«Тогда-то я и вспомнила, что в этом году мы отмечаем не только юбилей Брюллова, но и 250-летие Ивана Андреевича, — рассказывает Людмила Маркина. — Я подумала: а почему бы нам не сделать свою выставку, посвященную Крылову? Ведь многие его изображения, находящиеся в фондах галереи, неизвестны широкой публике. Например, редкий портрет кисти Романа Волкова, бюст работы Самуила Гальберга, я уж не говорю про многочисленные иллюстрации. Когда я обратилась с этой идеей к руководству, мне сказали: литература не наш профиль. Но мы нашли выход и сделали фокусную выставку, составленную из материалов фондов галереи».

Выставка получилась уютной и даже домашней — всего один небольшой зал. Открывается экспозиция портретом сравнительно молодого Крылова, совсем не похожего на хрестоматийного дедушку, сработанного Брюлловым, несмотря на небрежно надетый домашний халат и намечающуюся полноту.

У волковского Крылова отсутствует скорбная складка между бровей, губы по-детски припухлы, а взгляд задумчиво устремлен вдаль — вот-вот его перо заскользит по бумаге и выдаст еще одну блестящую остроту.

Портрет был написан в 1812 году, когда Крылов благодаря своему покровителю, директору Публичной библиотеки Алексею Оленину, поступил на библиотекарскую службу.

«Мало кто знает, что Крылов во время работы библиотекарем ввел систему библиотечных шифров и разработал правила пользования читальным залом, — рассказывает второй куратор выставки Наталья Калугина. — Под его руководством выпустили около 15 тысяч читательских билетов, сохранились даже футляры, в которых Крылов держал книги, требующие особенного хранения».

Брюлловский Крылов уже давно отошел от такой активности — он стар и грузен, пуговицы сюртука с трудом сходятся на туловище, у него усталый взгляд и растрепанные седые пряди. Художник стремился закончить портрет за один сеанс, потому что «колоритный и калорийный» Крылов был не в силах долго и неподвижно сидеть, но даже Брюллову, известному стремительной манерой работы, это не удалось.

Еще несколько картин сделаны по сюжетам басен. Вот федотовская «Разборчивая невеста» — странно дисгармонирующие романтическая атмосфера комнаты, обтянутой красным штофом, и коленопреклоненный перед молодящейся невестой жених-горбун. Вот картина по сюжету «Демьяновой ухи» Андрея Попова, за которую художник получил малую золотую медаль. Интересен факт, что именно академические художники, а не иллюстраторы получали награды за сюжеты по произведениям Крылова. Та же «Разборчивая невеста» принесла художнику Павлу Федотову звание академика Академии художеств.

Настоящее украшение выставки — фарфоровая композиция к басне «Демьянова уха» неизвестного скульптора, выпущенная Императорским фарфоровым заводом.

Она проработана до мелочей — куски стерляди в тарелках, расписная супница, угодливая хозяйка в цветастом домашнем наряде и испуганный сосед Фока, убегающий из дома чересчур гостеприимного хозяина с шапкой, зажатой под мышкой.

Как утверждают кураторы выставки, таких фарфоровых групп было пять, и одна из них входила в коллекцию Галины Вишневской.

Прототипа главного героя басни — переводчика графа Алексея Хвостова, который потчевал окружающих своими стихами подобно Демьяну, тоже можно увидеть на экспозиции, как и портрет министра просвещения Александра Шишкова кисти Ореста Кипренского. Немного выбивается из общего ряда портрет императора Александра I, но кураторы объясняют его присутствие просто. Басня «Квартет» была написана как пародия на Государственный совет при монархе: главы департаментов слишком часто менялись местами, и Крылов не преминул отразить этот момент в басне: «А вы, друзья, как ни садитесь, все в музыканты не годитесь!»

Сопровождает выставку мультимедийный проект, в котором представлены лучшие басни Крылова с иллюстрациями мастеров разных стилей и направлений.

Выставка продлится до 29 сентября в главном здании галереи в Лаврушинском переулке.

Оригинал статьи: «Российская газета» — 07.04.2019

Интересные факты о художнике Карле Павловиче Брюллове, его жизни и творчестве

Карл Павлович Брюллов — единственный русский художник, который ещё при жизни был награждён лавровым венком и бриллиантовым перстнем из рук самого императора. За картину «Последний день Помпеи» мастера назвали «первой кистью государства». Этот шедевр принёс художнику огромнейшую популярность как в России, так и в Европе.

Карл Брюллов создал свыше 200 парадных и камерных портретов, именно его незаурядному таланту принадлежит неподражаемая роспись купола Исаакиевского собора площадью 800 м2. Жизнь этого гениального человека удивительна. О ней мы вам и расскажем поподробнее.

Основные вехи жизни и творчества Брюллова

Русский художник, живописец, монументалист, акварелист, представитель классицизма и романтизма Карл Павлович Брюллов родился в Санкт-Петербурге 23 декабря 1799 года в семье академика орнаментальной скульптуры Павла Ивановича Брюллова.

Карл Брюллов в 1809—1821 годах учился в Императорской Академии художеств у А. И. Иванова, А. Е. Егорова, В. К. Шебуева. По окончании получил большую золотую медаль за картину «Явление Аврааму трёх Ангелов у дуба Мамврийского» и аттестат 1-й степени.

Знаменитую картину «Последний день Помпеи» написал в 1830—1833 годах в Италии. За этот шедевр художник был удостоен в Париже Гран-при. Карл Брюллов создал много портретов, среди которых знаменитая «Всадница», которую принесла ему громкую славу.

Брюллов некоторое время жил в Москве, именно там он познакомился с другим гением Александром Сергеевичем Пушкиным. Потом снова приехал в родной Санкт-Петербург. В 1836—1849 годах Карл Павлович преподавал в Академии художеств.

Художник дружил с М. И. Глинкой и Н. В. Кукольником. В 1843—1847 годах он принимал участие в оформлении Казанского и Исаакиевского соборов в Санкт-Петербурге. Чтобы поправить здоровье, в 1849 году уехал на остров Мадейра.

Карл Павлович Брюллов умер 23 июня 1852 года, в возрасте 52 лет, в местечке Манциана под Римом, где лечился минеральными водами. На Мадейре он прожил всего 3 года, а написал большое количество акварельных портретов своих друзей и знакомых.

Творчество К. П. Брюллова стало вершиной позднего русского романтизма. Этот стиль выражается в ощущении гармонической цельности и красоты мира, которое сменяется предчувствием трагизма и осознанием конфликтности жизни, тягой к сильным страстям, необычайным темам и ситуациям.

Вновь на первый план выходит историческая картина. Однако её главной темой является — не борьба героев, как в классицизме, а судьбы огромных человеческих масс. Карл Брюллов был выдающимся мастером как парадного, так и камерного портрета.

Мастер совершил в своём творчестве показательную для эпохи романтизма эволюцию — от радостного восприятия жизни ранних произведений до усложнённого психологизма поздних. К. П. Брюллов оказал огромное влияние на русских художников, среди которых у него было множество последователей и подражателей.

Интересные факты о жизни и творчестве художника

Карл Павлович Брюллов родился 23 декабря (12 декабря по старому стилю) 1799 года в Санкт-Петербурге. Верно писать его фамилию и с одной буквой «л» «Брюлов», а до 1822 года он, вообще, носил фамилию без окончания «в» и она звучала как «Брюлло». Дело в том, что он был сыном академика орнаментальной скульптуры П. И. Брюлло.

Левая рука баснописца Ивана Крылова

Некоторые из картин Карла Брюллова были дописаны его учениками. Портрет известного баснописца — Ивана Крылова художник написал за один сеанс. Он изобразил всё, кроме левой руки литературного классика, которая должна была свисать со спинки кресла.

Крылов, как будто предвидя, говаривал, что Брюллов не завершит портрет и до его смерти. Именно так и вышло. С руки уже умершего баснописца был сделан гипсовый слепок, по просьбе Брюллова, а руку баснописца на портрете дорисовывал ученик Карла Павловича — Фаддей Горецкий.

Голова графа Владимира Апраксина

Порой Брюллов сам помогал в завершении картин других мастеров. Как-то Карл Павлович навестил известного в те годы аквалериста Петра Соколова, который работал над портретом Владимира Апраксина, и только что «покончил с головой графа».

Прекрасно написанное лицо Соколовым вызывало у Брюллова восторг, однако линия шеи и туловище были пририсованы к голове неудачно, на что сразу обратил внимание «намётанный глаз» Карла Павловича. В ту ночь художнику не спалось, он никак не мог это так оставить. И рано утром он заявился к Петру Соколову. Пока хозяин дома ещё находился в своей спальне, Брюллов завершил портрет графа Владимира Апраксина.

Кляксы, пальцы и схема полотна

Во время одного из вечеров, когда Брюллов был в гостях у графа Фёдора Толстого, художник написал первый эскиз к «Осаде Пскова». Мастер сделал несколько чернильных клякс на бумагу и, водя по ним пальцем, он вырисовывал схему будущего полотна:

Вот здесь будет в стене пролом, и в этом проломе будет самая жаркая схватка. Я через него пропущу луч солнца, который раздробится мелкими отблесками по шишакам, панцирям, мечам и топорам. Этот распавшийся свет усилит беспорядок и движение сечи.

Брюллов и царская семья

Император оказывал художнику высокие почести и воздавал похвалу. Несмотря на это, Брюллов не написал ни одного портрета членов монаршей семьи. При этом охотно дарил великим князьям и княгиням свои работы. К примеру, Александре Николаевне он передал в дар рисунок главного придела Казанского собора, а Марии Николаевне — картину «Бахчисарайский фонтан».

Самое интересное: узнаваемые образы на полотне

На самой знаменитой картине «Последний день Помпеи», известной во всём мире, Карл Павлович Брюллов изобразил свою возлюбленную — Юлию Самойлову несколько раз — на переднем плане в образе 2-х матерей, затем — в облике девушки в розовой тунике, а сразу за ней — создал и собственный портрет.

