«Поэт» анализ стихотворения Лермонтова по плану кратко – средства выразительности, эпитеты, метафоры, смысл
4.6
Средняя оценка: 4.6
Всего получено оценок: 85.
Обновлено 28 Апреля, 2021
4.6
Средняя оценка: 4.6
Всего получено оценок: 85.
Обновлено 28 Апреля, 2021
В стихотворении “Поэт” («Отделкой золотой блистает мой кинжал…») М. Ю. Лермонтов поднимает тему роли поэта в обществе, проводя параллель между образами поэта и кинжала, размышляет о состоянии поэзии в послепушкинский период. На уроках литературы в 9 классе пригодится полный и краткий анализ “Поэт” по плану.
Материал подготовлен совместно с учителем высшей категории Кучминой Надеждой Владимировной.
Опыт работы учителем русского языка и литературы — 27 лет.
Краткий анализ
Перед прочтением данного анализа рекомендуем ознакомиться со стихотворением Поэт.
История создания – написано в 1838 году. Поэт продолжает тему предназначения поэта, гибель Пушкина всё ещё сказывается на его творчестве.
Тема – тема поэта и поэзии, гражданская лирика.
Композиция – Стихотворение делится на две структурные части: повествование о кинжале и обращение к поэту. Состоит из 11 строф.
Жанр – элегия с чертами сатиры.
Стихотворный размер – четырёх- и шестистопный ямб.
Метафоры – “наследье бранного востока”, “покрытый ржавчиной презренья”.
Эпитеты – “таинственный закал”, “надёжный клинок”, “бесславная игрушка”, “хладный труп”, “могучие слова”, “изнеженный век”, “ветхая краса”, “осмеянный пророк”.
Синекдоха – “воспламенял бойца для битвы”, “не так ли ты, поэт, своё утратил назначенье”.
Сравнение – “стих, как божий дух…, как колокол…”, игрушкой золотой (кинжал) он блещет на стене”, “Как ветхая краса, наш ветхий мир привык морщины прятать под румяны”, “звук(стихи)… как чаша для пиров, как фимиам в часы молитвы”.
История создания
Стихотворение написано в 1838 году. В 1839 году оно опубликовано в “Отечественных записках”. Смерть А.С.Пушкина глубоко взволновала поэта, он продолжил тему поэта и его предназначения в стихотворении “Поэт”.
Ссылка на Кавказ не сломила поэта, к тому же он стал широко известен после гонений за произведение, посвящённое смерти Пушкина. К тому же знание оружия и военного дела сказывается в тексте, поэт как никто знал ценность и силу кинжала, который стал центральным образом в стихотворении. Год написания был сложным, как и вся короткая жизнь поэта.
Он продолжал отстаивать свои взгляды, боролся за свободу слова, искал вдохновение и смысл жизни. Он продолжает верить, что дар поэта не случаен, он дан не для забавы, а чтобы влиять на судьбы и события. Его тяготят запреты, преследования и рамки.
Тема
Тема поэта и поэзии свойственна позднему периоду творчества Лермонтова. Очень зрелое проникновенное стихотворение с особым характером повествует об особой роли поэта в жизни людей и государства.
В эпоху, которая выпала на долю поэта, мастер слова вынужден повиноваться цензуре, его талант покрывается “ржавчиной”, становится бессмысленным. Возвращаясь в прошлое, поэт продолжает традиции романтизма, его повествование напоминает историческую новеллу, легенду. Во второй части стихотворения – сугубо философской – автор размышляет о предназначении поэта, о том, что богатство и золото затмило истинный путь мастера слова.
Смысл произведения: без упорной работы, свободной, искренней, правдивой, талант меркнет, перестаёт служить людям, а значит, достоин презрения. Лирический герой обращается к поэтам, взывает к их чувству долга, достоинства, затрагивает все струны души человека, который должен сеять мудрость и правду, а не прятаться за “блёстками”
или приукрашать уродства общества “румянами”
. Главная мысль произведения: поэт должен служить людям, истории, правде.
Композиция
Структурно стихотворение можно поделить на две части: в первой описывается история кинжала, его некогда славное прошлое и унылое настоящее; во второй – автор открыто сравнивает поэтический дар с оружием, которое ржавеет, если им не пользуются. В 11 строф автор вложил огромную по своей поэтической силе историю с прозрачной аллегорией.
Лирический герой дерзко и правдиво делится своими мыслями об эпохе, жизни, предназначении поэта и нравах общества. Заканчивается стихотворение восклицанием и вопросом: “Проснёшься ль ты опять, осмеянный пророк! Иль никогда, на голос мщенья, из золотых ножон не вырвешь свой клинок, покрытый ржавчиной презренья?..”
Жанр
Произведение относится к жанру элегии, об этом говорит ритм, общий настрой, тематика, возвращение в прошлое, грусть и глубокий философский смысл. Черты сатиры также прослеживаются в смысловой сфере стихотворения. Оно написано четырёх- и шестистопным ямбом с перекрёстной рифмовкой. Это одно из лучших произведений поэта, относящихся к гражданской лирике.
Все четыре стиха последней строфы содержат сильнейший эмоциональный накал, содержащий главную мысль стихотворения.
Средства выразительности
В произведении много эпитетов (“таинственный закал”, “надёжный клинок”, “бесславная игрушка”, “хладный труп”, “могучие слова”, “изнеженный век”, “ветхая краса”, “осмеянный пророк”
), которые помогают создать исторический колорит, эмоциональную образность событий, описываемых автором.
По сути всё стихотворение является развёрнутым сравнением поэта и кинжала. Очень красивое и тонкое сравнение стихов, которые были написаны в прошлом, вдохновляли на подвиги, они нужны были людям, “как чаша для пиров, как фимиам в часы молитвы”.
Тест по стихотворению
Доска почёта
Чтобы попасть сюда — пройдите тест.
Рейтинг анализа
4.6
Средняя оценка: 4.6
Всего получено оценок: 85.
А какую оценку поставите вы?
Композиция в поэме М.
Ю. Лермонтова «Мцыри»- Сочинения
- По литературе
- Лермонтов
- Особенности композиции поэмы Мцыри
В 1939 году писатель Лермонтов представил миру свое произведение, ставшее вершиной развития русской поэмы в жанре романтизма. В поэме Мцыри отражаются личные писательские особенности автора на равнее с традициями поэмы Байрона. Произведение рассказывает о классическом герое-романтике, а его композиция так же необычна, как и сам сюжет.
Поэма состоит из двух неодинаковых частей. Первая часть содержит две главы, вторая – двадцать четыре.
Две первые главы рассказывают о месте – монастыре, в котором происходят действия, и о том, как в нем устроено существование, в том числе и главного героя. Тут же повествуется и сам сюжет, по которому маленького мальчика с Кавказа взяли в плен, и привезли в монастырь. По причине тяжелой болезни он остался там служить послушником. Там его воспитали, научили чужому языку и готовили к клятве, по которой он должен был стать монахом и навсегда остаться в стенах монастыря.
Но однажды ночью, во время сильной грозы, он исчез. Его искали три дня и когда нашли, мальчик был болен и умирал. Он рассказал свою историю, собрав последние силы.
Во второй главе начинается подробный рассказ его жизни, который происходит от лица самого мальчика Мцыри. Он изливает всю свою душу, рассказывая о волнениях, поисках наружной и внутренней воли, об отчаянии и неудаче. Весь рассказ похож на исповедь. Для автора она считается наиболее приемлемой для выражения романтических чувств героя.
Важнейшие элементы композиции поэмы идут в прямой последовательности, начиная с повествования о жизни Мцыри в монастыре. После происходит завязка сюжета, когда юноша совершает побег. Не обходится и без традиционного конца, присущего жанру романтизма, когда главный герой погибает.
