Ипполит Тэн в очерке «Венецианская живопись XVI века» пишет: «Когда пытаешься вообразить себе Тициана — видишь счастливого человека, «самого счастливого и самого благополучного, какой когда-либо был между ему подобными, получавшего от неба только одни милости и удачи», первого между всеми своими соперниками, принимавшего у себя на дому королей французского и польского, любимца императора, испанского короля Филиппа II, дожей, папы Павла III и всех итальянских государей, возведенного в сан рыцаря и графа Империи, засыпанного заказами, широко оплачиваемого, получающего пенсии и умело пользующегося своим счастьем… Ему чужда буйность; его не тревожат безмерные и мучительные замыслы; его живопись здорова, свободна от болезненных исканий и тягостной сложности; он пишет постоянно, без напряжения и без порывов, в течение всей своей жизни…Он не спешит; он хранит долго свои работы у себя, чтобы пересматривать их и доводить до совершенства…Тициан любит наш мир, понимает его, замыкается в нем и воспроизводит его, улучшая, но не пересоздавая и не уничтожая.»

«Мадонна с младенцем» — одна из самых ранних работ художника, среди известных на данный момент. На момент написания этой работы художнику было около 18 лет (согласно разным источникам он родился в 1488 или в 1490-м году). В начале своего пути стиль Тициана был близок стилю другого мастера итальянского Возрождения – Джорджоне, причем настолько, что какое-то время атрибуция этой картины была под вопросом. Вазари в своем известном труде «Жизнеописания знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» писал о Тициане как о продолжателе традиций Джорджоне: «Итак, Тициан, увидев технику и манеру Джорджоне, оставил манеру Джан Беллино, хотя и потратил на нее много времени, и примкнул к Джорджоне, научившись в короткое время так хорошо подражать его вещам, что картины его нередко принимались за произведения Джорджоне».,.

«Мадонна с младенцем» 1509-1510 Бергамо, Пинакотека Академии Каррары

Тициан работал почти одновременно над двумя заказными картинами, небольшими по размеру и выполненными на дереве на одну и ту же религиозную тему — «Мадонна с младенцем» (вторая находится в Нью-Йорке, в Метрополитен-музее). При сравнении видно, что художник пользовался одной и той же моделью, облаченной в ярко-красный хитон. Композиция картины довольно типична для стиля того времени – Мадонна изображена на фоне пасторального пейзажа, который, по мнению некоторых исследователей, напоминает родину самого художника – итальянскую область Кадоре (Тициан переехал в Венецию в возрасте 10-12 лет). «Мадонна с младенцем» также имеет второе название – «Мадонна Лохиса» — по имени известного европейского коллекционера XIX века графа Гульельмо Лохиса (Guglielmo Lochis), жемчужиной собрания которого она была.

Еще одна ранняя работа художника на библейский сюжет — «Крещение Христа». На картине три персонажа – сам Христос, облаченный в белое и стоящий по колено в реке Иордан, Иоанн Креститель,и в правом углу картины – мужчина в черном, наблюдающий за таинством крещения. По мнению исследователей, это Джованни Рам (Giovanni (Juan) Ram), непосредственный заказчик картины, оплативший Тициану ее создание. Два обручальных кольца на руке мужчины в черном символизируют земной брак Рама и его мистический брак с Богом – идея так называемого «мистического брака между Богом и человеком» была общим местом в теологии времен Возрождения.

«Крещение Христа» 1512 Рим, пинакотека Капитолина
Эту картину относят к периоду, когда Тициан выработал собственный стиль и его работы стали все менее походить на произведения Беллини и Джорджоне. Художнику в этой работе  удалось достигнуть эффекта сфумато, знаменитого приема, изобретенного Леонардо да Винчи, позволяющего передать на картине воздух, окутывающий ее героев. До конца XVI века эта картина находилась в собственности семейства Рам, затем была продана и спустя какое-то время, в 1750-м году, попала в коллекцию капитолийской Пинакотеки.

Выдержка из письма художника от 31 мая 1513 года, которое является первым из всех дошедших до нас его писем: «,,,С раннего детства я, Тициан из Кадора, задался целью овладеть искусством живописи, но не корысти ради, а только ради обретения славы, пусть даже самой малой, чтобы оказаться в сонме тех, кто в настоящее время занимается этой профессией. Мне удалось превзойти многих в этом деле, ибо только меня сейчас призывают к себе Его Святейшество и другие знатные особы с просьбой послужить им..»

«Флора», 1515 Галерея Уффици, Флоренция

Портрет относится к раннему периоду творчества Тициана (художнику было приблизительно – 25 лет) и является квинтэссенцией того, что принято называть «тициановской красотой», чувственной и полнокровной. Хотя картина названа в честь древнеримской богини природы Флоры, но, скорее всего, на полотне изображена какая-то реальная знакомая Тициана — возможно, одна из венецианских куртизанок. По одной из версий, натурщицей была легендарная возлюбленная Тициана по имени Виоланта — золотоволосая красавица и, возможно, дочь художника Пальмы Старшего, но никаких документальных свидетельств, которые могли бы подтвердить или опровергнуть этот факт, нет. Также до сих пор исследователи гадают, кто предстает перед зрителями – непорочная дева, или же искусная куртизанка. Ясно одно: эта золотоволосая юная девушка послужила художнику прототипом и других картин – «Женщина перед зеркалом» (Лувр) и «Саломея» из галереяи Дориа Памфили (Соломея держит на блюде отрезанную голову Иоанна Крестителя, которому художник придал сходство с собой)., а также вдохновила художников следующих поколений – в частности, Рембрандта и Веласкеса.
Неизвестно, как называл картину сам автор, — имя картине дали последующие поколения, из-за того, что женщина держит в руке цветы, типичный атрибут богини Флоры. Полотно было очень популярным всегда, и его гравированные изображения дошли даже в далекую Голландию к Рембрандту, который, вдохновившись им, написал свою «Саскию в образе Флоры».

В портретах Тициан раскрывается как художник, остро воспринимающий жизненные контрасты и противоречия, видящий в современнике внутренне сложную личность, создающий характеры глубокие, наделенные необычайно яркой индивидуальностью. Таков один из ранних портретов Тициана в галерее Питти – «Винченцо Мости», где образ поражает утонченным благородством и холодной, почти высокомерной сдержанностью.

Портрет Томаззо или Винченцо Мости. Переведен с дерева на холст. Масло 1520-1526 годы Галерея Палатина Палаццо Питти во Флоренции.

Портрет происходит из собрания кардинала Леопольдо деи Медичи, в 1675 году вместе со всей коллекцией кардинала поступил в Питти. Надпись на обороте, возможно, скопированная со старой, утверждает, что портрет изображает Томмазо Мости, секретаря герцога Феррары, Модены и Реджио Альфонсо д’Эсте. Однако в 1952 А Ладзари, нашедший новые архивные документы о семье Мости, доказал, что моделью Тициана не мог быть Томмазо Мости, носивший сан священника, в то время, как, на портрете изображен молодой человек в светском костюме. Ладзари высказал предположение, что портрет галереи Питти написан с брата Томмазо – Винченцо Мости, так же бывшего секретарем и фаворитом ферарского герцога. «Винченцо Мости» — один из лучших портретов Тициана 20х годов – завершает, вместе с луврским «Юношей с перчаткой», первый период творчества величайшего итальянского портретиста.В облике молодого придворного – уравновешенность, спокойное самообладание. Спокойствие позы, устойчивость и ясность пирамидальной композиции, ритмическое равновесие рождают ощущение собранности, внутренней организованности. И в то же время холодновато-невозмутивый герой Тициана представляется наделенным необычайной для итальянского портрета того времени полнотой жизни. Художник находит в облике своего героя и черты определенного, неповторимого характера, подчеркивает твердость и законченность черт лица, открывает в своей модели не только очарование молодости, но и черты натуры, искушенной в жизни, наделенной спокойным и чуть ироничным умом.

Портрет графа Антонио ди Порчиа 1535 Милан, Пинакотека Брерра

Антонио Порчия – дворянин из Порденоне (город в одноименной итальянской провинции). Официальный портрет благородного мужа (один из самых больших портретов Тициана) — типичная для того времени работа на заказ. Исследователи считают эту работу одной из лучших работ зрелого периода художника. Величественность графа подчеркивает массивная золотая цепь, напоминающая орден Золотого руна. Спокойный, внимательный взгляд, спокойные, пушистые облака, не закрывающие синеющее за окном небо.
Картина долгие годы хранилась у потомков господина Порчия, а потом вместе с семьей переехала в Милан, где была унаследована Евгенией Висконти Литта Аресе, которая в 1891 году в свою очередь подарила ее городскому музею — Пинакотеке Брера.