Художники-иллюстраторы басен И.А.Крылова

Иван Андреевич Крылов (1769 – 1844) Художники-иллюстраторы басен И.А.Крылова «Волк на псарне». Иллюстрация А. П. Сапожникова Существует большое количество массовых изданий басен И. А. Крылова с иллюстрациями художников самых разных стилей и направлений. В XX веке их иллюстрировало более пятидесяти художников. Это Н.И. Альтман, П.А. Алякринский, В.С. Баюскин, И.Я. Билибин, Ю.А. Васнецов, А.М. Гончаров, А.А. Дейнека, М.В. Добужинский, Б.А. Дехтерев, И.С. Ефимов, А.М. Каневский, Д.Н. Кардовский, В.М. Конашевич, Кукрыниксы, Б.М. Кустодиев, А.М. Лаптев, Д.С. Моор, Е.Н. Нарбут, Е.М. Рачёв, К.И. Рудаков, С.Я. Сенькин, В.А. Серов, В.А. Фаворский и др. Также в начале века в издательствах И.Д. Сытина, Б.И. Шайкевича и др. выпускались лубочные картинки для широкой публики с произведениями баснописца. А в 1919-1921 гг. крылатые выражения из басен И.А. Крылова появились в «Окнах сатиры РОСТА» рядом с рисунками В.И. Козлинского, В.В. Лебедева, В.В. Маяковского и др. Всего И.А. Крылов создал около 205 басен. Из них 110 басен проиллюстрировано. Больше всего иллюстраций (вместе с набросками) к басням: «Лисица и виноград» – 31, «Волк и Журавль» – 7, «Квартет» и «Кукушка и Орел» – по 6, «Слон и Моська» – 5, «Ворона и Лисица», «Свинья под дубом», «Стрекоза и Муравей» – по 4. Интересны иллюстрации художника-гравера А.П. Сапожникова (1795-1855) к басням И.А.Крылова. А.П. Сапожников сумел оставить неповторимый след в самых разных областях: он одновременно и военный инженер, и живописец, и график и скульптор, а также издатель, коллекционер, педагог, автор первого русского пособия по теории и практике рисования для общеобразовательных учебных заведений, используемого до сих пор. А.П. Сапожников проиллюстрировал 93 басни: сделал рисунки, а затем резанные теневым контуром гравюры для роскошного издания 1834 г., предпринятого А.Ф. Смирдиным. Художник сам раскрашивал оттиски с гравюр для книжных иллюстраций. Его рисунки отличаются точностью и бытовой достоверностью, отмечены тонким мастерством и выразительностью, но главное – передают своеобразие, русский национальный характер крыловского басенного творчества. Люди у Сапожникова – это русские люди, будь то глупый мужик или любопытный господин; их окружает русский деревенский пейзаж; его звери достаточно реалистичные, сильные и слабые, хитрые и простодушные, добрые и злые. Но А.П. Сапожников не был анималистом, поэтому не все звери ему удались, например, кошки у него далеки от совершенства. Несмотря на это, гравюры А.П. Сапожникова по свидетельству современников очень нравились И.А. Крылову. Тепло отзывался о них и В.Г. Белинский: «Сколько … таланта, оригинальности, жизни! Какой русский колорит в каждой черте!».   Волк на псарне. В.А. Серов «Рисунки к басням А.И. Крылова», Ленинград, 1951 В 1934 и 1944 гг. издательство «Детгиз» выпустило в свет два издания басен И.А. Крылова с иллюстрациями великого русского живописца В.А. Серова (1895–1911). Серов обратился к басням, т.к. его всегда привлекал их острый юмор, который очень был ценим художником в жизни. Кроме того, Серов с детства любил животных, в их поведении находил много сходства с характером поведения людей. Художник постоянно наблюдал за ними, рисовал их, о чем свидетельствуют многочисленные зарисовки в альбомах разных лет. В 1895 году А.И. Мамонтов задумал издать басни И.А. Крылова с иллюстрациями В.А. Серова и предложил художнику сделать несколько рисунков для этого издания. Вскоре рисунки к басням у Серова переросли обычную иллюстрацию и стали любимым детищем художника. Сначала А.И. Мамонтов предполагал включить в издание все басни, но потом решил ограничиться лишь наиболее популярными. Издание решено было назвать «Двенадцать рисунков В.А. Серова на басни И.А. Крылова» и составить его из следующих двенадцати больших листов: «Обоз», «Ворона и Лисица», «Мельник», «Волк и Журавль», «Тришкин кафтан», «Квартет», «Крестьянин и Разбойник», «Ворона», «Лев и Волк», «Осел и Мужик», «Мартышка и очки», «Щука». Работа над рисунками к басням увлекла Серова, и, хотя издание не было осуществлено, художник сделал большое количество великолепных зарисовок и законченных иллюстраций, в которых выразил общность поведенческих черт зверя и человека. Художник тщательно следовал за текстом произведения, отбирал в басне главное и передавал его скупыми художественными средствами, ничего не привнося от себя. Постепенно он совсем отказался от тона, светотени и работал только карандашом, акцентируя и заостряя интересующие его детали, выявляя в рисунке наиболее характерные черты нарицательных образов басен. Звери на рисунках Серова очень похожи на обычных львов и медведей, лисиц и ворон, но в тоже время они обладают всеми чертами характера героев литературных произведений. Некоторые рисунки Серова можно считать вполне законченными, другие являются лишь эскизами. Во многих случаях рисунок к одной и той же басне имеет по два-три варианта. В.А.Серов работал над иллюстрациями к басням И.А.Крылова длительное время, около 15 лет и особенно интенсивно – в последние годы жизни.   «Квартет». Иллюстрация В.Конашевича И.А.Крылов «Басни». Москва-Ленинград: Детиздат ЦК ВЛКСМ. 1937 г. Владимир Михайлович Конашевич (1888–1963) – один из известнейших мастеров книжной иллюстрации, создавший большое количество иллюстраций к басням И. А. Крылова в советское время. В.М. Конашевич учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1908-1913) у К.А. Коровина, С.В. Малютина, Л.О. Пастернака. Как иллюстратор детской книги начал активно работать с 1922 г., был одним из ведущих художников Детгиза. Свои рисунки он выполнял акварелью, черной тушью, пером, карандашом, обозначая контуры предметов, силуэты людей. В композиции почти не было пейзажей. Цветовая гамма ограничивалась тремя-четырьмя цветами, а многоцветность создавалась за счет использования множества оттенков. Художник был очень точен в деталях. Его работы порой отличаются склонностью к декоративной манере, восходящей к графике «Мира искусства», членом которого он был в 1922-1924 гг. С 1930-х годов В.М. Конашевич почти полностью отдался иллюстрированию детских книг. В фонде Детгиза сохранилось 9 иллюстраций к изданию 1936 г. (черно-белые, выполненные акварелью и тушью) и 9 иллюстраций к изданию 1937 г. (цветные, веселые, выполненные акварелью, графическим и цветными карандашами). Стоит отметить иллюстрации к басням И.А.Крылова, выполненные в начале XX века художником Н.П. Осташевым. Это яркие акварельные иллюстрации размером в четверть листа к басням: «Волк и Ягненок», «Гуси», «Демьянова уха», «Крестьянин и Работник», «Лебедь, Рак и Щука», «Лягушка и Вол», «Мартышка и Очки», «Осел и Мужик», «Прохожие и Собаки», «Слон и Моська», «Стрекоза и Муравей». И люди, и звери на иллюстрациях у Н.П. Осташева вполне реалистичны и симпатичны.   «Волк на псарне». Иллюстрация Е.Рачёва И.А.Крылов. Басни. М.: Детская литература, 1965г. Евгений Михайлович Рачёв (1906–1997) – советский художник-анималист, известный своей работой в области книжной графики. Имя художника неразрывно связано со сказками, особенно, сказками с героями-животными. За тридцать лет творческой деятельности Е.М. Рачёв создал сотни иллюстраций. В 1958-1959 годах для выставки «Советская Россия» исполнил большую серию рисунков к басням И. А. Крылова. В 1973 году Е.М. Рачёв стал Лауреатом Государственной премии РСФСР за иллюстрации книг: «Терем-теремок», И.А. Крылов «Басни», С.В. Михалков «Басни». В более поздних иллюстрациях Е.М. Рачёва к басням И.А. Крылова многие животные и звери «одеты» как люди, в человеческую одежду, тем самым, художник показывает, что за сказочным сюжетом и сказочными образами скрываются реальная жизнь и реальные человеческие отношения. Цветные рисунки Рачёва нарядны, красочны, декоративны. Работал художник акварелью, которую клал тонким прозрачным слоем, гуашью и углем. Он всегда выбирал для своих иллюстраций наиболее острые и драматические или комические моменты, сюжеты, чтобы раскрыть перед ребенком самую суть произведения.   Крылов И. Волк и журавль. Басня Крылова / рис. Ив. Ефимова. М.: Издание И. Кнебель, 1913. Создал иллюстрации к басням И.А. Крылова и другой художник-анималист Иван Семёнович Ефимов (1878–1959). И.С. Ефимов, ученик В.А. Серова, был графиком, художником театра, иллюстратором детских книг, педагогом, крупнейшим мастером станковой и монументальной скульптуры. Заслуженный деятель искусств РСФСР, народный художник РСФСР. Вместе с женой, Н.Я. Симонович-Ефимовой (1877–1948), создал первый советский кукольный театр. Своеобразно иллюстрировал детские книги. Его звери и в скульптуре, и в иллюстрации по-особенному пластичны и выразительны. И.С.Ефимова называли «королем животных». Художник много работал акварелью, а в 1930-е годы нашел новый для себя материал для рисования – мягкий литографский и итальянский карандаши. А его отношение к скульптурным материалам, способствовало сближению пластического и декоративно-прикладного искусств. В его работах животный мир становится узнаваемым и близким, благодаря любви художника к предмету изображения. Это иллюстрируют и сохранившиеся в архиве более 50 рисунков и набросков на бумаге и кальке к басням И.А. Крылова, созданных в 1910-е – 1940-е годы. Наброски иллюстраций к басням, созданные в 1910-е годы: «Волк и Лисица», «Волк и Ягненок», «Ворона и Лисица», «Лягушка и Вол», выполнены графическим и итальянским карандашами. Больше всего художника вдохновила басня «Лисица и Виноград», к ней было создано 30 эскизов иллюстраций (8 цветных акварельных и 22 итальянским и графическим карандашами). К изданию в 1913 г. книги И.А.Крылова «Волк и Журавль» И.С.Ефимов создал своеобразные яркие портретные изображения героев басен акварелью.   «Демьянова уха». Иллюстрация Д.Моора. И.А. Крылов. Демьянова уха. Художественно-Эстампная мастерская МТХ. 1948. Свой вклад в иллюстрирование басен И.А.Крылова внес и Дмитрий Стахиевич Моор (Д.С.Орлов) (1883–1946) – один из основоположников советского политического плаката, карикатурист и шаржист. Систематического художественного образования Д. Моор не получил; в 1910 г. посещал школу-студию П.И. Келина. Первоначально работал в Мамонтовской типографии. С 1907 г. публиковал в печати свои карикатуры. В 1920–1930-х годах постоянно выступал и как карикатурист, уделяя особое внимание антирелигиозной пропаганде. Важный вклад внес художник и в советскую книжную иллюстрацию. В последние годы художник работал и над созданием иллюстраций к басням И.А. Крылова: «Лжец», «Пустынник и Медведь», «Разборчивая невеста», «Синица», «Собака и Лошадь», «Троеженец». В его фонде в РГАЛИ сохранилось 34 эскиза 1944–1946 гг., выполненных графическим карандашом.