Особенностью композиции поэмы считаются размеры ее частей и гармоничное соотношение временных планов. Главный акцент делается на события трех дней, которые Мцыри провел на воле, а не на остальной жизни юноши.
Автор подробно и красочно описывает эти дни, тем самым подчеркивая их значимость. Это становится понятно, если сравнить стили написания первой и второй частей. Вначале описание сюжета идет более сухо и кратко. Но затем речь и стиль повествования становятся образными и восторженными, подчеркивая значение этого времени для романтика Мцыри.
Важным кульминационным моментом в композиции становится столкновение или борьба героя и его полного антипода. В поэме этим моментом стала схватка Мцыри с горным барсом, которую можно считать пиком красоты и физической силы героя. Его победа способствует слиянию юноши с окружающей его природой. Он восхищается силой соперника и красотой битвы, не испытывая ни капли злости. Отсутствие четкой грани между добром и злом является необычным ходом для стиля романтизма.
Сочинение
Поэма «Мцыри» была написана в 1839 года, а это на заре его жизненного пути бессмертным писателем, любителем гражданской, философской, духовной тематики Михаилом Юрьевичем Лермонтовым, который прожил довольно короткую, но очень насыщенную и плодотворную жизнь: это и дуэли, блестящие произведения любимые народом даже сквозь века.
Видимо за подобный талант приходится платить немаленькую цену. Действия происходят на вольном, гордом Кавказе.
«Мцыри» рассказывает нелёгкую историю юноши, которому пришлось пережить множество и исповедование перед смертью. Это, прежде всего, сильный, смелый, благородный, но со сложным мятежным характером молодой человек, попавший в плен. Он жил в ужасных условиях в монастыре. Главным желание парня была воля. Лучше на воле немного побывать, почувствовать себя свободным, чем всю жизнь быть пленником в чужих стенах.
Лермонтов много писал произведений в направлении романтизма и его героев можно сопоставить с Пушкинскими, однако и тут есть свои различия. У Пушкина персонажи раз и навсегда рвут связи с прошлым миром, Лермонтовский герой просто ищет родственную душу.
Композиция произведения состоит из нескольких частей: вступление, во второй главе говорится о жизни главного героя, в третьей исповедь на смертном одре. Однако, главным является то, что части не идут последовательно, а всё время чередуются события.
Легко увидеть особенность, потому что автор сопоставил события так, чтобы читатель мог увидеть характер Мцыри.
Так же композиция является кольцевой. Это можно заметить по сюжету: сначала главный герой оказывается в монастыре в плену, а потом сбегает в самый разгар страшной бури на долгожданную свободу, но потом вновь оказывается в плену. Это, кстати, имеет символический смысл, потому что Мцыри бежит к бушующей природе. Его бой с диким барсом-это бой с природой, где Мцыри одерживает победу. И эта ненависть к природе не может не пугать, однако парень сам себя считает частью природы «цветок», выращенный в неволе, который теперь старается наверстать упущенное.
Таким образом, особенность композиции поэмы «Мцыри» состоит в том, что она является кольцевой и последовательность скорее спутанная. Думаю, так автор хотел лучше отнести до читателя тот глубокий смысл, что сокрыт. Парень бежал к свободе, после долгих лет плена. Он бежал к природе, которой Лермонтов отвёл отдельную главную роль.
Развитие сюжета, основное построение поэмы
Композиция «Мцыри» подчинена жанру романтического произведения. Поэма начинается авторским предисловием, в которое включена экспозиция произведения. В ней описывается место, где разворачиваются события. Далее следует завязка сюжета. Действие поэмы разворачивается вокруг одного героя, оказавшегося в необычной жизненной ситуации.
В завязке поэт рассказывает о том, как юноша попал в монастырь, как он рос, воспитывался.
Основное действие начинается с того момента, как юноша сбежал из монастыря, и его нашли в степи. После этого автор передает повествование самому Мцыри, который рассказывает, почему он сбежал, и как провел эти три дня. Мцыри рассказывает о том, что чувствовал, о своих воспоминаниях.
Кульминацией сюжета становится исход его скитаний, когда, выйдя из леса, Мцыри увидел знакомые пейзажи, село, поля, и понял, но не хотел поверить в то, что он снова вышел к монастырю. И только когда зазвучал колокол, он окончательно убедился в том, что все эти дни он бесцельно кружил около монастыря, и что его мечта вернуться домой, в родной аул, останется мечтой.
Обессилевший, он рухнул без сознания и без сил. Развязкой поэмы становится завещание Мцыри похоронить его под акациями в монастырском саду.
Сочинение: Композиция в поэме М. Ю. Лермонтова «Мцыри»
Великий и талантливый русский писатель и поэт Михаил Юрьевич Лермонтов создал множество прекраснейших сочинений в разных жанрах. Но поэма “Мцыри” само по себе особенно ценное его произведение, ведь оно, несмотря на свой небольшой объем, отличается от остальных удивительным сюжетом, преисполненным смыслом, а также интереснейшей композицией, которая в полной мере передаёт глубину чувств и переживаний как самого автора, так и его героя. В данном тексте мы бы хотели обсудить именно структуру поэмы “Мцыри”, а также определить её влияние на понимание смысла произведения в целом.
В первую очередь хочется отметить, что поэма делится на две неравные части. Начинается повествование с рассказа о пленном грузинском мальчике — Мцыри, которого держит как заложника взаперти русский генерал.
Генерал вместе со своим караваном движется в сторону Тифлиса (Тбилиси). Мальчик отказывается от еды и болен, по всей видимости скоро умрёт, поэтому генерал принимает решение оставить его в монастыре по пути. Вскользь автор описывает жизнь мальчика до плена, это время радости, свободы и родительской любви, которое жестоко прервано трагическими событиями. Когда Лермонтов описывает мальчика, он говорит, что даже несмотря на физическую слабость и истощение, дух его не сломлен, он мечтает сбежать и вернуться в родные края. Однако, в монастыре мальчику нравится, он начинает оживать и остается там на несколько лет, до своего совершеннолетия. Он хочет посвятить свою жизнь служению в монастыре. И вот, уже перед самым обрядом пострига в монахи, среди ночи Мцыри неожиданно пропадает. Поиски его длятся три дня и наконец его находят в предсмертном состоянии.
И вот тут начинается вторая, основная часть поэмы, которая по объему превосходит первую часть. Она полностью состоит из исповеди повзрослевшего мальчика, в которой он рассказывает о том времени, что провел на свободе, о этих трёх днях.
Он говорит о том что видел и слышал, кого встретил на своём пути и что при этом чувствовал. Он рассказывает о красоте окружающей природы и признаётся в любви девушке, которую мельком видел у ручья.
Лермонтов намеренно делит сочинение на столь неравные части и описывает события трёх дней гораздо дольше, нежели многих лет. Эти три дня стали для автора целой жизнью, а годы, проведенные им в монастыре, были унылыми и бледными. Автор даёт нам понять как много для главного героя значит свобода, как долго он мечтает о ней, с каким упоением наслаждается, пусть и длится его счастье всего три дня.
Кульминационный момент поэмы — встреча Мцыри с барсом, его сражение с ним и победа над животным. Именно в этом момент мы видим юношу во всей красе, он на пике своей духовной и физической силы. Он испытывает себя и упивается битвой. Сам барс вызывает у него чувство восхищения, он любуется им. Мцыри сливается с природой в единое целое, пусть только на мгновение, но он чувствует себя с ней в гармонии.
В конце своего рассказа умирающий от ран юноша просит монаха, нашедшего его, отнести его в сад и положить его в самом дальнем углу, откуда были видны горы и наверное родной край, которого он так и не достиг.
