Московский Кремль. История

Первое упоминание о Москве летопись хранит с 1147 года, а о стенах московской крепости извещено в 1156 году, когда князь Юрий Владимирович «заложи град Москьву, на усть ниже Неглинны, выше реки Аузы«. Кремль становится началом всех лучей, проходящих сквозь последующие кольца Москвы.

Названия — Москва и Кремль

Москва и Кремль – происхождение древних названий. Предположительно город Москва получил свое название от Москвы-реки, в XII веке словом «Москов» Юрий Долгорукий обозначил местность близ Боровицкого холма. Московский Кремль в давние времена называли «кремник» от древнего слова «кром» (крепость).

Красная площадь

Красная площадь – главная достопримечательность Москвы. Расположена она в центре столицы, около стен Московского Кремля. Как только она не называлась: Торгом от торговой со времен Ивана III; Троицкой – по стоявшей церкви Троицкой; а затем Красной (т.

е. Красивой площадью).

Кремлевские стены

Кремлевские стены – окружают Московский Кремль со всех сторон. Сначала деревянные, затем укрепленные дубовые, позже белокаменные. В 1485 годах возведены итальянскими мастерами, вместе с башнями, ныне стоящие красные из кирпичной крошки.

Башни Московского Кремля

Башни Московского Кремля – в 1485 году, когда была возведена Тайницкая башня, а затем в течении 5 лет еще 7 башен, строительство всех других башен и крепостных сооружений заняло ещё 30 лет. Всего башен Кремля двадцать, четыре из них из них с 50-х годов XVII века были украшены имперскими двухглавыми орлами, в 30-х годах XX века, замененные на рубиновые звезды, также к ним добавилась пятая звезда на еще одной башне – Водовзводной. Первая звезда засверкала в 1935 году на Спасской башне, затем и на других четырех. Таким образом, 5 звезд украшают все 5 кремлевских башен: Спасскую, Никольскую, Троицкую, Боровицкую и Водовзводную.

☆Спасская Царская Набатная Константино-Елининская Беклемишевская Петровская 2-я Безымянная 1-я Безымянная Тайницкая Благовещенская

☆Водовзводная ☆Боровицкая Оружейная Комендантская ☆Троицкая Кутафья Средняя Арсенальная Угловая Арсенальная ☆Никольская Сенатская

В Московском Кремле

Успенский собор

Успенский собор – расположен на Соборной площади. Это здание является самым старым. За годы существования он ни разу не был разрушен и сохранился в своем первозданном виде. До 1917 года считался главным кафедральным собором Руси.

Колокольня Ивана Великого

Колокольня Ивана Великого – была построена в 1505-1508 годах. Разработкой проекта занимался Бон Фрязин – итальянский архитектор. До 1815 года церковь постоянно перестраивалась и увеличивалась. На территории колокольни есть церковь и выставочный зал посвященный истории Кремля.

Царь-пушка

Царь-пушка – исторический памятник, который может много рассказать о военной мощи Руси. Отлита пушка была в 1586 году. Сначала она была установлена около Лобного места, а позже ее перенесли у Оружейной палаты.

Царь-колокол

Царь-колокол – был отлит в 18 веке, по приказу императрицы Анны Иоанновны. Но по назначению его никогда не использовали. Во время Троицкого пожара памятник был сильно поврежден и долгое время пролежал в земле. Позже его отреставрировали и установили около колокольни «Иван Великий».

Грановитая палата

Грановитая палата – одно из самых старых зданий Москвы. Строили памятник долгое время. Назван он так, потому что отделан граненым рустом.

Арсенал

Арсенал – место, предназначенное для хранения оружия и амуниции. В давние времена строили целые крепости, в которых хранились все необходимое для военных действий. Построен памятник был в 18 веке. Петр I устроил здесь настоящий музей и собирал все интересные старинные оружия, доспехи и трофеи.

Оружейная палата

Оружейная палата – это настоящая сокровищница, где хранятся драгоценные предметы, полученные правителями от иностранных послов, местных умельцев и патриархов. Построен он был в 1851 году.

Большой Кремлевский дворец

Большой Кремлевский дворец – очень красивое сооружение. Построен он группой российских архитекторов. Построен он был для царской семьи, где они должны были проживать во время приезда в Москву. Построен он был на месте других дворцов. Во дворце есть 5 залов необычайной красоты.

Теремной дворец

Теремной дворец – особенно живописное здание, выстроен для царя Михаила Фёдоровича в 1635-1637 году зодчими Антипом Константиновым, Трефилом Шарутиным, Баженом Огурцовым и Ларионом Ушаковым.

Сенат

Сенат – здание, умело размещенное участке треугольной формы. Особенность здания, оно имеет в центре купол (расположен над круглым залом), такое архитектурное решение является шедевром архитектуры классицизма.

Потешный дворец

Потешный дворец – построен в 1652 году боярином Ильей Даниловичем Милославским, затем стал казенным, а название свое получил потому, что в нём устраивались «потехи», увеселения для царской семьи.

Дворец Съездов (Государственный Кремлевский дворец)

Дворец Съездов – (в наст.время Государственный Кремлевский Дворец) был построен по указу Никиты Хрущева. Открыт он был в октябре 1961 года. На территории дворца проводились не только съезды КПСС, но и концерты, театральные постановки и другие важные мероприятия.

История Московского Кремля

Впервые название Кремль появляется в Воскресенской летописи в 1331 году, оно образовано от слова «крем» (или «кром»), означающее крепость внутри города. Первое известие о стенах московской крепости содержится в летописном сообщении 1156 году, тогда князь Юрий Владимирович «

заложи град Москьву, на усть ниже Неглинны, выше реки Аузы«.