«Портрет художников Кукрыниксов» Павла Корина

«В 1956 году я задумал написать портрет моих друзей, прекрасных художников — М.В. Куприянова, П.Н. Крылова, Н.А. Соколова — и объединить их во всемирно известном художнике, художнике мощной политической сатиры «Кукрыниксы». Их сатира-плакаты во время Великой Отечественной войны разили врага не хуже наших «Катюш», и по сие время они в политической сатире стоят на передовой линии…» (из воспоминаний художника Павла Корина).

С конца 1930-х живописец и художник-монументалист Павел Корин начал писать серию картин, где изображает своих товарищей, выдающихся представителей Академии художеств. Среди таких работ можно найти портрет легендарных  Кукрыниксов, законченный Кориным в 1958 году.

Павел Корин «Портрет художников Кукрыниксов», 1956-1958. Холст, масло

«Кукрыниксы» — творческий коллектив советских художников-сатириков: Михаила Куприянова, Порфирия Крылова и Николая Соколова. Начиная в 1920-х как литературные иллюстраторы, с 1933 года они становятся художниками политической сатиры и публикуют свои карикатуры в газете «Правда».

Особым этапом в творчестве Кукрыниксов стала Великая Отечественная война. Политическая карикатура была уже не просто пропагандой, она поднимала боевой дух солдат. Три талантливых художника убивали врага юмором, вызывая улыбку у советских граждан в тяжёлые, изнуряющие годы войны.

«Беспощадно разгромим и уничтожим врага!», первый военный плакат Кукрыниксов, 1941

Павел Корин восхищался мастерством своих коллег. Он называл Кукрыниксов «тремя богатырями» русской политической сатиры и мечтал запечатлеть их на холсте. Корин стремился проникнуть в творческий мир художников, уловить их индивидуальность и своеобразие таланта.

— Портрет был трудный: мне надо было передать внутреннюю духовную осанку каждого из них и объединить в одной мощной, предельно выразительной и острой осанке художника «Кукрыниксы», при этом избежать намека на шарж, в портрете он недопустим, — вспоминал Павел Корин. – Много труда положил я на этот портрет, много, много труда…

Одна из главных трудностей, о которой сначала Корин даже и не подозревал, заключалась в том, чтобы скомпоновать три пары ног в разном, характерном для каждой из моделей положении: «Долго дело не ладилось, — говорил художник. — Но к счастью, во время одного из сеансов Соколов зацепился ногой за ножку стула, и тогда работа пошла».

Николай Соколов на картине находится в центре. Слева в углу сидит Порфирий Крылов. А уже отдельно, рядом со столом — Михаил Куприянов. Он изображён практически в полный рост. Некоторые искусствоведы видят в этом психологически-реалистические особенности портрета: Куприянов в силу крупного телосложения просто не поместился за маленький стол.

Кукрыниксы. Слева направо: Порфирий Крылов, Михаил Куприянов, Николай Соколов

Портрет написан в мастерской Кукрыниксов. Причём Корин чаще всего писал всех художников одновременно. Но дольше всех он работал над изображением Соколова. И это сразу бросается в глаза. Николай Соколов — самый лиричный персонаж картины.

Стоит обратить внимание и на задний план портрета. На первом эскизе, сделанном в 1956 году, на фоне был изображён один большой сатирический плакат Кукрыниксов. Но на окончательном варианте работы мы видим, что Корин поместил назад три разных фрагмента политической карикатуры военного времени, тем самым адресовав их каждому из сидящих художников.

«Павел Дмитриевич посмотрел пачку наших плакатов «Окна ТАСС» (серия сатирических плакатов, с агитационными текстами – прим. ред.) и отобрал то, что его устраивало. Надо сказать, что он с самого начала задумал наш портрет на фоне сатирических плакатов военного времени. “Ведь вы, — сказал он нам, — в первую очередь художники сатиры. Такими я и хочу вас показать”». (воспоминание одного из художников-кукрыниксов).

Кукрыниксы «Три года войны». Окно ТАСС № 993, 1944

Изображая статных художников в тёмных костюмах, Корин не боится играть с красками. Синий галстук Куприянова, яркие карикатуры на столе, контрастные плакаты на заднем плане — всё это создаёт неповторимую творческую энергию художников сатиры, которые стали легендой советского искусства.

«Портрет художников Кукрыниксов» Корина поступил в Государственную Третьяковскую галерею в 1959 году из Центрального выставочного зала, где эта картина претендовала на Ленинскую премию. Но премию Павел Корин получил позднее, в 1963 году. И среди портретов, за которые он был награждён, находилась и эта работа.

Картина выставлялась на экспозициях 40-летия Победы, 50-летия МОСХа и на персональной выставке Павла Корина в Нью-Йорке в 1965 году. Сейчас «Портрет художников Кукрыниксов» является частью коллекции Государственной Третьяковской галереи.

СПРАВКА

Павел Дмитриевич Корин – российский и советский монументалист, живописец, мастер портрета, реставратор и педагог, профессор, академик Академии художеств СССР. Лауреат Ленинской и Сталинской премий второй степени.

Художник родился 25 июня 1892 года в Палехе в семье потомственных иконописцев. В 1903—1907 годах учился в Палехской иконописной школе, после окончания которой был принят учеником в московскую иконописную палату Донского монастыря. Позже расписывал монастыри по приглашению художника Михаила Нестерова. В 1912 году Корин поступил в Училище живописи ваяния и зодчества, учился у Константина Коровина и Леонида Пастернака.

Художник Павел Корин

После окончания училища Павел Корин изучал фрески древних русских церквей в Ярославле и Ростове. В 1917 году вернулся в Москву. Писал полотна на исторические темы, портреты современников, создавал монументальные работы. В 1942 году Павел Корин руководил бригадой реставраторов, восстанавливавших плафон и фойе Большого театра, пострадавшего от бомбардировок.

После войны художник руководил реставрацией полотен Дрезденской галереи, возглавлял реставрационную мастерскую музея имени Пушкина. Во Владимирском соборе Киева реставрировал фрески и лично восстанавливал роспись Виктора Васнецова и Михаила Нестерова. Продолжал создавать витражи, мозаики. Например, мозаиками Павла Корина украшены станции метро «Смоленская» и «Павелецкая».

Триптих Павла Корина «Александр Невский», 1942-1943

В 1962 году Корину присвоили звание народного художника СССР. Художник умер 22 ноября 1967 года в Москве в возрасте 75 лет.

Карл Павлович Брюллов биография и картины. Karl Bryullov

Карл Павлович Брюллов — замечательный русский художник обладающий великолепным талантом живописца и прекрасного рисовальщика. В своей творческой биографии Брюллов, выделяется как выдающийся художник исторической живописи, непревзойденный портретист, пейзажист, автор различных монументальных работ. Карл Брюллов являлся ярким сторонником классического академизма, создал ряд великолепных живописных произведений за которые награжден множеством больших золотых медалей.

Карл Брюллов Биография, художник родился в Петербурге в образованной семье академика Павла Ивановича Брюлло, 23 декабря 1799 года, обрусевшего художника монументалиста имевшего французские корни. Мама Карла Мария Ивановна Шредер по происхождению немка, была очень умной женщиной, умело управляла домашним хозяйством и воспитанием семерых детей, из которых пятеро в последствии станут художниками.

В семье молодой Брюллов заметно выделялся особой тягой к рисованию, и отец ему в этом, конечно помогал, в результате в 12 лет отроду талантливого мальчика отец устраивает на обучение в академию художеств, под руководством художника А.И. Иванова.

Совершенствуя свой талант в академии Брюллов познает необходимые азы живописной грамоты, изучает материалы относящиеся к исторической живописной тематике и много работает в этом направлении.

В 1819 году по заданию академии художник создает первую свою картину Нарцисс смотрящий в воду, находящуюся сегодня в Русском музее В Петербурге. В 1821 году он написал картину ‘Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврийского’, в академических кругах картина получила одобрительные отзывы и Карл Брюллов за это произведение награждается золотой медалью и правом дальнейшего обучения живописи в Европе. Посетив европейские города Мюнхен и Дрезден он упорно изучает работыстарых мастеров.

