного суда. Христос не восседает на престоле, раздавая награды и наказания праведным и нечестивым, а вместо этого парит на вершине этого кружащегося человечества, протягивая правую руку в осуждении. Это гигантская, властная фигура, масштаб которой больше, чем у любого другого актера на стене. На протяжении всей картины Микеланджело также опирался на интересный масштаб. Фигуры, возникающие из их могил в нижней части картины, примерно вдвое меньше святых и благословенных, которые окружают самого Христа, в то время как в верхней части картины ангелы, несущие крест и колонну Христа к небу, снова изображены в меньший масштаб используется внизу стены.Таким образом, вся работа приобретает вид нескольких кружащихся кругов, заполненных завораживающими фигурами, которые невозможно постичь за один раз. Первоначально Микеланджело рисовал все мужские фигуры на работе обнаженными, но развивающиеся религиозные чувства Контрреформации в конечном итоге побудили церковь вызвать одного из учеников художника, чтобы он нарисовал драпировки на фигурах. Даже это мало что уменьшило явную силу человеческих форм, созданных Микеланджело.

Поздние работы Микеланджело.

Вскоре после завершения Страшного суда художник приступил к работе над двумя другими большими фресками, на этот раз для капеллы Павла в Ватикане. Поскольку часовня долгое время была частным местом поклонения пап и их приближенных, картины Микеланджело там гораздо менее знакомы. Сюжет этих фресок Обращение Павла и Распятие Св. Петра обрабатывается способами, которые являются продолжением Страшного суда .Здесь Микеланджело использовал такие же вытянутые человеческие формы и бурные композиции, помещенные перед самым малым фоном. Тем не менее, в отличие от картины Страшный суд , обе картины пронизаны тихим, медитативным напряжением, одно из которых отражает глубоко религиозные импульсы, которые Микеланджело охватил в конце своей жизни. Обеспокоенность приближающейся смертью и его окончательным спасением также отражена в поздней незаконченной работе, Rondanini Pietà , скульптуре, над которой Микеланджело работал между 1554 годом и своей смертью в 1564 году.Как и более ранняя, более известная модель Pietà , эта последняя работа демонстрирует тихую красоту даже в ее незавершенном состоянии. Вместо того, чтобы поддерживать мертвого Христа на коленях матери, как в более ранней композиции, Микеланджело планировал, чтобы Дева Мария поддерживала тело своего сына стоя. Однако в эти последние годы жизни Микеланджело руководил строительством новой базилики Святого Петра и его слабое здоровье часто тормозило его продвижение к статуе.Его исполнение Rondanini Pietà не удовлетворило его, и в нескольких местах он разрушил композицию, чтобы снова начать ключевые партии. К сожалению, для завершения скульптуры могло не хватить мрамора, но даже незаконченная работа свидетельствует о религиозной напряженности и глубине чувств пожилого художника.

Живопись Флоренции и Центральной Италии.

Во Флоренции и Центральной Италии несколько гениальных художников работали на протяжении всего шестнадцатого века.Некоторые из них сохранили традиции высокого Возрождения идеализированной красоты и безмятежности. Другие экспериментировали с новым эстетические аспекты маньеризма с его упором на элегантность, индивидуальное творчество и искажение, а также его предпочтение сложным и иногда непонятным темам и иконографии. Андреа дель Сарто (1486–1530) был одним из самых выдающихся художников первой из этих двух групп. Его «Мадонна с гарпиями », написанная в 1517 году, типична для его стиля.Здесь он идеализировал лица своих героев и наполнил свою композицию спокойной невозмутимой красотой, типичной для Рафаэля и да Винчи в разгар их сил. Напротив, один из наиболее опытных учеников дель Сарто, Якопо Понтормо (1494–1557), экспериментировал с более умышленными и личностными аспектами маньеризма. В 1518 году Понтормо написал свою картину «Иосиф » в Египте «», работа, основанная на новых композиционных приемах. В этой работе он нарисовал три сцены из жизни Иосифа на одном холсте, нововведение, упразднившее единство и легкость понимания, которые предпочитали художники Высокого Возрождения.С помощью лестницы, возвышения и других архитектурных опор Понтормо разделил картину на три пространства, которые, тем не менее, кажутся странно связанными вместе как художественное, а не повествовательное единство. Пересказанные сцены — сон фараона, повторное открытие чаши фараона в мешке с зерном Вениамина и примирение Иосифа с его братьями — перенесены в различные части холста, в то время как статуи, которые кажутся живыми, показывают наблюдателю отмечать важные события, о которых рассказывает художник. На протяжении драматическое использование света и тьмы также создает настроение, очень отличное от работ учителя Понтормо, Андреа дель Сарто. В живописи Понтормо по-прежнему оказал влияние его друг Микеланджело, как видно из его несколько более позднего рисунка Entombment , написанного для церкви Санта-Мария-Фелисита во Флоренции между 1525 и 1528 годами. Как и более поздняя работа Микеланджело над потолком Сикстинской капеллы, художник только предполагает земля как сцена для его драмы; вместо этого его внимание падает на различные человеческие формы, которые сопровождают мертвого Христа, помещенного в его гробницу.Вялое тело трупа восходит к мертвому Христу из «Пьета » Микеланджело , в то время как скрученная сеть фигур, сопровождающих этот кортеж, обращена внутрь, наружу и в стороны. Таким образом художник разрушил типичную сценическую обстановку, давно использовавшуюся художниками эпохи Возрождения, и вместо этого предоставил своим наблюдателям сцену, запечатленную в данный момент. Его драматическое использование цвета, которое основывалось на электрическом апельсине, розовом и даже зеленовато-желтом, также отошло от драгоценных условностей того времени.И, наконец, его использование удлиненных человеческих форм также было типичным для художников-маньеристов.

Россо Фиорентино.

Картины Понтормо указали на новое волевое творчество, которое помогло разрушить условности, ценимые художниками в первые десятилетия века. Другой флорентийский художник Россо Фиорентино (1495–1540) создавал работы, которые были еще более выразительными. Среди современников Россо снискал широкое признание своей эмоциональностью и индивидуальностью. В своих ранних работах художник сочетал влияние Микеланджело с пониманием, которое он получил от изучения североевропейских гравюр, чтобы создать ряд очень сложных картин.Один из шедевров этого раннего этапа карьеры Россо, его работа «Спуск с креста », драматические цвета которой озаряются, словно молния. Никакой пейзажный интерес не отвлекает от центрального события, которое пересказывает Россо, вместо этого художник помещает своих актеров перед синим небом. Вместо пирамидальных композиционных структур, часто любимых художниками эпохи Возрождения и Высокого Возрождения, он создает гигантскую восьмерку из персонажей на своей панели. Люди, снимающие Христа с креста, борются с мертвым весом трупа, тело которого художник окрашивает в тошнотворно-зеленый цвет.Внизу женщина смотрит на тех, кто наблюдает за происходящим, как бы чтобы вовлечь всех посторонних в виновность только что совершенного преступления. На другой стороне панели убитый горем апостол рвет свои волосы, в то время как между этими двумя фигурами женщина изо всех сил пытается поддержать одну из лестниц, на которых работают мужчины наверху. Заряженный яркой эмоциональной силой, картина «Спуск с креста » Россо Фиорентино предоставляет своим наблюдателям каталог воздействия горя на человеческую психику.Как он показывает, чувство личной потери порождает множество психологических состояний, от тоски до тихого страдания и даже до нервной и неловкой ухмылки, которую Россо рисует на лице Иосифа Аримафейского.