(Кремль при князе Московском Дмитрии Донском. XIV век. Картина А. Васнецова)

В 1339 году Иван Калита поставил новые дубовые стены, в 1367 году замененные князем Дмитрием Донским на белокаменные. На их основании при Иване III выстроили современные стены. Их начали возводить в 1485 году, когда была возведена Тайницкая башня итальянским архитектором Антоном Фрязиным, и за последующие пять лет были выстроены стена и семь башен на наиболее угрожаемой южной стороне.

(Московский Кремль, со знакомыми и поныне стенами, при Великом князе Московском Иване III в конце XV века. Картина А. Васнецова)

В 1490 году начали строить стену со стороны нынешней Красной площади, как мы привыкли их видеть сейчас, а именно с северо-востока. Тогда по указу Ивана III были снесены все строения, примыкающие к Кремлю. В 1495 году под руководством архитектора Алевиза Нового возводились стены на западной стороне, там, где было русло реки Неглинной. К тому времени относится и отводная Кутафья башня.

Строительство всех крепостных сооружений заняло более 30 лет. Позднее, с 1625 по 1685 годы, все башни (лишь за исключением Никольской) были надстроены шатрами.

Площадь Кремля составила 27,5 га (0,28 км²), протяжённость стен с 20 башнями, из которых 4 проеездных, — 2235 метров. Высота стен разная — от 5 до 19 метров, толщина ; от 3.5 до 6.5 метров.

(Рубиновые звёзды Кремля на фоне строящейся советской Москвы)

В советское время с башен были сняты двухглавые орлы и поставлены звезды из уральских самоцветов, но они быстро потускнели и вместо них установили звезды из рубинового стекла, представляющие собой сложное инженерное сооружение с мощными лампами и охлаждающими установками.

А вот старую звезду всё же можно увидеть, она находится на шпиле Северного речного вокзала в Москве.<

Московский Кремль, Москва — описание и фотографии

Московский Кремль, замечательный памятник истории и архитектуры, давно уже стал символом не только Москвы, но и всей России. Неповторимый и величавый ансамбль Кремля возвышается в самом центре столицы, на Боровицком холме. 

Cловом «кремль» (а также «детинец», «кремник», «кром») называли в Древней Руси центральную, укрепленную часть города. Московский Кремль, который в начале был деревянным, впервые упоминается в летописи 1156 года как «крепость Москва». В то время он занимал только юго-западную часть холма. В 1326–1327 годах на самой высокой точке Боровицкого холма был построен Успенский собор — первый каменный собор в Кремле. А в 1366–1368 годах при князе Дмитрии Донском был возведен и первый каменный Кремль. 

С возвышением Москвы и укреплением Московского княжества росло и значение Кремля. Из обычного укрепленного центра города он стал резиденцией великого князя московского и митрополита.  

Большое каменное строительство в Кремле развернулось при Иване III, который первым из московских князей стал великим князем «всея Руси». По указу Ивана III в Москву были приглашены не только русские мастера, но и зодчие из Италии. 

В 1475–1479 годах по проекту итальянского архитектора Аристотеля Фьораванти был построен новый Успенский собор. В 1505–1508 годах напротив Успенского собора другой итальянский архитектор — Алевиз Новый возвел собор Архангела Михаила (Архангельский собор). На западной стороне Соборной площади был построен дворец Ивана III, включавший Набережную палату, Среднюю Золотую палату и Большую Грановитую палату. До наших дней из этих зданий сохранилась только Грановитая палата — парадный тронный зал Ивана III, возведенный Марко Фрязиным и Пьетро Антонио Солари в 1487–1491 годах. 

В 1485–1495 годах итальянскими мастерами были возведены новые, зубчатые стены и башни Кремля. А в 1505–1508 годах архитектор Бон Фрязин построил колокольню Ивана Великого — и тем самым завершилось создание ансамбля Соборной площади. Окруженная плотно стоящими зданиями, эта площадь стала местом проведения важнейших церемоний и обрядов. 

В 1547 году в Успенском соборе Кремля великий князь московский Иван IV Грозный официально принял титул царя. Именно с этого времени Кремль стал резиденцией российских царей. В память о завоевании Иваном Грозным Казанского ханства в 1555–1561 годах был возведен собор Покрова Богоматери, более известный как храм Василия Блаженного. Храм построили вне стен Кремля, недалеко от Спасских ворот, где уже начал складываться новый общественный центр Москвы — Красная площадь. 

Польская интервенция 1605–1612 годов нанесла архитектурному комплексу Кремля значительный ущерб. Кремлевские храмы были ограблены и осквернены, значительно пострадала царская сокровищница, а все деревянные постройки разобраны на дрова и сожжены. С воцарением династии Романовых Кремль был возрожден и к концу 17 века достиг своего расцвета. Самобытная красота кремлевского ансамбля вызывала у современников образное сравнение с «градом Иерусалимом».  

18 век начался для Кремля страшным пожаром. По приказу Петра I в выгоревшей части между Троицкой и Собакиной башнями начали строить Арсенал. Строительство завершили в 1736 году при императрице Анне Иоанновне. Перед зданием Арсенала была установлена Царь-пушка, отлитая в 1586 году мастером Андреем Чоховым. Это самое большое по калибру орудие в мире. В 1735 году для нее отлили чугунный лафет и ядра. В наши дни Царь-пушка размещается на специальном каменном постаменте близ собора Двенадцати Апостолов в Кремле. 