Едет В Италию, где с огромнымвпечатлением зачаровывается работами художника Рафаэля, в частности его произведением ‘Афинская школа’, которое впоследствии копирует, работая над данной копией великого мастера несколько лет.

Создает прекрасные романтичные картины 1827г Итальянский полдень ‘Итальянка, снимающая виноград’, и по схожей теме пишет картину Девушка собирающая виноград в окрестностях Неаполя.В1832 году он пишет картину с обнаженной девушкой под названием ‘Вирсавия’, в 1832 году создает замечательную картину ‘Всадница’ с девушкой на коне Жованин и смотрящую на нее маленькую приятельницу Амацилию Пачини.

В 1834 году Портрет графини Ольги Ивановны Орловой-Давыдовой с дочерью. В 1836 году он пишет портрет Н.В.Кукольника а в 1837 году известного в Италии скульптора И.П. Витали, в 1839 году создает портрет знаменитого русского баснописца И.А. Крылова в 1840 году из под его кисти создается портрет русского писателя А.Н.Струговщикова.

Копия картины Рафаэля вдохновляет Брюллова на создание своегопроизведения, и по заказу мецената А.Н. Демидова, он приступает к написанию картины ‘Последний день Помпеи’, собирая необходимый материал, создал ряд этюдов и эскизов к будущей работе. Тема Последнего дня Помпеи была не случайна, в 1828 году, как раз произошло небольшое извержение вулкана Везувия, жители окрестных поселений были очень напуганы, если помнить, что Везувий однажды разрушил город Помпея в 79 году нашей эры, поэтому тематика извержения Везувия и разговоры современников на эту страшную тему были очень популярны.

Работал с картиной Брюллов в течении трех лет начиная с 1830 года. Среди персонажей в левом части картины художник изобразил и себя. Картина была выставлена на выставке в Риме и восторженно встречена публикой, что соответственно принесло Карлу Брюллову небывалую популярность в Европе.

Картина из Рима была отправлена для демонстрации в Париж ее поместили в одном из залов Лувра, и в Россию уже знаменитую картину привезли в Петербург уже в 1834 году, писатели Тургенев и Пушкин очень восторженно отозвались о картине, Пушкин под впечатлением от увиденного описал данные события в стихотворной форме.

В последствии после возвращения из за границы в 1836 году в знак дружбы Брюллов напишет портрет А.С. Пушкина и некоторых других писателей В 1842 году по заказу царя Николая Брюллов создает историческую картину ‘Осада Пскова королём Стефаном Баторием’ события, которой происходили в 1581 году. Очень трогательная работа Портрет Смирновой У. М. написана Брюлловым в 1840 г,, где изображена милая девушка с собачкой

Некоторое время Карл Брюллов посвящает монументальной росписи с 1839 года по 1845 год он расписывает Пулковскую обсерваторию, а с 1843 года по 1848 год Исакиевский собор в Петербурге. Около 1842 года пишет ряд парадных портретов один из них это Портрет графини Ю.П.Самойловой, удаляющейся с бала с приемной дочерью Амацилией Пачини.

К 1849 году у Брюллова ухудшается состояние здоровья и художник в надежде излечения едет за границу на остров Мадейра а в 1850 году посещает любимую Италию, где создает ряд портретов, среди которых портрет Антонио Титтони и портрет археолога Микеланджело Ланчи

Брюллов прожил не долгую, но насыщенную творчеством жизнь, будучи в Италии, недалеко от Рима, в окрестностях Лацио в Манциане, художник скончался 23 июня в 1852 году

За свою творческую биографию художник Карл Брюллов создал не мало портретов исторических картин, не смотря на классический академизм и декоративность его работ, его иногда критиковали современники. Например критику в сторону художника выражал И.С. Тургенев, тем не менее, художник выделяется непревзойденным мастерством его живописной палитры, хорошо доступной и понятной большинству его современников. Романтичными сюжетами его картин, просто не возможно не любоваться.

Александр Сергеевич в лицее, дома и на Черном море. Экспонаты выставки «Портреты Пушкина»

Этим летом исполняется 220 лет со дня рождения Александра Сергеевича Пушкина. В преддверии юбилея Государственный музей А.С. Пушкина выставляет редкое по размерам и качеству собрание портретов классика русской литературы. Проект подготовлен совместно с Всероссийским музеем А.С. Пушкина при участии двух десятков федеральных и региональных музеев и библиотек.

В экспозиции — 300 произведений в различных жанрах: живопись, скульптура, графика, мелкая пластика, изделия народных промыслов, наивная пушкиниана. Mos.ru и агентство «Мосгортур» рассказывают истории создания ключевых портретов.

Первый портрет Пушкина был написан в Москве. Некоторое время автором этой миниатюры маслом на металле считался неизвестный крепостной. Позднее изображение было приписано офицеру и художнику-любителю Ксавье де Местру, вхожему в дом Пушкиных.

Уроженец французской Савойи де Местр был принят на русскую службу Багратионом в 1799-м, в год рождения Пушкина. Его военная карьера в России началась со знаменитого Швейцарского похода Суворова. Вскоре после возвращения в Россию Суворов умер, и без поддержки полководца де Местру пришлось нелегко. В первые годы XIX века он вместе с семьей осел в Москве, подрабатывая уроками рисования. В это время он создал этот детский портрет будущего поэта и портрет его матери Надежды Осиповны.

Позднее де Местр вернулся в армию, в Отечественную войну дослужился до чина генерал-майора и стал первым директором Морского музеума (сейчас — Центральный военно-морской музей в Санкт-Петербурге).

Первый книжный портрет Пушкина увидел свет в августе 1822 года, когда в Петербурге вышло первое издание его поэмы «Кавказский пленник». Хотя автору к тому моменту исполнилось 23 года, в книгу попал его мальчишеский портрет времен учебы в лицее. Современники видели в этой композиции аллюзию на широко известный тогда портрет Байрона кисти Ричарда Весталла. Английский поэт-лорд на нем так же задумчиво подпирал подбородок.

Изображение юного Пушкина сопровождалось пояснением: «Издатели присовокупляют портрет автора, в молодости с него рисованный. Они думают, что приятно сохранить юные черты поэта, которого первые произведения ознаменованы даром необыкновенным».

Никто не поинтересовался мнением поэта об идее опубликовать в книге лицейский портрет — сам он в то время пребывал в кишиневской ссылке. Получив готовую книгу, Пушкин отметил работу гравера, однако расстроился, что его изобразили юнцом, и распорядился убрать портрет из следующего издания поэмы.

Сложно отрицать ценность работы, благодаря которой до нас дошел облик Пушкина-лицеиста, каким его видели современники. Версию для книги мастерски выполнил известный гравер Егор Гейтман. Споры по поводу изображения, которое он использовал в качестве образца, не утихали долгие годы. Считается, что в основе лежит также представленный на выставке акварельный портрет, сделанный с натуры Сергеем Чириковым — гувернером, воспитателем и учителем рисования Царскосельского лицея. А скопированный с него рисунок, по которому работал Гейтман, приписывают Карлу Брюллову. Этот набросок не сохранился.

Самыми известными изображениями поэта остаются два портрета кисти Василия Тропинина и Ореста Кипренского, написанные после триумфального возвращения Пушкина из ссылки в Михайловском. Оба были сделаны в 1827 году, первый — в начале года в Москве, второй — весной в Петербурге.

Почти одновременное их появление стало событием — публика с удовольствием обсуждала разницу в подходах художников. Оба портрета представлены в экспозиции не в оригиналах, а в репродукциях художников разных лет.

К Тропинину Пушкин обратился сам. Тот показал его в домашней обстановке, в халате, в котором заказчик, скорее всего, не позировал. Карандашный набросок и этюд маслом, сделанные тропининской рукой, показывают процесс работы над шедевром — на этюде еще нет той легкой улыбки, которая появилась потом на портрете. Оба эскиза представлены на выставке.

Кипренский невольно противопоставил «домашнему» поэту Тропинина романтизированного гения со скрещенными на груди руками и статуэткой музы на заднем плане. Довершил этот байронический образ клетчатый шотландский плед через плечо.

Широкую известность работа Кипренского получила благодаря офорту мастера портретной гравюры Николая Уткина, выполненному для поэтического альманаха «Северные цветы на 1828 год». На выставке представлена большая редкость — пробный отпечаток красной краской.

Профессор гравировального класса Академии художеств не ограничился механической репродукцией живописного оригинала. Отказавшись от музы и романтического тартана, изменив положение рук, Уткин смягчил образ, придал ему камерность. Неслучайно такой вариант портрета стал не только самым тиражируемым, но и, по мнению отца и друзей поэта, самым удачным изображением Пушкина.

В число приятелей Пушкина входили братья-художники Григорий и Никанор Чернецовы. В совместную работу, посвященную поэту, каждый из них вложил то, над чем уже работал ранее.

В сентябре 1820 года Пушкин побывал в Бахчисарае. Впечатления от посещения дворца крымских ханов воплотились в поэме «Бахчисарайский фонтан». На пике ее популярности в тех краях оказался и Никанор Чернецов. Он не мог пройти мимо живописной натуры, которая была у всех на слуху, и вернулся в Петербург с запасом набросков.

Его брат рисовал Пушкина, работая над заказом Николая I — огромным полотном, посвященным параду по случаю подавления Польского восстания. Царь распорядился, чтобы на первом плане были изображены все крупные деятели Российской империи, как бы приветствующие историческое событие. В записях Григория Чернецова сохранилась такая пометка о сеансе портретирования: «Александр Сергеевич Пушкин, рисовано с натуры 1832 года, Апреля 15-го. Ростом 2 аршина 5 вершков с половиною». На эскизе Пушкин в компании Крылова, Жуковского и Гнедича прогуливается в Летнем саду.

