ШЕДЕВР РАФАЭЛЯ Преображение Христово 1519-1520 годы. — Волшебная сила искусства (Алина Алексеева) — NewsLand
Рафаэ́ль Са́нти- Преображение Христово 1519-1520 годы. Пинакотека Ватикана, Рим.
Первоначально картина создавалась как алтарный образ кафедрального собора в Нарбонне, по заказу кардинала Джулио Медичи, епископа Нарбоннского. В наибольшей степени противоречия последних лет творчества Рафаэля сказались в огромной алтарной композиции «Преображение Христово» — ее завершил после смерти Рафаэля Джулио Романо.
Начав работать над картиной, художник писал параллельно полотно лично для кардинала. Для своей картины художник использовал хорошо известный библейский сюжет описанный в евангелиях, который повествует о том, что Христос решил показать своим ученикам свой истинный облик. Как говориться в писании взял Иисус с собой троих апостолов Петра , Иакова и Ииакима, и повел их на высокую гору, где преобразился перед ними, представ в светлом образе, в окружении божественного ореола.
После этого раздался голос Бога, который подтвердил апостолам, что Иисус его истинный и единственный сын.
И тут начинается сюжет картины Рафаэля, повествующей об этом моменте.
На первом плане помещены апостолы, которые возлежат в различных позах в ожидании сошествия Христа. Сам Иисус парит в круге света над остальными людьми, он невесом и прекрасен. Люди протягивают к нему руки, а старик и мальчик замерли в ожидании исцеления. Также художник изобразил коленопреклоненную женщину, которая вместе со всеми ожидает чуда. Все эти люди указывают на Христа, их лица полны трепетного волнения. Он приходит и исцеляет ребенка, прогоняя злой дух.
Эта картина разделяется на две части. В верхней части представлено собственно преображение — эта более гармоничная часть картины была выполнена еще самим Рафаэлем.
История картины.
В 1797 году Наполеон перевез «Преображение» во Францию, и в Ватикан картина вернулась лишь после свержения императора в 1815 году. В результате транспортировки она была сильно повреждена, а первая реставрация только ухудшила ее состояние. Следующая реставрация, проведенная уже в семидесятых годах XX века, максимально приблизила вид картины к тому, который она имела четыре столетия назад.
Традиционно художники изображали Христа, стоящим на горе (чаще — просто на холме) между Моисеем и Илией, в то время как апостолы полулежат у Его ног, прикрывая глаза от яркого света. Рафаэль выбирает другой композиционный ход для своей картины.
На ней Спаситель изображен парящим в воздухе, как при Вознесении. Окутывающее его фигуру сияние — то самое «облако светлое» — озаряет остальных персонажей. Нижняя часть картины, согласно иконописной традиции, представляет эпизод, который непосредственно следовал за сошествием Христа с горы: Рафаэль изображает чудо исцеления больного эпилепсией мальчика.
Испуг, смятение, удивление, суета в этой части картины контрастируют с величественным спокойствием, исходящим от фигуры Христа. Многообразие поз и жестов выражает различные чувства персонажей и подчеркивает индивидуальность каждого из них. Экспрессивность фигур подчеркивается светом, падающим слева. Возможно это прием, ранее не встречающийся в его живописи, Рафаэль изобрел во время работы над театральными декорациями. Позже этот особенный способ освещения у Рафаэля позаимствует Караваджо (1573-1610).
ОЧЕНЬ ИНТЕРЕСНАЯ ИСТОРИЯ О СОВМЕЩЕНИИ ДВУХ КАРТИН РАФАЭЛЯ.( Версия из инт.)
Картина Рафаэля Уход.
Перед вами две почти одинаковые картины, автор которых – великий итальянский художник Рафаэль Санчо (Raphael Sanzio/Santi)… Складывается впечатление, что кто-то намеренно «передвинул» вторую картину вниз, чтобы обрезать верх с «опасным» обьектом – великолепно изображенённой «летающей тарелкой»… Что в реальности и было абсолютной правдой.