Еще одна гигантская достопримечательность Кремля — Царь-колокол, отлитый по указу Анны Иоанновны в 1733–1735 годах русскими мастерами И. и М. Маториными. Во время пожара 1737 года от Царь-колокола откололся кусок весом около 700 пудов. До 1836 года колокол находился в литейной яме, а затем был поднят на постамент, сооружённый по проекту архитектора О. Монферрана. В наши дни Царь-колокол размещен у подножия колокольни Ивана Великого. 

В 18 веке древний Кремль, не отвечавший вкусам и запросам нового времени, стал менять свой патриархальный облик. Так, на месте Государева двора, построенного в 15 веке, в 1749–1753 годах архитектор Ф.-Б. Растрелли возвел в стиле барокко новый каменный Зимний дворец, который выходил одним фасадом к Соборной площади, а другим — к Москве-реке. В 1776–1787 годах между Арсеналом и Вознесенским и Чудовым монастырями было построено здание Сената по проекту архитектора М. Казакова. 

В 1810 году по указу Александра I в Кремле было построено здание музея, получившего название Московской Оружейной палаты. Строительство велось по проекту архитектора А. Еготова. Фасад музея украсили барельефы на темы отечественной истории, а аттик был увенчан статуями выдающихся российских просветителей. Открытию музея помешала Отечественная война 1812 года. Москва, захваченная французами, была разграблена и сожжена, тяжело пострадал и Кремль. После окончания войны взорванные стены и башни Кремля, Арсенал, Успенская звонница и Филаретова пристройка колокольни Ивана Великого были бережно восстановлены. В 1814 году Оружейная палата была открыта для посетителей.  

В 1838–1851 годах по указу императора Николая I в Кремле был возведен новый дворцовый комплекс в «национальном русском» стиле. В него вошли Большой Кремлевский дворец, построенный на месте Зимнего дворца, здание Апартаментов и новое, более удобное и более торжественное здание Московской Оружейной палаты. Руководил строительством архитектор К. Тон. Новые здания образовали ансамбль площади, которая получила название Дворцовой, или Императорской. 

В конце 19-начале 20 века Кремль все больше воспринимался современниками как памятник истории и культуры России. Существовал даже проект, который предполагал в итоге превратить весь комплекс Кремля в огромный музей, но осуществлению этих замыслов помешала Октябрьская революция. 

В марте 1918 года первое Советское правительство переехало в Москву и разместилось в Кремле. Кремль был закрыт для свободного посещения. В 1929 году на территории Кремля были снесены древние монастыри — Чудов и Вознесенский. На их месте построили Военную школу. В 1935 году были сняты двуглавые орлы, находившиеся на Спасской, Никольской, Боровицкой и Троицкой башнях, а в 1937 году на этих четырех башнях и Водовзводной башне были установлены рубиновые светящиеся звезды размером от 3 до 3,75 м. 

С 1955 года Кремль снова стал доступен для осмотра. В 1961 году у Троицких ворот, на месте первого здания Оружейной палаты, был возведен Дворец съездов (ныне — Государственный Кремлевский дворец). Это была последняя крупная постройка в Кремле. 

В 1970–1980-х годах в Московском Кремле были проведены уникальные по масштабу ремонтно-реставрационные работы, а в 1990 году Кремль был включен в список всемирного культурного наследия ЮНЕСКО. 

В 1991 году был создан Государственный историко-культурный музей-заповедник «Московский Кремль», в состав которого вошли Оружейная палата, Успенский, Архангельский, Благовещенский соборы, церковь Ризположения, Музей прикладного искусства и быта России 17 века, архитектурный ансамбль колокольни Ивана Великого.

Москва | История, география, население и карта

Сводка

Прочтите краткий обзор этой темы

Москва , Россия Москва , город, столица России, расположенный в крайне западной части страны. С момента первого упоминания в летописях 1147 года Москва сыграла жизненно важную роль в русской истории. Он стал столицей Московии (Великого княжества Московского) в конце 13 века; следовательно, жители Москвы известны как москвичи. Сегодня Москва — не только политический центр России, но и самый густонаселенный город страны, ее промышленная, культурная, научная и образовательная столица. Более 600 лет Москва также является духовным центром Русской Православной Церкви.

Столица Союза Советских Социалистических Республик (СССР) до его распада в 1991 году. Москва привлекала внимание всего мира как центр коммунистической власти; действительно, название резиденции бывшего советского правительства и преемника российского правительства, Кремль (русский язык: Кремль), было синонимом советской власти. Распад СССР привел к огромным экономическим и политическим изменениям, а также к значительной концентрации российского богатства в Москве. Площадь 414 квадратных миль (1035 квадратных километров). Поп. (2010) город, 11 738 547; (оценка 2020 г.) город, 12 678 079 человек.

Если Санкт-Петербург — это российское «окно в Европу», то Москва — это сердце России. Это оптимистичный, яркий, а иногда и утомительный город. Большая часть Москвы была реконструирована после того, как она была оккупирована французами при Наполеоне I в 1812 году и почти полностью уничтожена пожаром. Москва не переставала перестраиваться и модернизироваться, и в ней продолжают происходить быстрые социальные изменения. Советское прошлое России сталкивается с ее капиталистическим настоящим повсюду в стране, но нигде этот контраст не заметен так, как в Москве. Мавзолей Владимира Ильича Ленина остался нетронутым, как и многие унылые пятиэтажки эпохи правления Никиты Хрущева (середина XIX в.).50-х до середины 1960-х), но блестящие автомобили и супермаркеты в западном стиле, казино и ночные клубы одинаково заметны.

Многие православные церкви, а также некоторые синагоги и мечети были восстановлены, новые театры Москвы вернули себе лидерство в драматическом искусстве, возродились и расширились традиционные рынки. Эти рынки, которые при Советах были известны как колхозные (колхозные) рынки и продавали в основном ремесленные изделия и продукты, теперь представляют собой более сложные предприятия розничной торговли.