Смерть поэта побудила братьев вернуться к своим черновикам — так родилась фантазия «Пушкин в Бахчисарайском дворце». Антураж дворца передал Никанор, Григорий вписал в это изображение фигуру Пушкина, однако допустил промашку: он нарисовал поэта с бакенбардами, которые Пушкин в момент своего крымского путешествия еще не носил.

Картина «Пушкин в Бахчисарайском дворце», а также литография «Крылов, Пушкин, Жуковский и Гнедич» тоже представлены на выставке.

Образ Пушкина объединил для совместной работы не только братьев Чернецовых, но и Ивана Айвазовского и Илью Репина.

За полгода до своей трагической гибели Пушкин посетил Академию художеств в Петербурге, где ему представили одного из лучших учеников — 19-летнего золотого медалиста Айвазовского. «С тех пор и без того любимый мною поэт сделался предметом моих дум, вдохновения и длинных бесед и расспросов о нем», — вспоминал художник.

Айвазовский был словно одержим желанием написать своего кумира — он создал целый цикл изображений поэта на фоне крымской природы, насчитывающий более десятка картин. Однако если пейзажная часть, особенно море, получалась у него живо и эмоционально, то на написание Пушкина мастерства у художника не хватало. В конце концов в 1877 году, во время работы над полотном «Прощание Пушкина с Черным морем», знаменитый маринист обратился за помощью к Репину.

«Дивное море написал Айвазовский… И я удостоился намалевать там фигурку», — так потом Репин, явно скромничая, отозвался о своем вкладе в создание шедевра, который занял свое место в ряду лучших образцов живописной пушкинианы. На выставке рядом с плодом сотрудничества двух мастеров висит и одна из сольных работ пушкинского цикла Айвазовского — «Пушкин на берегу Черного моря».

Выставку «Портреты А.С. Пушкина» можно увидеть до 19 мая.

Самые известные русские художники-портретисты и их портреты с названиями

Портретная живопись на Руси появилась еще в эпоху Средневековья и ограничивалась в основном писанием икон, хотя есть и более ранние произведения от XI и XII веков. Первые портреты конкретных людей стали появляться лишь в XVII веке, однако многие из них не дошли до нашего времени. Поэтому мы рассмотрим известных живописцев XVIII – XX веков, чьи работы сегодня представлены в государственных и частных коллекциях и высоко ценятся на аукционах.

Великие русские художники-портретисты

Начнем рассмотрение списка известных русских художников с Боровиковcкого и Кипренского, трудившихся в XVIII – начале XIX веков.

Владимир Боровиковский начинал свою живопись с иконописи, однако после переезда в Санкт-Петербург быстро прославился на весь город своими прекрасными портретами. Его заметила сама Екатерина II, поэтому художнику позировала не только она, но многие знатные особы и целые семейства. В те годы набирал моду сентиментализм, который в исполнении Боровиковского умело сочетался с академической живописью. В результате этого акцент смещался со статуса на индивидуальность героя, на передачу его чувств и внутреннего мира через плавность линий, мягкость переходов, органично подобранный фон. Яркими примерами его портретов являются «Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке», потрет М. Лопухиной, портрет Павла I и другие.

В. Боровиковский. «Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке». 1794 г.

Знатные особы заметили и талантливого Ореста Кипренского. Они пригласили его работать при дворе великой княгини Екатерины Павловны, а затем при поддержке императрицы помогли совершить поездку за рубеж для знакомства с работами известных мастеров. Кипренский рисовал не только богатых персон, но и запечатлел популярных современников, благодаря чему сохранились прекрасные портреты Пушкина, Жуковского, Давыдова, Трубецкого и многих других выдающихся людей. Его трудами на свет появились и портреты многих участников Отечественной войны 1812 года.

О. Кипренский. Портрет А. Пушкина. 1827 г.

В XIX веке трудилась целая плеяда талантливых русских художников, среди которых такие известные мастера, как Репин, Васнецов, Суриков, Брюллов, Перов и другие. Каждый из них внес в русскую портретную живопись что-то свое, что способствовало расцвету этого жанра.

Карл Брюллов стал основателем романтического портрета, так как он уделял большое внимание не статусу героя или передаче его портретного сходства, а его психологическому образу. Благодаря особому колориту, передаче эмоций и подбору подходящего интерьера художнику удавалось знакомить зрителя с характером и интересами героя.

К.П. Брюллов. «Всадница». 1832 г.

Василий Перов работал над неким социально-психологическим портретом, демонстрируя духовный мир через разнообразные чувства моделей. Критики отмечали, что художнику удалось добиться невероятной правдивости в своей портретной живописи и чего-то неизменного, что никогда не выйдет из моды. Перов написал множество портретов известных русских писателей, ученых, деятельных персон. Многие из них художник писал по заданию Павла Третьякова, и они выходили столь удачно, что образы различных известных русских представителей культуры, искусства или науки слились с теми, что созданы умелой рукой талантливого Перова.

В. Перов. Портрет Ф. Достоевского. 1872 г.

Блестящими портретами известных людей порадовал зрителей и известный живописец Илья Репин. Он создал столь огромную серию великолепных портретов своих современников, что превзошел в этом остальных портретистов. Если одни художники сосредотачивались на чувствах своих моделей, другие на их характере, то Репин пытался изобразить каждого известного человека как творчески мыслящую личность. И этот живой пытливый ум читается во взгляде многих его героев, среди которых были такие известные люди, как Толстой, Шишкин, Пирогов и Мусоргский.

И. Репин. Портрет писателя Л. Толстого. 1887 г.

Интеллигенцию изображали и такие художники, как Крамской, Маковский, Васнецов или Суриков. Иван Крамской использовал особый глухой фон, который позволял зрителю сосредоточиться только на чертах лица изображенной персоны и не рассматривать ненужные детали. Константин Маковский, напротив, окружал каждого героя изобилием деталей, а самого его изображал идеальным в роскошной обстановке. Критикам такой подход не нравился, однако заказчики нисколько не были против такой идеализации и платили художнику огромные деньги. Для Виктора Васнецова и Василия Сурикова портретная живопись основной не была, тем не менее, они подарили миру множество прекрасных работ.

К. Маковский. Портрет В. Волконской. 1884 г.

В XX веке яркие портреты представили общественности Коровин, Серов, Богданов-Бельский, Нестеров и многие другие. В этот период в портретной живописи начинается уход от академической школы и развиваются разнообразные живописные стили. Так, Константин Коровин и Валентин Серов в числе первых создали картины в стиле импрессионизма. Портрет хористки Коровина даже сняли с выставки, посчитав слишком вызывающим и непонятным, однако позже он был признан подлинным шедевром, равно как и «Девочка с персиками» Серова. У Зинаиды Серебряковой импрессионистская манера письма наложилась на умение подмечать все красивое. Ее модели выглядели хрупкими и женственными, что значительно выделяло ее работы среди других.

З. Серебрякова. Портрет О. Лансере. 1910 г.

У Бориса Кустодиева к импрессионизму добавился модерн: помимо характерных для импрессионистов широких мазков он использовал прием разворота героя на три четверти к зрителю и размещения его в углу комнаты.

Б. Кустодиев. Портрет Ю. Кустодиевой с дочерью Ириной. 1908 г.

Константин Сомов изобрел так называемый ретроспективный портрет, при котором он изображал модель в нарядах или обстановке прошлых столетий.

К. Сомов. Портрет Е.П. Носовой. 1911 г.

Портреты самых известных русских художников

Рассмотрим ряд известных работ именитых русских портретистов, которые высоко оценили зрители и коллеги по цеху.

У Владимира Боровиковского назовем несколько чувственных портретов женщин: портрет сестёр А. Г. и В.Г. Гагариных, портрет М.И. Лопухиной и портрет Е.А. Нарышкиной. Все три работы написаны художником в течение пяти лет и стали отправной точкой для его сентиментальных портретов. В них на первое место выдвигается женственность, мягкость и чувственность девушек вместо их высокого положения в обществе, что подчеркивается спокойным гармоничным фоном, плавными линиями и мягкими переходами одного оттенка в другой. Такой подход был оригинальным для своего времени и быстро сделал художника знаменитым.

Портрет сестёр А.Г. и В.Г. Гагариных. 1802 г.

У Кипренского есть такие широко известные произведения как «Бедная Лиза», портрет В.А. Жуковского, портрет отца А.К. Швальбе, упомянутый выше портрет А.С. Пушкина и автопортрет 1828 года. Расскажем подробнее о последнем. В автопортрете Кипренский изобразил себя в характерной для него манере романтизма. Мы видим на нем восточный халат, на которые тогда была мода, некоторую небрежность в прическе и рубашке и целую гамму чувств на лице. Это и любезная полуулыбка, и проницательность ко всему происходящему, и некоторая тревога за будущее. Интересно, что за несколько лет до этого в 1820 году художник написал более строгий автопортрет по заказу галереи Уффици, расположенной во Флоренции (старейшая и наиболее известная в Европе галерея). Фактически Кипренский стал одним из первых русских художников, чья работа украсила знаменитую галерею. Рассматриваемый нами автопортрет от 1828 года тоже не остался незамеченным, так как в 1870 году его приобрел в свою коллекцию Павел Третьяков. Работа и поныне находится в Третьяковской галерее.

О. Кипренский. Автопортрет. 1828 г.

У Карла Брюллова помимо упомянутой выше картины «Всадница» есть замечательные портреты знаменитого баснописца И.А. Крылова, княгини М.А. Бек и картины «Итальянское утро» и «Итальянский полдень». О последних расскажем подробнее, так как они стали судьбоносными в жизни художника.

К. Брюллов. «Итальянское утро». 1823 г.