Рафаэль был весьма необычным человеком, часто идущим наперекор святейшей церкви. Как его назвал в своих трудах знаменитый Вассари – он был «атеистом с богатым воображением»… Первая картина (слева) была написана в последний год жизни художника (1520) и называлась «Уход».
Вызвав настоящую бурю негодования co стороны святейшей церкви, великолепное произведение получило приговор на уничтожение. Тогда, решив безобидно пошутить над Папой, художник нарисовал вторую картину, как бы передвинув всю композицию вниз, и обрезав верхнюю (главную) часть картины, на которой изображался Христос, что по строгим канонам живописи того времени никак не разрешалось.
Назвал он вторую картину «Преображение» (Transfiguration)… К сожалению, художник умер так и не закончив до конца вторую картину – её закончили его лучшие ученики и (по желанию учителя) подарили Ватикану. Папа был в восторге от произведения и назвал его «одной из лучших» картин Рафаэля…
Источники
http://paranormal-news.ru/blog/quot_sluchajno_quot_upushhennaja_detal_v_kartine_rafaehlja/2010-11-17-129
http://smallbay.ru/artreness/raffaello99.html
http://utahch.blogspot.it/2012/01/raffaello-santi.html
http://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-rafaelya-santi-preobrazhenie-gospodne/
73
15783
Самые известные картины Рафаэля Санти — Media news (pawel pegow) — NewsLand
Честно признаюсь, что боялся писать миниатюру о Рафаэле Санти.
Поэтому с облегчением вздохнул, найдя в интернете достойную его творчества статью.
Которую решил вам представить.
За свою короткую, но яркую жизнь Рафаэль Санти сотворил множество шедевров, равным которым до сих пор нет. Он был последователем художников Перуджино, Леонардо да Винчи, Микеланджело, но, в конце концов достиг совершенства и неподражаемой реалистичной манеры в живописи. Мы знаем о великом множестве картин Рафаэля, но постараемся среди них выбрать самые известные и красивые работы.
20 самых потрясающих работ Рафаэля Санти:
«Донна Велата» (1516)
Рафаэль был на пике своего творчества, когда написал портрет «Донна Велата» или «Дама с вуалью». Ему было всего 32 года.
Маргарита Лути, обычная девушка, дочь булочника изображена художником с огромным трепетом и любовью, так как именно она была его смыслом жизни.
Рафаэль был так влюблён в девушку, что предложил её отцу огромный денежный выкуп — более 3 000 дукатов. Форнарина, так звал свою жену Рафаэль, что означает «булочка». Супруги были счастливы. А через 6 лет Рафаэль скоропостижно скончался. Маргарита не приняла огромное наследство мужа и ушла в монастырь, где слыла до конца своих дней его вдовой.
Маргарита на портрете изображена в одежде нежно-бежевых и розовых тонов, голова, как у замужней дамы под покрывалом. Влюблённый Санти передал красоту и спокойный характер своей жены в утончённой изящной позе. Лицо Маргариты нежное, как персик, глаза — прекрасные, огромные, святятся счастьем. Красивая шея и причёска украшена драгоценностями. На портрете Маргарита изображена как изысканная драгоценность, и восхищение мастера своей моделью передаётся зрителю.
«Преображение» (1516–1520)
«Преображение» Рафаэль начал писать для алтаря Нарбоннского собора, по просьбе кардинала Джулио Медичи, но не завершил её, так как внезапно умер от неизвестной болезни.
Картину дописал художник Джулио Романо.
Сюжет основан на Евангельском сюжете, когда Иисус Христос решил открыть свою сущность ученикам. С небес апостолы услышали глас Божий, что Христос его истинный Сын.
После этого Иисус спустился с апостолами с горы, и к нему обратился несчастный отец с просьбой излечить сына от вселившегося в него дьявола.
Рафаэль изобразил Иисуса парящим над всеми, что является символом его Божественности. Чуть ниже, в середине полотна — Апостолы ожидают Христа, а внизу собрались люди, в ожидании чуда исцеления. Верхняя светлая и воздушная часть картины была написана Рафаэлем, а нижняя часть более тёмная другим человеком. Здесь видна рука мастера, писавшего в абсолютно другой манере.