Стало привычным сравнивать Москву с Санкт-Петербургом, ее соперником и бывшей (1712–1918) столицей России. В то время как Санкт-Петербург впитал в себя западноевропейские влияния, Москва считается традиционным русским городом. В отличие от своего соперника, Москва имеет четко определенный центр города, отмеченный Кремлем. Другими характеристиками Москвы являются ее физическая планировка в виде радиальных спиц и колец, которые были расширены с течением времени, ее мешанина из архитектурных стилей и ее исторические здания, которые в основном были построены русскими архитекторами. Застройка Москвы была преимущественно деревянной до 19 века. 20-х годов, когда в обиход вошли кирпич и камень.

Викторина «Британника»

Викторина «Столицы Европы»

Пройдите весь континент от Атлантики до Урала, называя столицы этих стран.

Неоклассическое искусство | искусство | Британника

Сводка

Прочтите краткий обзор этой темы

Неоклассическое искусство , также называемое Неоклассицизм и Классицизм , широко распространенное и влиятельное движение в живописи и других изобразительных искусствах, зародившееся в 1760-х годах и достигшее своего расцвета в 1780-х и 1999 годах.0-х годов и просуществовал до 1840-х и 50-х годов. В живописи это обычно принимало форму акцента на строгом линейном дизайне в изображении классических тем и предметов с использованием археологически правильной обстановки и одежды. Неоклассицизм в искусстве — эстетическое отношение, основанное на искусстве Греции и Рима в древности, призывающее к гармонии, ясности, сдержанности, универсальности и идеализму. В контексте традиции классицизм относится либо к искусству, созданному в древности, либо к более позднему искусству, вдохновленному античностью, в то время как неоклассицизм всегда относится к искусству, созданному позже, но вдохновленному древностью. Художники-классицисты склонны отдавать предпочтение несколько более конкретным качествам, включающим линию цвету, прямые линии кривым, фронтальность и закрытые композиции диагональным композициям вглубь пространства, общее частному.

Неоклассицизм возник отчасти как реакция на чувственный и фривольно-декоративный стиль рококо, господствовавший в европейском искусстве с 1720-х гг. Но еще более глубоким стимулом был новый, более научный интерес к классической древности, возникший в XVIII веке. Большой импульс неоклассицизму придали новые археологические открытия, в частности исследование и раскопки погребенных римских городов Геркуланум и Помпеи (раскопки которых начались в 1738 и 1748 соответственно). А начиная со второго десятилетия XVIII века ряд влиятельных публикаций Бернара де Монфокона, Джованни Баттисты Пиранези, графа де Кайлюса и антиквара Роберта Вуда содержали гравированные изображения римских памятников и других древностей, что еще больше усилило интерес к Классическое прошлое. Новое понимание, извлеченное из этих открытий и публикаций, в свою очередь, позволило европейским ученым впервые различить отдельные и отчетливые хронологические периоды в греко-римском искусстве, и это новое понимание множества древних стилей заменило прежнее безоговорочное почитание римского искусства. и поощрял зарождающийся интерес к чисто греческим древностям. Особое влияние в этом отношении оказали труды немецкого ученого Иоганна Иоахима Винкельмана и его изощренные теории. Винкельман видел в греческой скульптуре «благородную простоту и тихое величие» и призывал художников подражать греческому искусству. Он утверждал, что при этом такие художники получат идеализированные изображения природных форм, лишенные всех преходящих и индивидуалистических аспектов, и их образы, таким образом, приобретут универсальное и архетипическое значение.

Подробнее по этой теме

Западная живопись: неоклассицизм

Неоклассицизм был широко распространенным и влиятельным движением в живописи и других изобразительных искусствах, которое началось в 1760-х годах, достигло своего расцвета. ..

Неоклассицизм, проявленный в живописи, первоначально стилистически не отличался от французского рококо и других предшествующих ему стилей. Отчасти это было связано с тем, что в то время как архитектура и скульптура могли быть смоделированы на основе прототипов в этих средствах массовой информации, которые действительно сохранились с классической древности, те немногие сохранившиеся классические картины были второстепенными или просто орнаментальными произведениями — до тех пор, пока не были сделаны открытия. сделанные в Геркулануме и Помпеях. Самыми ранними художниками-неоклассиками были Джозеф-Мари Вьен, Антон Рафаэль Менгс, Помпео Батони, Анжелика Кауфманн и Гэвин Гамильтон. Эти художники были активны в 1750-х, 60-х и 70-х годах. Каждый из этих художников, хотя они могли использовать позы и фигуры из древних скульптур и росписей на вазах, находился под сильным влиянием предшествующих стилистических тенденций. Важная ранняя неоклассическая работа, такая как «9» Менгса.0047 Парнас (1761 г. ) во многом обязан своим вдохновением классицизму 17-го века и Рафаэлю как позами фигур, так и общей композицией. Композиции многих ранних картин художника-неоклассика Бенджамина Уэста основаны на произведениях Николя Пуссена, а сентиментальные персонажи Кауфмана, одетые в антикварные одежды, в основном напоминают рококо в их смягченной декоративной красоте. Тесная связь Менгса с Винкельманом привела к тому, что на него повлияла идеальная красота, которую последний так горячо излагал, но церковные и дворцовые потолки, украшенные Менгсом, больше обязаны существующим традициям итальянского барокко, чем чему-либо греческому или римскому.