Композиция поэмы “Мцыри” даёт нам более глубоко вникнуть в суть произведения. Неравные её части дают нам понять, насколько сильно главный герой ценил три дня свободы по сравнению с годами, проведенными в плену. Лермонтов таким способом подчеркивает для нас эту мысль.
«Ты хочешь знать, что делал я На воле? Жил — и жизнь моя Без этих трёх блаженных дней Была б печальней и мрачней Бессильной старости твоей», — говорит Мцыри старому монаху перед кончиной.
Интересно? Сохрани у себя на стенке!
Вариант 2
В своей замечательной поэме «Мцыри», которую Лермонтов написал в тысяча восемьсот тридцать девятом году, автор постарался затронуть весьма интересные философские темы, которые содержат в себе сокрытый поучительный смысл. Стоит сказать, что когда писатель создавал данную работу, то он вдохновлялся стилистикой байронических поэм, однако, автор добавил некоторые индивидуальные особенности в него.
Это позволило произведению выйти на совершенно иной уровень с точки зрения восприятия работы читателями. В поэме «Мцири» раскрыт образ весьма типичного романтического героя, однако, благодаря необычным и ярким сюжетным линиям, стоит отметить, что работа получилась весьма уникальной и особенной.
Данная работа разделена на несколько частей. В первой части, которая занимает объем двух глав, рассказывается о том, как жил герой до момента происхождения основных событий произведения. Также, во второй главе рассказывается о том, в чем заключается основная идея данного произведения. Главным героем является мальчик, который попал в плен. Его привезли в монастырь, где ему пришлось остаться в роли одного из служителей. Воспитывался данный персонаж в монастыре, и был готов к постригу, однако, как-то раз, юноша исчезает. Его искали на протяжении трех суток, и когда его все же удалось разыскать, герой находился в изнеможённом состоянии. Далее, возникает невероятно трогательная исповедь Мцыри.
В данной части, автор решает отойти от сюжетной линии, и позволить герою раскрыть свой характер и образ мышления.
В композиционной линии данного произведения показаны все особенности, которые символизируют хронологический порядок данной истории. Имеется характерная особенность поэм в данной работе, согласно которой, персонажа в конце ждет весьма трагическая судьба. Стоит добавить и то, что поэма посвящена не всей жизни персонажа, а лишь тем трем дням из нее, про которые и решает рассказать автор. Лермонтовым подчеркнута важность данного периода времени, и именно поэтому он решает обратиться к интересным и ярких художественным приемам, благодаря которым он описывает происходящие действия и события. Автор показывает то, насколько иногда может быть трагичной судьба человека, который всю жизнь воспитывался в монастыре, и при этом, оказался в военном времени, которое перевернуло все его взгляды на существование. Композиция данного произведения является весьма продуманной и яркой, благодаря чему автору удалось показать столь откровенную и жизненную историю.
Другие сочинения: ← Жанр Мцыри Лермонтова↑ ЛермонтовМцыри любимый идеал Лермонтова →
Жанровые особенности поэмы «Мцыри» Лермонтова
Михаил Юрьевич Лермонтов в своем творчестве не раз общался к теме Кавказа.
Можно сказать, она стала основополагающей для большинства его произведений. Он посвятил Кавказу и его природе много стихотворений, поэмы «Демон» и «Мцыри», а также знаменитый роман «Герой нашего времени».
«Мцыри» была напечатана в 1840 году, в сборнике стихотворений автора. Это произведение – своеобразное обобщение творчества писателя, его собственных мыслей и чувств, которыми он наделил главного героя.
К жанру поэмы Лермонтов обращался не раз за всю жизнь, но, к сожалению, не всегда удачно. Так, некоторые его начатые поэмы так и остались лишь набросками. Однако закончив «Мцыри» он показал, что его мастерство в данном жанре значительно улучшилось, он буквально отточил навык написания лирических поэм. При этом многие черты в произведении остаются типичными для эпохи романтизма в литературе, но так же есть и нетипичные элементы, которые автор привнес в жанр.
Так, типичным для романтизма, является главный герой – юноша, который не умеет и не желает жить в неволе, который готов совершить побег ради нескольких дней на свободе.
Это мятежный и бунтующий герой, готовый идти против общества – именно таких мы видим в большей части произведений этого периода.
Также юноша очень эмоциональный и ранимый, все его переживания и несоответствие обществу – это еще одна черта романтического произведения.
Исповедь, которую автор включил в монолог героя – тоже типичная черта. То есть, это не просто лирическая поэма, это именно поэма-исповедь.
Наконец, принятие смерти. Мы видим, что юноша настолько ценит свободу, что готов променять свою жизнь на пару дней, которые он сможет прожить на воле. То есть, но совершенно не боится смерти, наоборот, это спасение для его души, которая не желает остаться в клетке (в данном случае в монастыре).
Теперь же поговорим о нетипичных чертах поэмы, которые не были свойственны романтическим произведениям.
- Во-первых, это полное отсутствие любовной истории. Читатель ожидает, что вот-вот появится какая-нибудь любовная линия, но ее нет. Вместо этого автор уводит читателя к другим событиям, которые помогают полностью раскрыть характер героя.
Для автора это гораздо важнее. - Во-вторых, в поэме все логично, последовательно и при этом нет никакой мистики и недосказанности. А ведь произведения романтизма, обязательно содержали в себе какую-нибудь, даже самую небольшую, тайну или мистику. В поэмах авторы часто оставляли право за читателем додумать какие-либо моменты.
Для автора это гораздо важнее.Итак, жанровые особенности поэмы «Мцыри» позволяют сделать вывод, что именно в ней автор раскрыл весь свой потенциал, выразил все свои переживания, сопоставляя себя с главным героем. При этом он не боялся привносить в свое творение черты, которые не были характерны для поэм романтической эпохи, и тем самым сделал свое произведение особенным не только в сюжетном плане, но и в жанровом.
Работы и Разделы — 56 ГЕНРИ
РАБОТЫ И РАЗДЕЛЫ
Лабиринт Одиночества разделен на тринадцать отдельных разделов, каждый из которых объединяет одну историческую и одну современную картину. Пары основаны на сходстве, связанном с предметом или темой, формальными или другими эстетическими связями, композиционными диалогами или настроением и отношением.
Якуб Юлиан Зилковски
Госпитализированный , 2020
Холст, масло
25 1/2 x 27 1/2 (64,8 x 69,85 см)
Микеле Джамбоно
Человек Скорби , ок. 1430
Дерево, темпера, золото
21 3/4 x 15 3/4 дюйма (55,3 x 40 см)
Быть или не быть, вот в чем вопрос. Можно было бы описать смерть, конец жизни, как окончательную форму одиночества. Акт умирания — это последний момент, который мы переживаем, и в конечном итоге мы переживаем его в одиночестве. Хотя смерть обычно воспринимается как противоположность жизни, возможно, ее следует понимать как неизбежную часть жизни. Во многих отношениях бояться смерти кажется иррациональным, и, возможно, периоды одиночества могут помочь нам подготовиться к смерти — этап, во время которого мы можем оглянуться назад и осознать, что, несмотря на компанию, которую мы составляли, мы всю дорогу были одни.
Микеле Джамбоно Скорбящий (ок. 1430 г.) изображает Христа в гробу в вертикальном положении. Его сняли с креста, который все еще виден на заднем плане, и потоки крови текут от стигматов на его руках, от тернового венца и от раны на его груди, пронзенной копьем Лонгина. Рядом с Иисусом находится скорбящий святой Франциск, который, согласно христианской мифологии, сам получил пять стигматов во время молитвы в горах Верны и позже умер от ран. Ужасная сцена помещена в сложную деревянную раму с золотом и полихромией, характерной для готического стиля.