Оплакивая друга

введение: В 1540-х годах кардинал Эрколе Гонзага служил регентом своих племянников, которые были коренными лордами города Мантуи. Со временем сурово нравственный Гонзага подружился с придворным художником Джулио Романо, фигурой, которая долгое время была неотъемлемой частью семейного дома.Отношения были необычными, учитывая социальный разрыв, отделявший художников от дворян. В 1546 году Романо умер, и Эрколе написал своему брату, оплакивая смерть своего верного друга.

Мы потеряли нашего Джулио Романо с таким неудовольствием, что на самом деле мне кажется, что я потерял правую руку. Я не хотел сообщать вам об этом сразу, так как думал, что чем позже вы услышите о такой большой потере, тем меньше это повлияет на вас, тем более, что вы принимаете водное лечение.Подобно тем, кто от зла ​​всегда старается извлечь что-то хорошее, я пытаюсь убедить себя, что смерть этого редкого человека, по крайней мере, отняла у меня аппетит к строительству, серебряным изделиям, картинам и т. Д., Потому что на самом деле я не имел бы духа делать что-либо из этого без замысла этого прекрасного ума; поэтому, когда эти немногие будут выполнены, чьи замыслы у меня есть, я думаю, что похороню вместе с ним все свои желания, как я сказал. Дай ему Бог мир; что, я надеюсь, несомненно, потому что я знал его как честного человека и чистого по отношению к миру, и я надеюсь также по отношению к Богу.Я не могу насытиться разговорами о нем со слезами на глазах, но я должен закончить, так как Тому, Кто правит всем, было угодно положить конец своей жизни.

источник: Кардинал Эрколе Гонзага, «Письмо своему брату Ферранте, 7 ноября 1546 г.» в журнале « Italian Art», 1500–1600: Источники и документы. . Ред. Роберт Кляйн и Анри Зернер (Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Прентис Холл, 1966): 49–50.

Рим и Франция.

В 1523 году Россо уехал из Флоренции в Рим, где попал под еще большее влияние искусства Микеланджело, особенно потолочных фресок Сикстинской капеллы. Под влиянием великого художника Россо разработал более элегантный и сдержанный стиль. стиль, с меньшей эмоциональностью, типичной для его более раннего Descent from the Cross . В 1527 году разграбление Рима вынудило его бежать из города, и он работал в нескольких городах Центральной Италии до 1530 года, когда он принял приглашение короля Франциска I рисовать во Франции. Среди наиболее важных работ, которые он завершил, была Галерея Франсуа I во дворце Фонтенбло. В этом зале Россо работал с итальянским художником Приматиччо, чтобы создать очень орнаментальный и декоративный стиль, который повлиял на других североевропейских дизайнеров.

Романо.

Более причудливую сторону движения маньеристов можно увидеть в работах Джулио Романо (1499–1546), художника, который служил лордам Гонзага в Мантуе. Обученный Рафаэлем в Риме, Романо поступил на службу к лордам Гонзага в 1524 году и оставался там до конца своей жизни. Среди его самых необычных маньеристских работ был Дворец Те, загородная вилла, расположенная на идиллическом лугу на окраине города Мантуя. В массивном фасаде этой работы Романо нарушил классические каноны дизайна и пропорций.Однако деревенский вид виллы вскоре исчезает, когда наблюдатель перемещается внутрь. Во дворце Романо спроектировал ряд роскошных залов, которые подходили для приемов габсбургского императора Карла V и других сановников. Романо украсил комнаты Те иллюзионистскими фресками, их аллегорические сюжеты взяты из античной мифологии. В одном из самых известных салонов Романо изобразил историю Падения гигантов года. Здесь художник продемонстрировал свое мастерство перспективы и ракурса, так что падающие колонны, которые он нарисовал на стенах камеры, кажутся движущимися.Действительно, кажется, что стены комнаты вот-вот обрушатся на тех, кто находится внутри. Восхищенный лордами Гонзага, Романо взялся за множество декоративных работ до своей безвременной кончины в 1546 году.

Бронзино.

Флорентийским художником, который должен был перенести стиль своего учителя Якопо Понтормо и Россо Фьорентино во вторую половину шестнадцатого века, был Аньоло Тори, известный как Бронзино (1503–1572). Подобно Фиорентино и Понтормо, Бронзино развил маньеристскую тенденцию рассредоточивать свои фигуры по краям поверхностей, которые он рисовал, вместо того, чтобы располагать их симметрично в центре в стиле Высокого Возрождения.Эту черту можно увидеть на картине, которую он нарисовал под названием Аллегория с Венерой и Купидоном , работе, которая состоит из переплетения ее персонажей. На правом заднем фоне картины фигура отца Времени приподнимает драпировку перед парой, демонстрируя чувственную ласку Купидона Венеры. Бронзино использовал мускулистые фигуры, которые Микеланджело привнес в итальянское искусство шестнадцатого века. Фигуры Венеры, Купидона и маленького мальчика, забрасывающего пару розами на переднем плане, выглядят так, как если бы они были полированным мрамором.Маски усеяны на переднем плане, как и голуби Венеры. Позади влюбленных некрасивая женщина, Энви рвет свои волосы, а красивая девушка левой рукой предлагает паре соты, которые любопытно прикреплены к ее правой руке. Следуя линиям тела этой очаровательной фигуры, мы обнаруживаем, что ее форма заканчивается львиными ногами и хвостом грифона. Аллегория Бронзино, сложная и, можно сказать, надуманная, доставляла своего рода интеллектуальное удовольствие его искушенной аудитории эпохи Возрождения, которая восхищалась сложными иконографическими темами.В шестнадцатом веке писатель эпохи Возрождения Бальдасар Кастильоне в своей книге «« Книга придворных » рекомендовал книги с эмблемами для удовольствия образованных городских деятелей, которые работали и жили при итальянских дворах. Эмблемы были своего рода перевернутой головоломкой, в которой мужчины и женщины пытались расшифровать сообщение, читая иконографические подсказки. Модель Bronzino Allegory возникла из аналогичного набора чувств и чувства веселья. Со времени завершения около 1546 года работа продолжала сбивать с толку своих поклонников использованием сложных и неясных символы.Бронзино был также выдающимся художником-портретистом, который применял тот же блеск обработанных поверхностей, холодную отстраненность и богатый колоризм к главным образом аристократическим фигурам, которые он писал. Среди самых известных его портретов — портрет Элеоноры из Толедо, который сейчас находится в галерее Уффици во Флоренции, — он считается одним из самых совершенных его творений. В нем Элеонора изображена на ярко-синем фоне со сложной роскошью ее платья, конкурирующей за визуальный интерес с самим человеком.

