Гюстав Курбе — 289 произведений
Жан Дезире́ Гюста́в Курбе́ (фр. Jean Désiré Gustave Courbet; 10 июня 1819, Орнан — 31 декабря 1877, Ла-Тур-де-Пельз, Во, Швейцария) — французский живописец, пейзажист, жанрист и портретист. Считается одним из завершителей романтизма и основателей реализма в живописи. Один из крупнейших художников Франции на протяжении XIX века, ключевая фигура французского реализма.
Гюстав Курбе родился в 1819 году в Орнане, городке с населением около трёх тысяч человек, расположенным во Франш-Конте, в 25 км от Безансона, около швейцарской границы. Его отец, Режис Курбе, владел виноградниками около Орнана. В 1831 году будущий художник начал посещать семинарию в Орнане. Утверждается, что его поведение столь контрастировало с тем, что ожидалось от семинариста, что никто не брался отпускать ему грехи (см. также). Так или иначе, в 1837 году по настоянию отца Курбе поступил в Collège Royal в Безансоне, что, как надеялся его отец, должно было подготовить его к дальнейшему юридическому образованию.
В 1839 году он отправился в Париж, дав отцу обещание, что будет изучать там юриспруденцию. В Париже Курбе познакомился с художественной коллекцией Лувра. На его творчество, в особенности раннее, большое влияние впоследствии оказали малые голландцы и испанские художники, в особенности Веласкес, у которых он заимствовал общие тёмные тона картин. Курбе не стал заниматься юриспруденцией, а вместо этого начал занятия в художественных мастерских, прежде всего у Шарля де Штейбена.
Затем он отказался от получения формального художественного образования и стал работать в мастерских Суисса и Ляпена. В мастерской Суисса не было специальных занятий, студенты должны были изображать обнажённую натуру, и их художественные поиски не ограничивались преподавателем. Такой стиль обучения хорошо подходил Курбе.
В 1844 году первая картина Курбе, «Автопортрет с собакой»,
была выставлена в Парижском салоне (все остальные картины были отвергнуты жюри).
С самого начала художник показал себя крайним реалистом, и чем далее, тем сильнее и настойчивее следовал по этому направлению, считая конечной целью искусства передачу голой действительности и жизненной прозы и пренебрегая при этом даже изяществом техники. В 1840-х годах он написал большое количество автопортретов.
Между 1844 и 1847 годами Курбе несколько раз посетил Орнан, а также путешествовал в Бельгию и Нидерланды, где ему удалось установить контакт с продавцами живописи. Одним из покупателей его работ был голландский художник и коллекционер, один из основателей Гаагской школы живописи Хендрик Виллем Месдах. Впоследствии это заложило основы широкой известности живописи Гюстава Курбе за пределами Франции. Примерно в это же время художник устанавливает связи в парижских артистических кругах. Так, он посещал кафе Brasserie Andler (находившееся непосредственно около его мастерской), где собирались представители реалистического направления в искусстве и литературе, в частности, Шарль Бодлер и Оноре Домье.
В конце 1840-х годов официальным направлением французской живописи все ещё был академизм, и работы художников реалистического направления периодически отвергались устроителями выставок. Так, в 1847 году все три работы Курбе, представленные в Салон, были отвергнуты жюри. Более того, в этом году жюри Салона отвергло работы большого числа известных художников, включая Эжена Делакруа, Домье и Теодора Руссо, так что они вынашивали планы о создании собственной выставочной галереи. Планы не осуществились из-за начавшейся революции. В результате в 1848 году все семь работ Курбе, представленных жюри, были выставлены в Салоне, но ему не удалось продать ни одну картину.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
ещё …
Рембрандт — 769 произведений — живопись
Ре́мбрандт Ха́рменс ван Рейн (нидерл.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606—1669) — голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи. Он сумел воплотить в своих произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой эмоциональной насыщенностью, которой до него не знало изобразительное искусство. Работы Рембрандта, чрезвычайно разнообразные по жанровой принадлежности, открывают зрителю вневременной духовный мир человеческих переживаний и чувств.
Рембрандт Харменсзон («сын Хармена») ван Рейн родился 15 июля 1606 года (по некоторым данным, в 1607) в многодетной семье состоятельного владельца мельницы Хармена Герритсзона ван Рейна в Лейдене. Семья матери даже после Нидерландской революции сохраняла верность католическому вероисповеданию.
В Лейдене Рембрандт посещал латинскую школу при университете, но наибольший интерес проявлял к живописи. В 13 лет его отдали учиться изобразительному искусству к лейденскому историческому живописцу Якобу ван Сваненбюрху, католику по вере.
В 1623 году Рембрандт учился в Амстердаме у Питера Ластмана, прошедшего стажировку в Италии и специализировавшегося на исторических, мифологических и библейских сюжетах. Вернувшись в 1627 году в Лейден, Рембрандт вместе с другом Яном Ливенсом открыл собственную мастерскую и начал набирать учеников. За несколько лет он приобрел широкую известность.
Ластмановское пристрастие к пестроте и детальность в исполнении оказало огромное влияние на молодого художника. Оно явственно сквозит в его первых сохранившихся произведениях — «Побиении камнями св. Стефана» (1629), «Сцене из древней истории» (1626) и «Крещении евнуха» (1626). В сравнении с его зрелыми работами они необычайно красочны, художник стремится тщательно выписать каждую деталь материального мира, как можно достовернее передать экзотическую обстановку библейской истории.
Итоговые произведения периода — «Товит и Анна», «Валаам и ослица» — отражают не только богатую фантазию художника, но и его стремление как можно выразительнее передать драматичные переживания своих героев. Подобно другим мастерам барокко, он начинает постигать значение резко вылепленной светотени для передачи эмоций. Его учителями в отношении работы со светом были утрехтские караваджисты, но ещё в большей степени он ориентировался на произведения Адама Эльсхаймера — немца, работавшего в Италии. Наиболее караваджистские по исполнению полотна Рембрандта — «Притча о неразумном богаче» (1627), «Симеон и Анна в Храме» (1628), «Христос в Эммаусе» (1629).
К этой группе примыкает картина «Художник в своей мастерской» (1628; возможно, это автопортрет), на котором художник запечатлел себя в мастерской в момент созерцания собственного творения.
Холст, над которым ведётся работа, вынесен на первый план картины; в сравнении с ним сам автор кажется карликом.
Одним из неразрешённых вопросов творческой биографии Рембрандта является его художественная перекличка с Ливенсом. Работая бок о бок, они не раз брались за один и тот же сюжет, как, например, «Самсон и Далила» (1628/1629) или «Воскрешение Лазаря» (1631). Отчасти оба тянулись за Рубенсом, который слыл тогда лучшим художником всей Европы, иногда Рембрандт заимствовал художественные находки Ливенса, иногда дело было ровно наоборот. По этой причине разграничение работ Рембрандта и Ливенса 1628—1632 годов представляет известные сложности для искусствоведов. Среди других известных его работ — «Валаамова ослица» (1626 г).
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
ещё …
Караваджо — 88 произведений — живопись
Микела́нджело Меризи да Карава́джо (итал.
Michelangelo Merisi da Caravaggio; 29 сентября 1571(15710929), Милан — 18 июля 1610, Порто-Эрколе[it]) — итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, основатель реализма в живописи, один из крупнейших мастеров барокко. Одним из первых применил манеру письма «кьяроскуро» — резкое противопоставление света и тени. Не обнаружено ни одного рисунка или эскиза, художник свои сложные композиции сразу реализовывал на холсте.
Сын архитектора Фермо Меризи и его второй жены Лючии Аратори, дочери землевладельца из городка Караваджо, неподалёку от Милана. Отец служил управляющим у маркиза Франческо Сфорца да Караваджо. В 1576 году во время чумы умерли отец и дед, мать с детьми переехала в Караваджо.
Первыми покровителями будущего художника были герцог и герцогиня Колонна.
В 1584 году в Милане Микеланджело Меризи приходит в мастерскую Петерцано[en], считавшегося учеником Тициана. В то время в художественном мире Италии господствовал маньеризм, но в Милане были сильны позиции ломбардского реализма.
Первые работы художника, написанные в Милане, жанровые сцены и портреты, до наших дней не дошли.
Уже к концу 1580-х годов жизнь вспыльчивого по характеру Меризи омрачается скандалами, драками и тюремными заключениями, которые будут сопровождать его всю жизнь.
В 1589 году художник приезжает домой продать свой земельный надел, по-видимому, нуждаясь в деньгах. Последний раз он посещает дом после смерти матери в 1590 году.
Осенью 1591 года он вынужден бежать из Милана после ссоры за карточной игрой, завершившейся убийством. Заехав сначала в Венецию, он направляется в Рим.
В Риме Меризи заметил Пандольфо Пуччи, пригласил его в свой дом, обеспечил существование, поручив выполнять копии с церковных картин.
Борромео, познакомившийся с Караваджо в пору его римской жизни, описал его как «человека неотёсанного, с грубыми манерами, вечно облачённого в рубище и обитающего где придётся. Рисуя уличных мальчишек, завсегдатаев трактиров и жалких бродяг, он выглядел вполне счастливым человеком».