Тициан был мастером исключительно мужского портрета. Женские портреты у него немногочисленны, в них нашли отражение черты идеальной красавицы— венецианки: молодость, здоровье и пышные формы.

«La Bella Красавица» 1536 Флоренция, Палаццо Питти, Галерея Палатина

Возможно. Картина написана для урбинского герцога Франческо мария дела Ровере или его сына Гвидобальдо. Поступила в коллекции Медичи в 1631 году, как и все картины урбинского собрания, с наследством супруги Фердинандо II Медичи Виттории делла Ровере. Возможно, именно этот портрет упоминается в письме урбинского герцога Франческо Мария делла Ровере своему послу в Венеции Леонарди как «Дама в синем». Имя изображенной неизвестно; делались попытки видеть в портрете идеализированное изображение урбинской герцогини Элеоноры Гонзага, но несходство «Bella» с портретом Элеоноры, хранящимся в Уффици, слишком велико. Похоже, изображенная женщина послужила моделью так же для тициановской « Девушки в шубке» венского Музея истории искусств и «Венеры Урбинской» из Уффици. «Bella» принадлежит к числу самых обаятельных и типичных женских портретов Тициана. Обаяние красоты, молодости, здоровья, счастливая полнота бытия, венецианское великолепие и праздничность гармонично сочетаются в нем с торжественной величавостью. Характерный для портретов этих лет поколенный формат позволяет Тициану подчеркнуть спокойствие и уверенность осанки молодой дамы, придать портрету импозантность.

«Cреди, бесчисленных учеников Рафаэля Урбинского, большая часть которых стали мастерами своего дела, ни один не подражал лучше его манере, выдумке, рисунку и колориту, чем Джулио Романо, и ни один из них не был более его основательным, гордым, уверенным в себе, своенравным, переменчивым, щедрым и всеобъемлющим, не говоря уже о том, что он был очень приятным в обращении, веселым, приветливым и хорошо воспитанным. За все эти качества Рафаэль любил его так, что будь Джулио его сыном, он не мог бы любить его сильнее, и потому-то он всегда и пользовался его помощью в самых важных работах…» (Джорджо Вазари «Жизнеописание Джулио Романо, живописца»)

«Портрет Джулио Романо» около 1536 Городской музей Палаццо Те, Мантуя

На портрете изображен итальянский живописец и архитектор Джулио Романо (или Джулио Пиппи) (1492 или 1499-1546) – ученик Рафаэля и один из ярчайших представителей маньеризма. В юности Джулио некоторое время работал в мастерской Рафаэля, в частности, приняв участие в росписи знаменитых комнат («станцей») Рафаэля в Ватикане. После смерти Рафаэля в 1520 году, Джулио Романо участвовал в завершении некоторых работ мастера. Если его ранние работы близки по стилю к произведениям его учителя, то впоследствии художник полностью отошел от него, став одним из первых великих художников и архитекторов эпохи маньеризма. Около 1525 Джулио Романо приехал в Мантую по приглашению маркиза Федериго II Гонзага; он был назначен главным архитектором дворцов и садов Гонзага, ему было поручено украшение их фресками и античными статуями, а также обновление облика всего города. 31 октября 1546 года Джулио Романо умирает в Мантуе. Любопытно, что Джулио Романо — единственный художник эпохи Возрождения, о котором написал Уильям Шекспир, точнее —  в V акте пьесы «Зимняя сказка» упоминается скульптура «знаменитого итальянского мастера Джулио Романо» , не смотря на то, что Джулио никогда не был скульптором. В ГМИИ есть известная работа Джулиано Романо – «Форнарина» или «Дама за туалетом».
Портрет Тициан писал в Мантуе, где у живописцев были совместные дела, и оставил его в подарок другу. На картине Романо изображен как архитектор, он держит в руках план церкви. После смерти сына Джулиано Романо портрет был выкуплен в 1562 году семейством Гонзага, сейчас хранится в Мантуе в музее, расположенном в Палаццо де Те (Museo Civico di Palazzo Te), построенном по его же проекту и им же расписанном.

«…Однажды, посетив Тициана в Бельведере, Микеланджело и Вазари увидали у него картину, над которой он работал: обнаженную женщину в образе Данаи, принимающей в свое лоно Зевса в виде золотого дождя и (как это принято в присутствии художника ) очень ее расхвалили. Когда же они от него ушли, то, беседуя об его искусстве, Буонарроти его очень хвалил, говоря, что ему нравится весьма его манера и колорит, однако жалел, что в Венеции с самого же начала не учат хорошо рисовать и что тамошние художники не имеют хороших приемов работы. Ибо, говорил он, если бы искусство и рисунок так же помогали этому человеку, как ему помогает природа, в особенности в изображении натуры, то большего нельзя было бы себе представить, имея в виду его прекраснейшее дарование и его изящнейшую манеру…» Вазари «Жизнеописания знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих»

«Даная», 1544/45 Национальный музей Каподимонте, Неаполь

Даная – героиня картин многих художников. В древнегреческой мифологии дочь Акрисия, царя Аргосского и Евридики, мать Персея, имя которой упоминается в «Илиаде». Тициан также изображает «кульминационный момент» истории Данаи – Зевс проникает в ее темницу в виде золотого дождя. Из серии картин Тициана на эту тему (5 или 6 версий) в ГМИИ привезли первую.
Когда Тициан получил заказ от кардинала Фарнезе на картину «Даная», папский нунций Джованни делла Касса, сказал ему, что в сравнении с «Данаей», более ранняя работа «Венера Урбинская» кажется монашкой из ордена театинцев. «Даная», утверждал он, заставит «дьявола вскочить вам на спину» и вызовет похоть даже у известного своей аскетичностью доминиканского монаха Томазо Бадиа, кардинала Сильвестро. Черты Данаи напоминают любовницу Фарнезе, прототипом которой в соответствии с сохранившимся до наших дней письмом от 1544 года послужила знаменитая в то время куртизанка Донна Олимпия. Картина также предполагает, что любовник вызывает у Данаи восхищение. Возможно, художник льстил кардиналу, сравнивая его с любвеобильным богом, поскольку его огромное богатство давало ему власть обладать всем, чего он желает. В то же время голова Данаи повёрнута к зрителю вполоборота. Возможно, кардинал не хотел, чтобы лицо его любовницы было легко распознать. В свое время картина принадлежала коллекции знаменитой итальянской династии Фарнезе, до того как попала в коллекцию музея. Во времена Второй мировой войны эта работа Тициана была в числе похищенных нацистами произведений искусства, которые были найдены в шахте в Зальцбурге, и вернулась в Неаполь после окончания войны в 1947.

В поздний период работы Тициана теряют легкость и ясность, становясь все более темными и загадочными. Мастер обращается к религиозным сюжетам, трактовка которых приобретает у него довольно мрачное звучание. Главные работы той поры — «Благовещение» (1562-1565) и «Распятие» (1558), трудясь над которыми Тициан писал не только кистью, но и собственными пальцами, будто вылепливая образы Богородицы, архангелов, Иисуса и его апостолов. Техника живописи, палитра, система образов словно перебрасывают мостик от светлого, полнокровного Возрождения даже не к исторически последовавшему за ним маньеризму, а прямо к темному и нервному экспрессионизму ХХ века.

«Распятие Христа, Мадонна, святые Иоанн Евангелист и Доминик» 1558 Анкона, Церковь Сан Доменико

«Распятие» было завершено Тицианом в 1558 году и сейчас принадлежит алтарю церкви Сан-Доменико в Анконе. Эта работа была заказом венецианского купца Петро делла Корнови, переехавшим с семьей из Венеции в Анкону. Композиция картины почти плоская, слева у подножия креста – Дева Мария в темно-синих одеждах, ее лица почти не видно, Святой Доминик обнимает крест, а Святой Иоанн стоит, раскинув руки, не в силах поверить в случившееся.