Высокое Возрождение и маньеризм в Парме.

В городе Парма в Северной Италии после 1500 года возникла важная школа живописи. Сначала ею руководил мастер Высокого Возрождения Антонио Аллегри (1494–1534), который был известен как Корреджо по месту его рождения. За свою короткую жизнь художник стал одним из важнейших мастеров Северной Италии, разработав плавный стиль, характеризующийся движением и умелым использованием света. Хотя художник пережил дату, когда маньеризм начал проникать в Северную Италию, Корреджо никогда не использовал грубую эмоциональную напряженность художников, таких как Россо Фиорентино или Якопо Понтормо.Напротив, его работы отличаются теплотой и нежностью выражения. Лучшие фрески Корреджо, в том числе завершенные для внутренней части купола Кафедрального собора Пармы, используют движение и драму так же, как и более поздние художники эпохи барокко семнадцатого века. После преждевременной кончины художника в 1534 году руководство школой художников Пармы перешло к его младшему современнику Франческо Маццоле (1503–1540), который был известен как Пармиджанино. В отличие от Корреджо, Пармиджанино отправился в Рим, чтобы из первых рук усвоить принципы Высокого Возрождения.Там он также познакомился с принципами развивающегося стиля маньеризма. В 1524 году Пармиджанино написал свой «Автопортрет в выпуклом зеркале », произведение, которое показывает вкус художника к стильным искажениям, любимым художниками-маньеристами. Его самая известная работа Мадонна с длинной шеей , написанная между 1534 и 1540 годами, демонстрирует аналогичную тенденцию к удлинению и уменьшению формы человека. На этой изящной картине художник изображает Деву Марию как земную царицу с аристократической длинной шеей. Украшенная драгоценностями и держащая на коленях томного младенца Христа, она предстает как воплощение утонченности и вкуса. Сам младенец Христос изображен с телом четырех- или пятилетнего ребенка, длинные линии его формы отражают ослабленные очертания Девы. Слева группа идеализированных детей собирается вокруг матери и ребенка, а самый передний из них представляет амфору Деве. Справа на заднем плане появляется разворачивающийся пророк. свиток. Хотя он находится рядом с центральными фигурами картины, Пармиджанино изобразил пророка так, чтобы он выглядел так, как будто он находится далеко.На протяжении многих лет Мадонна с длинной шеей подвергалась серьезному критическому анализу в отношении значения иконографических деталей, включенных художником. Этому никогда не было найдено удовлетворительного объяснения, что привело многих к выводу, что, возможно, Пармиджанино, как и другие художники-маньеристы, хотел, чтобы его работа была любопытной и загадочной.

Последствия.

К середине XVI века движение маньеристов доминировало во Флоренции, Риме и большей части Центральной Италии. Художники-маньеристы стремились растворить гармоничную, симметричную и безмятежную красоту, которую ценили художники Высокого Возрождения. Вместо этого они разработали искусство, которое часто было эмоционально выразительным, искаженным и характеризовалось сложностью композиционных аранжировок. Некоторые художники-маньеристы, такие как Пармиджанино и Бронзино, отдавали предпочтение изящество и замысловатые и сложные иконографические построения в их произведениях. Другие, такие как Понтормо и Россо Фьорентино, предпочитали стиль, который был более эмоционально выразительным и демонстрировал их художественную волю и индивидуальность.К концу шестнадцатого века новый набор стилистических вкусов, частично вызванный религиозными изменениями Контрреформации, начал ставить вне закона маньеристский вкус к роскоши и предметам, которые было трудно понять. К 1600 году возникновение этого нового драматического стиля живописи, который в конечном итоге стал известен как барокко, выражал другой набор ценностей. Вместо маньеристского вкуса к элегантному искусству приверженцы барокко отдавали предпочтение монументальности, идеализации, драматичности движения и ясной разборчивости.

источника

Дж. Бриганти, Итальянский маньеризм . Пер. М. Кунцл (Принстон, Нью-Джерси: Ван Ностранд, 1962).

С. Дж. Фридберг, Живопись в Италии, 1500–1600 (Нью-Хейвен, Конн .: Издательство Йельского университета, 1993).

М. Б. Холл, После Рафаэля: Живопись в Центральной Италии в шестнадцатом веке (Кембридж: Издательство Кембриджского университета, 1997).

Дж. Поуп-Хеннесси, Скульптура итальянского высокого Возрождения и барокко .3 тт. (Оксфорд: издательство Оксфордского университета, 1986).

Дж. Ширман, Маньеризм (Хармондсворт, Соединенное Королевство: Penguin, 1967).

Х. Восс, Живопись позднего Возрождения в Риме и Флоренции . Пер. С. Пельзель (Сан-Франциско: Алан Вольфси, 1997).

см. Также Архитектура: Позднее Возрождение в Италии ; Религия: Трентский совет

Что такое искусство маньеризма? Изучение увлекательного стиля позднего Возрождения

Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

В эпоху Возрождения итальянские художники черпали вдохновение в идеальных формах и гармоничных композициях классической античности. Хотя эта переосмысление древних моделей широко проявляется в работах художников Высокого Возрождения, таких как Микеланджело и Леонардо да Винчи, она также проявляется как маньеризм , стиль, возникший к концу движения.

Художники-маньеристы довели принципы, заложенные в эпоху Возрождения, до новых крайностей, достигнув высшей точки в эстетике, которая придала стилистический характер классицизму. Здесь мы рассмотрим этот менее известный стиль, исследуем его историю и представим характеристики, которые его определяют.

Что такое маньеризм?

Маньеризм — это стиль, возникший в 1530 году и просуществовавший до конца века. Он назван в честь maniera , итальянского термина, означающего «стиль» или «манера», и относится к стилизованному, преувеличенному подходу к живописи и скульптуре.

Иоахим Втевал, «Перс и Андромеда», 1611 г. (Фото через Wikimedia Commons Public Domain)

Также известный как Поздний ренессанс , маньеризм рассматривается как мост между Высоким Возрождением и периодом барокко, который принял декоративную эстетику подмножества и адаптировал его как экстравагантность.