Борромео признавал, что в картинах художника ему не всё нравилось.
В столице по обычаю итальянских художников того времени он получает прозвище, связанное с местом рождения, как, например, это было с Веронезе или Корреджо. Так Микеланджело Меризи стал Караваджо.
В 1593 году Караваджо поступает в мастерскую Чезари д’Арпино, который поручает Караваджо писать на фресках цветы и листья. В мастерской д’Арпино он познакомился с меценатами и художниками, в частности, Яном Брейгелем Старшим.
Ранние работы Караваджо написаны под влиянием Леонардо да Винчи (с «Мадонной в скалах» и «Тайной вечерей» он познакомился ещё в Милане), Джорджоне, Тициана, Джованни Беллини, Мантеньи.
Первая дошедшая до нас картина — «Мальчик, чистящий фрукт» (1593).
В мастерской д’Арпино Караваджо знакомится с Марио Миннити, который стал его учеником и моделью ряда картин, первой из которых является «Юноша с корзиной фруктов» (1593—1594).
После драки Караваджо попадает в тюрьму Тор ди Нона, где происходит его встреча с Джордано Бруно.
Вскоре он порывает с Чезари д’Арпино, бездомного Караваджо пригласил к себе Антиведуто Грамматика.
В 1593 заболел римской лихорадкой (одно из названий малярии), шесть месяцев он находился в госпитале на грани жизни и смерти. Возможно, под впечатлением от болезни создаёт картину «Больной Вакх» (1593) — первый свой автопортрет.
Первые многофигурные картины созданы в 1594 году — это «Шулеры» и «Гадалка» (Капитолийские музеи). Жорж де Латур впоследствии напишет свою «Гадалку» с идентичной композицией.
В этих работах он выступает как смелый новатор, бросивший вызов главным художественным направлениям той эпохи — маньеризму и академизму, противопоставив им суровый реализм и демократизм своего искусства. Герой Караваджо — человек из уличной толпы, — римский мальчишка или юноша, наделённый грубоватой чувственной красотой и естественностью бездумно-жизнерадостного бытия; герой Караваджо предстает то в роли уличного торговца, музыканта, простодушного щёголя, внимающего лукавой цыганке, то в облике и с атрибутами античного бога.
Эти жанровые по своей сути персонажи, залитые ярким светом, вплотную придвинуты к зрителю, изображены с подчеркнутой монументальностью и пластической ощутимостью.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
ещё …
В Лондоне обнаружили картину Рубенса стоимостью $4,3 млн под вековым слоем пыли — Культура
ЛОНДОН, 6 июля. /ТАСС/. Cпециалисты аукционного дома Sotheby’s в Лондоне обнаружили работу фламандского художника Питера Пауля Рубенса «Портрет Леди». Как сообщает газета The Independent, картина, которая была сильно запылена и покрыта слоем лака, может быть оценена примерно в $4,3 млн.
«Она [картина] была довольно грязной, учитывая то, что на ней скопился вековой слой пыли и был нанесен старый лак. Как только полотно было очищено, выяснилось, что это чудесное произведение Рубенса», — сказал глава департамента картин старых мастеров Sotheby’s Эндрю Флетчер.
«Портрет Леди», написанный Рубенсом в XVII веке, находился в частной коллекции в течение 139 лет до 2017 года, пока его не приобрел неназванный покупатель всего за $97,2 тыс. Примечательно, что еще в 1902 году шедевр художника был выставлен на показ в Королевской академии художеств в Лондоне как произведение самого Рубенса. Однако, по-видимому, со временем ав
торство картины было забыто, в связи с чем следующие 100 лет она собирала пыль в одной из частных коллекций. Спустя некоторое время появилось предположение, что полотно было написано одним из помощников живописца. Сейчас эксперты, очистив картину от скопившейся грязи, пришли к выводу, что это действительно работа Питера Рубенса. Владелец картины намерен ее продать.
Аукционный дом Sotheby’s выставит произведение искусства на продажу 29 июля. Его цена составит примерно от $3,1 млн до $4,3 млн. Это должно быть первое подобное крупное мероприятие в Великобритании с момента объявления там карантина в рамках борьбы с эпидемией коронавируса нового типа в марте.
Питер Пауль Рубенс (1577-1640) — фламандский художник, лидер фламандской школы живописи, один из основоположников искусства барокко. Является автором картин «Персей и Андромеда», «Похищение дочерей Левкиппа», «Три грации» и других. Его творческое наследие насчитывает около 3 тыс. картин. Он специализировался на религиозной живописи (в том числе алтарных образах), писал картины на мифологические и аллегорические сюжеты, портреты (от этого жанра он отказался в последние годы жизни), пейзажи и исторические полотна.
Питер Пауль Рубенс и его время. Живопись и гравюра европейского барокко в Оренбурге 2022, афиша и билеты, Музей ИЗО.
8 декабря в 17.00 в залах Оренбургского областного музея изобразительных искусств (пер. Каширина, 29) откроется выставка «Питер Пауль Рубенс и его время. Живопись и гравюра европейского барокко» из собрания Ирбитского государственного музея изобразительных искусств, на которой будет представлена подлинная работа Рубенса и графические произведения выдающихся мастеров Голландии, Фландрии, Франции, Англии XVI-XVII веков.
Выставка подготовлена при поддержке Благотворительного фонда «Регионразвитие»
Питер Пауль Рубенс – выдающийся фламандский живописец, представитель и основатель стиля барокко. Картина «Кающаяся Мария Магдалина с сестрой Марфой», переданная в Ирбит еще в далеком 1976 году из Эрмитажа и числившаяся там копией с такой же картины, хранящейся в Вене в художественно-историческом музее, после проведенных в 2012 году реставрационных работ оказалась оригиналом самого Рубенса. После длительного экспонирования в Ирбитском ГМИИ, а также показа картины в рамках передвижного проекта «Возвращение шедевра» было принято решение в целях широкого знакомства российских знатоков и любителей искусства показать шедевр в различных городах России.
В экспозиции будут представлены гравюры с живописных произведений Питера Пауэла Рубенса, созданные в его мастерской под непосредственным руководством великого живописца, а также гравюры, исполненные уже после смерти автора. Гравюры с рисунков и полотен Рубенса не уступают по значению его живописи.
Все эти произведения, непосредственно связанные с именем Рубенса, представлены в широком культурно-художественном контексте, охватывающем большой период истории нидерландской и фламандской гравюры. Данный формат позволяет воочию увидеть путь, который привел к появлению гения, и осознать мощь его таланта.
Посетить выставку можно в рамках программы «Пушкинская карта»
Стоимость билетов: 150 р. – взрослые, 100 р. – остальные категории посетителей.
Выставка работает с 8 декабря до 27 февраля 2022 г.
При посещении необходимо соблюдать все установленные санитарные нормы.
Справки по телефону: +7(3532)77-64-83.
Куратор – М. В. Петрищева
| Организатор мероприятия: | ГАУК «Музей ИЗО» |
| ИНН/ОГРН: | 5610013708/- |
| Юридический адрес: | г Оренбург, пер Каширина, д 29 |
В Шотландии обнаружили картину Рубенса, считавшуюся утерянной 400 лет
https://ria.
ru/20170924/1505443264.html
В Шотландии обнаружили картину Рубенса, считавшуюся утерянной 400 лет
В Шотландии обнаружили картину Рубенса, считавшуюся утерянной 400 лет — РИА Новости, 24.09.2017
В Шотландии обнаружили картину Рубенса, считавшуюся утерянной 400 лет
Картина фламандского художника Питера Пауля Рубенса, считавшаяся утерянной на протяжении 400 лет, обнаружена в музее в Шотландии, сообщает газета Scotsman. По… РИА Новости, 24.09.2017
2017-09-24T15:21
2017-09-24T15:21
2017-09-24T15:21
/html/head/meta[@name=’og:title’]/@content
/html/head/meta[@name=’og:description’]/@content
https://cdnn21.img.ria.ru/images/74531/96/745319691_0:160:712:561_1920x0_80_0_0_c245899619e3d18342c3be1bfc56ac4e.jpg
шотландия
РИА Новости
7 495 645-6601
ФГУП МИА «Россия сегодня»
https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/
2017
РИА Новости
internet-group@rian.
ru
7 495 645-6601
ФГУП МИА «Россия сегодня»
https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/
Новости
ru-RU
https://ria.ru/docs/about/copyright.html
https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/
РИА Новости
7 495 645-6601
ФГУП МИА «Россия сегодня»
https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/
https://cdnn21.img.ria.ru/images/74531/96/745319691_0:93:712:627_1920x0_80_0_0_8ee3d946ba4efbe6973875eda9a99483.jpgРИА Новости
7 495 645-6601
ФГУП МИА «Россия сегодня»
https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/
РИА Новости
7 495 645-6601
ФГУП МИА «Россия сегодня»
https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/
шотландия, питер пауль рубенс
Как полотна Рубенса, Ван Дейка и Йорданса оказались в маленьком уральском городе
В 1976 году в молодой Ирбитский ГМИИ из Эрмитажа и Государственного музея изобразительного искусства им.