Польский художник Якуб Юлиан Зилковски на протяжении многих лет рисовал пугающие и апокалиптические сцены с удивительной силой и последовательностью. В то время как эстетика довольно различна, возникает соблазн увидеть скрытую связь с работами польского режиссера Кшиштофа Кесьлёвского, в частности, с его шедевром «
до падения железного занавеса, в котором говорится о повседневных экзистенциальных вопросах и этических невзгодах: вера, любовь, смерть, ненависть. Все это мы легко находим в творчестве Зилковского, но, в отличие от фильмов, картины визуализируют эти вопросы и конфликты в ярких красках и кошмарных, ужасающих и несколько сверхъестественных сценариях. Такая жуткая интенсивность редко встречается среди современных художников. Работа сочетает в себе мрачные аспекты сюрреализма, готики и ультра-жуткие средневековые религиозные картины таких художников, как Иероним Босх. Где-то вдалеке, возможно, чувствуется влияние Франсиско Гойи и Питера Брейгеля Старшего, особенно Триумф смерти (1562).
Работы Джамбоно и Зилковского посвящены смерти. В первом случае мы знаем, кто только что умер; в последнем это неясно, но из названия Hospitalized (2020) мы знаем, что это больной, возможно, умирающий человек. Ужасающий зверь, парящий над головой, символизирует внутреннее смятение пациента? Что-то из его кошмаров? Демон, пытающийся завладеть его душой? Обратите внимание, как Зюлковский улавливает готический образ позолоченной рамы, которая в данном случае нарисована прямо на холсте.
Quintessa Matranga
Sleeping in My Dreams , 2019
Бумага, гуашь
18 x 24 дюйма (45,7 x 60,9 см)
Леонора Кэррингтон
Автопортрет , ок. 1937-38
Холст, масло
25 9/16 x 32 дюйма (65 x 81,3 см)
0005 Бытие и ничто ), Эрих Фромм (см. Величие и ограниченность мысли Фрейда ) и многие другие. Сны были ключевой областью интересов сюрреалистов, которые понимали их как подрывную силу, с помощью которой можно бороться с рациональным мышлением.« Автопортрет » Леоноры Кэррингтон (ок. 1937–1938 гг.), одну из самых узнаваемых работ художницы, часто называют ее первой по-настоящему сюрреалистической картиной. На нем изображены художница, бегущая гиена и белая бесхвостая лошадка-качалка, летящая над ее головой в пустой комнате. В окно видим белую лошадь с хвостом. Символика здесь мощная: лошади говорят о свободе, а гиены — о дикой и необузданной энергии.
Картина Quintessa Matranga Sleeping in My Dreams (2019) столь же сюрреалистична, но выражает заметно больше беспокойства и страха, а символы менее разборчивы. Мы видим художницу, прикованную к своей кровати, подвешенную на крюке в космосе, всем аппаратом управляет роботоподобное транспортное средство, чьи длинные руки напоминают угрожающие механические щупальца.
Прикованность персонажа к старомодной кровати и насекомоподобное существо неизбежно напоминают « Метаморфозы » Франца Кафки (1915). Кафка часто касался темных сторон снов и понимал одиночество как отчуждение, вызванное психологической жестокостью, бюрократическими лабиринтами или сверхъестественными превращениями.
Дженна Гриббон
Если женщина читает книгу в лесу, но ее никто не видит.. ., 2020
Холст, масло
24 x 18 дюймов (60,9 x 45,7 см)
9№ 0009 Элизабет Виже-Лебрен
Графиня де ла Шатр , 1789
Холст, масло
45 x 34 1/2 дюйма (114,3 x 87,6 см)
Итальянский писатель Итало Кальвино однажды заметил: «Чтение — это уединение. Читают в одиночестве, даже в чужом присутствии». Во времена изоляции человек понимает, что, хотя наши тела отрезаны от мира, наши умы не должны быть таковыми, если мы подпитываем их когнитивным моделированием.
Чтение поддерживает активность мозга, может обеспечить спокойствие и в лучшем случае переносит нас в другие недоступные миры. Мы можем читать, чтобы сбежать от мрачной реальности или познакомиться с мнением и опытом других людей.
В то время как обе эти картины изображают молодую женщину с книгой, картина Дженны Гриббон Если женщина читает книгу в лесу, но никто не видит ее… (2020) глубоко погружен в история, в то время как в романе Элизабет Виже Ле Брун « графиня де ла Шатр » (1789 г.) книга, кажется, рассматривается почти как реквизит, возможно, чтобы указать на ее образование и искушенность. Первая сидит на раскладном стуле на природе в тяжелых рабочих ботинках, шортах и носках с кошачьими мордашками, а вторая удобно сидит на диване в салоне в красивом платье. Ни одна из работ не дает нам подсказки относительно названия книги или автора.
Виже Лебрен известна своими удивительно искусными портретами, в основном представителей французского высшего класса восемнадцатого века и особенно королевы Марии-Антуанетты, которую она писала более тридцати раз.
В этих портретах каждый элемент окружения субъекта был тщательно отобран, и зрители со знанием контекста увидят его особое отношение к натурщику. Гриббон в этом отношении намеренно более расплывчат. Ее персонаж, хотя и изображен на природе, похоже, не слишком заботится о своем окружении, вместо этого зацикливаясь на своей книге. Заманчиво сделать вывод из того факта, что она сидит на стуле, а не прямо на земле, что ей 9 лет.0005 интересует на открытом воздухе, но не склонен погружаться на природу. Она получила это окровавленное колено, когда шла к изображенному месту? Является ли это частичной причиной ее изображенного двойственного отношения к природе?
Yanyan Huang
Cloud Poem Twirly , 2019
Акрил, тушь на необработанном холсте
72 x 60 дюймов (185 x 152 см)
Ли Краснер
Без названия , 1948
Бумага, акрил
30 x 25 дюймов (76,2 x 63,5 см)
В то время как большинство работ в этой презентации представляют собой репрезентации одиночества, эти две картины больше говорят об одиночестве как чистой форме, отделенной от изображений визуальной реальности.
Эта диссоциация может предложить повышенное состояние одиночества и полностью обращенную внутрь себя форму создания искусства. Можно ли понимать абстракцию как форму самосохранения — иными словами, настаивание на «безопасной» (социальной) дистанции от мира людей и объектов и сопутствующей ему непредсказуемости?
Cloud Poem Twirly (2019) Яньяна Хуанга, кажется, работает где-то между интенсивной силой и хаосом, с одной стороны, и деликатностью, с другой. Композиция сосредоточена на одном жесте, к которому она добавляет другие знаки и линии, которые то тут, то там появляются, чтобы, наконец, сплести аккорды в визуальную и эмоциональную структуру. Художник создал эту работу, наблюдая за небом и, в частности, за облаками, которые, казалось бы, скользят беспорядочно во всевозможных формах и формах.
Ли Краснер — один из самых интересных художников, ныне классифицируемых как абстрактный экспрессионизм. Ее диапазон и результаты были, возможно, более разнообразными и нюансированными, чем у ее сверстников, в основном мужчин, которые часто шли более чрезмерным и неаккуратным путем.
Здесь мы видим ее Untitled (1948), который имеет сильное формальное отношение к работе Хуанга в его жестовой абстракции — антифигуративной эстетике, включающей спонтанность, сильные мазки и акцент на видимость движений рук художника. В то время как обе картины визуализируют внутреннее эмоциональное состояние, работа Хуанга, возможно, больше говорит о выражениях, связанных с уединенным и духовным миром, его знаками и линиями, напоминающими восточноазиатскую каллиграфию. Работа Краснер предполагает более агрессивный подход и может относиться к ее очевидным проблемам с бессонницей или к хаотичным, жестоким, абстрактным снам.