«Благовещенье» 1453-1565 Церковь сан-Сальвадор, Венеция

Это часть алтарного образа (Тициан кроме «Благовещения» работал также над еще одним образом в этой же церкви — «Преображением Господним»), заказанного тем же венецианцем Пьетро Корнови для часовни церкви Сан-Сальвадор в Венеции, где работа находится до сих пор. Над картиной Тициан работал с 1559 года и закончил ее к 1564-му. Хотя современники критиковали эту «Благовещение» за «грязные цвета», сейчас она воспринимается как одна из наиболее смелых его работ. На картине Мария изображена напуганной, а не смиренно принимающей известие, как ее изображали ранее, а визуальный акцент смещен на архангела Гавриила и Святой дух в центре композиции.

В поздний период творчества Тициан был захвачен созданием наполненных драматизмом картин на христианские сюжеты, но и античность по-прежнему привлекала его. Художник разделял убеждение неоплатоников, что созерцание красоты возвышает человека, то есть —  красота имела для него религиозный смысл.

«Венера, завязывающая глаза Амуру» около 1559-1561 Рим, Галерея Боргезе

Возможно, работа писалась Тицианом для себя и до конца оставалась в доме на Бири. Первое упоминание о ней, как и ее владельце, кардинале Шипионе Боргезе, появляется в 1613 году в форме поэтического посвящения, написанного неким Франкуччи. На одиннадцати страницах высокопарных стихов автор воспевает божественную красоту творения дивного Тициана, способного заставить засиять солнечным светом краски, пред коими меркнет сама природа. Поэт не оправдывает действия Венеры, завязывающей глаза Амуру, дабы он не смел разить стрелами, и заявляет, что: «…Амур незрячий, баловень-ребенок, Рукою тянется к стреле спросонок…». . В инвентаре 1613 года и других инвентарях XVII века фигурирует под названием «Три грации». Это название так же условно, как и «Венера, завязывающая глаза Амуру» . Существуют различные трактовки аллегорического содержания картины, ни одна из которых не является исчерпывающей. Суть тициановской аллегории заключается, видимо, в неоплатонической концепции любви, ее двух ступеней — земной и духовной — небесной. Отсюда тема двух Амуров, один из которых — Антэрос — воплощает чувственную любовь. Повязка, накладываемая на глаза Антэроса, символизирует обуздание чувственной любви, ее очищение. Женщина, накладывающая повязку, обычно отождествляется с Венерой, но некоторые исследователи видят в ней богиню целомудрия Весту. Нимфы, которые держат атрибуты Амура, лук и стрелы, трактуются как Грации, аллегории Чистоты и Наслаждения, весталки и т. п.

«Венеру, завязывающую глаза Амуру» уже можно было видеть в Москве шесть лет назад, когда она стала настоящей сенсацией выставки «Россия-Европа-Россия». С «Флорой» «Венеру» разделяют полвека, и, безусловно, меняется манера письма мастера. Живопись здесь, вдохновившая позже Тернера и импрессионистов, похожа на крупные светоносные цветные пятна, которыми обозначены царственные фигуры богини и нимф. Возникает впечатление, что полотно Тициана дышит — ко времени создания этого произведения он пришел к новой живописной манере. Его холсты того периода вблизи выглядят скоплением хаотично положенных мазков, но стоит зрителю сделать несколько шагов назад, и он увидит, как буквально на его глазах рождаются образы, сотканные из цвета и света. Сейчас картина принадлежит коллекции римской Галереи Боргезе.

Джорджо Вазари  «Жизнеописание Леонардо да Винчи» Москва «ЭКСМО» 2005
Александр Махов. «Жизнь и творчество Тициана» «Молодая гвардия» 2006
«Искусство. Живопись, скульптура, архитектура, графика Книга для чтения Часть I» Составители: Алпатов М.В., Ростовцев Н.Н., Неклюдова М.Г. Издательство: Просвещение 1987
«Искусство итальянского ренессанса. Архитектура, скульптура, живопись, рисунок» Под ред Рольфа Томана KONEMANN 2005
«Музеи мира. Галерея Питти. Флоренция»  Составитель альбома И. Смирнова «Изобразительное искусство» Москва
http:// http://halloart.ru/showthread.php?t=2377
http://weekend.ria.ru/art/20130627/829304551-print.html
http://www.arts-museum.ru/events/archive/2013/06/Tiziano/index.php
http://www.liveinternet.ru/journalshowcomments.php?jpostid=107250578&journalid=2010239&go=next&categ=
http://www.liveinternet.ru/users/2350163/post127689292/
http://muzei-mira.com/kartini_italia/625-venera-zavyazyvayuschaya-glaza-amuru-tician-vechellio.html
http://www.liveinternet.ru/users/4790422/post281393115/
http://www.cult-turist.ru/country-topics/1480/?q=524&it=1480&tdp=hlptr
http://www.trud.ru/article/28-06-2013/1295905_v_pushkinskij_muzej_priexal_titsian.html
http://www.artitaly.ru/foto.php?art=t/tician/img/103&n
http://culture-world.ru/?p=75

Художники и куртизанки: роль проституции в искусстве

• Джейсон Фараго
• BBC Culture

25 сентября 2015

Автор фото, Getty

«Олимпия» Мане на выставке в Италии

Проституция была неотъемлемой составляющей повседневной парижской жизни в конце XIX века. Это важно учитывать для понимания искусства того времени, а заодно и всех последующих художественных течений, считает корреспондент BBC Culture.

Мы слишком часто сводим импрессионизм и другие стили французской живописи на рубеже XIX и XX веков к набору стереотипов: картины с подсолнухами и стогами сена, младенцами и балеринами, репродукции которых хорошо смотрятся на почтовых открытках или плакатах на стенах студенческих комнат в общежитии.

Но в те времена французское искусство было отнюдь не буколическим. Париж в конце XIX века переживал серьезную социальную трансформацию, и художники эпохи модерна рисовали не только пейзажи.

Они отражали новые городские реалии во всей их сложности, не стесняясь ничего — в том числе и борделей района Пигаль.

В сентябре в парижском музее Орсе проходит выставка «Блеск и невзгоды: проституция на картинах 1850-1910 годов». Это первая крупная экспозиция, затрагивающая тему столь центральную для французского модерна, которую мы, тем не менее, порой в упор не замечаем.

Проститутки были незаменимыми моделями для парижских художников, и на двух ключевых работах эпохи — прямолинейной «Олимпии» Мане и кубических «Авиньонских девицах» Пикассо — изображены работницы секс-индустрии.

Проституция, ныне существующая в тени, была для этих художников фактом современной им жизни и, черпая вдохновение в жрицах любви, они также временами считали, что дистанция от художественной мастерской до борделя не столь уж и велика.

Шарль Бодлер в своих ранних личных дневниках прямо поставил два этих занятия на одну доску, написав: «Что есть искусство? Проституция».

Гнездо разврата

Сейчас мы помещаем проституток на одну из самых низких ступенек социальной структуры общества, о них упоминают с презрением — если вообще упоминают.

Но в Париже позднего XIX века проституция была важной составляющей повседневной жизни, частным бизнесом с публичными последствиями.

В период правления Наполеона III секс-индустрия работала по строгим правилам, и такое положение дел сохранялось и в начале XX века.

Автор фото, Henri de Toulouse Lautrec

Анри де Тулуз-Лотрек «В салоне на рю де Мулен»

Сутенерство было вне закона, вместо этого женщины легкого поведения должны были регистрироваться в полиции, работать лишь в одном борделе и платить налоги. (Публичные дома во Франции запретили в 1946 году; продавать тело до сих пор законно, но в обществе идет бурная дискуссия о том, не стоит ли запретить покупку услуг проституток, как это сделано в Швеции).

Надзорные органы и инспекторы полиции нравов могли быть очень придирчивыми, и в газетах нередко появлялись заметки о несчастных женщинах, наложивших на себя руки, чтобы их не оттащили в префектуру.

Жрицы любви XIX века должны были ежемесячно проходить обязательное медицинское обследование — а оно, как изобразил на своем полотне «В салоне на рю де Мулен» помешанный на проститутках Анри де Тулуз-Лотрек, могло быть более унизительным, чем собственно их работа.

На картине крепкие, лишенные кокетства женщины одеты в блузки и чулки, но на них нет юбок и белья; они выглядят как утомленные и обесчещенные жертвы бюрократии, а не своих клиентов.

На несколько ступенек выше по социальной лестнице располагались куртизанки, предлагавшие клиентам не только тело, но и светский лоск, увлекательную беседу и общественный престиж.

Многие из них стали знаменитостями, и об их жизни (а иногда и о содержателях) писали газеты.