Пушкина передали коллекцию живописи и графики. В пустой провинциальный музей попали 11 картин и несколько сотен оттисков и рисунков, среди которых случайно оказались картины Рубенса и Ван Дейка. Их предстояло очистить и починить, а для многих — установить авторство. Портал «Культура.РФ» рассказывает о том, какие редкости хранятся в маленьком уральском городе.
Две инфанты Антониса ван Дейка
Антонис ван Дейк. Портрет инфанты Изабеллы Клары Евгении, эрцгерцогини и правительницы Нидерландов. 1628. Ирбитский государственный музей изобразительных искусств, Ирбит, Свердловская область
Неизвестный художник. Портрет инфанты Изабеллы Клары Евгении. XVII век. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
В 1627 году фламандский художник Антонис ван Дейк вернулся из Италии в родной город Антверпен. Он был уже известным в Европе портретистом и мастером гравюры, поэтому вдовствующая эрцгерцогиня Южных Нидерландов Изабелла Клара Евгения, испанская принцесса-инфанта, заказала ему парадный портрет.
Эту работу Ван Дейк сделал на основе живописного эскиза своего учителя Питера Пауля Рубенса, который тот написал в 1625 году. На нем эрцгерцогиня изображена сильной, суровой женщиной в строгой монашеской одежде — черной тунике. Этот образ отражал действительность: после смерти своего мужа, эрцгерцога Альбрехта, Изабелла в знак скорби ушла во францисканский орден святой Клары, хоть и не оставила власти.
Первый портрет Ван Дейк закончил в 1627 году. Он так понравился Изабелле, что она предложила мастеру место придворного художника и наградила его золотой цепью стоимостью в 750 гульденов — тогда это был трехлетний заработок хорошего плотника. Ван Дейк принялся писать вариации и копии «Портрета инфанты Изабеллы». Дипломатические миссии Изабеллы и испанского двора часто дарили их другой стороне во время переговоров. В только что открытой мастерской Ван Дейку помогали ученики: они делали основу, но завершающие штрихи мастер всегда наносил сам.
Исследователям удалось установить, что подлинных портретов инфанты Изабеллы с небольшими изменениями, к которым приложил руку Ван Дейк, было больше десятка.
Оригиналы сегодня можно увидеть в Музее истории искусств в Вене, в коллекции Национального музея в Ливерпуле, в Савойской галерее в Турине.
В коллекции Эрмитажа хранилось два портрета инфанты Изабеллы. Один из них — поколенный — был в плохом состоянии: покрыт многолетним слоем грязи и некачественного лака. Петербургские специалисты приняли эту картину за копию, сделанную неизвестным мастером в XVIII веке с мюнхенского оригинала, и отправили в запасники. В 1976 году портрет попал в Ирбитский музей вместе с другими подаренными полотнами.
В 1990-х годах Ирбитский музей отреставрировал картину. Оказалось, что портрет подлинный — как минимум завершал его лично Ван Дейк в 1628 году. Определить это помог в том числе и сургучный штемпель, проставленный на обороте подрамника. Исследователи предполагают, что картина принадлежала послу Великобритании в Венеции барону Джозефу Смиту, английскому коллекционеру и меценату. Сегодня «Портрет инфанты Изабеллы» находится в постоянной экспозиции музея.
Живые глаза Марии Магдалины: подлинник Рубенса
Питер Пауль Рубенс. Кающаяся Мария Магдалина с сестрой Марфой. 1618–1620. Ирбитский государственный музей изобразительных искусств, Ирбит, Свердловская область
Питер Пауль Рубенс. Кающаяся Мария Магдалина с сестрой Марфой. Около 1620. Музей истории искусств, Вена, Австрия
Мария Магдалина и ее раскаяние — популярная тема в западноевропейском изобразительном искусстве. В отличие от православной традиции, в которой Магдалина — это жена-мироносица, в католическом образе смешались два персонажа священных текстов: безымянная блудница, омывшая ноги Христа миром и отершая их своими волосами, и евангельская Мария, сестра благочестивой Марфы и воскрешенного Лазаря. Так в католичестве появился сюжет, где блудница Мария Магдалина встретилась с Христом и раскаялась, оставила свое занятие и последовала за ним. Этот образ закрепился в западных гравюрах и полотнах на религиозные темы.
Свою версию сюжета Питер Пауль Рубенс написал в 1618–1620 годах.
Сегодня картина «Кающаяся Мария Магдалина с сестрой Марфой» хранится в галерее венского Музея истории искусств, куда она попала в 1786 году.
Но существует еще одна «Кающаяся Мария Магдалина с сестрой Марфой». Картины отличаются некоторыми деталями: у изображенных женщин по-разному написаны лица и волосы, на венской картине больше драгоценностей в сундучке и больше заднего плана, а красное покрывало выполнено менее детально.
«Кающуюся Магдалину» обнаружили только в конце XIX века. Где скрывалось почти двухметровое полотно раньше — пока установить не удалось. До 1917 года эта картина хранилась у известного хирурга Александра Якобсона. После Февральской революции и Гражданской войны полотно отправилось в торговую контору «Антиквариат», которую создали специально для продажи предметов искусства за границу. Его не успели продать, и в 1931 году картина попала в Эрмитаж. В Петербурге полотно приняли за копию картины Рубенса, несмотря на разницу в деталях, которую обычно не позволяли себе простые копиисты.
«Кающаяся Мария Магдалина» отправилась в запасники на 45 лет. В 1976 году картина в числе других подаренных работ оказалась в Ирбитском художественном музее.
В 2012 году полотно отправили на реставрацию. Расчистив лицо Магдалины, специалисты увидели, что под несколькими слоями грязного лака скрывается подлинник работы Рубенса: когда Рубенс писал веки, он накладывал слой красной краски и по нему сверху писал тонким, полупрозрачным, телесным лессировочным слоем. Благодаря такой технике веки выглядели живыми и напряженными.
Исследовав краски, холст и грунт, специалисты подтвердили, что картина вышла из мастерской фламандца в XVII веке. Также удалось установить, что над ней работали и ученики Рубенса — Антонис ван Дейк и Якоб Йорданс. Первый написал юбку Магдалины и лицо ее сестры Марфы, второй — скрещенные на животе руки, фигуру и одежду Марфы. Предполагают, что ирбитскую «Магдалину» Рубенс, Ван Дейк и Йорданс создали за год до венской.
Потерянный живописный эскиз Рубенса
Питер Пауль Рубенс.
Эскиз «Оплакивание Христа и положение во гроб». 1601. Ирбитский государственный музей изобразительных искусств, Ирбит, Свердловская область
В 1602 году художник Питер Пауль Рубенс написал масштабное полотно «Оплакивание Христа. Положение во гроб». В картине размером 180 на 137 сантиметров он объединил два христианских сюжета — Богоматерь, оплакивающую погибшего сына, и Положение Иисуса во гроб. Бледная Дева Мария в слезах смотрит в грозовое небо, поддерживая тело сына; возле нее Иосиф Аримафейский и плачущая Мария Магдалина. Евангелист Иоанн, любимый ученик Христа, пытается утешить Деву. Сегодня полотно выставлено в зале «Юпитера и Антиопы» в римской галерее Боргезе — вместе с произведениями Караваджо, Тициана, Рафаэля, Пармиджано и других художников.
Прежде чем приступить к работе, серьезные живописцы обычно писали маленькие эскизы-образцы, которые они показывали заказчикам. Такой эскиз к «Оплакиванию Христа» Рубенс создал в 1601 году. Небольшая картина — 36 на 46 сантиметров — написана на деревянной доске.
Рубенс использовал технику гризайль, в которой изображение выполняется в тоновых градациях сепии, добавил немного цвета и закрепил эскиз лаком. Этот эскиз был утерян более чем на 300 лет.
Питер Пауль Рубенс. Оплакивание Христа. Положение во гроб. 1602. Галерея Боргезе, Рим, Италия
Картина объявилась после революции 1917 года, когда в России началась масштабная национализация дворянских владений. В Москве произведение изъяли вместе с остальной коллекцией предпринимателя Бориса Мандля. Спустя несколько лет, когда картину не смогли продать через торговую контору «Антиквариат» на запад, «Оплакивание Христа» оказалось в Эрмитаже. Специалисты посчитали подлинный эскиз Рубенса копией и убрали в запасники, а в 1976 году передали в Ирбитский музей.
В 2016 году «Оплакивание Христа» отправили в лабораторию экспертизы и реставрации Уральского государственного университета. Специалисты провели макросъемку, посмотрели на картину в ультрафиолетовом и инфракрасном спектре, сделали послойную рентгенографию и спектрометрию.
Последняя показала, что в красках есть олово, свинец, сурьма, мышьяк и медь, компоненты, характерные для XVII века. А под красочным слоем обнаружился подмалевок — подготовительный набросок, выполненный самим Рубенсом на меловом грунте. Летом 2019-го эксперты Эрмитажа подтвердили подлинность картины.