Более строгий неоклассический стиль живописи возник во Франции в 1780-х годах под руководством Жака-Луи Давида. Он и его современник Жан-Франсуа-Пьер Пейрон больше интересовались повествовательной живописью, чем идеальной грацией, которая очаровывала Менгса. Незадолго до и во время Французской революции эти и другие художники заимствовали волнующие моральные темы из римской истории и прославляли ценности простоты, аскетизма, героизма и стоической добродетели, которые традиционно ассоциировались с Римской республикой, тем самым проводя параллели между тем временем и Современная борьба за свободу во Франции. Исторические картины Давида Клятва Горация (1784 г.) и Ликторы, приносящие Бруту тела его сыновей (1789 г.), демонстрируют серьезность и приличия, заимствованные из классической трагедии, определенную риторичность жеста и образцы драпировки под влиянием древней скульптуры. В какой-то степени эти элементы были предвосхищены британскими и американскими художниками, такими как Гамильтон и Уэст, но в работах Дэвида драматическое противостояние фигур более резко и четко в одной плоскости, обстановка более монументальна, а диагональные композиционные движения , большие группы фигур и бурные драпировки барокко были почти полностью отвергнуты. Этот стиль был безжалостно строгим и бескомпромиссным, и неудивительно, что он стал ассоциироваться с Французской революцией (в которой Давид активно участвовал).

Неоклассицизм, который обычно проявлялся в европейской живописи к 1790-м годам, подчеркивал качества контура и линейного дизайна над качествами цвета, атмосферы и эффектов света. Широко распространенные гравюры классической скульптуры и греческие вазовые росписи помогли определить эту предвзятость, которая хорошо видна в контурных иллюстрациях, сделанных британским скульптором Джоном Флаксманом в 1790-х годах для изданий произведений Гомера, Эсхила и Данте. Эти иллюстрации примечательны своим радикальным и мощным упрощением человеческого тела, отрицанием изобразительного пространства и минимальной сценической обстановкой. Эта строгая линейность при изображении человеческой формы была принята многими другими британскими художниками-фигуралами, в том числе уроженцами Швейцарии Генри Фюзели и Уильямом Блейком.

Художники-неоклассики придавали большое значение изображению костюмов, декораций и деталей классического предмета с максимально возможной исторической точностью. Это сработало достаточно хорошо, чтобы проиллюстрировать случай, найденный на страницах Гомера, но поднял вопрос о том, следует ли изображать современного героя или знаменитого человека в классической или современной одежде. Эта проблема так и не была решена удовлетворительным образом, за исключением, возможно, блестящих портретов Дэвида, изображающих натурщиков в модных тогда антикварных одеждах, как, например, в его Портрет мадам Рекамье (1800).

Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Классическая история и мифология составляли большую часть предмета неоклассических работ. Поэзия Гомера, Вергилия и Овидия, пьесы Эсхила, Софокла и Еврипида, а также история, записанная Плинием, Плутархом, Тацитом и Ливием, обеспечили большую часть классических источников, но самым важным единственным источником был Гомер. К этому общему литературному акценту добавлялся растущий интерес к средневековым источникам, таким как псевдокельтская поэзия Оссиана, а также эпизоды из средневековой истории, произведения Данте, и восхищение самим средневековым искусством в лицах Джотто, Фра Анджелико и др. Действительно, неоклассики разительно отличались от своих академических предшественников своим восхищением готикой и искусством кватроченто в целом и внесли заметный вклад в положительную переоценку такого искусства.

Наконец, следует отметить, что неоклассицизм сосуществовал на протяжении большей части своего более позднего развития с кажущейся противоположной и противоположной тенденцией романтизма. Но эти два стиля, далекие от того, чтобы быть отдельными и отдельными, сложным образом смешивались друг с другом; многие якобы неоклассические картины демонстрируют романтические тенденции, и наоборот. Эта противоречивая ситуация поразительно очевидна в работах последнего великого художника-неоклассика Жана-Огюста-Доминика Энгра, который писал чувственные романтические женские обнаженные тела, одновременно создавая строго линейные и довольно безжизненные исторические картины в утвержденном неоклассическом стиле.

Гэвин Гамильтон — шотландский художник, археолог и торговец — провел большую часть своей трудовой жизни в Риме, и его картины включают две серии больших и влиятельных полотен на гомеровские сюжеты. Уэст и уроженец Швейцарии Кауфманн были самыми постоянными экспонентами исторических экспонатов в Лондоне в 1760-х годах. Джеймс Барри и Фюсели также сыграли важную роль. Блейк, поэт и художник, в какой-то степени был неоклассиком.

Жозеф-Мари Вьен был не только художником, но и другом археолога Кайла и директором Французской академии в Риме. В это поколение также входил Жан-Батист Грез, нарисовавший несколько предметов классической истории, а также сцены из современной жизни, которыми он наиболее известен; Луи-Жан-Франсуа Лагрене Старший, как и Вьен, директор Французской академии в Риме; и Николя-Ги Брене.

Выдающимся и наиболее влиятельным из всех французских неоклассиков и одним из крупнейших художников Европы был ученик Виена Жак-Луи Давид. Ранние работы Давида в основном рококо, а его поздние работы также возвращаются к типам начала 18 века. Его известность как неоклассика основана на картинах 1780-х и 90-х годов. После получения Римской премии Французской академии в 1774 году (важной в истории французской живописи, поскольку она присуждала пребывание в Риме, где победители изучали итальянскую живопись на собственном опыте), он был в этом городе в 1775–1781 годах и вернулся туда. в 1784 году написать Клятва Горация . Среди современников и почти современников Давида был Жан-Жермен Друэ, чьи исторические картины почти не уступали собственным картинам Давида по строгости и интенсивности.