Ла Паива, одна из самых заметных куртизанок периода Второй империи (1852-1870), родилась в еврейском гетто в Москве, но в итоге оказалась на Елисейских полях, где принимала гостей в нарочито роскошном доме с ониксовой ванной, из крана которой текло шампанское.

Когда она умерла в 1884 году, ее последний супруг распорядился сохранить ее тело в формалине, к немалому изумлению его следующей жены.

Особенно подвержены чарам проституток и куртизанок были художники и писатели.

Куртизанка Аполлония Сабатье, которую ее почитатели называли Президентшей, сделала из своего дома буржуазный салон, куда частенько заглядывали Эжен Делакруа, Гюстав Флобер и в особенности Шарль Бодлер, которому она служила наемной музой.

Автор фото, www.bridgemanart.com

Ла Паива принимала гостей в нарочито роскошном доме

В экспозиции в музее Орсе Сабатье представлена мраморная скульптура Огюста Клезенже «Женщина, ужаленная змеей» — в свое время эта работа вызвала большой шум, в частности потому что Клезенже работал со слепка обнаженного тела куртизанки.

Куртизанки были натурщицами и музами художников еще со времен эпохи Возрождения.

К примеру, на томной картине Тициана «Венера Урбинская» (1538 год) богиня любви списана с Анджелы дель Моро, одной из самых высокооплачиваемых куртизанок Венеции.

Но к 1860 году Эдуарду Мане надоели полунамеки, и он решил изобразить сцену, знакомую всем (или, по крайней мере, всем городским буржуа мужского пола).

Взяв позу «Венеры Урбинской», Мане нарисовал обнаженную женщину в постели, в одних лишь туфельках, с бархоткой на шее и цветком в волосах. Выражение ее лица суровое и пустое.

Это уже не богиня и не речная нимфа: добро пожаловать в Париж эпохи расцвета домов терпимости.

Моделью Мане для «Олимпии» послужила вовсе не проститутка, а его любимая натурщица, художница Викторина Мёран, которую также можно увидеть на «Завтраке на траве» и на других картинах художника.

Но скандал, вызванный полотном на Парижском салоне 1865 года (в те времена он был главным в мире художественным мероприятием), был беспрецедентным.

Газеты писали, что при виде картины женщины ударялись в слезы, а другие художники выли от ярости.

Мане убрал весь мифологический багаж, делавший изображение проституток приемлемым в мире высокого искусства.

К тому же он сделал это в новой жесткой, брутальной манере, не пытаясь придать пространству объем за счет перспективы. Фигура Олимпии полностью двухмерная, весь акцент сделан на линиях и цвете.

«Олимпия» Мане вызвала скандал в двух плоскостях — формальной и социальной. Женщина Олимпия позирует так, будто она богиня любви, а на самом деле она всего лишь шлюха.

Автор фото, Edouard Manet

Скандальная «Олимпия» «упорно заявляет о собственной материальности»

Картина же «Олимпия» кажется репрезентацией трехмерной сцены, но на самом деле это всего лишь плоская краска.

Поразительный гений Мане заключался в том, что он понимал взаимосвязь этих двух иллюзий.

Плоская манера живописи Мане — позволившая ему писать в радикально двухмерном стиле, из которого в итоге выросло абстрактное искусство — родилась именно благодаря разрушению социальных норм и правил в новом Париже, что символизировалось выдвижением проституток с окраин общества в центр его внимания.

Тиджей Кларк, выдающийся исследователь творчества Мане, однажды написал: «Эта картина упорно заявляет о собственной материальности, делая это посредством взгляда проститутки».

Современное искусство тоже родилось из проституции — или, по крайней мере, из ее изображения.

Сквозь розовые очки

Бодлер, хороший друг Мане, писал не только о том, что искусство — это род проституции, но и о том, что весь Париж был гигантским публичным домом.

Ремесло художника, как продемонстрировал Мане, — это игра с элементами мошенничества: соблазнить глаз путем сокрытия реальности, заставив напечатанные слова или краску на холсте казаться действительностью.

Но лишь буржуа — то есть, скажем прямо, мужчина-буржуа — мог быть столь себялюбивым, чтобы сравнить акт художественного творчества с непривлекательной рутиной работы в индустрии секса.

Куртизанок осыпали драгоценностями и купали в ваннах из «Вдовы Клико», но большинство проституток были отчаявшимися созданиями, сбежавшими от жизни во французской глубинке.

У них было мало денег и еще меньше уверенности в собственной безопасности — они нередко становились жертвами насилия.

Временами — например, глядя на пастель Тулуз-Лотрека, запечатлевшую унижение медицинского осмотра, — посетители художественных галерей видели эту жизненную изнанку. Но чаще художники-модернисты писали образ «счастливой шлюшки»: независимой, не ищущей себе оправданий и наслаждающейся сексом не меньше мужчин.

Это была фантазия: фантазия вообще была фундаментом современного искусства, но от этого она не переставала быть ложью.

Лишь позднее в XX веке художники — а в особенности художницы — взглянули на реалии проституции без романтических розовых очков.

Автор фото, Auguste Clsinger CC BYSA 2.0 fr

Огюст Клезенже «Женщина, ужаленная змеей»

Прежде всего, мне вспоминается Шанталь Акерман, режиссер-новатор из Бельгии. Ее поучительная лента «Жанна Дильман, набережная Коммерции 23, Брюссель 1080» в медленно движущихся планах рассказывает зрителю историю повседневной жизни овдовевшей матери, чей единственный источник дохода — продажа своего тела на своей же квартире.

«Жанна Дильман», одно из знаковых явлений в феминистском кино, рисует проституцию не как личный выбор, а как экономическую необходимость и часть более масштабной системы, в которой женщины никогда не являются подлинно независимыми.

Такую точку зрения не были способны принять самые радикальные художники-мужчины XIX века — даже если они в сумерках дома терпимости и читали ее на лицах бедных женщин.

князь художников Венеции: conjure — LiveJournal

Слева портрет молодого Карла руки фламандского живописца Бернарта ван Орлей в год коронования на престол кайзера, справа портрет более зрелого Карла 28 лет спустя руки Тициана, который сечас принято относить к работам голландца Ламберта Сустриса (Lambert Sustris).

Тициан уронил нечаянно кисть, и тот самый Карл V — птички, олени, солнце и всё такое — вскочил со своего места, чтобы подать мастеру кисть. Обожание кайзера к Тициану не знало границ. Карл V сделал для любимого художника всё, что мог — одаривал заказами, возвёл в графы, посвятил в рыцари Ордена Золотого руна — династический орден которого остаётся по сей день одной из самых древних и почётных наград Европы. Даже дети Тициана получили дворянский статус со всеми вытекающими. Подобных почестей не удостаивался до Тициана ни один художник. Завистливые придворные не могли сдержать своё негодование. Недовольство и зависть стали выражать даже в лицо могучему правителю. На что тот нетерпеливо отмахивался и заставлял замолчать всех:»Да, мне подвласно сотворение графов и герцогов, но только не второго Тициана!»

В художественной жизни того времени Тициан занимал весьма уникальное место. Два его мощных конкурента — Леонардо да Винчи и Рафаэль умерли. Тициану практически не было равных среди современников. Славился он настолько, что сильные мира сего посылали к мастеру прошения, чтобы тот соизволил написать своей святой рукой их портрет.

В чём была особенность Тициана? Необычная разносторонность и новаторская техника работы маслом. Он писал всё от алтарей до пасторали, от прекрасных обнажённых Венер до монументальных сцен сражений. О его портретах ходили легенды не только благодаря потрясающему сходству с моделью, но и потому, что художнику удавалось улавливать характер, отражать душу портретируемого. Его работы стали примером для для подражания для всех последующих поколений художников, в том числе для Рубенса, Рембрандта, ван Дейка, Веласкеса и более современных, таких как Мане. Все они находились под сильнейшим влиянием творчества Тициана. Но кем был великий мастер? Как стал тем, кем стал?

Тициан, автопортреты, около 1562-1567 годов

Около 1477 года в итальянских Альпах в крестьянско-солдатской семье родился мальчик — Тициано Вечеллио (Tiziano Vecellio). По легенде уже в 7 лет он написал свой первый портрет Мадонны на стене родительского дома выжатыми из цветов соками. Семья была очень бедной. Настолько, что даже не было средств отправить ребёнка в школу. Однако дорогой папенька вовремя разглядел талант сына и отправил ребёнка в нежном возрасте 9 лет к дядюшке в Венецию, где мальчик должен был получить наставления в рисунке и живописи. Так началась головокружительная карьера того самого Тициана, которому короли подавали кисти и дворянские звания.