Одни из самых масштабных европейских гравюр
Франсуа Ланго (оригинал Антониса ван Дейка). Поругание Христа. Увенчание тернием. Офорт, резец, с девяти досок. Ирбитский государственный музей изобразительных искусств, Ирбит, Свердловская область
Антонис ван Дейк. Коронования терновым венцом. 1618–1620. Национальный музей Прадо, Мадрид, Испания
В 1976 году ГМИИ им. Пушкина передал в Ирбитский музей более 500 листов графики и оригинальных рисунков, многие из них нуждались в реставрации. Они были настолько в плохом состоянии, что едва удавалось рассмотреть рисунок.
Поль Дево (оригинал Питера Пауля Рубенса). Тайная вечеря. Офорт, резец, с девяти досок. Ирбитский государственный музей изобразительных искусств, Ирбит, Свердловская область
Среди листов оказались одни из самых больших европейских гравюр — «Поругание Христа» Франсуа Ланго и «Тайная вечеря» Поля Дево, сделанные с живописных оригиналов Антониса ван Дейка и Рубенса.
Французские граверы Ланго и Дево работали примерно в 1660–1670 годах в одной мастерской — их учителем был Пьер Ландри, который и заказал гравюры.
«Поругание Христа» Франсуа Ланго — это графическая интерпретация живописного полотна Ван Дейка «Коронование терновым венцом». Оригинал погиб в 1945 году во время бомбардировки Берлина. Офорт поступил в Ирбит в плохом состоянии — девять листов покрывали грязь и черная плесень. Во время реставрации выяснилось, что на стыковочных кромках и оборотах листов нет следов клея. Это означало, что с тех пор, как печатники сделали оттиски, никто не собирал листы воедино. Реставраторы работали над «Поруганием Христа» почти два с половиной года и смогли восстановить его. Впервые гравюру выставили в 1992 году. В мире известны только два экземпляра этого офорта — один размещен в художественном музее испанского города Касереса, второй хранится в частном собрании в Германии.
Питер Пауль Рубенс. Тайная вечеря. 1630–1631. Алтарная картина. Галерея Брера, Милан, Италия
Гравюру нельзя назвать точной копией Ван Дейка: Ланго внес в композицию несколько существенных изменений.
Он повернул Христа лицом к зрителю и добавил сияние вокруг головы — так персонаж кажется отстраненным от боли, унижений и эмоций других героев. На гравюре изображены семь мучителей вместо пяти, нет двух зевак за решеткой претория и лающей собаки.
Автор второй масштабной гравюры, Поль Дево, создавал графический вариант «Тайной вечери» с живописного оригинала Питера Пауля Рубенса. Картина сегодня хранится в миланской Галерее Брера.
В основе сюжета офорта — тайная трапеза Иисуса Христа и его апостолов. Но, в отличие от Ланго, Дево не стал вносить существенных изменений в композицию Рубенса. Он разместил апостола Иоанна по правую руку от Христа, а лежащую под столом собаку заменил на кувшин. Особенность картины Рубенса и гравюры Дево в том, что Иуда — единственный из персонажей, кто смотрит не на Христа, а на зрителя.
Автор: Мария Кузьмина
Питер Пауль Рубенс — 240 работ
Для эффективного использования этого веб-сайта в вашем браузере должен быть включен JavaScript.
Дома / Музей / Поиск Музея АРК
Питер Пауль Рубенс
240 работ
художник и дипломат
Родился в 1577 г. — умер в 1640 г.
Родился в Бельгии
- Произведения
- Образы художника
- Подписи
- Продукты
tab() == ‘Relationships’ }, click: function() { $data.tabClicked(‘Relationships’) }»>
ОтношенияЗаголовок
Середина
Тип
Страна
Сортировать по По умолчанию в порядкеПо заголовкуПо последним добавленнымПо музеямПо самым раннимПо последнимПосредамПо наибольшему количеству изображенийПо изображениям с самым высоким разрешениемПо высотеПо ширине
Поиск Прозрачный
HD1620
Масло на холсте
448 х 291 см | 176 1/4 x 114 1/2 дюймов
Старая пинакотека, Мюнхен, Германия
Предоставлено: Интернет-галерея искусств.
HD1623-1625 гг.
Масло на холсте
394 х 295 см | 155 х 116 дюймов
Музей Лувра, Париж, Франция
Предоставлено: Интернет-галерея искусств.
HD 1616-1617 гг.
Масло на холсте
425 х 295 см | 167 1/4 x 116 дюймов
Музей изящных искусств, Лилль, Франция
Предоставлено: Интернет-галерея искусств.
HD около 1615 г.
Масло на холсте
182 х 121 см | 71 1/2 x 47 1/2 дюймов
Музей Прадо, Мадрид, Испания
HDоколо 1618 г.
Масло на холсте
222.
5 х 180,5 см | 87 1/2 x 71 дюйм
Эрмитаж, Санкт-Петербург, Российская Федерация
Предоставлено: Интернет-галерея искусств.
около 1618 г.
Масло на панели
224 х 210.5 см | 88 x 82 3/4 дюймов
Старая пинакотека, Мюнхен, Германия
Предоставлено: Интернет-галерея искусств.
HDок. 1598-ок. 1600 гг.
Масло на холсте
64.5 х 80,5 см | 25 1/4 x 31 1/2 дюймов
Стивен Мазо, Райнбек, США
HD1618
Масло на холсте
121 х 166 см | 47 1/2 x 65 1/4 дюймов
Старая пинакотека, Мюнхен, Германия
Предоставлено: Интернет-галерея искусств.
вернуться к произведениям искусства
Режим
АРК
Возрождение реализма
Свяжитесь с нами
Центр обновления искусства100 Маркли-Стрит
Порт-Рединг, Нью-Джерси 07064
обратная связь@artrenewal.
орг
(+1) 732-636-2060 доб. 619
© 1999-2022 Центр Возрождения Искусств. Все права защищены.
Рисунки Питера Пауля Рубенса
В своем искусстве Питер Пауль Рубенс уделял первостепенное внимание трем вещам; цвет, движение и чувственность
Художник также сосредоточился на дипломатических и религиозных деятелях.Питер Пауль Рубенс часто путешествовал по Европейскому континенту, включая Испанию, Италию и другие страны.
На эти места уже повлияли некоторые другие великие художники, такие как Леонардо да Винчи, Веронезе, Рафаэль, Тинторетто, а также Микеланджело.
Рубенс использовал много серых, голубых, зеленых и разнообразных тонов.
Rubens экстравагантно сочетал глубокие и восхитительные красные и золотые цвета.Были использованы различные чувства, чтобы включить глубину, охарактеризовать свет и воспроизвести поверхности настолько практично, насколько это было возможно.
У него было несколько учеников, которых он научил рисовать и создал большинство своих работ. Среди этих учеников были Ян Брейгель, Франс Синдерс, а также Антонис ван Дейк, которые впоследствии стали очень известными и успешными.
Все это было сделано в доме, в который он переехал, в котором сейчас находится музей Рубенишиуса.Его картины были смелыми в отношении цвета и страсти в его работе.
Его рисунки не были перегружены деталями, но в некоторой степени содержали длинные, плавные ручные разработки в свободной форме.
Рубен рисовал на холсте и репетировал различные ракурсы, сюжеты и вопросы на бумаге с разным контуром.
Находясь в Испании, он как можно чаще изображал работы Тициана при королевском дворе.
Большинство рисунков Рубенса заполнены в качестве подготовительных практик по размеру, степени и детализации перед выполнением последней работы, однако есть несколько изображений, которые были свободными работами по праву.
Для своих иллюстраций он использовал пастель Trois — окрашенные мелки бледно-коричневого, белого, синего, черного и красного цветов, последние из которых использовались для тонов тканей и покрасневших лиц.
В некоторых случаях Рубенс привлекал или обрисовывал темные чернила на бумаге гризайль.
Рубенс, кроме того, был исключительным благодаря изображениям обнаженных дам, которые он рисовал, и широким фигурам, которые он изображал на картинах, которые он делал с этими дамами.
Он обожал изображать дам, обладающих некоторым весом, а также дам немолодых лет, которые вокруг себя составляли обычную часть общества.
Стиль Рубенса сочетал в себе обучение мастерству эпохи Возрождения с богатой кистью и живой аутентичностью. Он создал, вероятно, наиболее понятные фрагменты своих возможностей и был сторонником тенденции барокко, а Рубенс был известен как доверенный придворный художник, связанный с несколькими примирительными фигурами, существовавшими в то время.
Нет ни одного ремесленника любого времени с атмосферой физического и экзотического характера создания искусства, на которого так или иначе не повлиял Рубенс. На Пола Сезанна, Эдгара Дега, Эжена Делакруа, Ван Гога и Эдуарда Мане, если привести некоторые примеры, Рубенс оказал эффективное влияние. Несмотря на то, что немалая часть его процветания пришла после его смерти, Рубенс был выдающимся мастером своего шанса.
Более того, несмотря на то, что он наиболее известен своей религиозной тематикой и уникальным стилем живописи, он также имел множество различных достижений, не связанных с ремесленным миром.