Чуть более молодое поколение художников включало Жана-Батиста Реньо, Луи-Леопольда Бойи и Луи Гофье. За ними последовала более важная группа, в которую входил Пьер-Поль Прюдон, смешавший в своих картинах мягкий классицизм с лирическим настроением и мягким светом Корреджо. Прюдону покровительствовали императрицы Жозефина и Мария-Луиза. Барон Пьер-Нарсис Герен рисовал в стиле, близком к неоклассицизму Давида, хотя и не был одним из учеников Давида.

Из учеников Дэвида трое стали известными, а один стал очень известным. Барон Франсуа-Паскаль-Симон Жерар имел высокую репутацию портретиста как при Наполеоне, так и при Людовике XVIII. Антуан-Жан Гро исполнил множество больших наполеоновских полотен и после смерти Давида стал ведущим неоклассиком во Франции. Анн-Луи Жироде получил Римскую премию, но перестал рисовать после 1812 года, когда он унаследовал состояние и обратился к писательству. Знаменитым учеником был Энгр, который был важен как неоклассик в своих предметных картинах, но не в своих портретах.

Антон Рафаэль Менгс родился в Ауссиге в Богемии (современный Усти-над-Лабем, Чехия) в 1728 году в семье местного придворного живописца. Сам он был назначен дрезденским придворным художником в 1745 году. В 1755 году он познакомился с Винкельманом и впоследствии стал видной фигурой в римских неоклассических кругах. Менгс важен и как художник, и как теоретик. Однако, помимо него, основной вклад Германии и Австрии в неоклассицизм был теоретическим, а не практическим. Среди ранних неоклассиков были Кристоф Унтербергер; Антон фон Марон, женившийся на сестре Менгса; и Фридрих Генрих Фюгер. После Унтербергера самым интересным художником был Иоганн Генрих Вильгельм Тишбейн, выполнявший как портреты, так и сюжетные работы. Он был директором академии искусств в Неаполе и руководил публикацией гравюр с греческих ваз в коллекции сэра Уильяма Гамильтона, британского посла в Неаполе, который был известным знатоком.

Немецкий художник Асмус Якоб Карстенс работал в Берлине и был профессором Берлинской академии. В его художественный кружок входили художники Карл Людвиг Ферноу, Эберхард Вехтер, Йозеф Антон Кох (который был самым выдающимся из этой немецкой группы) и Готлиб Шик.

Одним из первых представителей неоклассицизма и одним из выдающихся художников своего поколения в Италии был Помпео Батони. Его стиль сочетает в себе рококо с элементами неоклассицизма, а его работы включают в себя произведения на классические темы, а также портреты в современной одежде, натурщицу, позирующую со старинными статуями и урнами, а иногда и среди руин. Художник Доменико Корви находился под влиянием как Батони, так и Менгса, и был важным учителем трех ведущих неоклассиков следующего поколения: Джузеппе Кадеса, Гаспаре Ланди и Винченцо Камуччини. Эти художники работали в основном в Риме, первые два заработали репутацию портретистов, а Ланди особенно известен своими хорошими современными группами.

Рим действительно был городом, где наиболее активно работали главные итальянские художники периода неоклассицизма. Одним из таких был Феличе Джани, чьи многочисленные украшения включают наполеоновские дворцы там и в других местах в Италии (особенно в Фаэнце) и во Франции.

Известные художники за пределами Рима включают Андреа Аппиани Старшего в Милане, который стал официальным художником Наполеона и выполнил одни из лучших фресок в северной Италии. Он был также прекрасным портретистом. Одним из его учеников был Джузеппе Босси. Другим ведущим ломбардским художником был Джованни Баттиста дель Эра, чьи энкаустические картины были куплены Екатериной Великой и другими. Другие хорошие примеры неоклассических декоративных схем за пределами Рима находятся во Флоренции во дворце Питти работы флорентийца Луиджи Сабателли и Пьетро Бенвенути, родившегося в Ареццо, и в Венеции в базилике Сан-Марко работы Джузеппе Борсато, родившегося в этом городе и был художником и архитектором. Основными неоклассицистами на юге были сицилийцы Джузеппе Веласко, написавшие важные фрески во дворцах Палермо, и Джузеппе Эрранте.

Другие страны

Основным датским художником, создавшим оригинальные неоклассические работы, был Николай Абрахам Абильдгаард. Среди других датских художников был ученик Абильдгаарда и Давида Кристоффер Вильгельм Экерсберг. Дэвид был очень влиятельным в Брюсселе, где он ушел на пенсию в конце жизни. Картины его бельгийского ученика Франсуа-Жозефа Навеза, например, представляют собой чистый французский неоклассицизм. Двумя главными художниками-неоклассиками в Нидерландах были Гумберт де Супервиль и Ян Виллем Пиенеман. Главным неоклассиком в Испании был Хосе де Мадрасо-и-Агудо.

Археологические исследования классического средиземноморского мира дали знатокам 18-го века убедительное свидетельство порядка и безмятежности классического искусства и послужили подходящим фоном для эпохи Просвещения и Века Разума. Вновь открытые античные формы и темы быстро находили новое выражение.

Успешные раскопки способствовали быстрому росту коллекций античной скульптуры. Иностранные посетители Италии экспортировали бесчисленное количество мрамора во все части Европы или нанимали агентов для создания своих коллекций. Доступность античной скульптуры в музеях и частных домах, а также через гравюры и гипсовые слепки оказала далеко идущее формирующее влияние на живопись и скульптуру 18 века. Подавляющее большинство собранных древних скульптур были римскими, хотя многие из них были скопированы с греческих оригиналов и считались греческими.