Жанровый портрет «Итальянское утро» с изображением полуобнаженной умывающейся девушки сделал Брюллова известным и столь понравился Обществу поощрения художников, что оно преподнесло его императору Николаю I и его супруге. Императорская чета наградила мастера бриллиантовым перстнем и заказала парную к ней картину. Однако вторая работа под названием «Итальянский полдень» привела к обратному эффекту: коллеги по живописи обвинили художника в том, что он отошел от академических эталонов красоты и осмелился рисовать пышнотелую девицу. Брюллов в ответ на такое неприятие разорвал связи с обществом художников и заявил, что картина — не статуя, и в ней вполне допустимо приближаться к тем формам, которые реалистичны и больше нравятся нам.

К. Брюллов. «Итальянский полдень». 1827 г.

Среди многочисленных удачных портретов Перова мы в качестве примера возьмем портрет Островского. Эту картину считают одной из лучших не только среди работ художника, но и в русской портретной живописи в целом. Перов любил творчество Островского и запечатлел его без пафоса и прикрас таким, каким нередко видел. Великий драматург предстает перед зрителем в домашней одежде без эффектного фона или красивых атрибутов. Это помогает сосредоточиться на его пытливом взгляде, проницательности и глубоких эмоциях. Портрет быстро стал известным, переместился в Третьяковскую галерею и позже неоднократно печатался на марках.

В. Перов. Портрет А.Н. Островского. 1871 г.

Как мы отметили ранее, Илья Репин создал огромную галерею портретов популярных современников. Среди них особенно отметим портрет Мусоргского, ставший одной из известнейших работ именитого русского художника. Это единственный портрет, который был создан при жизни Мусоргского, ушедшего из жизни всего в 42 года. Нашего современника может удивить, почему великий композитор изображен с красным носом в халате и всклокоченными волосами. Но это вполне объяснимо, так как Репин спешно писал его портрет в больнице за несколько дней до кончины композитора. Художник не отступил от своих принципов реализма и показал великую личность во всей полноте и многогранности. С одной стороны, мы видим изможденного алкоголизмом, неприятием общества и болезнью человека, с другой сильного человека с ясным и пытливым взглядом.

И. Репин. Портрет композитора М.П. Мусоргского. 1881 г.

У Кустодиева не менее популярен портрет Федора Шаляпина, ставший одним из лучших в портретной живописи мастера. Несмотря на то, что художник на момент написания портрета был прикован к инвалидному креслу, он не отказался от идеи написать большой двухметровый холст. Чтобы воплотить ее в жизнь, Кустодиеву приходилось работать над отдельными частями портрета в положении полулежа и использовать специальные устройства для наклона холста. Жанровый портрет полностью отражал народный дух оперного певца и так понравился ему, что Шаляпин высокого ценил его и бережно хранил в своем доме. Кустодиев же сделал уменьшенную авторскую копию и представлял ее на выставках. Позже обе работы были переданы в музеи, где и хранятся сегодня.

Б. Кустодиев. Портрет Ф.И. Шаляпина. 1922 г.

Еще одним популярным портретом стала картина Сомова «Дама в голубом». Игорь Грабарь даже называл ее «Джокондой современности», настолько точно образ женщины отражал характер Серебряного века. Современники художника были одновременно и захвачены жизнью, и испытывали грусть от недоверия к ней. Особенностью портрета стали не только противоречивые чувства дамы, но и ее странный наряд из предыдущих веков. Картину быстро заметили на выставке «Мир искусства», однако в Третьяковскую галерею она попала только благодаря В. Серову, так как другие Члены Совета галереи не хотели голосовать за странную работу.

К. Сомов. «Дама в голубом». 1897–1900 гг.

Самые дорогие портреты русских художников

Посмотрим, искусство каких русских художников особенно ценится на крупных аукционах в последнее время. Мы рассмотрим несколько наиболее крупных уходов портретов в период с 2000 по 2020 годы.

Первую тройку самых дорогих портретов открывают образы женщин. Дороже всего оценили образ актрисы кабаре, запечатленной художницей Тамарой де Лемпицки в работе Portrait de Marjorie Ferry. Эта работа была выставлена в аукционном доме Christie`s в 2020 году и ушла с молотка за 21 млн долларов (16,3 млн фунтов стерлингов).

Тамара де Лемпицка. Portrait de Marjorie Ferry. 1932 г.

На втором месте оказался портрет «Шокко» художника Алексея Явленского. Картина была представлена на аукционе Sotheby`s в 2008 году и ушла за 18,6 млн долларов.

А. Явленский. «Шокко (Шокко в широкополой шляпе)». Около 1910 г.

Замыкает тройку портрет Марии Цетлиной, созданный Валентином Серовым. Это великолепная работа попала на аукцион Christie`s в 2014 году из музея и, конечно, вызвала ажиотаж среди покупателей. Ее охотно купили за 14,5 млн долларов (9,3 млн фунтов). Подробнее о трех описанных картинах вы можете почитать в статье о самых известных женских портретах.

В. Серов. Портрет Марии Цетлиной. 1910 г.

На четвертом месте расположился портрет «Маленький ковбой», созданный известным русских художником Николаем Фешиным. Эта работа поступила на аукцион MacDougall`s в 2010 году из галереи Stendahl Лос-Анджелеса. Холст считается одним из самых блестящих портретов художника, в котором Фешину удалось создать целостный и колористически изящный образ маленького ковбоя. Так как за полгода до этого картина уже уходила с аукциона William Doyle за 500 тыс. евро, на MacDougall ее выставили по стартовой цене 500-700 тыс. фунтов. Однако один из телефонных покупателей так горячился, что нередко прибавлял сразу по полмиллиона фунтов. В итоге жарких торгов цена взлетела до рекордных 7 млн фунтов (10,9 млн долларов), что стало сенсационной продажей. После этого Фешин оказался в десятке самых дорогих продаж картин в категории русской живописи. На февраль 2021 года он переместился на 13 место, но по-прежнему обгоняет своего учителя Илью Репина.

Н.И. Фешин. «Маленький ковбой». 1940 г.

Еще один портрет, проданный за миллионы долларов, принадлежит талантливому русскому художнику Юрию Анненкову. Живописец создавал картины в своей оригинальной манере, используя самые разные приемы, смешивая стили и направления так, что даже критики не могли предугадать его следующей работы. Именно эта оригинальность и живописная смелость привели его к славе и узнаваемости его картин, особенно портретов. В 2014 году на торги аукционного дома Christie`s попал один из таких ярких портретов, созданный в смешанных стилях. На картине запечатлен А.Н. Тихонов, а сама она экспонировалась на международной выставке в Венеции в 1924 году. С аукциона портрет ушел за 6,2 млн долларов (4 млн фунтов).

Ю.П. Анненков. Портрет А. Тихонова. 1922 г.

Портреты известных русских художников можно перечислять еще долго, ведь в этом жанре работали не только портретисты, но и пробовали себя практически все именитые мастера живописи. Одни из них писали популярных современников и знатных особ, другие искали и создавали свой образ женщины через женские портреты, а третьи не менее увлеченно писали самих себя. Благодаря этому зритель сегодня может найти в русском портрете большое разнообразие образов, эмоций, идей и художественных приемов.

Обезьяна Крылова про Геббельса | Художественный институт Чикаго

Дата:

20 ноября 1944 г.

Исполнитель:

Кукрыниксы
(Российский, основан в 1924 г.)

Об этой работе

Статус

В настоящее время не отображается

Отдел

Печать и рисунки

Художник

Кукрыниксы

Титул

Обезьяна Крылова о Геббельсе

Происхождение

Россия

Дата

1944 г.

Средний

Трафарет

Надписи

«Я бы задохнулся от горя, Если бы я вообще был похож на него.”

Размеры

1287 × 1162 мм

Кредитная линия

Дар Общества культурных связей СССР с зарубежными странами

Справочный номер

2010. 107

Расширенная информация об этом произведении

Информация об объекте находится в стадии разработки и может обновляться по мере появления новых результатов исследований. Чтобы помочь улучшить эту запись, пожалуйста, напишите по электронной почте. Информация о загрузке изображений и лицензировании доступна здесь.

Амазон.com: Imagekind Wall Art Print под названием «Портрет поэта Ивана А. Крылова», 1812 г., автор: The Fine Art Masters

• Убедитесь, что он подходит, введя номер модели.
• ЧЕРНИЛА: отпечатки Жикле производятся с использованием лучших в отрасли 11-цветных пигментных чернил Canon Lucia PRO EX.
• БУМАГА: Все отпечатки сделаны на матовой архивной бумаге плотностью 230 г/м2 для исключительной детализации и цветопередачи.
• ОКОНЧАТЕЛЬНАЯ ОБРАБОТКА: Отпечатки обрезаются до границы ¼ дюйма, чтобы в будущем их можно было матировать. Все размеры указаны приблизительно.
• СДЕЛАНО НА ЗАКАЗ: Печать производится в момент заказа в Портленде, штат Орегон.

Зимний пейзаж Никифора Крылова ❤️

Крылов — первый ученик А.Г. Венецианова, художника, с которого началась история школы Сафонкова. Венецианов познакомился с Крыловым в Теребенском монастыре Тверской губернии, где расписывал иконостас с артелью калязинских иконописцев на положении подмастерья. По совету Венецианова Крылов начал рисовать с натуры и писать портреты. В 1825 году он приехал в Петербург, поселился у Венецианова в качестве его ученика и одновременно начал посещать уроки рисования в Академии художеств.

Картины Никифора Крылова известны очень мало, «Русская зима» — самая значительная из них.В документах Общества поощрения художников, покровительством которого пользовался Крылов, сохранились сведения об истории написания этого пейзажа. Когда у молодого художника возник замысел исполнить зимний образ с натуры, нашлись меценаты, готовые помочь ему в этом. По выбору Крылова места под Тосной им была выстроена там целая мастерская, «дающая художнику и содержание на протяжении всей его учебы». В течение месяца картина была закончена и после появления на выставке Академии художеств в 1827 году произвела на зрителей сильное впечатление. Работая над пейзажем, Крылов остался верен принципу, вдохновленному Венециановым, «не изображать ничего иного, как в натуре и подчиняться ей одной».