Благодаря своим способностям заключать сделки с различными правителями и послами той эпохи и его отношениям с респектабельными и наиболее высокопоставленными людьми тех лет, он выделяется среди наиболее понятых и исключительно убедительных специалистов по фламандской истории.
Рубенс известен своими сильными, быстрыми мазками, которые ускользали от его энергии и жизни, когда он рисовал и демонстрировал каждую сцену.Как бы то ни было, он не пренебрегал и более ошеломляющими тонкими элементами в своих различных протестах и темах.
Рубенс, склонный к рисованию сцен, в которых участвовало несколько человек, регулярно вызывал наводнения. Он включал различные компоненты для создания эффекта, например, сияющий туман, а его сцены явно опирались на фламандский обычай рисовать в мельчайших деталях.
Что касается картин, Рубенс использовал различные импасты, чтобы сделать яркие, гладкие, практически пластиковые поверхности.
Он добился этого, используя холодные, беспристрастные оттенки, чтобы создать более трогательную картину, которая изображала предмет настолько разумно, насколько это было бы благоразумно.
Для световых тонов Рубенса он делал матовую основу либо в базе, либо в лучшем, в зависимости от того, где располагалась тема. Там наверняка была вспомогательная база или лучшая гарантия адаптации, и объект был великолепно окрашен в характерные тона, чтобы координировать взгляд наблюдателя.
Питер Пауль Рубенс | статьяcom
Винкельманн: «Рубенс — слава искусства, его школы, его страны и всех грядущих столетий; плодовитость его воображения невозможно переоценить; он точен в своем замысле, великолепен в своих драпировках; и его следует рассматривать как великий образец для светотени, хотя в этой области его можно назвать причудливым, но он не приносил жертвы богиням красоты (Хорам) и Грациям».
«Его лошади идеальны в своем роде», говорит Рейнольдс; его собаки принадлежат к сильной фламандской породе, а его пейзажи представляют собой самые очаровательные картины брабантинских пейзажей, посреди которых находится его резиденция Стена.Как портретист, хотя и менее утонченный, чем Ван Дейк, он показывает этому выдающемуся мастеру путь, а его чисто фантастические сюжеты, как Сад любви (Мадрид и Дрезден) и деревенский пир (Лувр), никогда не имели себе равных. Как справедливо замечает миссис Джеймсон, «Рубенс самый популярный, потому что самый понятный из художников».
От Колина Эйслера, «Шедевры в Берлине: воссоединение городских картин» :
«До Рубенса ни один западный художник с таким же выдающимся талантом не был так хорошо рожден, так хорошо образован, так хорошо воспитан, а также размещены, или как широко и сильно покровительствовали…»
«Среди крупных художников только Джорджо Вазари, сэр Джошуа Рейнольдс и Эжен Делакруа, возможно, знали об искусстве и его истории столько же, сколько Рубенс.
Примечательно, что и английский, и французский мастера поместили фламандца в число своих фаворитов, каждый из которых находился под сильным влиянием воссоздания Рубенсом визуальных триумфов Венеции, Мантуи и Рима эпохи Возрождения, а также классической античности. Несмотря на большую эрудицию, Рубенс сохранял свою индивидуальность на протяжении долгой и весьма продуктивной карьеры, ибо, прежде всего, он был высшим мастером воображения…»
«Он был тем редчайшим явлением, одновременно популярным художником и художником художника, столь же близким Констеблю, Делакруа или Ренуару, как и живописцам своего времени. Красивый мужчина с изящными манерами, с красивыми женами и детьми, Рубенс наслаждался завидным балансом противоположностей гармонии. Хотя он был глубоко романтиком, он в равной степени был приверженцем классической традиции; его римско-католическая ортодоксальность никогда не противоречила его страсти к древности. Венера и Дева почти взаимозаменяемы в искусстве Флеминга.
..»
Фламандские мастера
Питер Пауль Рубенс широко известен как успешный художник, но он также был уважаемым дипломатом, полиглотом и коллекционером произведений искусства. Его блестящий дух живет сегодня в Антверпене не только в его барочных картинах и архитектуре, но и в качестве источника вдохновения для современных художников. В 2018 году город Антверпен будет отмечать свое культурное наследие в стиле барокко и образ жизни в стиле барокко, который, несомненно, является частью ДНК города.
Звездный талант
Рубенс родился в 1577 году в Зигене (на территории современной Германии), но вскоре переехал в Антверпен со своей матерью после того, как его отец умер, когда он был маленьким. Именно там он научился рисовать, обучаясь у таких художников, как Тобиас Верхахт, Адам ван Ноорт и Отто ван Вин.
В 1600 году он путешествовал в Рим и Венецию в Италии, а затем в Испанию.
Уже тогда было ясно, что он не был обычным талантом, поскольку вскоре он начал получать королевские заказы от обоих дворов.
Дом и мастерские Рубенса
В 1608 году он вернулся в Антверпен в качестве официального придворного художника Нидерландов. Этот титул был дарован ему эрцгерцогом Альбертом Австрийским и Изабеллой Испанской. Именно в это время он купил дом и землю на Ваппер-сквер — прямо в центре современного Антверпена — и приступил к его полной перепланировке.
Вдохновленный архитектурой римской античности и эпохи Возрождения, Рубенс сам составил планы реконструкции и превратил обычный фламандский дом в «палаццо».Он значительно расширил дом, добавив студию, садовый павильон и музей купольной скульптуры. Был также великолепный портик, с которого открывался прекрасный вид на дворовой сад и садовый павильон. Результат был великолепен. С тех пор его студия станет ульем деятельности со многими сотрудниками и студентами, некоторые из которых стали знаменитыми сами по себе, например, Энтони ван Дейк и Якоб Йорданс.
Студия изготовила сотни творений и картин, многие специально на заказ.
Дипломатическая карьера
Фаворит эрцгерцогини Изабеллы, Рубенс стал все чаще участвовать в дипломатических миссиях
от ее имени. Именно он, наконец, заключил мирное соглашение между Испанией и Англией, шаг, который в конечном итоге привел к прекращению военных действий между испанцами и голландцами, близкими союзниками англичан.
Рубенс был высокопоставленным гостем при дворе по всей Европе, и многие современники считали его таким же искусным дипломатом, как и художником.К тому времени его почти повсеместно почитали как непревзойденного художника.
Во время своих путешествий он получил множество высококлассных заданий, в том числе такие заказы, как создание 24 картин, посвященных жизни Марии Медичи, для Люксембургского дворца в Париже.
Легенда барокко
В 1630 году Рубенс навсегда вернулся во Фландрию и купил замок Элевийт под Брюсселем.
Там он написал 90 169 своих самых крупных заказов на сегодняшний день, а именно 112 работ для украшения Королевского охотничьего домика в Мадриде, Торре-де-ла-Парада.Окончательно они были закончены только в 1638 году и должным образом отправлены в Испанию.
Здоровье Рубенса начало ухудшаться, и он умер в 1640 году в возрасте 62 лет в своем доме на площади Ваппер в Антверпене.
Антверпен — единственный город в мире, который во всех отношениях настолько пронизан Питером Паулем Рубенсом и его барочным наследием. «Антверпенское барокко 2018. Рубенс вдохновляет» — это возможность познакомиться с Рубенсом и барокко множеством ярких и уникальных способов.
Питер Пауль Рубенс | Westmont College
Вернуться в галерею Следующий Художник — Ян Питерсзон Saenredam
Питер Пауль Рубенс (фламандец, 1577-1640)
Святая Екатерина Александрийская
c.1620
Травление
Состояние iii/iii; Бушери и Вейнгерт 595; Зад я; Хольштейн 1; Dutuit 15
Надпись на лицевой стороне l.
l. «П. Пауль Рубенс рожает». На обороте l.l. две коллекционные марки: в кружке «FH» / «Dutuit p 131 (неразборчиво) 15 / Schn 114, 35»; л.р. «Рубенс Святая Екатерина / II из III»
Узнайте больше о работах Питера Пауля Рубенса от
Westmont Art History Major, Octavia Ross
Питер Пауль Рубенс был известным фламандским художником эпохи барокко, который подчеркивал цвет, движение и чувственность.Он родился в Зигене, Германия, в религиозной семье, а затем переехал в Антверпен, Бельгия, где вырос католиком. С юных лет он был погружен в религиозные истории о святых и мучениках и получил гуманистическое образование эпохи Возрождения, изучая латынь и классическую литературу, которые вдохновляли его картины на религиозные, исторические, мифологические и аллегорические сюжеты.
Рубенс отправился в Италию в 1600 году, где на него оказали влияние многие итальянские художники, такие как Тициан (1488–1576), Веронезе (1528–1588), Тинторетто (1518–1594) и Караваджо (1571–1610).
Он пробыл в Италии восемь лет, но вернулся домой после известий об ухудшении здоровья его матери. В Антверпене Рубенс основал собственное ателье, наняв помощников и обучая учеников, самым известным из которых был Антонис ван Дейк (фламандец, 1599–1641).