История

В конце 15 века художники Флоренции начали отказываться от неземной иконографии Средневековья в пользу классицизма .Этот эстетический подход просуществовал до 17 века и завершился тремя подгруппами: раннее Возрождение, Высокое Возрождение и Позднее Возрождение.

В течение Раннего Возрождения художники начали искать вдохновение в древности. Этот вновь обретенный интерес затем повлиял на High Renaissance , жанр, характеризующийся натуралистическими фигурами и математически точным использованием перспективы. Высокое Возрождение длилось с 1490 до 1530-х годов, когда возникла Позднее Возрождение , или маньеризм.

Хотя художники-маньеристы интересовались перфекционизмом, изображаемым художниками Высокого Возрождения, они не стремились его воспроизвести. Вместо этого они преувеличили принципы Возрождения, в результате чего появились работы, в которых самовыражение отдается предпочтению стремлению к идеализму. «Вместо того, чтобы принять гармоничные идеалы, связанные с Рафаэлем и Микеланджело, — поясняет Тейт, — [маньеристы] пошли еще дальше, создав в высшей степени искусственные композиции, которые продемонстрировали свои методы и навыки в манипулировании композиционными элементами для создания ощущения утонченной элегантности.”

Характеристики

Преувеличенные цифры

Основной способ, которым художники-маньеристы продвинули технику Высокого Возрождения «на шаг вперед», — это преувеличение . Пионерские работы итальянского художника Пармиджанино, маньеристы отказались от реалистичных пропорций и вместо этого создавали фигуры с невероятно удлиненными конечностями и странно расположенными телами. Эти вытянутые и скрученные формы, вероятно, использовались, чтобы предложить движение и усилить драматизм.

Пармиджанино, «Мадонна с длинной шеей», 1534–1540 гг. (Фото: Интернет-галерея искусства через Wikimedia Commons Public Domain)

По словам Джорджо Вазари, выдающегося итальянского художника, архитектора, историка и писателя, Пармиджанино непреднамеренно принял эту необычную эстетику, создавая свое собственное подобие. «Чтобы исследовать тонкости искусства, — говорит Вазари о Пармиджанино в своей знаменитой книге по истории искусства, Жизни художников , — он однажды решил создать свой собственный портрет, глядя на себя в выпуклое зеркало парикмахера. .И при этом, когда он почувствовал странные эффекты, производимые округлостью зеркала, которое закручивает потолочные балки в странные кривые и заставляет двери и другие части зданий необычным образом отступать, ему пришла идея развлечься. сам, подделывая все ».

Пармиджанино, «Автопортрет в выпуклом зеркале», ок. 1523-1524 (Фото: Gallerix через Wikimedia Commons Public Domain)

Изысканный декор

Щедрые украшения — еще один способ, которым маньеристы довели до предела чувствительность эпохи Возрождения.В то время как деятели Высокого Возрождения обычно не включали узоры в свои работы, художники раннего Возрождения, такие как Сандро Боттичелли, это делали. Вдохновленный millefleur (от французского mille-fleurs , или «тысяча цветов») гобеленов средневековья, Боттичелли включил цветочные орнаменты в свои крупномасштабные мифологические картины, такие как Primavera .

Боттичелли, «Примавера», ок. c. 1477–1482 (Фото: Google Arts & Culture через Wikimedia Commons Public Domain)

художников-маньеристов, в свою очередь, вновь обратились к этому интересу к сложному орнаменту, покрывая как холсты, так и скульптуры подавляющим изобилием декоративных элементов.Один из художников, который поднял эту концепцию на удивительные новые уровни, — это Джузеппе Арчимбольдо, живописец, создавший своеобразные портреты людей из растений, животных и найденных предметов.

Джузеппе Арчимбольдо, «Весна», 1573 г. (Фото через Wikimedia Commons Public Domain)

Искусственный краситель

Наконец, маньеристы отказались от натуралистических цветов, используемых художниками Высокого Возрождения, и вместо этого использовали искусственные — и часто яркие — тона. Эти нереалистичные оттенки особенно заметны в творчестве Якопо да Понтормо, итальянского художника, чья насыщенная палитра подняла насыщенные цвета эпохи Возрождения на новый уровень.

Понтормо, «Смещение», 1526-1528 гг. (Фото через Wikimedia Commons Public Domain)

Этот подход к цвету также ассоциируется с Эль Греко, испанским художником, принявшим стиль маньеризма, когда он переехал в Рим. Как и другие маньеристы, Эль Греко обращался к более ранним художникам, не пытаясь воспроизвести их работы. «Вы должны изучать Учителей, — сказал он, — но берегите изначальный стиль, который бьется в вашей душе, и предайте мечу тех, кто попытается украсть его».

Эль Греко, «Видение святого Иоанна, или снятие пятой печати», ок.1609–1614 гг. (Фото: Музей Метрополитен через Wikimedia Commons Public Domain)

Наследие

Несмотря на то, что маньеризм является частью эпохи Возрождения — возможно, наиболее влиятельного художественного движения в истории искусства — маньеризм не пользуется таким же уважением, как более ранние работы Золотого века. Тем не менее, его отличительная эстетика продолжает очаровывать тех, кто знает о нем, что делает его одним из самых увлекательных скрытых сокровищ истории искусства.

Статьи по теме:

Исследование основных вкладов малоизвестного «Северного Возрождения»

Как художники сохранили жизнь натюрмортам на протяжении тысячелетий

История Амура в искусстве: как Бог любви веками вдохновлял художников

Как музеи со временем превратились из частных коллекций в современные учреждения

Архитектура эпохи Возрождения | Основные гуманитарные науки

Введение

Сводная таблица

Краткое изложение архитектуры эпохи Возрождения

Раннее Возрождение ок. 1400-1500	Высокое Возрождение ок. 1500-1525	Позднее Возрождение ок. 1525-1600
Брунеллески (церкви), Альберти (фасады)	Браманте (Темпьетто), Палаццо Фарнезе	Палладио (виллы)

Общие характеристики

Архитекторы эпохи Возрождения отвергли сложность и вертикальность готического стиля за простоту и уравновешенность пропорций классицизма . Были возрождены округлые арки, купола и классические ордера (см. Классические ордера).Это возрождение было достигнуто благодаря непосредственному наблюдению за римскими руинами , а также изучению трактата «Десять книг по архитектуре» (наиболее важная из сохранившихся древних работ по архитектуре, написанная римским архитектором-инженером Витрувием ) 5

.