Сначала Тициано попал в мастерскую мозаики, где научился работе с пигментами и созданию красок. Потом ему посчастливилось стать учеником знаменитого художника и терпеливого учителя Джованни Беллини (Giovanni Bellini). Ниже знаменитые работы Джованни.

Слева портрет дожа Леонардо Лоредано руки Беллини, 1501, Лондон, Национальная галерея. Справа Madonna degli alberetti, 1487, Gallerie dell’Accademia, Венеция

Именно Беллини заметил, что у деревенского мальчика Тициано потрясающий талант к передаче света и цвета, но вот форма иногда страдает. Поэтому он заставил Тициано как следует прокачать рисунок. Однако раскрыть талант Тициана было суждено не учителю, а другому ученику Беллини — Джорджоне (Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, более известный как Джорджоне (итал. Giorgio Barbarelli da Castelfranco, Giorgione; 1477/1478—1510) — итальянский художник, один из величайших мастеров Высокого Возрождения). Именно Джорджоне, который изображал людей так, как видел — жизнерадостными, яркими, поэтичными — произвёл на молодого Тициана неизгладимое впечатление. И когда первый решил покинуть мастерскую учителя, Тициан тут же упаковал свои кисти, чтобы следовать за своим кумиром.

Джорджоне, «Спящая Венера», 1508/10г, Национальная галерея Дрездена.

Однажды Джорджоне получил солидный заказ на роспись внешних стен торгового немецкого дома в Венеции. Сам он перенял фасад здания, который выходил на Гранд-канал (итал. Canal Grande) — самый известный канал Венеции. Задняя часть, находившаяся в узком переулке, досталась Тициану. Когда работы по росписи дома были завершены, Тициан получил куда больше похвал, чем сам Джорджоне. Последний так и не смог простить за это друга, хотя ему оставалось жить всего два года. Тициан недоумевал, что такая вещь смогла разбить их дружбу. Его уважение к Джорджоне сохранилось даже после смерти мастера. Тициан даже закончил начатые картины Джорджоне.

После смерти Джорджоне Тициан получил официальный статус — «Первый художник Венеции». Вскоре после этого последовал и первый громкий заказ — крупноформатное полотно «Вознесение Марии» для церкви Фрари (Собор Санта-Мария Глориоза деи Фрари) — один из самых известных и знаменитых соборов в Венеции. Представьте себе только эту махину — 7 метров высотой и 4 метра шириной! На открытие картины собралась вся Венеция, вот только овации заставили себя долго ждать. Церковь не хотела платить и тянула резину. Помещение деи Фрари наполнилось художниками, которые дотошно изучали картину и копировали её куски. Кульминацией всего стало появление некоего посланника испанского двора, который предложил Тициану прямо на месте мешок золотых дукатов за работу. Тут-то братья-церковники спохватились и оплатили работу художника.

Собор Санта-Мария Глориоза деи Фрари (Святой Марии Словущей или Успения Девы Марии, итал. Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari) — один из самых известных и знаменитых соборов в Венеции. Находится в районе Сан-Поло на одноимённой площади. Короткое и общеупотребимое название церкви — Фрари.

Как я уже писала выше, техника работы Тициана была весьма новаторской для той эпохи. В то время, как большинство коллег сначала тщательно прорабатывали контур изображения, Тициан работал цветовыми пятнами. Наносил краску много и густо не только кистью, но и мастихином, и даже пальцами. Особенно ему удавались оттенки кожи. (Здесь начинается самое интересное, как мне кажется.) Белое пространство холста Тициан грунтовал красным, который поверх грунтовал ещё одним слоем смеси белого с оттенками синего и зелёного. В итоге цвет кожи людей на картинах Тициана выглядел настолько натуральным, что казалось, будто его герои вот-вот задышат и сойдут с полотна. Кстати, золотой, скорее рыжий цвет волос Тициановских женщин плотно вошёл в речь как «Красный Тициана» (Tizian Red). Этот цвет символизировал страсть в работах Тициана. Вдохновительницами были венецианские куртизанки, которые часто стояли моделями для мастера.

Фрагмент картины Tizian (1488-1576), «Небесная и земная любовь», Galleria Borghese в Риме

Несмотря на свой головокружительный успех Тициан оставался верным родине в Альпах. Каналы и гондолы были большой редкостью в работах мастера. Там, на своей родине, Тициан встретился и со своей женой. Говорят, что он был любящим мужем и заботливым отцом своим детям. Большая редкость.

Во второй половине своей длинной жизни (согласитесь, 86, по некоторым сведениям 99, и в наши медицински продвинутые дни большая редкость) Тициан путешествовал от одного королевского двора к другому. Писал фрески и портреты королей и кайзеров, епископов и кардиналов. В Венеции мастера можно было встретить в окружении учеников. Люди уважительно расступались перед почётным гражданином Венеции — князем всех художников и другом великих мира сего. Тициан писал картины до самой смерти. Его трудолюбию и железному здоровью можно было только позавидовать.

Работал он реально, как мул! Вставал ранним утром, пил много вина и частенько засиживался с гостями до поздней ночи. А наутро вставал бодрым и свежим и принимался за работу. Мне кажется, что он мог бы стать настоящим долгожителем, потому что в итоге умер не от старости, а от чумы, которая унесла в конце 16 века почти 50 000 жителей Венеции. Похоронили мастера во Фрари, но в сердцах людей, и я тому не исключение, великий мастер живёт до сих пор!

——————————-
Источники:
George Kent «Tizian — der Malerfürst von Venedig» (Das große Reader’s Digest Jugendbuch, 10 Jahre (10. Folge))
Тициан Вечеллио
Собор Санта-Мария Глориоза деи Фрари
Джорджоне
Антонис Ван Дейк
Karl V
Giovanni Bellini

Картина Любовь земная и Любовь небесная – Тициан в галерее Боргезе

Написанная маслом картина «Любовь небесная и Любовь земная» принадлежит кисти Тициана Вечеллио. Произведение датируется 1514 годом и относится к раннему периоду творчества художника.

Историческая справка

Исследователи пришли к выводу, что картина «Любовь небесная и Любовь земная» была создана живописцем для Никколо Аурелио, занимавшего должность секретаря Совета десяти в Венецианской республики. Фамильный герб на фонтане, выполненном в виде саркофага, подтверждает личность заказчика. Картина должна была стать подарком к торжественному событию: бракосочетанию Никколо Аурелио с молодой вдовой Лаурой Багаротто.

Британский историк искусств, Чарльз Хоуп, анализируя картину Тициана, утверждал в одной из своих исследовательских работ (1976 год) о том, что на холсте изображена невеста, облаченная в белое платье. Рядом с героиней сидит богиня любви Венера и маленький Купидон. В искусствоведческих кругах долгое время не утихали споры относительно сюжета произведения, эксперты выдвигали разные версии, пытаясь расшифровать, кто именно запечатлен на картине.

Несмотря на попытки прийти к единому мнению, до сих пор вопрос об идейном содержании произведения и центральных фигурах остается предметом для дискуссий.

Картина Тициана получила свое нынешнее название «Любовь небесная и Любовь земная» (Amor Divino e Amor Profano) в 1693 году, и возможно, оно совершенно не соответствует замыслу художника.

Описание произведения

В центре холста изображены похожие друг на друга женщины, сидящие на мраморном сооружении, богато украшенном резьбой. Внешне конструкция напоминает фонтан, декорированный барельефами. Его формы повторяют очертания древнеримского саркофага. Остается неясным, каким образом вода поступает в чашу фонтана, при этом видно, как мощная струя вытекает из медного крана, расположенного в нижней части сооружения, между двумя фигурами героинь. На фронтальной стенке саркофага выгравирован фамильный герб Никколо Аурелио.

Живописец изобразил между женщинами мальчика-младенца, с крылышками на спине, который, скорее всего, являет собой образ маленького Купидона, спутника богини плотской любви Венеры. Дитя пристально рассматривает воду, игриво опустив в нее свою пухлую руку. Героиня, расположенная слева, облачена в дорогое платье, ее одеяние, по мнению современных исследователей, напоминает наряд невесты, хотя искусствоведы прошлых эпох утверждали, что так выглядели и куртизанки. В золотистые волосы вплетена веточка мирта, цветы которого считались и священным атрибутом античной богини Венеры, и обязательным элементом в образе девушки, вступающей в брак.