В трудах Иоганна Иоахима Винкельмана греческое искусство считалось неизмеримо выше римского. Любопытно, однако, как мало положительного влияния мрамор, который лорд Элджин привез в Англию из Парфенона в Афинах, оказали на скульптуру в Западной Европе, хотя они оказали большое влияние на ученых. Идеалы неоклассической скульптуры — акцент на четкости контура, на ровном фоне, на несоперничестве с живописью в имитации воздушной или линейной перспективы в рельефе или развевающихся волосах и развевающихся драпировках в отдельно стоящих фигурах — были главным образом вдохновлены теорией и римскими неоаттическими произведениями или даже римским псевдоархаическим искусством. Последний вид искусства оказал влияние на Джона Флаксмана, которым чрезвычайно восхищались суровый стиль его гравюр и рельефной резьбы.

«Декорум» и идеализация

Академические теоретики, особенно из Франции и Италии XVII века, утверждали, что выражение, костюм, детали и обстановка произведения должны максимально соответствовать их предмету. Неоклассики XVIII в. унаследовали эту теорию «декорума», но, отдавая предпочтение универсальному идеалу, реализовывали его в ограниченной форме, подразделяя все действие и выражение на классический покой, идеализируя лица и тела в классических героев и превращая все костюмы, если таковые имеются, в облегающую одежду, чтобы избежать ссылки на эфемерное время.

Серия памятников генералам и адмиралам Наполеоновских войн 18-го и начала 19-го веков в соборе Святого Павла и Вестминстерском аббатстве демонстрирует важную возникшую дилемму: герой или известный человек должны быть изображены в классическом или современном костюме. . Многие скульпторы по-разному изображали фигуры в униформе и полностью обнаженными. Представление о современном герое в старинном костюме принадлежит к традиции академической теории, примером которой является английский художник сэр Джошуа Рейнольдс в одной из его Королевских академий 9.0047 Беседы :

Стремление передать потомству форму современного платья должно быть признано приобретаемым непомерной ценой, даже ценой всего ценного в искусстве.

Даже живого героя можно идеализировать полностью обнаженным, как в двух колоссальных стоячих фигурах Наполеона (1808–1811 гг.) работы итальянского скульптора Антонио Кановы. Одна из самых известных неоклассических скульптур — « Паолина Боргезе Бонапарт» Кановы в образе Венеры-победительницы 9.0048 (1805–08). Она изображена обнаженной, слегка задрапированной и чувственно полулежащей на кушетке — и очаровательный современный портрет, и идеализированная античная Венера.

Отношение к барокко и рококо

Классические академические теории эпохи Возрождения, особенно в 17 веке, отдавали предпочтение античности и тем художникам, которые следовали этой традиции. Среди высоко оцененных художников были Рафаэль, Микеланджело, Джулио Романо и Аннибале Карраччи. Чуть более позднее поколение писателей добавило к списку имя французского художника Николя Пуссена. Утверждалось, что следует избегать изобилия и «ярости» барокко, потому что они ведут к «варварским» и «злым» произведениям. Продолжая эту традицию, Винкельманн, например, утверждал, что итальянский скульптор и архитектор эпохи барокко Джан Лоренцо Бернини был «введен в заблуждение», следуя природе.

Такая враждебность к произведениям барокко, однако, не сразу искоренила их влияние на художников 18-го века, как это можно увидеть в ранней работе Кановы, Дедал и Икар (1779), выполненной до того, как он был в Риме. В гробнице Кановы папы Климента XIV (1784–1787; базилика Санти XII Апостоли, Рим) папа, сидящий на троне над саркофагом, изображен в драматически реалистическом стиле с поднятой рукой в ​​сильном жесте, напоминающем папские гробницы 17 век.

Хотя неоклассические художники и писатели выражали презрение к тому, что они считали легкомысленным аспектом рококо, существует сильное влияние французского рококо на ранний стиль некоторых неоклассических скульпторов. Этьен-Морис Фальконе, Флаксман и Канова начали вырезать и моделировать тенденции рококо, которые затем постепенно трансформировались в более классические элементы.

Враждебно настроенные критики неоклассической скульптуры склонны сравнивать такие работы с «долиной сухих костей». Некоторые художники и теоретики неправильно поняли призыв Винкельмана и его школы подражать древнему искусству. Винкельман имел в виду — как и теоретики 17-го века до него, а также такие писатели, как Шефтсбери и Джонатан Ричардсон, которые оказали на него значительное влияние, — подражание как средство открытия идеальной красоты и передачи духа оригинала. Он не выступал за рабское копирование античности или устранение убедительного красноречия действия и интенсивного выражения. К сожалению, были сделаны бездуховные копии, что привело к отнесению идеалистических произведений к разряду «фригидных». В скульптуре некоторые из важных заказов, к сожалению, привели к этой безжизненной концепции неоклассицизма. Среди примеров — большие мраморные скульптуры Христа и апостолов (1821–1842 гг.) И бронзовая статуя Святого Иоанна Крестителя (1822 г.) работы датского скульптора Бертеля Торвальдсена в церкви Богоматери в Копенгагене. Мрамор Торвальдсена, в отличие от мрамора Кановы, столь же нейтрален, как и гипсовые модели; действительно, поверхность скульптуры намеренно оставлена ​​нейтральной.