Сикстинская мадонна (1512)
!
Рафаэль писал образ Марии и Христа много раз, но эта работа, предназначенная для алтаря капеллы Сикста II, стала настоящим шедевром. Образ Мадонны Санти написал со своей жены Маргариты (Форнарины).
Прекрасное одухотворённое лицо отображает вселенскую грусть, и боль матери, предчувствующей самопожертвование сына и его гибель во спасение всего человечества. В верхней части картины в окружении бесплотных ангелов идёт Мария, нежно держа на руках своё самое дорогое — младенца Иисуса.
Малыш изображён пышущим здоровьем, со слегка растрёпанными волосами. Его ангельская внешность контрастирует с умными не по возрасту глазами, как будто он уже знает всё о своём предназначении. У ног Марии склонились Сикст II и великомученица Варвара. Внизу у края полотна, как бы выглядывая из окна, смотрят вверх беззаботно два озорных ангела. Они не вмешиваются в происходящее, так как знают за ранее, что ожидает Марию и её дитя.
Станцы (1508–1517)
фреска «Добродетели и закон».
Роспись (фрески) дворцовых помещений Ватикана, выполненная мастером вместе со своими учениками, называется Станца делла Сеньятура (так называемая комната Подписей).
«Афинская школа» (1508)
Афинская школа.
Рафаэль Санти был очень знаменитым живописцем среди своих современников и в 1508 году по просьбе папы Юлия II отправился в Рим для росписи парадных помещений Ватикана. Одной из фресок из Станцадела Сеньятура, является фреска, представляющая философию. Она называется «Афинская школа» и изображает ведущих мыслителей со времён Древней Греции. На восходящих ступенях Афинской школы под огромными сводами в центре изображены Платон и Аристотель. Платон указывает на небо, а Аристотель на землю, связывая воедино небесное и земное пространство.Сократ беседует с Александром Македонским, слева внизу Пифагор в кругу учеников разгадывает теорему. Санти также изобразил великого современника Микеланджело в образе Гераклита.
Евклид чертит циркулем чертёж. На фреске Рафаэль изобразил более 50 фигур. Ступени изображённого здания поднимаются ввысь, отождествляя собой периоды развития философии и различных наук.
Фреска «Диспут» (1509–1510)
В центре композиции — Святая Троица. Бог Отец, Иисус Христос и Дух Святой в виде голубя. Рядом с Христом сидят его мать Мария и Иоанн Креститель, и далее на облаке восседают святые Пётр, Павел и другие персонажи Евангелия. Внизу фрески учёные, философы и понтифики церкви ведут богословский диспут.Фреска «Парнас» (1511)
Сначала эта фреска имела название «Поэзия», несколько позже она стала называться «Парнас» она располагается между фреской «Афинская школа» и «Диспутой». Поэзия высоко ценилась в эпоху Высокого Возрождения, и считалась божественным искусством. На холме в центре фрески изображён Аполлон, играющий современном музыкальном инструменте — лире да браччо, которой ещё не было в Древней Греции.
Этим Рафаэль передал преемственность культур. Вокруг Аполлона музы и поэты Гомер и Микеланджело, которого Санти тоже приписал к великим поэтам.
«Обручение девы Марии» (1504)
«Обручение девы Марии» — самая почитаемая работа художника. Она является логическим переходом от манеры живописи школы Перуджино к манере, которая возвысит мастерство Рафаэля и станет вехой в эпохе Великого Возрождения.
Рафаэль вдохновился композициями фресок своего учителя Перуджино. Подписав это полотно, Санти, уже как истинный мастер, уверенно заявил о себе всему миру.
Основными персонажами картины являются Дева Мария и обручник Иосиф, который надевает ей на палец обручальное кольцо. Пару окружают свидетели происходящего. Цветущий посох в руке Иосифа означает, что Мария избрана Богом. Посохи других женихов, которые стоят поодаль, остаются прежними, и их в отчаянии ломают.