Maaike School
Rügen Sunlight , 2020
Холст, масло
63 x 47 дюймов (160 x 119,4 см)
Юлиус фон Лейпольд
Странник во время бури , 1835
Холст, масло
16 3/4 x 22 1/4 дюйма (42,5 x 56,5 см)
Многие писатели и художники заметили, что встреча с природой в ее самом возвышенном виде может быть ошеломляющей и может создать глубокую связь между нами и миром природы.
В одиночестве природа становится нашим спутником, и мы воспринимаем ее с повышенным вниманием. Сегодня романтизм, художественное течение конца восемнадцатого века, сразу приходит на ум, когда мы говорим об отношениях между искусством и природой. Романтизм во многих отношениях был не только реакцией на рационализацию мира, предложенную Просвещением, но и реакцией на быструю индустриализацию и сопутствующие изменения в повседневной жизни — например, переход от жизни по временам года к жизни по часам. . Романтики предложили идеал «назад к природе» — прославляя природу как вдохновляющую, волшебную, полную неукротимой энергии и красоты — что было противоположно индустриальному миру, который они воспринимали как отчуждающий, превращающий людей в роботов, а природу в товар. Воплощением этого отношения является «9» Юлиуса фон Лейпольда.0005 Странник во время бури (1835 г.), в котором мы видим одинокую фигуру, прогуливающуюся в ненастный день, единственное свидетельство других людей — разрушающаяся стена.
Картины Maaike Schourel часто танцуют между фигурацией и абстракцией. Их огромная тонкость, их крайняя неуловимость заставляют зрителя все более пристально вглядываться даже в то, чтобы различить, портрет ли это, пейзаж или натюрморт. На картине Schoorel Rügen Sunlight (2020) изображен темный пейзаж на немецком острове Рюген, известном своей буйной природой и драматической береговой линией; действительно, здесь находится то самое место, где самый известный художник-романтик из всех, Каспар Давид Фридрих, написал свой культовый Меловые скалы на Рюгене (1818 г.). Но здесь все, что мы можем разглядеть наверняка, это слабый луч солнца, отражающийся от моря и какой-то растительности на переднем плане. Как и во всех картинах Шурела, кажется, что художник что-то шепчет нам. Мы понимаем только фрагменты того, что она пытается рассказать.
Констанс Тенвик
У меня больше воспоминаний, чем если бы я прожил тысячу лет (Эдоардо делает перерыв) , 2020
Холст, гуашь, уголь и шафран
39 3/8 x 78 3/4 дюйма (100 x 200 см)
John White Alexander
Repose , 1895
Холст, масло
52 1/4 x 63 5/8 дюйма (132,7 x 161,6 см)
Продолжительное одиночество может вызвать вялость, вялость, апатию.
Тем не менее, в этих двух работах мы делаем вывод, что изображенный персонаж разыгрывает высокосознательную форму бездействия. Они празднуют праздность в показной манере. В книге Джона Уайта Александра Repose (1895), мы наблюдаем праздность высшего сословия, при которой хозяйка дома может бездельничать благодаря своей домашней прислуге; в прошлые века такая ситуация была маркером высокого социального статуса. Констанс Тенвик У меня больше воспоминаний, чем если бы я прожила тысячу лет (Эдоардо делает перерыв) (2020) изображает богемную мечтательность, которая кажется более подрывной. На картине изображен друг художника, которого на современном языке назвали бы бездельником, избегающим «обязательных» часов с девяти до пяти и других социальных институтов и ожиданий.
Хуан Араужо
Автопортрет на карантине , 2020 г.
Холст, масло
15 3/4 x 11 13/16 дюйма (40 x 30 см)
Джорджио де Кирико
Автопортрет, 1912-13
Холст, масло
34 3/8 x 27 1/2 дюйма (87,3 x 69,9 см)
Автопортрет как типология был с нами на протяжении веков. В то время как некоторые традиционные примеры довольно идеализированы, например, многие такие работы Элизабет Виже Лебрен (также представленные на этой выставке), некоторые художники-модернисты, такие как Винсент Ван Гог или Элен Шерфбек, изображали себя в бедственном положении и, возможно, поэтому более реалистично и точно, обновляя картину. Автопортрет как современный способ самопознания. Автопортрет может быть практической отдушиной для художника — предмет, который рисуется, когда моделей мало, — но он также может быть зеркалом для одинокого художника, способом осмысления собственного существования, который изображает не только внешность, но и чувства, будь то счастье или горе. Он представляет миру то, как художник хочет быть увиденным и узнаваемым, но также раскрывает нечто более абстрактное и красноречивое об их скрытом самоощущении. (И, конечно же, преобладает точка зрения, согласно которой каждое произведение художника, из чего бы то ни было, является в некотором роде автопортретом.
)
В Карантинный автопортрет (2020) Хуан Араухо смотрит на нас сквозь такую дымку, что без названия мы, скорее всего, никогда его не узнаем. В «Автопортрете » (1912–1913) Джорджо де Кирико многозначительно смотрит в сторону от нас, показывая только свой профиль. Оба они нетипичны для автопортретов тем, что они скорее затемняют, чем облегчают нашу связь с художником. Также интересно в этой паре то, что ни де Кирико, ни Араужо не особенно известны автопортретами; они гораздо более известны своими картинами архитектуры, реальными или воображаемыми. Возможно, здесь они намекают, что «я» — это еще одна конструкция.
Делия Браун
Современная девушка (желтый верх) , 2018 г.
Холст, масло
24 x 18 дюймов (60,9 x 45,7 см)
Мэри Стивенсон Кассат
Дениз за туалетным столиком , ок.
1908-09
Холст, масло
32 7/8 x 27 1/8 дюйма (83,5 x 68,9 см)
В наши дни слово «тщеславие» наводит на мысли о социальных сетях, в частности об Instagram и культуре селфи. Но в традиционном смысле под тщеславием понимается любое чрезмерное восхищение собственной внешностью. Это близкий родственник нарциссизма, форма эгоцентризма, которая выходит за рамки высокого уважения к своей внешности и углубляется в преувеличенный эгоизм, правомерность, отсутствие сострадания и даже эксгибиционизм.
Картина Мэри Стивенсон Кассат « Дениз за туалетным столиком » (ок. 1908–09) примечательна своей игрой с отражениями. Мы видим няню спереди и сзади одновременно благодаря зеркалу позади нее, и точно так же она может видеть себя спереди и сзади, используя свое ручное зеркало. И все же она не смотрит на нас, словно спрашивая, как мы оцениваем ее внешний вид; она занята, глядя в ручное зеркало, чтобы проверить опрятность ее волос. Modern Girl Делии Браун (желтый верх) (2018) представляет другую молодую женщину, на этот раз в обтягивающей желтой рубашке и синих джинсах, держащую миниатюрную собачку и делающую селфи.
Легко рассматривать селфи как современные формы портретов, созданных по заказу прошлых веков. В обоих случаях они тесно связаны с эффективностью идентификации. Наш внешний вид, места отдыха, которые мы выбираем, богатство, которым мы выставляем напоказ, и социальные роли, которые мы играем, созданы для того, чтобы показать миру ту версию нас самих, которую мы хотим видеть. Соответствует ли это нашей истинной личности, не имеет большого значения. Цифровое «я» становится собственной реальностью.
Mario Moore
Lonely Tire, 2020
Масло на панели
16 x 12 дюймов (40,6 x 30,5 см)
Эдвард Хоппер
From Williamsburg Bridge , 1928
Холст, масло
29 3/8 × 43 3/4 дюйма (74,6 × 111,1 см)
Пожалуй, ни один другой американский художник двадцатого века не создал такого влиятельного видения современного общества, как Эдвард Хоппер.