Художник написал пейзаж с высокого берега, и это позволило ему представить широкую панораму местности. Со склона дорога спускается в пойму реки Тосна с берегами, поросшими кустарником, вдали виднеется темная полоса густого хвойного леса. Художник тонко чувствовал состояние природы зимним днем.На снегу лежат голубые тени, небо затянуто тучами, на фойе снега отчетливо проступают предметы. Пейзаж оживляют фигуры людей, занятых повседневными делами: здесь и две женщины, встретившиеся на пути к проруби, где полоскают белье, и статная крестьянка с деревянными ведрами на качалке, и молодой крестьянин ведя лошадь под уздцы. Острота полевого наблюдения сочетается у Крылова с поэтичностью общего настроения, оживляющего пейзаж.

Памятник Ивану Крылову, Москва | Культура России в достопримечательностях

Собрать картинки к его сообщению оказалось одной из самых сложных задач, которые я когда-либо выполнял в этом блоге. Я легко мог сделать вдвое больше выстрелов, чем те восемь, на которых остановился. Но как истинный сторонник того, что чем меньше, тем лучше, я подвел черту к этим восьми, все еще превышая любое количество, которое я когда-либо использовал. Дело в том, что мне посчастливилось попасть в этот памятник великому русскому баснописцу Ивану Крылову в День города в Москве.Улицы кишели семьями, чтобы насладиться прекрасной погодой, концертами по всему городу, уличным театром, специальными кафе, клоунами, воздушными шарами и тому подобным. И, конечно же, Крылов — одна из самых любимых фигур в русской культуре. Его басни и сказки, частично, но не целиком заимствованные из Лафонтена, являются практически первым институциональным знакомством каждого русского ребенка с юмором, мудростью, иронией и парадоксами природы и человеческой жизни. Может быть, это одна из причин, почему эта культура так хорошо справляется с литературой и искусством, как с точки зрения их культивирования, так и с точки зрения их оценки, потому что практически каждому гражданину с начала 19 века привито величие Крылова с самых ранних лет.
Если вам нужно доказательство детской любви Крылова, просто просмотрите эти фотографии – посмотрите, как легко им с мужчиной, посмотрите, какая любовь и ласка у них к нему (т.е. девочка, блаженно обнимающая его правое колено внизу). Трудно сказать, что обо всем этом думает Крылов в этом памятнике работы Андрея Древина и Даниила Митлянского, построенном архитектором Арменом Челтыкяном в 1976 году на северном берегу Патриаршего пруда. В некоторых ракурсах он слегка улыбается, как будто он слишком много знает о мире, чтобы по-настоящему разделить радость детей, но у него также слишком доброе сердце, чтобы отрицать их радость.С другой стороны, бедняга выглядит просто утомленным всем этим — утомленным вероломством человечества, о котором он так хорошо писал, и утомленным излиянием любви, с которой он никак не может сравниться.

Памятник представляет собой составную часть, разбросанную по большой территории, которая включает в себя статую Крылова и несколько панно, мимо которых вы проходите, чтобы приветствовать великого человека, и которые иллюстрируют сцены из некоторых из его самых популярных басен. Сразу же вверху вы видите изображение «Волк и цапля» на фоне Крылова.На последнем снимке ниже вы видите исполнение басни «Волк и ягненок», а Крылов еще дальше.
Крылов (1769-1844) был поэтом, публицистом, издателем и, конечно же, баснописцем nonpareil . Он был очень популярным человеком в свое время, и он был также просто огромен. В обширной статье в русской Википедии есть одно предложение, которое справедливо просит быть процитированным: «Анекдоты о его удивительном аппетите, его лени, его любви к огням, его необычайной силе воли, его остроумии, популярности и его уклончивой настороженности слишком известны.Его любовь к огням? Возможно, это одна из лучших, наиболее полных однострочных биографий, которые я когда-либо читал. Если вы будете искать в сети изображения Крылова, то, скорее всего, найдете его только в старости. Мне нравится, что здесь скульпторы сделали его относительно молодым. Это соответствует его 236 басням, которые сегодня так же молоды, как и тогда, когда были написаны. Для тех, кому интересно, в сети есть довольно крутая электронная книга на английском языке. Он был издан в 1869 году, включает биографию и прозаические переводы примерно половины басен Крылова.

Нравится:

Нравится Загрузка…

Подобие королевы: портреты Елизаветы I

За время своего правления королева Елизавета I стала публичной иконой. Ее изображение появилось на большом количестве предметов — от монет в кошельках до масштабных рисованных портретов. Эти изображения были тщательно разработаны и служили инструментом для манипулирования общественным имиджем королевы.Однако с натуры написано лишь несколько портретов Елизаветы. Вместо этого, как только дизайн или портретный узор был установлен, художники делали несколько версий и копий, чтобы удовлетворить значительный спрос на портреты королевы.

Исследования, проведенные в рамках проекта Making Art in Tudor Britain , позволили получить новую информацию о первоначальном облике некоторых из этих сохранившихся картин и выявить изменения во внешнем виде, которые произошли в результате воздействия окружающей среды или вмешательства более поздних владельцев.

1. Ранний портрет королевы
2. «Портрет Дарнли»
3. Портрет со скрытой змеей
4. Раскрытая королева
5. «Портрет Армады»
6. «Портрет Дитчли»
7 Посмертный портрет

1. Ранний портрет королевы, ок. 1560

Портрет

Этот портрет относится к ранним годам правления Елизаветы, когда ей было около двадцати или чуть больше тридцати лет. Он был написан до того, как она стала ассоциироваться с более сложными эмблемами и образами, например, относящимися к девственности или мудрости, которые часто встречаются на более поздних портретах, и когда от нее еще ожидали вступления в брак.Хотя сходство упрощено и довольно шаблонно, оно показывает черты, узнаваемые по ее более поздним портретам, такие как ее темные глаза, узкий нос и рыжие волосы.

Фон

Технический анализ показал, что когда-то портрет выглядел совершенно по-другому: изначально фон был яркого синего цвета. Пробы краски показали, что художник использовал пигмент на основе стекла, известный как «смальта», который со временем тускнеет и может привести к обесцвечиванию масляной среды до бледно-коричневого цвета. Синий фон сделал бы желтую надпись «Элизабет Регина» в верхней части изображения более яркой.

Рис. 1 и 2: подробные изображения надписи с
стороны головы королевы.

Рис. 3 и 4: Цифровая реконструкция, показывающая, как изначально надпись выделялась на фоне.

Подчертеж

Анализ рисунка под краской показал, что портрет выполнен по шаблону, что было обычной практикой в ​​шестнадцатом веке.Несколько версий этого портрета, вероятно, были написаны в этот ранний период правления королевы, а другие сохранившиеся версии включают портрет «Клоптон» и картину в Музее жизни Тетфорда. Попытка упорядочить изготовление изображения царицы была предпринята в 1563 г., но только в черновом виде; он предложил схему, в которой подходящий портретный рисунок получит официальное одобрение и затем сможет использоваться художниками и граверами.

Рис. 5: Мозаика инфракрасной рефлектограммы, показывающая подрисовку лица, которая особенно заметна на носу

Рис. 6: Другая сохранившаяся версия портрета © Служба музеев Норфолка. Древний дом-музей Тетфордской жизни.

2. «Портрет Дарнли»,

Портрет

Эта замечательная картина известна как «Портрет Дарнли» по имени предыдущего владельца и является одним из наиболее важных сохранившихся портретов Елизаветы I. Она почти наверняка была написана с натуры, и получившийся рисунок лица королевы регулярно использовался для остальных портретов. ее царствования (см. раздел 4).Вполне вероятно, что он был заказан придворным, близким к королеве, и возможно, что кулон или веер могли быть подарком от этого человека. У придворных и представителей знати был обычай дарить королеве подарки на Новый год; Любимец Елизаветы, граф Лестер, подарил королеве веер на Новый год 1573–1574, и есть записи о других веерах, которые ей подарили примерно в то же время. Однако ни одно из описаний точно не соответствует фанату на этом портрете.

Изменение цвета

Рис. 7: Фрагмент лица, которое изначально должно было казаться более «розовым» из-за красной озерной глазури, которая сейчас утрачена

Цвета на этом портрете со временем значительно изменились. Анализ показал, что чрезвычайно бледный цвет лица Элизабет изначально должен был быть более розовым, поскольку красный цвет на теле потускнел. Распространенное предположение, что у Елизаветы всегда были очень бледные черты лица, кажется мифом; однако известно, что в конце своего правления она носила бледный макияж.

Рис. 8: Цифровое перекрашенное изображение, показывающее, как изначально могла выглядеть ткань.

Когда-то вся картина была бы намного ярче. Например, вышивка на платье королевы выглядела бы намного богаче, а края золотисто-коричневого узора изначально могли быть красновато-фиолетовыми. Это изменение цвета было вызвано нестабильностью синего пигмента «смальта», а также выцветанием красного лака.

Тип и метод

Анализ показывает, что картина могла быть написана нидерландским художником, возможно, посетившим Англию на короткое время. Большая часть картины, кажется, была выполнена одним художником, который работал быстро и уверенно. Однако корона на столе справа принадлежит другому художнику и, похоже, была добавлена ​​на очень поздней стадии.

Рис. 9 и 10: Свобода обращения с краской при изображении веера контрастирует с более методичным использованием краски при изображении короны

Рис. 11: Фрагмент мозаики инфракрасной рефлектограммы, показывающий рисунок от руки на руке

Анализ рисунка подтвердил, что часть этого портрета была нарисована от руки.В первоначальный проект был внесен ряд изменений как на этапе рисования, так и на этапе покраски. Положение вентилятора было изменено в процессе покраски; Первоначально он был меньше и расположен немного выше, а контур ручки был нарисован, но никогда не рисовался.