Женщина, изображенная с правой стороны, напротив, предстает совершенно обнаженной, ее чресла прикрыты белой простыней, а огромная красная накидка ниспадает на плечо. Героиня сидит на выступе фонтана, одной рукой опираясь о мраморную плиту, а в другой, поднятой вверх, она держит небольшую емкость, источающую дым. Скорее всего это лампада с оливковым маслом, потушенная с появлением первых лучей утреннего света.

Одетая героиня облокачивается о большую чашу, содержимое которой спрятано под крышкой. Исследователи терялись в догадках, выдвигая разные оригинальные версии относительно того, что могло находиться внутри таинственной емкости, хотя понять истинный замысел художника, конечно, не представляется возможным. В ХХ веке, несмотря на первоначальные разногласия, большинство экспертов пришло в некотором смысле к единому мнению: исходя из названия произведения, было решено, что фигура одетой героини олицетворяет собой небесную любовь, а обнаженной, соответственно, – земную.

Сцены, выгравированные на передней стороне саркофага, до сих пор по-разному толкуются исследователями. Например, Эдгар Винд, британский историк искусств, немецкого происхождения, так описывает барельефы, размещенные на фронтальной части мраморного сооружения: «Мужчина повержен, женщину волокут за волосы, необузданную лошадь уводят, придерживая за гриву».

С левой стороны, там, где сидит героиня, облаченная в платье, на заднем фоне картины зрителям открывается гористый пейзаж. Вершину холма венчают белокаменные строения, являющиеся, возможно, замком или небольшим поселением с оборонительной башней. Чуть поодаль художник изобразил двух кроликов, расположившихся на одном из склонов.

Пейзаж в правой части картины, служащий фоном для фигуры обнаженной героини, несколько сдвинут вниз. На заднем плане взору предстает маленькая деревня, раскинувшаяся у озера, среди построек отчетливо видна высокая колокольня со шпилем, устремленным ввысь. На противоположном берегу водоема живописец разместил фигуры двух охотников, сидящих верхом на лошадях, гончие собаки преследуют зайца, рядом можно увидеть пастуха, выведшего стадо овец на луг, а также пару влюбленных, заключивших друг друга в крепких объятиях.

Анализ произведения

Внимание искусствоведов сосредоточено на разнице двух женских фигур. Схожая интерпретация образов прослеживается в произведении пластики древних времен. Так, Плиний Старший, автор крупнейшего энциклопедического сочинения античности, упоминал в своем монументальном труде «Естественная история» о работе скульптора Праксителя, вырезавшего из мрамора два образа богини Венеры, один был облачен в одежды, а второй предстал совершенно обнаженным.

Героини Тициана выглядят похожими друг на друга, но несмотря на этот факт они являются олицетворением совершенно противоположных понятий. Женщина, расположенная в правой части картины, – это воплощение вечных ценностей, а та, что изображена слева, служит символом страсти и мимолетных желаний.

Среди большого числа версий, выдвинутых искусствоведами об истинном замысле произведения Тициана, очень интересной представляется гипотеза о том, что на холсте художника запечатлены образы Полины и Венеры, двух героинь популярного в эпоху Возрождения романа «Гипнэротомахия Полифила», авторство которого приписывается доминиканскому монаху Франческо Колонна. Текст религиозно-философской книги, пропитанный магическими и оккультными идеями, сопровождался многочисленными иллюстрациями, первое издание вышло в свет в 1499 году.

Среди исследователей находятся и такие, кто с большой уверенностью считает, что Тициан изобразил в своем произведение аллегорию любви, рождения потомства и брачного союза.

Герметическая философия, отчетливо читаемая в произведении живописца, во многом перекликается с учением Платона, повлиявшим на развитие искусства эпохи Возрождения. Идеалы красоты, воспетые в картине, а также понятия божественного и земного естества, одинаково применимы как для христианской, так и языческой культуры. Если следовать доктрине неоплатонизма, то образ маленького Купидона, игриво окунувшего свою руку в воду (символ источника жизни), олицетворяет собой любовь – промежуточный этап между небесами и землей (такую оценку произведению Тициана дает Эрвин Панофский, немецкий и американский историк и теоретик искусства, 1939 год).

В 2002 году был сделан ренгенофлюростеный анализ холста, картину изучали в инфракрасном и ультрафиолетовом спектре, что позволило определить пигменты, которые использовал Тициан, создавая свой шедевр. Благодаря работе современных исследователей стало известно, что в палитру вошли такие оттенки, как: свинцово-белый, синевато-голубая лазурь (цвет минерала азурита), свинцово-олово-желтый, ярко-красный и желтая охра.

Borghese Gallery in Rome,

Автор: Тициан

Тициан Вечеллио  (1488/90-1576), известный как Тициан, был итальянским художником во времена Ренессанса, считавшимся наиболее важным представителем венецианской школы XVI века. Будучи известным среди своих современников как «Солнце среди маленьких звезд», Тициан был одним из самых универсальных итальянских художников, который работал над портретными пейзажными фонами, мифологическими и религиозными сюжетами. Его методы живописи, особенно в применении и использовании цвета, повлияли не только на других художников позднего итальянского Ренессанса, но и на будущие поколения западного искусства.

Ещё шедевры Боргезе

Бордель за 50 млн фунтов | Тициан

После интенсивных спекуляций и апелляции за апелляцией, теперь высоки надежды на то, что Диана и Актеон Тициана будут спасены для нации. Ожидается, что национальные галереи в Лондоне и Эдинбурге соберут 50 миллионов фунтов стерлингов на покупку картины у герцога Сазерленда. Это колоссальная сумма денег. Но мы не могли позволить ему уйти за границу. Почему? Здесь, деталь за деталью, представлены элементы, которые делают эту работу такой революционной, с чувственной силой, которая вдохновляла легионы художников — хотя ни один из них никогда не мог сравниться с его гедонистической магией и скрытой тайной.

1: Cavorting куртизанки

В основе работы — одна из самых роскошных коллекций обнаженной натуры, когда-либо написанных. Богиня Диана и ее нимфы купаются в лесном бассейне, когда случайно оказывается охотник Актеон. Это история, которая дает Тициану широкие возможности для славы в женских телах. В Венеции эпохи Возрождения, где Тициан был ведущим художником, куртизанки (в основном проститутки высокого класса) были признанной частью общества, и художники регулярно изображали их — но никогда более восторженно, чем здесь, в том, что, по всей вероятности, представляет собой сцену публичного дома, скрытую в мифах. .Мазки Тициана полны желания. Это не просто картина с обнаженными телами, это картина, которая проходит среди них, почти занимаясь с ними любовью.

2: Несколько зеркал

Масляная живопись была изобретена, как говорят, для изображения плоти, но она также была изобретена для изображения отражения. Зеркала усложняют и обогащают воображаемый мир Тициана. Зеркало, балансирующее на фонтане, выпуклый стеклянный сосуд рядом с ним и, прежде всего, зеленая вода, в которой формы становятся призрачными и жуткими, — все это увеличивает удовольствие от созерцания.

3: Напрашивающийся розовый бархат

Мягкие вещи повсюду — насыщенный красный бархат, на котором сидит Диана, розовая подвеска, которая не скрывает купальщиков от вуайериста-мужчины, различные шторы и полотенца. Эти чувственные бархатные текстуры наводят на размышления.

4: Последнее празднование природы

Очарование деревьев и травы, голубых облаков неба придает реальности мифологическую сцену. Более того, осенние листья напоминают нам о старении Тициана.Его видение обнаженной натуры — это последний затяжной праздник. Карневале, великий праздник Венеции Тициана, означает: «Плоть, прощай!» Это последняя гедонистическая атака перед Великим постом. Это карнавал Тициана.

5: Домашние животные для осветления тона

Комический контраст «мужских» и «женских» домашних животных подчеркивает величие сцены. Охотничья собака Актеона храбро встречает тявкающую собачку Дианы. Это также предзнаменование того, что происходит дальше в мифе: Диана превратит Актеона в оленя, чтобы наказать его вуайеризм, и он будет растерзан собственными собаками.