В архитектуре эпохи Возрождения характерен планарный классицизм (то есть «плоский классицизм»). Стены здания эпохи Возрождения (как внешние, так и внутренние) украшены классическими мотивами (например, колонны, пилястры, фронтоны, глухие арки) небольшой физической глубины, так что они минимально вторгаются в двухмерный вид здания. стены (см. пример).Иными словами, стены здания эпохи Возрождения служат плоскими полотнами для классической облицовки. Это резко контрастирует с архитектурой барокко, в которой стены сильно изогнуты и скульптурны (что приводит к «скульптурному классицизму»).

Плоский классицизм также имеет тенденцию делить стену на аккуратные секции , используя такие элементы, как колонны, пилястры и струнные дуги. (Струнный путь представляет собой горизонтальную полосу материала, которая проходит вдоль внешней стороны здания, как правило, для обозначения разделения между этажами.Стена в стиле барокко, с другой стороны, рассматривается как непрерывное , волнообразное целое27

Самыми выдающимися типами зданий эпохи Возрождения были церковь, палаццо (городской особняк) и вилла (загородный особняк). В то время как различные великие имена связаны с церковью эпохи Возрождения и дизайном палаццо, самым известным архитектором виллы на сегодняшний день является Палладио .

Хотя эпоха Возрождения процветала в Италия ок. 1400-1600 гг., Он распространился по остальной части Европы только во второй половине этого периода (см. Распространение Возрождения).За пределами Италии переход к эпохе Возрождения замедлился из-за приверженности стилю готика . Следовательно, большая часть неитальянской архитектуры эпохи Возрождения воплощает в себе увлекательную смесь готической сложности и вертикальности (включая башни) с простотой и сдержанностью эпохи Возрождения.

Ведущим регионом архитектуры эпохи Возрождения в Северной Европе был Франция , где основным типом здания был замок , (загородный особняк). Влияние архитектуры французского Возрождения распространилось по Северной Европе.Н809

Классическая архитектура , в широком смысле слова «архитектура, использующая классические элементы», продолжала процветать в периоды барокко и неоклассицизма. Таким образом, классическая архитектура доминировала в западном мире в период ок. 1500-1900. Даже сегодня в современных зданиях, лишенных традиционного орнамента, сохраняются элементы классической архитектуры (например, сбалансированные пропорции, аккуратно разделенные фасады, классическая лепнина) .F169

Основная статья

Раннее Возрождение

ок.1400-1500

Двумя ведущими архитекторами раннего Возрождения были Брунеллески и Альберти.

Филиппо Брунеллески, первый великий архитектор эпохи Возрождения, был прежде всего проектировщиком церквей . Его самая известная работа — восьмиугольный кирпичный купол Флорентийской базилики (итальянской готической церкви), инженерный подвиг такой сложности (учитывая беспрецедентный размер купола), что ему также пришлось изобрести специальные машины для подъема каждой секции на место6. Купол Брунеллески был самым большим куполом , который когда-либо видел доиндустриальный мир.

Купол Брунеллески венчает фонарь: конструкция на крыше с отверстиями для освещения и / или вентиляции. (Другой распространенный тип конструкции крыши — звонница, она же колокольня.)

Однако этот купол не считается произведением эпохи Возрождения; его стиль твердый. Готика .H691 Возникновение архитектуры эпохи Возрождения более заметно в проектах Брунеллески для законченных зданий , из которых базилика Сан-Лоренцо (Флоренция) может быть самой известной.Простой экстерьер этого здания включает серию из глухих арок , а интерьер украшен четкими серо-белыми плоскими элементами классицизма ; только колонны препятствуют тому, чтобы этот интерьер состоял полностью из плоских поверхностей. (Во многих церквях эпохи Возрождения вместо колонн используются широкие прямоугольные опоры , что позволяет максимально увеличить площадь поверхности для планарного классицизма.)

Леон Баттиста Альберти стал самым влиятельным теоретиком архитектуры раннего Возрождения со своими собственными «Десятью книгами по архитектуре», в которых рассказывалось об адаптации древних классических форм к современным зданиям. 29 Что касается реальных строительных проектов, Альберти был ведущим пионером классического дизайна фасада .F185-86,17 Его величайшие фасады включают церковь Сант-Андреа и Палаццо Ручеллаи.

Фасад церкви Сант-Андреа (Мантуя) имитирует триумфальную арку, а фасад Палаццо Ручеллаи (Флоренция) аккуратно разделен на прямоугольные секции (каждая с арочным окном) с пилястрами и косметическими антаблементами. Круглые элементы, такие как элементы над каждым окном Палаццо, были фаворитом эпохи Возрождения, и многие архитекторы того периода считали круг «идеальной формой».5

Высокое Возрождение

ок. 1500-25

Высокое Возрождение явилось свидетелем вершины классической простоты и гармонии в искусстве и архитектуре эпохи Возрождения. Центральный план Макет (встречается во многих римских храмах, в первую очередь в Пантеоне) был популярен в этот период5 («центральный план» обозначает симметрию вращения ; если план повернуть вокруг своей центральной точки, он выглядит так же в нескольких точках вращения. Обычные формы зданий на центральном плане — круг, квадрат и восьмиугольник.)

Основателем и лидером архитектуры Высокого Возрождения был Донато Браманте 5,8 (Браманте считается членом «трио Высокого Возрождения», наряду с Микеланджело, выдающимся скульптором того времени, и Рафаэлем, выдающимся художником). Самая большая завершенная работа — Темпьетто, дорический храм, воздвигнутый на традиционном месте мученичества Святого Петра. Несмотря на свои небольшие размеры, Темпьетто часто считается венцом архитектуры Высокого Возрождения.

Самая большая нереализованная работа Браманте — это центральный план базилики Святого Петра (главной римско-католической церкви, расположенной в Ватикане).После смерти Браманте в начале строительства этого здания постоянные задержки привели к тому, что ряд архитекторов взяли на себя проект и полностью изменили первоначальный дизайн9

.

Если бы планы Браманте были реализованы, собор Святого Петра, несомненно, был бы главной церковью эпохи Возрождения . Вместо этого эту позицию занимает Церковь Санта-Мария в городке Тоди (к северу от Рима). Это здание центрального плана сильно напоминает архитектурный стиль Браманте, хотя его нельзя с уверенностью отнести к нему.Н737

В период Высокого Возрождения возник Палаццо Фарнезе, возможно, величайший дворец эпохи Возрождения. Это здание, спроектированное главным образом Антонио да Сангалло Младшим (учеником Браманте), следует типичной планировке палаццо эпохи Возрождения: трехэтажное прямоугольное здание с центральным внутренним двором28. фасад, отсутствие вертикальных перегородок и безукоризненное пространство стены над каждым рядом окон.Абсолютная простота фасада подчеркивает разнообразие цветов стен, форм окон и фронтонов.