Его влияние невозможно переоценить; многие из его работ, как сельские, так и городские сцены, стали иконами, например Nighthawks (1942 г.) и Станция береговой охраны, Two Lights, Maine (1927 г.). В отличие от других художников-реалистов его эпохи, таких как Джон Слоан, Эндрю Уайет или Чарльз Берчфилд, он изображал в основном тихие моменты, либо опуская людей, либо считая их маргинальными в композиции. Его городские сцены говорят об одиночестве и отчуждении, а не о социальных взаимодействиях. (В утонченном стиле Хоппера угадывается сходство с фотографиями Уокера Эванса, который также сдержанно изображал Америку.) From Williamsburg Bridge (1928) тому пример. Название относится к объекту, которого почти нет на картинке; мы видим только крошечную часть перил моста в нижней части картины. В далеком окне верхнего этажа в одиночестве сидит анонимная, почти незаметная фигура.
Картина Марио Мура Lonely Tire (2020) представляет собой автопортрет в городских условиях — возможно, в Нью-Йорке, где живет художник, или в Детройте, где он родился.
Мур часто говорит о своем восхищении работами Хьюи Ли-Смита (19 лет).15–1999), художник, который, хотя и находится в крупных музейных собраниях, недооценен. Картины Ли-Смита, кажется, объединяют Хоппера и Джорджио де Кирико или напоминают нарисованные кадры из фильма Федерико Феллини. Доминирует сюрреалистический и пустынный характер. Одна из его самых известных работ — « Мальчик с шиной » (1952) из коллекции Детройтского института искусств. Lonely Tire — это прямая отсылка к этой работе Ли-Смита — рассмотрение возможной потери мальчика на оригинальной картине. Был ли он поражен вирусом или убит полицией? Его тень остается напоминанием о нем. Работы Хоппера и Мура загадочны, изображают одиноких фигур в жутком окружении, а в случае Мура выражают опыт афроамериканца. Тем не менее, атмосфера двусмысленности, которая пронизывает его работы, говорит с каждым, кто отчужден, случайно или по собственному выбору.
Мастер Бельмонте
Святой Михаил , 1450-1500
Дерево, темпера, масло
85 1/2 x 47 дюймов (217,2 x 119,4 см)
Эта пара представляет собой короткое повествование, включающее элементы из Книги Откровения, последней части Нового Завета.
Он сопоставляет Senza titolo Даниэле Мильвио (Без названия, 2017), изображающую разъяренного дьяволоподобного персонажа верхом на лошади, и Святой Михаил (ок. 1450–1500) так называемого Мастера Бельмонте, на котором изображен одноименный архангел, сражающийся и побеждающий Антихриста. Мы представляем себе, что персонаж Мильвио может быть одним из Четырех Всадников Апокалипсиса, провозглашающих Страшный Суд, во время которого Бог объявит свой окончательный приговор людям на Земле. Или это свирепое и дикое существо могло быть схвачено и само должно получить свой последний суд. Картина любопытна не только тем, что мы видим, но и тем, чего не видим. А именно, передняя и задняя части лошади — требование любого типичного конного портрета — были резко и необъяснимо отрублены. Святой Михаил Бельмонте, несмотря на то, что совершил свой собственный акт насилия, кажется спокойным и безмятежным, практически невыразительным, просто исполняющим свой долг перед Богом. На этой картинке сатана кажется— несколько грозный и злобный, но вряд ли имеет шансы в этой борьбе между добром и злом.
Бельмонте изобразил демона в мельчайших подробностях как смесь различных других угрожающих зверей.
Daniele Milvio Senza titolo , 2017
Масляная пастель и акварель на холсте
70,5 × 42,5 дюйма (179 × 108 см)
Синтия Талмадж
Chasen’s , 2020
Холст, масло
20 x 26 дюймов (50,8 x 66 см)
Джордж Харви
Rainstorm—Cider Mill в Реддинге, Коннектикут , ок. 1840
Белая тканая бумага, акварель и гуашь
8 3/8 x 13 5/8 (21,3 x 34,6 см)
Ностальгия — сентиментальная тоска по прошлому. Ливень Джорджа Харви — Сидровый завод в Реддинге, Коннектикут (ок. 1840 г.) не был для художника изображением ностальгической темы, но у многих из нас сегодня он вызывает ностальгию по более простому и уединенному времени.
В центре сцены мы видим амбар на яблочной ферме, в котором находятся пресс и бочки. Фермер отжимает яблоки, чтобы сделать сок, из которого он будет производить сидр. Идет сильный дождь, и лошадь фермера находится в сарае, защищенном от непогоды. Приходит покупатель с зонтиком. Это место явно за городом, вдали от городской суеты.
Работа Харви сочетается с Чейзена Синтии Талмадж (2020), видом на культовый ресторан с таким названием в Западном Голливуде, который сейчас закрыт, но когда-то был постоянным местом встречи таких людей, как Кэри Грант, Элизабет Тейлор, Мэрилин Монро и Фрэнк. Синатра. Его расцвет пришелся на 1940–1960-е годы, классическую эпоху Голливуда. Но на картине Талмаджа некогда оживленное место ночной жизни уже закрыло свои двери и стоит на бульваре Беверли, как реликвия, в одиночестве и тишине. Доминирует меланхоличная атмосфера, но с долей иронии для тех, кто знает, что к концу его пробега в 1995, Chasen’s был печально известен своей плохой едой, убогой атмосферой, ужасным обслуживанием и бессовестными ценами.
Хотя во многих отношениях эти две картины не могли бы быть более разными — одна пасторальная сцена, действие которой происходит в Коннектикуте девятнадцатого века, а другая — сборище знаменитостей в Южной Калифорнии, — обе представляют грани прошлой американской культуры, истории, географии и наследия. Мы также видим поразительное сходство в композиции. Обратите внимание, как обе работы в значительной степени основаны на наблюдениях за временем суток и конкретными погодными условиями, в частности, дождем: в одной работе дождь идет с правой стороны, в другой — с левой. Большое дерево справа в первом перекликается с фонарным столбом во втором, и оба здания имеют навесы.
Фабрицио Арриета
Алена , 2018 г.
Холст, акрил
24 x 20 дюймов (45,7 x 50,8 см)
Пабло Пикассо
Дора Маар в кресле , 1939 г.
Холст, масло
28 7/8 x 23 3/4 дюйма (73,3 x 60,3 см)
В моменты кризиса люди часто сомневаются в своем самоощущении — возможно, даже психически распадаются или, по крайней мере, меняют свою точку зрения. В кубизме, представленном здесь Пабло Пикассо Дора Маар в кресле (1939), объекты и индивидуумы, по сути, разбиваются и собираются вместе, восстанавливаются, но в абстрактной манере. Пикассо был также одним из первых, кто применил элементы коллажа — предметы и эфемеры из «реального» мира — к картине маслом. Этот портрет изображает фотографа-сюрреалиста Дору Маар в радикально искаженном стиле, элементы ее лица и тела разбиты на части и реконструированы в манере, совершенно не похожей на то, что обычно воспринимает глаз. Представляется актуальным, что это была одна из первых работ художника, сделанных после начала Второй мировой войны, одного из самых разрушительных событий в истории человечества.
Женщина, изображенная на картине Фабрицио Арриеты « Алена » (2018), несколько грустно и тоскливо смотрит вдаль.
Во многом следуя идеям кубизма и коллажной живописи, произведение было «построено» из изображений, которые художник собрал из современных модных журналов и рекламных объявлений. Большинство работ Арриеты представляют собой портреты отдельных лиц или их групп, которые были деформированы, искривлены и затемнены. Влияние авангарда начала двадцатого века очевидно, но Арриета, кажется, также говорит об отчуждении, которое мы переживаем в этом столетии, когда наша идентичность сама по себе является коллажем визуальных образов, продвигающих потребительство. На практику Арриеты, безусловно, также повлияли чикагские имажинисты, такие как Джим Нат, Барбара Росси и Арт Грин, которые были известны своими часто гротескными и сюрреалистическими работами.