Рубенс видел ценность гравюры как средства воспроизведения своих картин. Однако он не был экспертом в этой области и часто тесно сотрудничал с другими граверами, которые лучше всего могли уловить его стиль.
Канонизированная католическая святая, Екатерина приняла мученическую смерть в Александрии, Египет, около 305 г. н.э. Считалось, что она была хорошо образована и имела благородное происхождение, и примерно в возрасте четырнадцати лет она пережила мощное видение Марии и Младенца Иисуса и обратилась в христианство. Вместо того чтобы приказать казнить ее за это обращение, император Максенций созвал пятьдесят философов и ораторов, чтобы отговорить ее от христианской веры. Ее слова и логика были настолько трогательны, что все, кто был послан на дебаты с ней, были обращены и позже казнены Максенцием.
Затем ее отправили на смерть на ломающемся колесе, но когда она приблизилась к колесу, оно разбилось. Вместо этого император приказал обезглавить ее.
Гравюра Рубенса изображает значимость святости Екатерины, помещая ее над зрителем в окружении облаков. Она смотрит на зрителя свысока, показывая свое высокое положение и святость. Ее нога балансирует на ломающемся колесе, как будто она только что победила его. Она держит меч, которым ее обезглавили, изображая ее как воина Бога, которого смерть не может победить.С пальмовой ветвью, символом мученицы, в ее правой руке свет исходит из ее головы, становясь ее ореолом святости. Ее великолепно струящиеся драпированные одежды демонстрируют мастерство Рубенса в использовании изобилия и величия стиля барокко.
В мае 1640 года Питер Пауль Рубенс умер от сердечной недостаточности в Антверпене.
-ИЛИ
* На этой выставке см. также: Боэций Адамс. Bolswert,
Христос на кресте между двумя разбойниками ; Кристоффелл Джегер,Искушение Христа ; Виллем ван дер Леу, Даниэль в Логове Льва ; Лукас Форстерман I, St.
Михаил, поражающий мятежных ангелов. Назад в галерею Следующий художник — Ян Питерсзон Саенредам
Знаменитые картины Питера Пауля Рубенса — Репродукции в продаже
Все картины маслом Питера Пауля Рубенса (17 век, бельгийцы, барокко) будут расписаны вручную нашими профессиональными художниками. Позвольте HandmadePiece помочь вам доставить домой художественные репродукции Питера Пауля Рубенса более высокого музейного качества.Фото-превью готового произведения искусства будет предложено перед доставкой, бесплатная доставка по всему миру.1577-1640 • фламандец • художник • барокко
«Я не знаю, что больше всего похвалить в моем друге Рубенсе: его мастерство живописи… или его знание всех аспектов художественной литературы, или, наконец, то тонкое суждение, которое неизбежно сопровождает такой увлекательный разговор ». — Гаспар Скиоппиус, 1607
Поскольку обширность, а также разнообразие достижений Рубенса пугают, поучительно, если не отрезвляюще, отметить его зловещее прошлое.
Его отец, Ян, юрист, стал кальвинистом и был вынужден бежать из Антверпена, когда город стал католическим под властью испанцев в 1568 году. (Питер Павел родился в Вестфалии). Саксонию, принцессу Оранской, и отправили в темницу замка. Как прокомментировал один историк: «Письма от матери Рубенса … написанные ее заключенному в тюрьму мужу и с просьбой к Дому Нассау предполагают, что Рубенс, возможно, унаследовал силу и благородство характера от своей матери.Вернувшись домой в Антверпен со своей матерью после смерти отца, Рубенс учился у трех разных художников, а затем отправился в Италию, где жадно изучал работы крупнейших итальянских художников, от КАРАВАДЖО и КОРРЕДЖО до МАНТЕНЬИ, а также искусство АНТИЧНОСТИ.
Его клиентами были дворяне, и в 1603 году, когда ему было 26 лет, один из них, Винченцо Гонзага, герцог Мантуи, отправил его в Испанию с его первой миссией в качестве политического посла. умер в 1608 году и стал придворным художником эрцгерцога Альберта и его жены Изабеллы с особым разрешением остаться в Антверпене (суд находился в Брюсселе).
Хорошо воспитанный, со многими языками и социальными грациями, он позже получит больше дипломатических заданий. Его привилегированное положение позволило ему обойти местную ГИЛЬДию и свободно основать свою огромную студию, освобожденную от регистрации своих учеников.
Таким образом, хотя считается, что у него было очень много помощников, точное число не установлено. Современные отчеты описывают оживленную сцену, в которой множество молодых людей работали над картинами, для которых Рубенс делал эскизы и к которым он добавлял последние штрихи.Тем временем он читал ему вслух Тацита, пока тот рисовал, слушал, диктовал письма и отвечал на вопросы посетителей. Его хорошо организованная и высокоэффективная МАСТЕРСКАЯ была расширена за счет штата печатников, которые копировали его картины для РЕПРОДУКЦИИ.
Иногда Рубенсу приходилось заменять картину, которую клиент жаловался на неудовлетворительность, но он напоминал клиентам, что если они хотят что-то полностью написанное его рукой, это должно быть указано в контракте.
По мере роста специализации росло и сотрудничество, и Рубенс часто работал в партнерстве с другими людьми: среди них Ян БРЕЙГЕЛЬ, СНАЙДЕРС, ЙОРДАНС и ван ДАЙК.Говорят, что ни один художник в южных Нидерландах не был затронут Рубенсом, и это, вероятно, верно, если не преуменьшение.
Однако в первую очередь он не был успешным предпринимателем; следует подчеркнуть, что Рубенс был изобретательным гением в своем искусстве. Его картины с изображением обнаженных женщин особенно привели к появлению термина «рубенский». Его портреты, столь же требовательные к деталям моды, ткани и драгоценностей, порвали с более ранними традициями формальности, сначала изобретая неформальные позы, а затем его чувствительность к личности своего объекта.
Его ИСТОРИЧЕСКИЕ КАРТИНЫ взрываются энергией БАРОККО и мощным освещением, их композиция часто использует диагональное движение, которое увеличивает их энергию. Это относится к двум его основным АЛТАРПИЕСРАМ, Воздвижению Креста (1610-1611) и Снятию с Креста (1612-14).
В обоих безошибочно ощущается подавляющее присутствие и мускульное напряжение тел, но Христос кажется одновременно физически плотным и невесомым. Рубенс был набожным католиком, тесно связанным с иезуитами.К тому же он был счастливо женат — фактически дважды; после смерти первой жены он женился во второй раз в 1630 году, в возрасте 5 лет. 3. Его невесте Элен Фурмен было 16 лет. Она была его моделью для нескольких картин, в том числе для широко известного изображения обнаженной натуры в шубе , Het Pelsken («Маленькая звезда» или «Венера», ок. 1635–1639).
Методы и приемы рисования Питера Пауля Рубенса
В наше время обычным способом рисования является использование прямых линий. Процесс обычно состоит из использования прямых линий для определения формы нарисованного объекта, а затем их пересечения или наложения прямых линий в том же направлении.Это влияет на плотность за счет использования секций наложения для создания другого диапазона значений на чертеже. Использование значений создает тени, которые еще больше улучшают перспективу рисунка (рис.
1).
Рис. 1. Norman Rockwell , Al (Dorne) Norman , н.д.
Глядя на работы художника Питера Пауля Рубенса (бельгиец, 1577-1640) вживую, всегда возникает вопрос, как он рисовал таким образом, что изображал формы и формы, используя только линии.Его особый метод рисования называется стилем рисования контурных линий. Этот стиль рисования контурных линий сосуществует с прямыми линиями, но в нынешнюю эпоху он менее популярен из-за долгого обучения и необходимости интенсивного обучения. Эта статья будет посвящена изучению метода рисования Питера Пауля Рубенса.
Чтобы полностью понять метод рисования Рубенса, важно понять, как он развивал свой стиль рисования в молодости. Его мышление и процесс обучения одинаково важны для анализа рисунка Рубенса по частям.
Рис. 2. Питер Пауль Рубенс, Портрет художника , 1623.
Питер Пауль Рубенс (рис. 2) родился в 1577 г. и скончался в 1640 г.
Его жизнь началась в конце эпохи Северного Возрождения и в середине Реформации католической церкви. Он родился в умеренно богатой семье, что позже предоставило ему доступ к широкому кругу возможностей при выборе карьеры.[1] После смерти отца Рубенса (Яна Рубенса) художник вернулся в Антверпен, где служил учеником Тобиаса Верхахта (1561–1631).[2] Самая ранняя из существующих работ Рубенса – это копия после года Ганса Гольбейна Младшего, изданного в году (1497–1543) «Пахарь и смерть» (рис. 3).[3]
Рис. 3. Питер Пауль Рубенс, «Пахарь и смерть» , н.д.
Можно видеть, что стиль гравюры на дереве Северного Возрождения уже оказал влияние на молодого Рубенса. Его копия рисунка также демонстрирует тщательный подход художника к изучению рисунка путем нанесения чернил по оригинальному деревянному отпечатку.Поскольку Рубенс копировал работы Ганса Гольбейна Младшего, на которые повлияло Северное Возрождение, нетрудно представить, что на него могли также повлиять гравюры на дереве немецких художников 16 века, таких как Альбрехт Дюрер (1471-1528).