Популярной декоративной обработкой палаццо была рустикация, при которой каменная стена скорее текстурированная, чем гладкая. Это может повлечь за собой оставление канавок в стыках между гладкими блоками, использование грубо обработанных блоков или использование блоков, которые были намеренно текстурированы . Рустикация палаццо часто различается между этажами .5

Позднее Возрождение

ок. 1525-1600

Позднее Возрождение характеризовало расслабление суровой простоты и порядка Высокого Возрождения.

Самым радикальным направлением искусства позднего Возрождения был маньеризм: сознательное стремление к новизне и сложности, часто доходившее до причудливости. В маньеристической живописи и скульптуре анатомия человека странно удлинена, а фигуры расположены в сложных, неестественных позах .В маньеристической архитектуре классические формы искажены, преувеличены и неуместны, а классические баланс и гармония иногда искажаются.13 Нарушая условности и исследуя новые художественные возможности, маньеризм стал влиятельной силой даже для художников, которые выбрали чтобы сохранить более чисто классический стиль.

Одним из таких художников был Андреа Палладио, твердо придерживавшийся классической эстетики. Палладио, известный прежде всего дизайном виллы , вилла , был выдающимся архитектором позднего Возрождения и, возможно, самым влиятельным архитектором всех времен.Бесчисленные жилые, университетские и общественные здания по всему миру являются потомками архитектурного стиля Палладио, который пережил массовое возрождение в период неоклассицизма года.

Самым ярким нововведением Палладио было прививание классического фасада храма к светской архитектуре.21 Истинный фасад храма — это портик (крытое крыльцо с колоннами), тогда как косметический фасад храма можно изготовить с помощью простого фронтона. В любом случае вход может быть утопленным, , что позволяет иметь крытый вход даже без портика.

Общие черты вилл Палладио, три из которых обсуждаются здесь, объединены термином «Палладианский стиль». Во-первых, общий план представляет собой центральный блок , обрамленный идентичными крыльями , что обеспечивает идеальную симметрию; центральный блок облицован фасадом храма. Во-вторых, план интерьера также симметричный , с большим залом в центре (см. Пример). И в-третьих, у здания высокий основной этаж и короткий мансардный этаж .15,21

Большинство вилл Палладио полностью соответствуют этому описанию. В некоторых случаях обнаженный подвал находится под основным этажом. Несколько вилл имеют второй большой этаж .

Виллы Палладио были построены в основном в городе Vicenza и его окрестностях, недалеко от Венеции.5 Большинство из них имеют стены из штукатурного кирпича и шатровые крыши, выложенные красной черепицей из глиняной черепицы .21 Хотя вилла Ротонда нетипична для работ Палладио (центральный план с портиком со всех четырех сторон), это также его самая известная вилла.

Помимо вилл, Палладио известен популяризацией Палладианской арки (арки, обрамленной прямоугольниками) через его дизайн экстерьера ратуши Виченцы. Этот мотив был не только эстетическим, но и практичным, поскольку он позволял большему количеству света проникать в здание, чем ряд обычных арок14. Палладианская арка, пожалуй, наиболее известна сегодня в виде палладианских окон (см. Пример).

1 — «Искусство и архитектура эпохи Возрождения», Колумбийская энциклопедия.По состоянию на июнь 2009 г.
2 — «Возрождение: экономические и социальные основы Возрождения», Encarta. По состоянию на июнь 2009 г.
3 — «Возрождение: политика в эпоху Возрождения», Encarta. По состоянию на июнь 2009 г.
4 — «Архитектура: архитектура эпохи Возрождения», Энкарта. По состоянию на июнь 2009 г.
5 — «Западная архитектура: Возрождение», Британская энциклопедия. По состоянию на июнь 2009 г.
6 — «Филиппо Брунеллески», Британская энциклопедия. По состоянию на июнь 2009 г.
7 — «Filippo Brunelleschi», Encarta.По состоянию на июнь 2009 г.
8 — «Донато Браманте», Энкарта. По состоянию на июнь 2009 г.
9 — «Браманте, Донато», Колумбия. По состоянию на июнь 2009 г.
10 — «Семья Сангалло», Британская энциклопедия. По состоянию на июнь 2009 г.
11 — «Sangallo», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на июнь 2009 г.
12 — «Маньеризм», Британская энциклопедия. По состоянию на июнь 2009 г.
13 — «Mannerism», Encarta. По состоянию на июнь 2009 г.
14 — «Андреа Палладио», Энкарта. По состоянию на июнь 2009 г.
15 — «Палладио, Андреа», Колумбийская энциклопедия.По состоянию на июнь 2009 г.
16 — «Альберти, Леоне Баттиста», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на июнь 2009 г.
17 — подразумевается освещением в 16
18 — «Палаццо Фарнезе», Британская энциклопедия. По состоянию на июнь 2009 г.
19 — «Микеланджело: последние десятилетия», Британская энциклопедия. По состоянию на июнь 2009 г.
20 — «Витрувий», Британская энциклопедия. По состоянию на январь 2010 г.
21 — «Андреа Палладио», Британская энциклопедия. По состоянию на январь 2010 г.
22 — «Византийское искусство», Британская энциклопедия. По состоянию на январь 2010 г.
23 — «Ландшафтная архитектура», Encarta 2004.
24 — «Вилла», Британская энциклопедия. По состоянию на январь 2010 г.
25 — «Микелоццо», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на январь 2010 г.
26 — «Дворец», Британская энциклопедия. По состоянию на январь 2010 г.
27 — «Западная архитектура: барокко и рококо», Британская энциклопедия. По состоянию на январь 2010 г.
28 — «Микелоццо», Британская энциклопедия. По состоянию на январь 2010 г.
29 — «Леон Баттиста Альберти», Британская энциклопедия.По состоянию на январь 2010 г.