6: Тайна спрятанной нимфы

Нимфа, стоящая к нам спиной, отличается от своих спутников. Ее кожа оливкового цвета, а мускулы мужские. Это тревожно. Неужели мужчина проник в обнаженные тела Тициана? Неевропейский? Тайна превращает вас в Актеона — вы прямо здесь, на картинке, и хотите увидеть больше. И, как и Актеон, тебя наказывают, хотя бы дразнить. Это побуждение заставить вас заглянуть за пределы внешней красоты во всю тайну существования.

7: Гений цвета

Черные рабы становились все более заметными в Европе Тициана. Тем не менее, его изображение африканского слуги Дианы является таким же примером его гения в цвете, как и его способности идеально обозначить их место в венецианском обществе. Вы ослеплены и озадачены сиянием жемчужной кожи Дианы; через сопоставление черная кожа помогает создать это ослепление. Есть ли у Тициана черный слуга, чтобы показать, что он на самом деле изображает куртизанок Венеции? Является ли она ключевым признаком того, что это сцена в борделе?

Тициан (ок.1488-Венеция 1576) — Любовники

Атрибуция и предмет этой картины были предметом споров.Такое расположение фигур в искусстве часто изображает куртизанку или неверную жену на руках молодого любовника на фоне ее обманутого, пожилого и богатого мужа (или защитника). Женщина здесь не носит изысканной одежды или украшений куртизанки, и в этой сцене нет чувства предательства. Гравюра Зоана Андреа под названием « The Lovers », датируемая 1510-1919 гг., Изображает пару в аналогичном расположении и связана с этой картиной.

Вероятно, это сцена из классической литературы или литературы эпохи Возрождения, но нет очевидного способа сказать, что именно, так как Тициан обычно избегал указывать цифры старинной одежды.Другая версия той же композиции в Casa Buonarroti во Флоренции была известна как Смерть Лукреции , но нет ни меча, ни ран, подтверждающих эту идентификацию. Карло Ридольфи, писавший в 1648 году, упоминает Тициана половинной длины Корнелии, теряющей сознание на руках Помпея , что было связано с этой композицией. История происходит из «Фарсалии » Лукана года (книга v) первого века нашей эры: перед последней битвой с Цезарем Помпей приказывает отвести свою жену Корнелию на безопасный остров Лесбос; при их расставании она падает в обморок в объятиях слуг, которые уносят ее.Однако этот предмет редко представлен в искусстве, и мужчина, держащий женщину на этой картине, кажется слишком важным, чтобы быть сопровождающим. Более обычным предметом в искусстве является предыдущая жена Помпея, Джулия, теряющая сознание от шока, увидев его окровавленное платье, которое снова не соответствует этой картине.

Другой возможный источник происходит из итальянской литературы эпохи Возрождения и впервые был предложен Кроу и Кавальказелле: сборник новелл Маттео Банделло (1485–1561) содержит два рассказа, которые подходят для этой сцены.Один из них, вероятно, также является источником для шекспировского романа «Ромео и Джульетта» и рассказывает, как молодая женщина тайно выходит замуж за мальчика, которого отправляет за границу его отец, оставляя ее вынужденной выйти замуж за другого. Она падает в обморок, очевидно мертвая, и похоронена в семейном склепе; по возвращении ее оживляет ее настоящий муж, который чувствует биение ее сердца. Если этот предмет предназначен здесь, возраст третьей фигуры предполагает, что он второй муж, а не отец. В другой истории племянница герцога Бургундского тайно выходит замуж и в конце концов умирает на руках молодого человека Карло Вальдрео, который впоследствии убивает себя.Смерть героини становится свидетелем слуги, который лучше объясняет третьего человека на картине. Проблема с этим объяснением состоит в том, что эту картину можно датировать примерно 1510 годом, и Банделло не мог начать работу над своим романом до 1530-х годов (они не были опубликованы до 1554 года. или, возможно, другое повествование той же истории), которую сегодня невозможно идентифицировать.

Рентгенография показала, что женщина изначально была более приличной, с большей частью ее груди, покрытой драпировкой, и рука мужчины могла быть в другом положении. .Мужская шляпа была переделана, а рука третьего мужчины на плече женщины была нарисована почти как запоздалое размышление. Самым удивительным открытием стали длинные широкие линии, формирующие женскую драпировку по стилю и направлению, совершенно отличным от тех, что были нарисованы в итоге. Возможно, она носила белую сорочку, собранную на плече, сопоставимую с той, которую носила модель Тициана Lucretia (Gemäldegalerie, Вена). Энергия мазков и радикальное отличие подмалевка от финальной версии типичны для Тициана.

На протяжении многих лет высказывались различные предположения относительно автора этой картины: Джорджоне, Тициана и художников, на которых он оказал влияние — Париса Бордоне, Себастьяно дель Пьомбо и Кариани. Пентименты, обнаруженные на этой картине с помощью рентгенографического анализа, позволяют предположить, что ее следует рассматривать как основную версию и что картина Буонарроти была сделана после нее с помощью трассировки.

Считается, что картина «Влюбленные» была написана Тицианом, хотя эта атрибуция остается условной, учитывая поврежденную верхнюю половину картины.Наименее поврежденные участки, такие как атласный рукав мужчины, имеют динамичный рисунок и яркий цвет, типичный для Тициана. При обращении с краской и деталями он может быть отнесен к другим поясам: Портрет мужчины со стеганым рукавом (Национальная галерея, Лондон) и Саломея или Юдифь с головой Олоферна (Коллекция Дориа Памфили, Рим). Сравнение, на этот раз костюма и длины волос, с Национальной галереей Мужчина со стеганым рукавом также дает дату ок.1510 за эту картину. Композиция и загадочный сюжет соответствовали ранним занятиям Тициана, когда он и его покровители находились под сильным влиянием достижений Джорджоне.

Запись в каталоге адаптирована из Искусство Италии в Королевской коллекции: Возрождение и барокко , Лондон, 2007 г.

Произведения Тициана и известные картины

1538

Венера из Урбино

Эта картина восходит к давней традиции изображений Венеры, и, похоже, он был основан на работе Джорджоне « Спящая Венера » (1510 г.), хотя интерпретация богини Тицианом гораздо более эротична.Эта чувственность усиливается прямотой взгляда обнаженной натуры, ее слабой улыбкой и вниманием к зрителю, а также изображением ее в роскошной домашней обстановке без аллегорических или мифологических символов, традиционно связанных с Венерой. В то время как обнаженная натура Джорджоне идеализирована и скромна, обнаженная Тициана реалистична и соблазнительна. Теплые, светлые тона ее кожи контрастируют с более темным и богатым фоном и игрой света на ее теле, а тонкое использование светотени придает скульптурность обнаженной натуре.Ее изгибы также контрастируют с регулярностью архитектурных элементов, включая плиточный пол, классические колонны и зеленые подвесы, которые делят сцену пополам, подчеркивая плодородный центр фигуры.

Существует значительная дискуссия по поводу интерпретации изображения, некоторые утверждают, что это картина куртизанки Анджелы Заффетта, в то время как другие предполагают, что это свадебный портрет, заказанный Гвидобальдо в честь его свадьбы с 10-летней Джулией. Варано в 1534 году.Свидетельством этой последней теории является символизм спящей собаки (верность) и двух слуг в кассоне, сундуке, в котором будет храниться приданое с одеждой, подаренное невесте семьей ее мужа.

Это изображение считается одним из самых известных и совершенных примеров жанра, и на протяжении веков холст вдохновлял множество других работ, которые заимствовали из изображения, используя расслабленную позу объекта, более широкую композицию и наводящее на размышления изображение. обнаженной натуры.К ним относятся Валаскеса Rokeby Venus (1647-51), Гойи The Nude Maja (около 1797) и The Grande Odalisque (1814) Энгра. Один из самых ярких примеров — Olympia Эдуарда Мане (1863), утонченная доимпрессионистская дань уважения, которая вызвала много споров, когда была впервые представлена. Олимпия лежит в том же положении, что и Венера, с глазами, которые беззастенчиво встречаются с глазами зрителя, однако она не богиня, а проститутка, лежащая в комнате, в которой работает.Картина Мане демонстрирует мощное влияние Венеры Тициана в представлении плотской и чувственной женской красоты.

Холст, масло — Галерея Уффици, Флоренция

10 произведений Тициана, которых вы должны знать

Тициан, Венера Урбино, холст, масло, 119 x 165 см, Галерея Уффици, Флоренция, 1538 | © Sir Gawain / WikiCommons

Тициано Вечеллио, более известный как Тициан, был одним из самых выдающихся художников Венеции XVI века. В течение своей карьеры он создал эклектичный комплекс работ, охватывающий мифологию, портретную живопись и религию.Мы расскажем о десяти важнейших произведениях Тициана.