Платье и украшения

Рис. 12: Деталь драгоценного камня, свисающего с талии Элизабет

Мужественность дублета королевы в польском стиле на этом портрете помогает создать образ женщины, не уступающей своим коллегам-мужчинам в других европейских странах. Изящно расписанный кулон, свисающий с талии королевы, типичен для драгоценностей эпохи Возрождения и состоит из большого красного рубина, окруженного римскими богами. Минерва (богиня мудрости) изображена вверху, Юпитер (правитель богов) у основания и Венера (богиня любви), Амур и Марс (боги любви и войны) по бокам. Большинство таких драгоценностей были подарками от придворных или важных гостей, и их считали отражением классической учености королевы.

3. Портрет со скрытой змеей, ок.1580-е-90-е годы

Портрет

Из-за потери краски с поверхности сейчас трудно представить, как эта картина выглядела бы первоначально. Композиция была основана на существующей формуле портрета, и многие версии этого типа портрета должны были быть написаны, хотя очень немногие сохранились до наших дней. Елизавета изображена с орденом Малого Георгия, медалью, означающей членство в Ордене Подвязки, на ленте на шее.

Змей

Краска на этом портрете со временем стала более прозрачной, что показало, что изначально Элизабет была нарисована держащей змею, очертания которой теперь стали видны. Эмблема змеи была частью первоначального дизайна и должна была выглядеть в основном черной с зелеными и желтыми чешуйками. Пальцы Елизаветы изначально были сцеплены вокруг змеи, а не вытянуты, как сейчас. На заключительном этапе процесса покраски было принято решение заменить змею небольшим букетом роз, которые еще частично видны. Эмблема змеи была необычным выбором. Иногда он использовался для обозначения мудрости, благоразумия и обоснованного суждения, и все это было бы уместно для Елизаветы.Однако в христианской традиции змеи или змеи использовались для обозначения сатаны и первородного греха. Таким образом, решение убрать змею с этого портрета могло быть связано с двусмысленностью эмблемы. Хотя существует несколько сохранившихся версий этого портрета, ни на одной из них не изображена королева, держащая змею.

Рис. 13: Деталь, показывающая, как змея теперь видна сквозь верхние слои краски

Рис. 14: Мозаика инфракрасной рефлектограммы, показывающая, что змея была полностью смоделирована до того, как на нее был наложен цветок

Портрет под

Анализ показал, что портрет Елизаветы написан поверх незаконченного портрета совсем другого натурщика. Рентгенограмма показывает женскую голову в более высоком положении, обращенную в противоположную сторону от портрета Елизаветы. Теперь можно увидеть глаза и нос лица под ним, где со лба Элизабет исчезла краска. Также можно увидеть губы и головной убор, а также воротник, который был расположен под подбородком Элизабет. Личность оригинального натурщика остается загадкой, но незаконченный портрет, похоже, был очень грамотно написан, возможно, другим художником. Датировка годичных колец показывает, что дерево, из которого изготовлена ​​одна из досок на панно, было срублено после 1572 года, поэтому первоначальный портрет не мог быть написан до этой даты.Это открытие демонстрирует периодическое повторное использование панелей художниками в шестнадцатом веке.

Рис. 15: Рентгеновская мозаика, на которой виден портрет неизвестной женщины под портретом Елизаветы I

Рис. 16: Деталь микрофотографии, показывающая, как правый глаз женщины теперь виден под волосами Элизабет в результате истончения верхних слоев краски

4.

Портрет

Многочисленные другие версии этой композиции сохранились, в том числе в Национальном морском музее и замке Хевер, что свидетельствует об увеличении производства портрета королевы в 1580-х годах.Нижний рисунок, обнаруженный с помощью инфракрасной фотографии, предполагает, что сходство с Элизабет основано на образце, взятом из портрета «Дарнли». Есть также некоторые свидетельства подкраски красным в руках и веере, и вполне вероятно, что красное озеро использовалось для обозначения этих элементов композиции после того, как платье было окрашено в черный цвет.

Рис. 17. Вариант портрета в замке Хевер © Hever Castle

Рис. 18: Инфракрасная фотография, показывающая подрисовку лица

Рис.19: Микрофотография, показывающая красную подкраску, отмечающую положение вентилятора

Дискавери

Этот портрет был обнаружен в 1890 году в коттедже в Кулхэм-Грин, недалеко от Шипли, Сассекс. Она была встроена в обшивку стены непосредственно над камином перед дымоходом, и поверхность была настолько покрыта грязью и дымом, что выглядела как почерневшая деревянная панель. Сэр Рой Стронг утверждал, что картина могла изначально находиться в коллекции виконтов Монтегю в Cowdray House.Однако теперь ясно, что право собственности на портреты Елизаветы было гораздо шире, чем предполагалось первоначально, и включало в себя лиц, не входящих в дворянство и дворянство. Этот портрет мог быть изготовлен для живого рынка и куплен в готовом виде, поэтому определить первоначальное право собственности проблематично.

Рис. 20: Коттедж, где была обнаружена картина

Рис. 21: Камин, над которым висела картина; задняя часть панели осталась голой, и на ней скопилось множество битой плитки и мусора

Изменение фона

Первоначальная фоновая композиция была обнаружена под более поздним перекрашиванием с помощью рентгенографии, которая показала четкие складки ткани позади королевы. Фотомикроскопия показала, что это полотно было зеленого цвета, окрашено медно-зеленой глазурью по серому подслою, аналогичному фону в варианте портрета из Национального морского музея.

Рис. 22: Рентгенография показывает складки на исходном тканевом заднике композиции

Рис. 23: Фрагмент микрофотографии, показывающий зеленую краску, лежащую под черной краской

5. «Портрет Армады», ок.1588

Портрет

Этот портрет является одним из трех основных вариантов композиции, написанной в честь поражения испанской армады. Фоновые морские пейзажи и драпировки были обнаружены во время консервации в 1970-х годах и очень похожи на те, что в других сохранившихся версиях в Вобурнском аббатстве и в частной коллекции, хотя последняя скрыта закрашиванием семнадцатого века.

Подставка для картины была изготовлена ​​из горизонтально выровненных досок, что позволяет предположить, что когда-то она была альбомной, а не портретной, и была обрезана по бокам. Это является дополнительным свидетельством его близкого родства с двумя другими версиями, и в настоящее время проводится сравнительный технический анализ для изучения связей между сохранившимися изображениями.

Знаменательная дата

Необычно, что опора панели изготовлена ​​из смеси английского и балтийского дуба. Единственная английская доска содержит заболонь, а это означает, что можно установить диапазон дат рубки дерева, из которого изготовлена ​​доска. Последнее кольцо из сердцевины датируется 1567 годом, а диапазон дат использования предполагает, что панель использовалась между 1578 и 1600 годами.Эта предполагаемая датировка панели подтверждает интерпретацию композиции о том, что работа была написана в память об Армаде, возможно, вскоре после 1588 года.

Рис. 24: Фотография оборотной стороны, сделанная при прямом свете, показывающая горизонтальное выравнивание досок, используемых для поддержки панели, и кнопки, примененные позднее для поддержки конструкции

Рис. 25: Фрагмент английских кораблей на заднем плане

Портрет

Придворный, заказавший этот портрет, сэр Генри Ли, владел поместьями в Дитчли, Куаррендоне и Вудстоке, и портрет оставался в семье до тех пор, пока не был завещан галерее в 1932 году; картина, вероятно, была сделана в ознаменование визита королевы в Дитчли в 1592 году. Елизавета изображена стоящей на земном шаре в окружении латинских надписей на тему прощения; картина могла быть частью щедрых аллегорических развлечений, устроенных во время ее визита.

Яркое солнце

Инфракрасная рефлектография показывает, что солнце в верхнем левом углу изначально было изображено гораздо более детально, с лучами, растянувшимися по всей композиции. Теперь они гораздо менее заметны из-за истирания поверхности краски. Эта деталь тесно связана с сонетом в картуше в правом нижнем углу, в котором королева упоминается как «Принц света».

Роскошные детали

Внимание к деталям при работе с краской на земном шаре и драгоценных камнях примечательно, учитывая масштаб картины. Графства Англии окрашены в разные цвета, а реки окрашены в ярко-синий азурит, который также использовался для обозначения моря. Здания окрашены в ярко-красный цвет, смешанный со свинцовыми белилами, а детали тщательно нанесены чистой киноварью и пурпурной глазурью.

Рис. 26: Деталь цифровой инфракрасной рефлектограммы, показывающая солнечные лучи

Армиллярная сфера, свисающая с уха Елизаветы, была символической ссылкой на ее божественную силу, а также эмблемой ежегодного Дня престолонаследия.Эта эмблема также появляется на портрете сэра Генри Ли Антониса Мора 1568 года (NPG 2095). Драгоценности, пришитые к платью Елизаветы, могут быть точными копиями конкретных предметов, поскольку есть некоторое сходство с драгоценностями, перечисленными в описи, составленной в 1587 году.

Рис. 28: Фрагмент армиллярной сферы

Рис. 29: Фрагмент армиллярной сферы, изображенный на рукаве сэра Генри Ли в NPG 2095.

Этот портрет

Королева Елизавета I
работы Неизвестного художника
начало 17 века с росписью 18 века
NPG 542

Тот портрет Елизаветы, который можно увидеть на первый взгляд, практически весь написан в восемнадцатом веке. Лицо и волосы королевы были изменены в соответствии со стандартами красоты и стиля восемнадцатого века; ее лицо сделалось круглее и моложе, а волосы перекрашены в локоны.Однако дендрохронология и рентгенография указывают на то, что картина нарисована поверх более раннего портрета, датируемого началом семнадцатого века (возможно, сразу после смерти королевы). Древесина, использованная для панно, была срублена в начале семнадцатого века, и картина могла быть перекрашена из-за повреждения оригинального портрета. Существует несколько других портретов Елизаветы, которые были аналогичным образом «обновлены» в восемнадцатом веке, что указывает на посмертное возрождение интереса к королеве в этот период, возможно, во время правления королевы Анны, следующей королевы, которая правила единолично.