Паоло Веронезе и практика живописи в Венеции позднего Возрождения

— Любое — Искусство и архитектура — Галерея американского искусства Аддисон — Афро-афро-американцы-американцы-Древняя архитектура-Художественный институт Чикаго-Азиатско-Юго-Восточная Азия-Центр выпускников Бардов-Библиотека редких книг и рукописей Бейнеке-Британские-Карикатуры и Графическое искусство-Каталоги Raisonné и Reference-Центральная и Восточная Европа-Институт искусства Кларка-Кливлендский музей искусства-Сохранение и технические исследования-Современное искусство (после 1960 г. ) -Далласский музей художественно-декоративного искусства, ювелирных изделий и текстиля-Дизайн и графика Дизайн-Детройтский институт искусств-Мода и история костюма-Французский генеральный-Гарвардские художественные музеи-Ирландское-итальянское-Японское общество-Еврейский музей-Художественный музей Кимбелла-Латинская Америка-Средневековье-Коллекция Менил-Меркаторфондс-Музей искусств Метрополитен-Миддл и Ближневосточный современный музей изящных искусств, Хьюстон-музейные исследования-Национальная художественная галерея, Д.C.-Национальная художественная галерея, Вашингтонская национальная галерея, Лондон-Национальная галерея, Вашингтон — Исследования по истории искусства — Нидерланды и Голландия — Океанический — Центр Пола Меллона — История искусства Пеликана — Путеводители по архитектуре Певснера — Художественный музей Филадельфии -Собрание Филлипса-Фотография-Доколумбовый и индейский музей-Художественный музей Принстонского университета-Амстердамский Рейксмузеум-Скандинавский-испанский-Городской исторический и ландшафтный музей-Музей изящных искусств Вирджинии-Художественный музей Уодсворта Атенеум-Музей американского искусства Уитни-Йельский центр Британская художественная галерея Йельского университета -Африканские исследования-американская история-американистика-древняя история-азиатские исследования-атлантическая история-британские исследования-культурная история-восемнадцатый век y Исследования-История окружающей среды-Европейская история-Французские исследования-Общие-германские исследования-История медицины-Исследования Холокоста-Разведка и шпионаж-Международные исследования-Ирландские исследования-Исламские исследования-Итальянские исследования-Еврейская история-Журналистика-Латиноамериканские исследования-Морские исследования История-Средневековье-Средневековье / Исследования Возрождения-Исследования Ближнего Востока-Военные исследования-Исследования коренных американцев-Исследования Ближнего Востока-Новая Англия-Нью-Йорк-Популярная культура-Возрождение-Рабство-Славянские исследования-Южные исследования-Испанские исследования-Викторианские исследования-Вестерн Исследования-Женские Исследования-Всемирная история-Язык-Арабский-Библейский иврит-Камбоджийский-Китайский-Французский-Немецкий-Греческий-Хауса-Иврит-Игбо-Ирландский-Итальянский-Японский-Кхмерский-Курдский-Латинский-Методы-Другой-Персидский-Польский-Португальский -Русский-испанский-урду-вьетнамский-идиш-йоруба-закон-конституционное право-этика-общая-юридическая история-литературные исследования-книги о книгах-культурная критика-драма-эссе-художественная литература-литературная критика-литература-поэзия-исполнительское искусство-танец-фильм Исследования-G eneral-Джаз-Музыка-Опера-Театр Философия-Этика-Общая-Риторика-Политическая наука-Американская политика-Сравнительная политика-Текущие события-Евразийские исследования-Европейская политика-Внешняя политика-Общие-Международные отношения-Исламские исследования-Политические исследования-Политическая философия-Политическая Теория Психология-Развитие ребенка-Общий-Психоанализ-Психология старения Справка-Общие справочные-Библиотечные исследования-Путешествия Религия-Библейские исследования-Буддизм-Христианство-Сравнительное религиоведение-Этика-Общий-Индуизм-История религии-Исламоведение-Иудаистика-Религиоведение- Даосизм, наука, астрономия, когнитивные науки, компьютерные исследования, электронная инженерия, исследования окружающей среды, эволюция, география, геология, история науки, ландшафтные исследования, биологические науки, морские науки, океанография, математика, естественная история, орнитология, физическая наука, науки о растениях / Садоводство-Общественное здравоохранение-Технологии-Интернет / Интернет-Зоология Социальные науки-Антропология-Археология-Криминология-Образование-Этнические исследования-Исследования в области питания -Изучение геев и лесбиянок-гендерные исследования-трудовые исследования-лингвистика-социальная работа-социология-спорт-городские исследования

Танец позднего Возрождения

Два века, составляющие Возрождение, значительно отличались от друг с другом. Музыка, танец, искусство, литература, технические инновации, коммерция, Архитектура, городское планирование и мода достигли заметных успехов к 16 веку.

Для избранных, у которых был досуг в эпоху позднего Возрождения, придворная жизнь стала еще больше. изысканный, часто до крайности. Однако за придворными манерами скрывались безжалостные политические и социальная интрига. Придворным приходилось постоянно проявлять себя через свои социальные навыки, особенно через танец.Танцевать было действительно приятно, но это было намного больше.

Хотя танцы иногда добавлялись в театральные представления, танец эпохи Возрождения был прежде всего социальным — танцевал для сверстников и со своими сверстниками — и не исполнялся придворными дворянами в том смысле, в котором Спустя два столетия балет был поставлен профессионалами. Танец был еще и ритуалом ухаживания, Так что танцевальные навыки нужно было осваивать в юности. Брачный возраст иногда был еще двенадцать, поэтому придворные юноши и девушки должны были стать опытными танцорами до подросткового возраста, часто начинает обучение с наставником в возрасте шести лет.

В отличие от двух танцевальных форм дворов 15 века, в 16 век. К ним относятся продолжающаяся эволюция древнего крестьянина Бранле (Brawl, Брандо), Павана, Испанская Павана (Паванилья) с ее замысловатой работой ног, виртуоз Гальярда. (Cinque Passi, Cinq Pas, Sinkapace), Тордион, рискованная Вольта, штамповка Canario (Канарские острова), Moresque (Mattachins, танцы с мечами), Alman, Coranto, Gavotte, Torneo, Battaglia и многие разновидности Балло.Некоторые танцы, особенно балли, были построены математически, апеллировать к разуму и науке, которые считались искусствами. Фигуры, начертанные на полу, хорошо понятые значения в то время (треугольники, спирали, переплетенные кольца), так что тонкие сообщения можно было передать с помощью жестов и узоров. К сожалению, многие из этих значений утеряны сегодня.

Региональные танцы распространились по всей Европе благодаря организованным политическим бракам и их сопровождающим. мультикультурные праздники.Танцами также обменивались дворы и сельская местность: аристократические танцы со временем «утонули» в низших сословиях, так же как одежда передавалась по мере износа, и в то же время некоторые из наиболее интересных крестьян Бранлеса, замеченных в сельской местности, были доставлены в суд.

Как и в 15 веке, любимыми мастерами танцев обычно были итальянцы. Хотя баланс политическая и коммерческая власть переходила в Англию, Францию ​​и Испанию, эти суды все еще предпочитал танцевать в итальянском стиле.Итальянский танец имел такой же престиж в 16 веке. этот французский придворный танец был в эпоху барокко. Учебники по танцам продолжали писать профессиональными мастерами танцев (обычно итальянскими) и впервые были воспроизведены и распространены широко, благодаря развитию методов печати. Фабритио Карозо из Сермонетты (недалеко от Рима) и Чезаре Негри из Милана написал подробные и исчерпывающие руководства по танцам, а Ливио Лупи из Милана. Палермо написал специализированные справочники по гальярде.