Успение Пресвятой Богородицы , высокий алтарь в венецианской Базилике деи Фрари, был первым крупным общественным заказом Тициана в городе, и когда картина была открыта в 1518 году, молодой художник стал одной из ведущих фигур Венецианская школа. Известный своим смелым использованием цвета, эпическим масштабом (почти 23 фута в высоту) и драматизмом, Успение Пресвятой Богородицы было революционным произведением искусства в свое время, и Тициан продолжил сочинять больше запрестольных образов, включая Алтарь Гоцци в Анконе и Смерть мученика Петра , написанные между 1526 и 1530 годами, но, к сожалению, разрушенные пожаром в 1867 году.

Тициан, Успение Богородицы, Масло на панели, 690 x 360 см, Базилика деи Фрари, Венеция, 1516-1518 | © Julia Kostecka / Flickr

Среди некоторых из первых работ, созданных Тицианом на мифологические темы, Вакх и Ариадна изображает первую встречу греческого бога вина и критской принцессы на острове Наксос. многих критиков как величайшее произведение художника. Первоначально по заказу Альфонсо д’Эсте, герцога Феррары, как часть серии картин для частной комнаты в Герцогском дворце, в которую также входили « Пир богов» Джованни Беллини и две другие работы Тициана, «Вакханалия». Андрианов и Поклонение Венере — Вакх и Ариадна сегодня висит в Национальной галерее Лондона.

Тициан, Вакх и Ариадна, холст, масло, 176,5 x 191 см, Национальная галерея, Лондон, 1520-1523 | © Oursana / WikiCommons

Написанная в 1538 году для герцога Урбино Гвидобальдо II делла Ровере в подарок его молодой жене Джулии Варано, Венера из Урбино была описана многими как откровенно эротичная — наиболее явно представленная чувственным, чувственным и чувственным. соблазнительное присутствие римской богини любви — хотя другие интерпретации сосредоточены на других аллегориях, таких как верность (символизируемая собакой) и материнство, воплощенное горничной и молодой девушкой на заднем плане.Хотя эта картина была вдохновлена ​​картиной «Спящая Венера » его коллеги Джорджоне, она, в свою очередь, вдохновила другие работы, в том числе скандальную картину Эдуарда Мане 1863 года « Олимпия ».

Тициан, Венера из Урбино, холст, масло, 119 x 165 см, Галерея дельи Уффици, Флоренция, 1538 | © Sir Gawain / WikiCommons

Часть серии мифологических картин — наряду с другими работами, включая Венера и Адонис (1554) и Диана и Актеон (1556–1559) — созданных для короля Испании Филиппа II, о котором упоминал Тициан as Poesie , Похищение Европы изображает похищение Европы с ее родины, древнего города Сидон, на Крит Юпитером (Зевс в греческой мифологии) в форме белого быка.С 1896 года находящаяся в собственности бостонского музея Изабеллы Стюарт Гарднер, картина сегодня — хотя и славится своими люминесцентными цветами и яркой текстурой — вызвала споры из-за своей эротизации изнасилования, но остается одним из наиболее хорошо сохранившихся примеров серии «Поэзия » Тициана.

Тициан, Похищение Европы, холст, масло, 178 x 205 см, Музей Изабеллы Стюарт Гарднер, Бостон, ок. 1560-1562 | © Aavindraa / WikiCommons

Картины Тициана « Данаи» представляют собой серию из как минимум пяти композиций, посвященных легенде о мифологической греческой принцессе и ее соблазнению и оплодотворению Зевсом, который появляется на картине как золотой дождь.Первая версия художника, которая сегодня висит в Museo di Capodimonte в Неаполе, включает в себя фигуру Эроса и была заказана кардиналом Алессандро Фарнезе — священнослужителем и известным меценатом, но также известным меценатом. Считается, что это сатира на озабоченность Италии эпохи Возрождения куртизанками. Разграбленная немецкими войсками во время Второй мировой войны, картина была возвращена в Италию в 1947 году.

Тициан, Даная, холст, масло, 120 x 172 см, Museo di Capodimonte, Неаполь, 1544–1545 | © Eugene a / WikiCommons

Еще одно произведение из мифологической серии Тициана «Поэзия » для короля Испании Филиппа II, Диана и Актеон изображает сцену из « Метаморфоз » римского поэта Овидия, в которой греческий герой натыкается на обнаженную богиню охота, которая, как показывает более поздняя картина художника «Смерть Актеона », приводит к его кончине.Приобретенные Лондонской национальной галереей и Национальными галереями Шотландии в 2009 году за 50 миллионов фунтов стерлингов, когда-то были описаны Diana and Actaeon и их компаньоны Diana и Callisto , купленные теми же галереями три года спустя за 45 миллионов фунтов стерлингов. британского художника Люсьена Фрейда как «просто самые красивые картины в мире».

Тициан, Диана и Актеон, холст, масло, 184,5 x 202,2 см, Национальная галерея, Лондон, 1556–1559 | © Slick-o-bot / WikiCommons

Написано, когда Тициану было всего 25 лет, по заказу венецианского секретариата Николо Аурелио в ознаменование его брака с женой Лаурой Багаротто, Священная и светская любовь сегодня является одним из самых важных произведений в мире. Римская галерея Боргезе настолько ценилась, что, когда семья Ротшильдов предложила 4 миллиона лир за произведение искусства в 1899 году, что на тот момент превышало стоимость всей коллекции, галерея отказалась.Обсуждалось множество интерпретаций картины, хотя Галерея Боргезе рассматривает ее как выражение веры Тициана в возвышение как небесного, символизируемого обнаженной женщиной, подобной Венере, так и земной любви, представленной одетым женским предметом.

Тициан, Священная и мирская любовь, холст, масло, 118 x 279 см, Галерея Боргезе, Рим, ок. 1515 | © Phrood ~ commonswiki / WikiCommons

Венецианская базилика деи Фрари также является домом для другого шедевра Тициана — Мадонны Пезаро (также известной как Мадонна Мадонна ди Ка ’Пезаро ), созданной по заказу Якопо Пезаро.На нем изображен венецианский дворянин и военачальники, подаренные Деве Марии Святым Петром. Выполненная между 1519 и 1526 годами, Мадонна Пезаро нарушила традицию того времени в том, что Тициан поместил Деву Марию и Христа не по центру — в отличие от многих других предшествующих алтарей, которые помещали религиозные фигуры в эпицентр композиции — и, таким образом, сегодня считается важной вехой в венецианской школе живописи.

Тициан, Мадонна Пезаро, холст, масло, 478 x 268 см, Базилика деи Фрари, Венеция, 1519-1526 | © Eugene a / WikiCommons

Еще одна работа, заказанная семьей Фарнезе, Папой Павлом III и его внуками , изображает понтифика и двух его внуков — Алессандро (который также заказал ранее упомянутую картину Даная ) и Оттавио.Как и в большинстве портретных работ Тициана, эта работа имеет значительный психологический подтекст, и более пристальный взгляд на картину может раскрыть большую часть сложных семейных отношений между тремя ее персонажами — сегодня искусствоведы интерпретируют произведение как послание императору Священной Римской империи Карлу V, что Папа, несмотря на свой преклонный возраст, оставался доминирующим патриархом, контролирующим своих ссорящихся внуков.

Тициан, Папа Павел III и его внуки, холст, масло, 210 x 174 см, Museo di Capodimonte, Неаполь, 1546 | © Armbrust / WikiCommons

С конца 1540-х годов Тициан создал ряд автопортретов, а работа, которая сегодня висит в мадридском музее Прадо, является одним из двух автопортретов художника, которые сохранились до наших дней. более ранние работы в настоящее время выставлены в берлинской Gemäldegalerie.Музей Прадо считает, что художник обратился к автопортрету в своей более поздней карьере, чтобы распространить свой образ и утвердиться в качестве одного из самых важных художников Высокого Возрождения и человека великого благородства — что на этом автопортрете предполагают включение его золотой цепочки, обозначающей его ранг Рыцаря Золотой шпоры, и кисти, отражающей его художественные таланты.

Тициан, Автопортрет, холст, масло, 86 x 25 см, Музей Прадо, Мадрид, ок.1562 | © Aavindraa / WikiCommons

Все, что вам нужно знать о городе на воде, чтобы лучше понять Тициана