), Матиас Грюневальд (1470–1528) и Лукас Кранах Старший (1472–1553). Отпечатки на дереве было относительно легко получить. Есть интересный пример такого легкого распространения: в 16 веке даже император Священной Римской империи Максимилиан Первый (1459–1519) распространял свои хорошо напечатанные портреты Альберхта Дюрера и Ганса Вейдица Младшего (1495–1537). ) для его масштабной рекламной цели.[5] Эти гравюры печатались большими тиражами и были популярны по всей Европе.[6]
Область Италии часто считается центром эпохи Возрождения. Художники ездили в Италию изучать искусство. Например, Дюрер за свою жизнь дважды учился в Италии, чтобы улучшить свои художественные работы, сначала с 1494 по 1495 год, затем с 1505 по 1507 год.[7] Ганс Гольбейн Младший отправился в Италию в 1517 году и вернулся в 1519 году, чтобы развить свой художественный стиль. После того, как Питер Пауль Рубенс закончил свое ученичество в 1598 году, он также отправился в Италию, где пробыл восемь лет (1600-1608).
[8] В это время он изучал классические статуи и картины. Он также делал рисунки по мотивам картины Микеланджело для Сикстинской капеллы. В своем неопубликованном латинском трактате Рубенс описал свои намерения рисовать статуи. Он избегал узнавать в них каменные статуи с каменной текстурой, а видел в них живые фигуры.[9] В своих набросках он изучил итальянский стиль эскиза, сочетая коричневую заливку с коричневыми чернилами. Этот стиль рисования также использовался учителем Питера Пауля Рубенса Отто Ван Вином (1556-1629), когда Рубенс служил учеником в мастерской Ван Вин с 1594 по 1598 год.[10]
После того, как Рубенс открыл свою мастерскую в Антверпене в 1609 году и стал уважаемым мастером, он сосредоточил свою карьеру на живописи. Рубенс использовал свои методы рисования как идеи для рисования и руководил своим учеником и своим назначенцем. (Питер Пауль Рубенс почти никогда не показывал свои рисунки публике, даже своим ученикам. Предполагаемая причина этого в том, что его рисунки в то время были больше связаны с эскизами к его картинам.
Такой художник, как он, не захотел бы показывать свой оригинал идеи, опасаясь, что их скопируют другие художники).[11] Питер Пауль Рубенс делал гравюры в дополнение к карьере художника. Как и большинство мастеров эпохи Возрождения, он не делал гравюр сам, а сотрудничал с мастерскими других граверов или пользовался помощью своих учеников. Он также сотрудничал в течение тридцати лет со своим другом и гравером Бальтазаром Моретусом (1574-1641) из Plantin Press. Известно, что Рубенс полностью контролировал свои работы. Он строго заставлял своего художника-гравера или своего помощника следовать его линиям и переводить свою живопись в рисунок, не выдавая ни одного личного художественного стиля гравера.После того, как копия была сделана, он просто исправлял ошибку или ту часть рисунка, которая ему не нравилась. По этой причине интерпретация опубликованных гравюр Рубенса может помочь нам задуматься о прогрессе его мышления в рисовании.
В последние годы жизни Рубенс снова начал интересоваться гравюрами на дереве.
В сотрудничестве с Кристоффелем Егером (1596–1652) около 1628 года он создал большое количество гравюр, таких как Геракл, борющийся с яростью, Отдых на пути в Египет, и Сад любви .[13] На этих гравюрах изображена мода на одежду 17 века и стиль рисования лиц Рубенса, но техника следовала духу стиля Северного Возрождения 16 века. Кажется, будто Питер Пауль Рубенс путешествовал во времени, и то, над чем он работал, переносит зрителей в воспоминания о подростковой жизни Рубенса.
Чтобы понять технику рисования Рубенса, можно посмотреть на его рисунок Анатомические этюды: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье (рис.4), который выбран здесь из-за его четко видимых меток. Это эскизный рисунок, сделанный Рубенсом примерно в 1600–1605 годах во время его пребывания в Италии. Эта работа сейчас находится в коллекции Метрополитен-музея в Нью-Йорке.
Рис. 4. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье , ок.
1600-1605.
В начале этого анализа создание меток на этом художественном произведении может быть упрощено до трех различных методов рисования, основанных на движении правой руки при рисовании линий: «указание точками, рисование линий по часовой стрелке и рисование линий против часовой стрелки».”(рис. 5а) Метод точечной наводки можно заметить в верхней центральной части кадра, по краям бликов, близких к полутону, создаваемому лучевым разгибателем запястья левой руки (рис. 5б). Методы рисования линий по часовой стрелке и против часовой стрелки являются доминирующими способами рисования Рубенса, используемыми в этом произведении. Наглядные примеры находятся в верхней части рисунка.
Рис. 5а. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [фрагмент], ок.1600-1605 гг.
Рис. 5б. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [фрагмент], ок.
1600–1605.
Объединение этих трех методов позволило создать три новых стиля рисования: ромбовидная штриховка в том же направлении по часовой стрелке, ромбовидная штриховка в том же направлении против часовой стрелки и точки в прямоугольниках. Эти примеры можно найти в большинстве разделов этого произведения искусства. Для наглядного примера, в нижнем левом углу Рубенс использовал штриховку в том же направлении по часовой стрелке в верхнем левом углу.На заднем плане над мышцей левой руки он использует штриховку в том же направлении против часовой стрелки (рис. 6а). Наконец, оказывается, что Рубенс использовал и другую технику. Он указал одну-две точки в каждом поле, созданном перекрестной штриховкой. Этот метод можно увидеть в верхнем правом отделе, на концевом отделе локтевого разгибателя запястья левой руки. Большинство этих точек точно расставлены в центре каждой ячейки штриховки. Описанная здесь форма ромба основана на угле вставленных контурных линий друг в друга; в этом произведении также используются разные углы, например, кубическая форма большего угла пересекается, но на этом рисунке использование ромбовидных нижних углов более глубокое.
Невозможно иметь точки в центре каждого прямоугольника, что означает, что эти точки заштрихованы после нанесения линий штриховки. Следовательно, Рубенс намеревался создать эффект среднего значения, чтобы плавно переходить от полутона к краю тени (рис. 6b).
Рис. 6а. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [фрагмент], ок. 1600–1605.
Рис. 6б. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [фрагмент], ок.1600-1605 гг.
Для создания разных диапазонов значений используется усиленная штриховка. Это делается путем добавления дополнительных линий поверх контурных линий штриховки в форме ромба (максимальное количество сосуществующих линий в одном пересечении — четыре). Чтобы применить эти линии к большим значениям, как только Рубенс закончил свои контуры, он затем применил перекрестную штриховку к базовой штриховке в форме ромба.
Эти линии часто толще, чем те, которые он использует в своем базовом слое штриховки в форме ромба. Лучший пример этого метода можно увидеть в центральной правой части обсуждаемой иллюстрации, основной тени и отбрасываемой тени под левым запястьем (рис.7).
Рис. 7. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [фрагмент], ок. 1600–1605.
Процесс рисования Рубенса, как и большинства современных рисунков, начался с подрисовок. Хотя их трудно различить на этом рисунке, две отмеченные светло-серым цветом линии повторяют окончательную форму мышц-сгибателей (выше локтя). Неясно, что именно Рубенс использовал для создания этих серых линий, возможно, это была серебряная игла или графит.Затем художник использует тонкую коричневую линию, чтобы обвести свой рисунок под эскизом (одной или двумя линиями), это также можно увидеть в верхнем левом кадре, когда он рисует длинный лучевой и плечелучевой разгибатель запястья.
У него были небольшие трудности с выделением этих двух мышц. Эти три согласованные линии имеют одинаковую толщину линий, но не имеют таких же толстых контуров, как линии коррекции. Тем не менее, эти три линии значительно тяжелее, чем другие параллельные линии штриховки. (Рубенс, должно быть, понял, что допустил ошибку, но так как это коричневые чернила, он не мог стереть их с бумаги.Вместо этого, чтобы скрыть свою ошибку, он использовал линии, которые шли в одном направлении вместе с линиями штриховки) (рис. 8). После того, как был нанесен тонкий контур, Рубенс покрывал его штрихом или двумя взвешенными линиями, чтобы отличить объект от тяжелой штриховки тени и сплошной формы контура. В центре этого произведения искусства под левой лапой было создано большое негативное пространство. Если Рубенс хотел продемонстрировать свой гордый линейный рисунок, ему нужно было ограничить количество линий в одной области.Без толстого контура для разделения двух теневых областей просто недостаточно места для теней окклюзии, чтобы изобразить форму и форму.
Рубенс использует свою смекалку, чтобы создать тяжелый контур, чтобы проиллюстрировать основную тень и описать форму и форму левой лапы.
Рис. 8. Питер Пауль Рубенс, Анатомические исследования: левое предплечье в двух положениях и правое предплечье [фрагмент], ок. 1600–1605.