Как и в прошлом веке, большинство сохранившихся танцевальные трактаты описывают придворную деятельность аристократии. Важным исключением было Orchesography , написанный французским священнослужителем Жаном Табурэ (написано под анаграммой). Туано Арбо). Арбо был первым, кто описал крестьянина Бранлеса вместе с музыкой, а также редкие описания Ла Вольта, Альмана, Гавота, танца баса 16 века, Корато, Тордиона и танец с мечами Buffens.

Музыка превратилась в следующую форму на рубеже следующего столетия, около 1610 года, в первую очередь с появлением композиции Клаудио Монтеверди (1567–1643), которые считаются ранним барокко. Однако танец был меняться медленнее, танцевальные формы позднего Возрождения продолжаются примерно до 1625 года (или до 1650 года в Нижнем мире). регионах), пока они в конечном итоге не потеряли свою популярность.

— Ричард Пауэрс

К эпохе барокко

Раннее Возрождение против высокого Возрождения

Период Возрождения считается одним из движений, оказавших наибольшее влияние на многие последовавшие за ним эпохи.Этот период был удачно назван, поскольку Ренессанс фактически означает «возрождение».

Многие из самых выдающихся художников того времени до сих пор считаются одними из величайших художников всех времен.

Несмотря на распространенное заблуждение, что Ренессанс был одним всеобъемлющим движением, продолжавшимся вплоть до 16 века, движение фактически состояло из двух разных периодов, которые можно разделить на Раннее Возрождение и Высокое Возрождение.

Обе эти части движений Возрождения имеют довольно много общего, но есть некоторые поразительные различия, которые можно заметить, основываясь на некоторых элементах, используемых в каждую эпоху, а также на фокусе картин.

В этой статье мы более подробно обсудим различные характеристики, которые считаются похожими в эпоху Раннего Возрождения и Высокого Возрождения.

Мы также более подробно объясним, в чем заключались некоторые из наиболее заметных различий, а также как такие изменения произошли от Раннего Возрождения до Высокого Возрождения.

Обзор раннего Возрождения

Раннее Возрождение зародилось во Флоренции, Италия, в 15 веке, в то время, когда большинство художников были в значительной степени сосредоточены на классических темах с греческими и римскими влияниями.

Эта эпоха началась как этап просвещения жителей Италии и окрестностей Европы. Возрождение зародилось, позже оно повлияло на другие части Европы и мир в целом в области литературы, философии, науки и многих других.

В живописи раннего Возрождения большое внимание уделялось определенным областям живописи, таким как пропорции и человеческое выражение. Многие из наиболее заметных работ этой эпохи включают картины, на которых изображены мифические фигуры в грандиозных позах в ярких нарядах, подчеркивающих их богоподобную природу.

художников в этот период работали над созданием работ, которые предлагали лучший и более реалистичный вид. Они уделяют большое внимание созданию лучшего ощущения трехмерности, детализируя каждую часть пейзажа.

Известно, что многие художники часами просто наблюдали за природой или людьми, чтобы лучше понять, как каждое животное выглядит пропорционально его естественному окружению.

Художники раннего Возрождения начали этот период, сосредоточившись в основном на сценах, вдохновленных греками и римлянами, но постепенно переходили к более религиозным сценам в течение первых десятилетий движения. Власть католической церкви над регионом была очевидна и станет еще более сильной по мере продолжения раннего Возрождения.

Самые известные картины раннего Возрождения изображают различные сцены, в которых акцент делается на таких элементах, как контраст между светом и тьмой, а также на реалистичных пропорциях и формах.

Именно это время было первым в истории, когда художники стали уделять особое внимание общему уровню реализма в своих картинах. Многие из них работали над созданием картин, которые выглядели бы максимально реалистично, даже несмотря на то, что сюжет был сосредоточен на мифических фигурах из римских или даже греческих легенд.

Обзор эпохи Возрождения

Поскольку движение Возрождения продолжалось на протяжении 15 века, большинство историков искусства указывают на последние годы 1400-х или начало 16 века как начало периода Высокого Возрождения.

Высокое Возрождение действительно зародилось во Флоренции и других крупных густонаселенных районах, сосредоточенных вокруг самых выдающихся соборов Римско-католической церкви.

Большинство искусствоведов и критиков говорят, что Высокое Возрождение продлилось всего несколько коротких десятилетий, по большинству оценок едва ли 20 лет.Однако за это время стало очевидно, что художники гораздо больше интересовались религиозными темами и идеалами, которые, как можно было ожидать, сопровождать христианство.

Одним из вероятных объяснений этого роста религиозной живописи был тот факт, что церкви в Италии контролировали большую часть богатства, и это было напрямую связано с увеличением количества религиозных произведений искусства, заказываемых церковными лидерами.

Некоторые историки указывают на смерть Рафаэля как на конечную точку периода Высокого Возрождения, но более вероятно, что разграбление Рима, произошедшее при Карле V, положило конец золотому веку искусства в некогда — процветающая нация Италия.

В период Высокого Возрождения были представлены живопись и скульптура художников, которые до сих пор считаются самыми плодовитыми художниками и скульпторами из когда-либо существовавших. Такие имена, как Микеланджело, Рафаэль, Леонардо да Винчи и многие другие, которые остаются очень известными в мире искусства, были главными фигурами эпохи Высокого Возрождения.

Эти и многие другие художники в то время станут той силой, которая превратит Рим в оживленный центр искусств, не похожий ни на что, что мир когда-либо видел до этого момента.

Основные отличия раннего и высокого Возрождения

Поскольку период раннего Возрождения был известен своим акцентом на сюжеты, которые в подавляющем большинстве были римскими или греческими по своей природе, различные характеристики, связанные с этой эпохой, были такими, как гармония цвета, более высокий уровень реализма и контраст между светом и светом. тьма.

Многие из самых известных художников раннего Возрождения создавали работы, в которых использовались более высокие контрасты между светом и тьмой как средство подчеркнуть разницу между добром и злом.

Этот акцент на свете и тьме был бы одним из факторов, который присутствовал на протяжении всего периода Возрождения. Тот факт, что большинство художников в большей степени сосредоточились на религии во второй половине раннего Возрождения и продолжат делать это и в период Высокого Возрождения.

Реализм был еще одним фактором, который зародился в первой части этого движения и позже стал играть более заметную роль во второй половине периода Возрождения.

Известно, что многие итальянские художники эпохи Возрождения, такие как Микелангло, Да Винчи и Рафаэль, уделяли очень много внимания анатомии человека, а некоторые художники даже изучали человеческие трупы, чтобы получить более твердое представление о том, как кости выглядят под кожей тела. а также другие элементы, которые были вызваны непрекращающейся потребностью в дальнейшем совершенствовании своих работ.

Также читайте: Знаменитые картины и работы Микеланджело

В период Высокого Возрождения больше внимания уделялось таким вещам, как яркие и живые цвета, которые использовались для придания большей жизни картинам, особенно религиозного характера.