Clayton Schiff
Nightly Ritual , 2019
Холст, масло
42 x 42 дюйма (106,6 x 106,6 см)
Эдвард Мунк
Ночь в Сен-Клу , 1893
Холст, масло
27 9/16 x 22 5/16 дюйма (70 x 56,7 см)
Многие картины Эдварда Мунка посвящены той или иной форме одиночества, обычно связанной со страхом, тревогой или отчуждением.
В Ночь в Сен-Клу (1893) мы видим датского поэта Эмануэля Гольдштейна, изолированного в квартире Мунка в парижском пригороде Сен-Клу во время вспышки холеры. Он сидит у окна, глядя на Сену и лунную ночь. Как и во многих картинах Мунка, атмосфера меланхолична и мрачна, но в то же время поэтична и романтична. Обратите внимание на драпировки с каждой стороны картины, обрамляющие сцену и усиливающие ее жуткую и уединенную атмосферу.
Клейтон Шифф Nightly Ritual (2019) тоже имеет жутковато-таинственный характер, но совершенно лишен романтического или поэтического настроения. Скорее, мы чувствуем себя перенесенными в параллельную реальность или место далекого будущего, возможно, во время очередной пандемии. Шифф изображает пациента, находящегося в больнице, подключенного ко всевозможным аппаратам и трубкам, некоторые из которых идут прямо в глазные яблоки и уши. Неясно даже, смотрим ли мы на человека или на какой-то гибрид инопланетянина и человека. Светящееся устройство перед пациентом может быть больничным монитором или ноутбуком, показывающим им внешний мир, где предположительно заболевают и другие.
Полностью изолированный, возможно, во сне или в коматозном состоянии, человек инстинктивно цепляется за одеяло в том, что может быть лихорадочным сном или ночным кошмаром.
Анализ современной поэтической последовательности
Идея настолько проста, настолько близка к самоочевидности, что авторы, кажется, почти смущаются излагать ее как оригинальный вклад в критику современной поэзии. Это идея, которая ждала их, в то время как другие критики задавали и отвечали на вопросы, гораздо менее актуальные и многообещающие. Как только изучающий поэзию сталкивается с этим прозрением, с этим странным новым открытием, кажется, что это нечто известное с самого начала. Розенталь и Галл объявили поэтическую последовательность основным композиционным стилем двадцатого века. Они сформулировали его как ответ лирика на диапазон и видение традиционных более длинных поэтических видов: повествовательного (эпического, героического), драматического и дидактического.
Они, несомненно, правильны. Тот факт, что критика ослепила себя такой явно очевидной истиной, многое говорит об отдаленности большей части критики от литературы, которой она питается; в конце концов, то, что здесь предлагается, — это просто эмпирические данные и здравый смысл.
Стихотворный ряд, как его представляют авторы, представляет собой группу относительно самостоятельных лирических произведений, которые объединяются и упорядочены в единое целое. Отношение отдельных стихотворений или единиц друг к другу не является — или не в первую очередь — причинным, хронологическим или пространственным, и эти последовательности не следует рассматривать как антологии или серийные структуры (как многие последовательности сонетов эпохи Возрождения). Связующий элемент, по сути, связан с присущими лирической поэзии аффективными и тональными особенностями; тональная модуляция и оркестровка чувств являются организующими импульсами этих произведений. Это эпопея внутренней жизни, в которой ассоциация преобладает над линейным рисунком.
Поэтическая последовательность имеет своего родственника в изобразительном искусстве: коллаж. В самом деле, многие крупные достижения в этом новом названии — например, «9» Т. С. Элиота.0005 The Waste Land (1922) — целесообразно рассматривать как тональные коллажи.
После того, как Розенталь и Галл определили свою провинцию, все остальное — историческое отслеживание и демонстрация постоянных и переменных элементов в режиме последовательности. Исполнение здесь неравномерно по своей интересности и ясности, отчасти потому, что обзор авторов настолько всеобъемлющий, а отчасти потому, что стиль прозы этого партнерства не всегда соответствует материалу. Как только концептуальный шар приведен в движение, игра часто становится утомительной. Более того, большинство изучающих поэзию могут выполнять такую работу самостоятельно, как только будут установлены основные правила. Тем не менее, это важная книга, богатая видением и здравым смыслом и чрезвычайно полезная.
Современная поэтическая последовательность разделена на пять частей и пятнадцать глав; каждая из глав делится на подразделы.
В книге так много пронумерованных разделов, так много иллюстраций ее ключевых вопросов, так много ассоциативных связей, объединяющих произведения разных, своеобразных поэтов, что через некоторое время она читается как версия своего предмета — как современная критическая . последовательность.
Начальная часть называется «Расцвет современной последовательности». Его первая глава посвящена предварительным определениям «поэтической последовательности», исследованиям лирической чувствительности и исследованиям сонетов Уильяма Шекспира и ключевых стихотворений Альфреда, лорда Теннисона. Потому что пьеса, такая как «Король Лир » (1605) — это скорее «последовательность разнозаряженных аффективных единиц», Розенталь и Галл находят его более близким к современной поэтической последовательности, чем сонеты. « Мод » Теннисона (1855), хотя и подчиненная драматическому сюжету, представляет собой структуру, чья аффективная динамика считается близкой к современной последовательности: «Мод находится на самом стыке длинной поэмы и последовательности».
Зверь, за которым охотятся эти критики, висит между сериями , , в котором каждая часть независима в той мере, в какой взаимное питание минимально, а сумма представляет собой простое сложение, и длинное стихотворение, , части которого нельзя извлечь без большого риска для равновесия целого и для самих себя.
В следующих двух главах «Песня о себе» Уолта Уитмена и «Фансикулы» Эмили Дикинсон представлены как истинные отправные точки современной последовательности. Здесь, особенно в трактовке Уитмена, содержится одно из самых захватывающих и убедительных рассуждений в книге. Сильный и вызывающий воспоминания критический язык задействован для разъяснения текста Уитмена как игры тонов и эмоциональных центров. Трактовка пучков Дикинсона более смелая, более проблематичная и несколько менее убедительная. Тем не менее, в качестве предварительной гипотезы, анализ этих группировок как последовательностей способствует лучшему пониманию странного и одинокого искусства Дикинсон.
Следует привести довод, на который здесь даже не намекают, что все уитменовские Leaves of Grass (1855) в различных редакциях и аранжировках представляет собой более свободную и расширенную версию структуры «Песни о себе»; Постоянное использование Уитменом этого всеобъемлющего титула и его всеобъемлющая демократическая позиция свидетельствуют в пользу такого понимания. Тем не менее, следует быть благодарным за то, что Розенталь и Галл предоставили : новаторское описание основания современного жанра — современного жанра .
Во второй части Розенталь и Галл переносят место действия в Англию, приводя в качестве предшественников современной последовательности 9 У. Э. Хенли.0005 В больнице (1888 г.) и А. Э. Хаусмана Шропширский парень (1896 г.). Сама вещь? Не что иное, как «Стихотворения 1912–1913 годов» Томаса Харди. При рассмотрении этих произведений, особенно последнего, авторы углубляют исторический контекст и расширяют поток подходов к формирующемуся лирическому ряду.
Не имея общих целей или даже четких теоретических намерений, эти поздние викторианские писатели, возможно, следуя намекам Теннисона и Роберта Браунинга, почти неизбежно движутся в том же направлении, что и Уитмен и Дикинсон. Что-то явно витает в воздухе.