Наконец, Рубенс использовал упомянутый выше метод рисования для создания формы и формы кисти и руки.Гравюра на дереве «Сад любви » — произведение, созданное Рубенсом и его мастерской вместе с Кристоффелем Егером. Существуют три копии этой работы; один был нарисован коричневой тушью и хранится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке (рис. 9). Другим вариантом была печатная версия, выполненная Рубенсом в сотрудничестве с Кристоффелем Егером (рис. 10) на основе рисунка коричневой тушью, также находящаяся в коллекции Метрополитен-музея. Последняя картина написана маслом и хранится в музее Прадо в Мадриде.
Рис. 9. Питер Пауль Рубенс, Сад любви , 1633–1635.
Это произведение искусства (рис. 9) представляет собой празднование второго брака Питера Пауля Рубенса с шестнадцатилетней Еленой Фурмен (1614–1673).[14] На заднем плане изображен дом Рубенса в Антверпене. На переднем плане две пары стоят вместе. Стоящий мужчина держит свою молодую жену как драгоценный камень. С такой же козьей бородой и приподнятым кончиком, но распущенными имперскими усами, кудрявыми волосами, но частично лысыми, это вполне может быть сам Питер Пауль Рубенс, как изображено на его автопортрете (рис.2). Сад на заднем плане можно понимать как символ плодородия. Размещение Рубенса и его жены на переднем плане и части здания на заднем плане имитирует традиционную структуру средневековья и эпохи Возрождения, предполагая, что эти фоновые здания и сады являются собственностью Рубенса и его жены. Слева от жены Рубенса изображен ангел в форме купидона «Херувим», положивший левую руку на правую ногу Рубенса, а правую руку на ногу Елены. Этот жест можно рассматривать как благословение для брака Рубенса и Елены Фурман.
На картине Рубенс изображен с рапирой на левой талии. Ношение меча предполагает его рыцарское благородство, титулованное как Филиппом IV Испанским, так и Карлом I Английским.
Рис. 10. Питер Пауль Рубенс, Сад любви , 1630-е гг.
Для наших учебных целей вариант рисунка «Сад любви» (рис. 9) является отличным индикатором этапов рисования Рубенса. Кроме того, «Сад любви» (гравюра на дереве, рис.10), использует ту же технику линий, что и рисунок тушью, и, кроме того, на нем четко прорисованы детали на линиях. Совместное изучение этих двух работ поможет лучше понять технику рисования Рубенса. Перед нанесением рисунка тушью Рубенс сделал легкий набросок, используя серебряную иглу или тонкий графит. Несмотря на то, что этот набросок в основном покрыт коричневыми чернилами, его остатки все еще существуют в верхнем левом углу, вокруг ветвей деревьев. Изучая предыдущие работы Рубенса, Битва обнаженных мужчин , Часть толпы на Ecce Homo и Венера, оплакивающая Адониса , можно заметить, что у художника была привычка работать от фигур к фону.
Сцену Garden of Love можно разделить на три части, сгруппировав фигуры вместе. На переднем плане поставлена очевидная первая группа с тремя фигурами (Рубенс, Елена и Херувим). Затем на среднем плане видна вторая группа юноши с мечом и молодой женщины, смотрящей на зрителя. На заднем плане видна третья группа из шести фигур.
Группы фигур на переднем плане
Глядя на рисунок Рубенса и Елены Фоурман, сразу же замечаешь различные методы контурных линий: по часовой стрелке, против часовой стрелки, ромбовидные линии в том же направлении по часовой стрелке и ромбовидные контурные линии против часовой стрелки.Почти каждая контурная линия, которую использовал Рубенс, соответствует направлению и форме объекта. Например, лицо Фурмента упрощено до трех эллипсов, каждая линия описывает свою форму, создавая негативное пространство. Затем Рубенс применил элементы волос в форме буквы «S» вместе с контурными линиями, чтобы создать негативное пространство.
Применяя линии, которые повторяют формы и формы, художник создает ощущение трехмерности и реалистичного изображения фигуры или объекта, не жертвуя красотой каждой отдельной линии.
Фигура херувима представляет собой великолепный образец техники Рубенса. Здесь художник использовал сильно утяжеленные линии в определенных областях, таких как нижняя часть правой руки, передняя часть живота и груди херувима или правое бедро и нога. Эти части тела Херувима находятся ближе к зрителю. Следовательно, сильно взвешенный контур создает пространство и размеры, чтобы продемонстрировать положение фигуры в кадре. Используя ранее упомянутые контурные линии по часовой стрелке и против часовой стрелки, Рубенс затем создал пухлую плоть херувима, точно так же, как художники до него, такие как Микеланджело, Дюрер или Ганс Гольбейн, делали в своих рисунках.
Группы фигур среднего плана
Предполагается, что Фигуры среднего плана менее важны для зрителя, чем фигуры переднего плана, и это хорошо видно в языке рисования Рубенса.
Рубенс использует иерархию, чтобы привлечь внимание зрителя к Рубенсу и Елене, а затем к двум фигурам на среднем плане.
Молодой мужчина на среднем плане полулежит на земле с мечом на ноге, однако правильный способ ношения меча — на левой талии носителя.Полностью обезоружить меч с пояса — это знак признания более низкого профиля и проявления смирения. Рисунок Рубенса этой молодой мужской фигуры отличался от того, что он сделал в первой группе фигур. По сравнению с тем, что он сделал с головой молодой женщины, с богатым разнообразием контурных линий, он использовал больше контурных линий по часовой стрелке в негативном пространстве, все в одном направлении и не всегда повторяя форму фигуры. Использование контурной линии против часовой стрелки в негативном пространстве дает зрителю ощущение плоскостности.
Справа от этого молодого джентльмена находится хорошо одетая девушка. Хотя большинство техник рисования, применимых к этой фигуре, уже обсуждались выше, женское платье дает прекрасное представление о том, как линии, идущие в одном направлении, могут отображать форму объекта, но изменять его расстояние и кривизну.
(Формы с изображением Купидона и/или женских фигур с пухлой плотью существовали задолго до того, как Рубенс создал это произведение искусства; например, есть римские статуи Кентавра и Купидона, датируемые 1-2 веком нашей эры.Одутловатое лицо или пухлое телосложение считалось признаком богатства и достатка). В нижней части платья Рубенс использует сочетание длинных одиночных линий или набор коротких линий, чтобы подчеркнуть плоскость платья и складки. Художник также использовал расстояние между строками, сокращая расстояние между строками, чтобы создать отрицательное пространство, или увеличивая расстояние между строками, чтобы создать положительное по цвету пространство.
Фоновые группы рисунков
Фоновые рисунки существуют в основном для экологических целей.В Garden of Love они предназначены для того, чтобы доставлять удовольствие зрителю. Поскольку эти фигуры не так важны, как упомянутые выше, они не содержат большого количества деталей, потому что чрезмерное описание их линиями может привести к путанице с фигурами среднего и переднего плана.
Почти все шесть фоновых фигур нарисованы с использованием одних и тех же техник. Однако женщина слева — интересный пример. Рубенсовское правило использования линий, следующих за формой, почти отменено, и почти каждая линия, используемая здесь, представляет собой штриховку контура по часовой стрелке.Это помогает выровнять фигуру.
Заключение
Метод рисования Рубенса может показаться трудным для понимания при анализе его рисунков в целом, но его легче объяснить, когда у нас есть возможность изучить эти работы по частям. Как писал китайский философ Лао-цзы (600–400 гг. до н. э.), «Дао произвел Единого; Один произвел Два; Два произвели Три; Трое произвели все». [16] От основных контурных линий до «точки в рамке» мастерство основного метода рисования линий, используемого художником, позволяет нам в дальнейшем интерпретировать сложные формы рисунков Рубенса.
[1] Чарльз Скрибнер, «Питер Пауль Рубенс», Британская энциклопедия.
24 июня 2020 г. По состоянию на 18 декабря 2020 г. https://www.britannica.com/biography/Peter-Paul-Rubens
[2] Там же.
[3] Кристин Лозе Белкин, «Латинские надписи Рубенса на его копиях после «Пляски смерти» Гольбейна». Журнал институтов Варбурга и Курто 52 (1989): 245-250.
[4] Виктория Чарльз, Искусство эпохи Возрождения (Нью-Йорк: Parkstone International, 2012), 65-79.
[5] Эндрю Робисон и Клаус Альбрехт Шредер, Мастерские рисунки, акварели и гравюры Альбрехта Дюрера из Альбертины (Вашингтон, округ Колумбия: Национальная художественная галерея, 2013).
[6] Ларри Сильвер, Маркетинг Максимилиана: визуальная идеология императора Священной Римской империи (Принстон, Нью-Джерси: Princeton University Press, 2008).
[7] Генрих Теодор Муспер, Альбрехт Дюрер (Кельн, Германия: DuMont-Literatur-und-Kunst-Verl, 2003), 5-7.
[8] Анн-Мари Логан, Питер Пауль Рубенс: рисунки (Нью-Йорк: Метрополитен-музей, 2013), 5.