Жесты и эмоции в неоклассических произведениях обычно сдержаны, чтобы отдать приоритет спокойному величию, духовному благородству и красоте. В вакхических сценах веселье сдерживается и никогда не перерастает в буйство. В трагической сцене Андромаха не проливает слез, оплакивая смерть Гектора. Когда Флаксман действительно пытался запугать, как в мраморе «Ярость Афаманта» (1790–1794), насилие кажется натянутым и неубедительным. Действительно, в неоклассической скульптуре почти нет убедительных образов гнева. Концепция античного спокойствия пронизывала европейское искусство. Канова со своими Геркулес и Лихас (1796 г. ) создали большой шарик с преувеличенным выражением, выходящим за рамки его нормального диапазона и, в некоторой степени, за пределы его способностей. Как и Флаксман, он был гораздо более успешным, вырезая образы с тонким выражением, что даже сторонники романтической страсти приветствовали как цель скульптуры, искусства, для которого они выступали за выразительную тонкость, пробуждающую воображение. Они утверждали, что чувствительный зритель найдет сильное выражение и сильную активность в монументальной отдельно стоящей скульптуре нелогичной (т. Е. Мрамор не должен корчиться или летать) и раздражающе театральной.

Среди выдающихся скульпторов раннего британского неоклассицизма были Джон Уилтон, Джозеф Ноллекенс, Джон Бэкон Старший, Джон Дир и Кристофер Хьюетсон — последние двое работали в основном в Риме. Ведущим художником молодого поколения был Джон Флаксман, профессор скульптуры Королевской академии и один из немногих британских художников того периода с международной репутацией. Последнее поколение неоклассиков включало скульпторов сэра Ричарда Уэстмакотта, Джона Бэкона Младшего, сэра Фрэнсиса Чантри, Эдварда Ходжеса Бейли, Джона Гибсона и Уильяма Бенеса.

В то время как в неоклассицизме во Франции доминировали живопись и архитектура, движение нашло ряд заметных представителей в скульптуре. Среди них были Клод Мишель по прозвищу Клодион, создатель многих маленьких ярко-выразительных классических фигур, особенно нимф; Огюстен Пажу; и Пьер Жюльен. Ученик Пигаля Жан-Антуан Гудон был самым известным французским скульптором 18-го века, создавшим множество классических фигур и современных портретов в манере старинных бюстов. Среди других современных скульпторов были Луи-Симон Буазо и Этьен-Морис Фальконе, который был директором скульптуры на фабрике в Севре. Немного более молодое поколение включало скульпторов Жозефа Чинара, Жозефа-Шарля Марина, Антуана-Дени Шоде и барона Франсуа-Жозефа Бозио. Ранняя скульптура известного современника Энгра Франсуа Руда была неоклассической.

Центральная Европа

Важным среди центральноевропейских скульпторов раннего периода был Иоганн Генрих фон Даннекер. Последующие неоклассики включали Готфрида Шадова, который также был художником, но более известен как скульптор; его ученик, скульптор Кристиан Фридрих Тик; художник и скульптор Мартин фон Вагнер; и скульптор Кристиан Даниэль Раух.

Самым выдающимся итальянским неоклассиком был Антонио Канова, ведущий скульптор — и, безусловно, самый известный художник любого рода — в Европе к концу 18-го века. Положение Кановы в последующие 20 лет можно сравнить только с положением Бернини в 17 веке. Однако различия между их карьерами имеют большое значение. Только в начале своей карьеры Бернини вырезал галерейную скульптуру для княжеских коллекционеров, но большинство работ Кановы относится к этой категории. Оба художника проживали в Риме большую часть своей жизни, но, в то время как Бернини находился под контролем пап и ему лишь изредка разрешалось работать на иностранных властелинов, главными покровителями Кановы были иностранцы, и он поставлял скульптуру во все дворы Европы. Прекрасный скульптор разных стилей, в том числе строгих, сентиментальных и ужасающих, Канова создал обширный массив работ, который включает в себя классические группы и фризы, гробницы и портреты, многие в старинных одеждах. Его ученик и соавтор Антонио д’Эсте — один из самых интересных итальянских скульпторов-неоклассиков. Среди других скульпторов-неоклассиков в Риме был Джузеппе Анджелини, наиболее известный своей могилой гравера и архитектора Джованни Баттиста Пиранези в церкви Санта-Мария-дель-Приорато в Риме.

В Милане Камилло Пачетти руководил скульптурным оформлением Арко делла Паче. Работы Гаэтано Монти, родившегося в Равенне, можно увидеть во многих северных итальянских церквях. Тосканский скульптор Лоренцо Бартолини выполнил несколько важных наполеоновских заказов. Мрамор Charity — один из самых известных образцов его позднего неоклассицизма. Однако следует отметить, что он не считал себя художником-неоклассиком и бросил вызов идеализму, который поддерживал Канова и его последователи.

Дания и Швеция

Швед Йохан Тобиас Сергель, придворный скульптор шведского короля Густава III, и датчанин Бертель Торвальдсен, проживший большую часть жизни в Риме, были одними из самых известных неоклассических скульпторов в Европе. Торвальдсен был главным соперником Кановы и в конце концов заменил его в пользу критиков. Его работы были более суровыми, иногда даже архаичными по характеру, а его религиозная скульптура, в первую очередь его великая фигура Христа в церкви Богоматери в Копенгагене, демонстрирует нарочито пугающий возвышенный стиль, который все еще ждет сочувственной переоценки. Среди его наиболее известных учеников был шведский скульптор Йохан Быстром.

Россия

Оба ведущих русских неоклассика были скульпторами. Иван Петрович Мартос учился у Менгса, Торвальдсена и Батони в Риме и стал директором Петербургской академии. Лучшие его работы — гробницы. Михаил Козловский участвовал в оформлении тронного зала в Павловске.

Помимо художника Бенджамина Уэста, который почти полностью работал в Лондоне, ведущими неоклассиками среди американских художников были скульпторы.