Две главы Уильяма Батлера Йейтса, посвященные последовательностям, не только закрепляют импульс исследования этого жанра, но и вносят важный вклад в науку Йейтса, дополняя более раннее достижение Розенталя в книге «: плавание в неизвестность, » (1978). Йейтс — первый встреченный писатель, в карьере которого последовательность действительно заметна. Авторы перечисляют десять из них, разбросанных по долгой карьере Йейтса, и подробно исследуют многие из них. Поскольку материал о Йейтсе дает значительный объем литературной биографии, можно увидеть отношения между компонентами последовательности и между самими последовательностями как продукты ума, чьи рабочие привычки сделали последовательность регулярным и сознательным способом.
Завершая вступительную волну британского материала, Розенталь и Галл возвращаются от первого великого британского модерна к Америке, где они будут продолжать подчеркивать великие и знакомые достижения этим незнакомым, но наиболее практичным способом.
Этот третий раздел является сердцевиной книги. После краткого рассмотрения Эдгара Ли Мастерса Spoon River Anthology (1915) и более подробных работ Т. С. Элиота The Waste Land и Four Quartets (1943) — все произведения, в которых сопоставленные голоса предполагают или включают тональные модальности характеристика современной последовательности — авторы предоставляют две главы о работе Эзры Паунда и одну о Патерсоне Уильяма Карлоса Уильямса (1963). Рассмотрение более ранних последовательностей Паунда и The Cantos (1948 г.; более ранние частичные издания с 1925 г.) действительно вдохновлены, безусловно, столь же захватывающими и показательными, как трактовка Йейтса. Внимательные к дикции Паунда, его техническому мастерству и архитектуре его основных достижений, Розенталь и Галл имеют здесь предмет, работа которого сама по себе полностью требует и, таким образом, оправдывает последовательный подход.
Обработка Williams Paterson также вдохновлена. Зная, что они изучают произведения (Элиота, Паунда, Уильямса и Харта Крейна), которые обычно классифицируются как эпические попытки или «неудачные» эпические поэмы, Розенталь и Галл вносят необходимую корректировку видения в этот значительный объем литературы. Настаивая на применении лирических ограничений и сильных сторон, авторы дают полезный ключ к новым оценкам этих произведений. Сложные и иногда непрозрачные работы, такие как Патерсон, , часто рассматриваемые как разрозненные повествования или груды фрагментов, значительно выигрывают, когда понимаются как последовательности (или, в данном случае, «последовательность последовательностей»), в которых изменения интенсивности, эмоционального контекста и тона создают организующие ритмы как верны опыту, как те, которые чаще обнаруживаются критикой.
В четвертом разделе «Современная поэтическая последовательность » рассматриваются две связанные, но разные возможности в жанре последовательности: «неорегионализм» и «эпическая память».
Иллюстративные работы включают 9 работ Хью МакДиармида.0005 Пьяный мужчина смотрит на чертополох (1926) и более поздние британские и ирландские работы Томаса Кинселлы, Бэзила Бантинга и Дэвида Джонса. По мере того, как путешествие движется через современный период и на современную сцену, энциклопедический диапазон этого исследования давит на читателя — в лучшую или в худшую сторону. Каждая новая работа помогает немного больше осветить тезис и, в свою очередь, освещается им, но подчиняется закону убывающей отдачи. Когда вы начинаете анализ книги Джона Монтегю «: Грубое поле» (1972), можно задаться вопросом, будет ли оправдано бегло пролистывать и немного пропускать — но это только три пятых книги. Вслед за этими английскими и ирландскими моделями следуют американские: Харт Крейн и Чарльз Олсон. Помимо создания плодотворной критической точки зрения, с которой можно наблюдать « стихов Максимуса» Олсона (1960), Розенталь и Галл делают многое для повышения статуса Крейна, утверждая, что его последовательность «Путешествий» «почти преуспевает в том, чтобы стать редчайшим из произведений, чисто лирическим произведением».
последовательность, которая страстно занимается вопросами, имеющими первостепенное значение для человека». Убедительно аргументирован новый статус таких произведений, как «Путешествия» и Paterson — важный результат новой критической структуры, созданной Розенталем и Галлом.
Таким образом, человек путешествует туда и обратно через Атлантику. В пятом и последнем разделе «Поэзия психологического давления» рассматривается «разнообразие режимов последовательности, отражающих… . . стрессы последних нескольких десятилетий». Уоллеса Стивенса и У. Х. Одена лечат под рубрикой «медитативный режим». Анализ «Осеннего сияния» Стивенса удивительно освежает, привнося в эту работу новое формальное понимание, которое может спасти ее от относительной безвестности. Обработка некоторых эпизодов Оденом менее нагружена, более поверхностна — как будто авторы создали для себя обязательство, но не смогли найти его первоначальную силу.
Глава, посвященная «конфессиональному способу», начинается с подробного рассмотрения « Life Studies » Роберта Лоуэлла (1959), представленного как « locus classicus исповедальной поэзии последнего поколения».
Извиняясь за подробное рассмотрение более поздних эпизодов исповеди, авторы дают краткие, провокационные замечания по поводу « Mnemosyne Lay in Dust » Остина Кларка (1966), « Heart’s Needle » У. Д. Снодграсса (1959), « 77 Dream Songs 9» Джона Берримана.0006 (1964) и « Kaddish » Аллена Гинзберга (1961), а также «последние» стихи Сильвии Плат и Анны Секстон «The Divorce Papers». Подход, принятый к этой впечатляющей выборке, вероятно, в свое время переориентирует критику на эти и подобные им современные работы.
В последней главе рассматриваются эпизоды Рамона Гатри ( Отделение строгого режима, 1970), Теда Хьюза ( Ворона, 1971) и Голуэя Киннелла ( Книга кошмаров, 1971). Произведение Гатри станет открытием для большинства читателей, даже для заядлых поклонников современной поэзии. Количество места, отведенное этому поэту, оправдано силой критического аргумента и необходимостью сделать незнакомого писателя более знакомым.
Дискуссии Хьюза и Киннелла кажутся, как и в других случаях, ударами по обязательным пробным камням. На таких плоских нотах книга резко обрывается. В этом длинном и подробном исследовании нет настоящего резюме или удовлетворения, хотя эта особенность может соответствовать духу открытости, который пронизывает книгу и многие из самих последовательностей. Возможно, редакторы Oxford University Press просто сказали: «Хватит!»
The Modern Poetic Sequence — насыщенная и провокационная работа. Он не только приводит совершенно убедительные аргументы в пользу своего тезиса, но и обеспечивает новую критическую перспективу, с которой можно рассматривать поэзию двадцатого века в Англии и Америке. Хотя Розенталь и Галл придерживаются разумных границ определения и демонстрации, выводы авторов распространяются на многие смежные области. Наиболее заметным среди них будет дизайн сборников стихов — книг, в которых задним числом преобразование различных стихов в последовательные шаблоны (или какие-то шаблоны) уже давно является установленной нормой.
Недостаточно академической критики в отношении целостности сборников стихов, хотя обзорная критика регулярно проявляла открытость для таких опасений.
Вот уже несколько десятилетий почти каждая появляющаяся книга стихов была разделена на части или разделы, утверждая при этом, что книга не является сборником и что целое не является просто добавлением частей. Аффективные центры и тональные модуляции характеризовали аранжировки стихов во многих современных и современных томах, что определение поэтической последовательности, данное Розенталем и Галлом, имеет, по крайней мере, слабое применение к большей части того, что было опубликовано в виде книг после Второй мировой войны. . Безусловно, методология анализа сборников стихов должна следовать верному пути, установленному для поэтической последовательности, и эта методология обязательно будет производной от того, что Розенталь и Галл предложили в этой книге.
Начиная с различных изданий « листьев травы, » Уитмена снова и снова представлялась возможность рассматривать накопленные произведения поэта как единое, многогранное произведение.