Это одна из самых знаменитых картин Рафаэля. Цветовая гамма очень спокойная, в ней преобладают коричневая и жёлтая тональность.
Яркое красное платье Марии означает кровь Христа, а синяя накидка — её непорочность.
«Триумф Галатеи» (1512)
«Триумф Галатеи» — фреска, написанная Рафаэлем для зала пиршеств банкира из Сиены Агостино Киджи. Она изображает нимфу спокойствия водной глади Галатею, которая летит по волнам, стоя на раковине, запряжённой дельфинами. Её окружают тритоны, наяды и другие сказочные морские персонажи. Над ними кружат амуры, целясь во все стороны своими стрелами. Изысканная фреска насыщена радостью и весельем.
«Прекрасная садовница» (1507)
«Прекрасная садовница» Рафаэля изображает Деву Марию и двух младенцев — её сына Иисуса и Иоанна Крестителя. Прелестная юная Мария — воплощение женственности, материнства и безграничной любви. Она обращена к Иисусу, слегка склонившись над ним. Маленький Иисус также весь поглощён своей матерью, он доверительно прижался к ней, и она поддерживает его за руку и плечи. Идиллия взаимопонимания матери и младенца подчёркнута их нежными взглядами.
Маленький Иоанн склонился перед Иисусом. В его руках крест, как символ распятия.
«Три грации» (1504)
Предположительно «Три грации» Санти написал в возрасте 17 лет. Что натолкнуло Рафаэля написать такую сложную картину в столь раннем возрасте? Санти рано остался без матери, и его всегда притягивал чистый образ Мадонны, как символ молодости и материнства. Создавая «Три грации», Рафаэль соединил воедино образ античных богинь и лик непорочной Мадонны, так как грации были символом юности, любви и непорочности.
Три грации, отождествлявшие эти прекрасные возвышенные качества, назывались Красотой, Любовью и Невинностью. Девушки, изображённые на картине, молоды и прекрасны, их лица светятся чистотой и добротой. Они нежно держатся друг за друга и у каждой в руке золотые сферы — символ легендарных яблок совершенства, добытых Гераклом. Центральная фигура одной из граций повёрнута к зрителю спиной, две крайние фигуры — лицом к зрителю, но их взоры направлены в разные стороны.
Эта ранняя картина Рафаэля является одной из первых ступеней на пути к безупречному совершенству.
«Портрет графа Бальдассаре Кастильоне» (1515)
Граф Бальдассаре — итальянский дипломат и писатель, был послом герцога Урбинского, служил при дворе у короля Франции Людовика XII. Его авторству принадлежит популярная в те времена книга «Диалоги о придворном», описывающая изысканные обычаи и беседы при образованном Урбинском дворе. Рафаэль изобразил графа как очень достойного и умного человека, как цельную натуру. Портрет написан в тёмных коричневых тонах, и только цвет голубых глаз привлекает к себе внимание. Этот уверенный и спокойный взгляд магическим образом притягивает к себе зрителя.
«Положение во гроб» (1507)
!
Среди итальянской знати была традиция, в честь какого-либо трагического события, заказывать у именитых художников картины с евангельским сюжетом. Такой была и картина «Положение во гроб», которую заказала Аталанта Баглиони в память о погибшем сыне.
Известно множество рисунков и набросков, выполненных Рафаэлем перед началом работ.
В результате такого титанического труда на свет появилась картина с безупречной композицией. Она представляет собой две группы людей, разделённых двумя воображаемыми линиями, которые расходятся в разные стороны. Женщины, сопровождающие Богородицу, наклонены вправо, мужчины, несущие тело Христа — влево. Христос изображён в самом центре. Его идеальное атлетическое тело напоминает Христа ос скульптуры «Пьетта» Микеланджело, так как в то время художник находился под огромным впечатлением от творчества этого титана скульптуры и живописи.
Форнарина (1520)
Картина написана маслом на деревянной доске. В этой работе принимали участие и ученики художника. Картина изображает полуобнажённую молодую женщину в изысканном головном уборе. Моделью была жена Рафаэля, которую он нежно называл «Форнарина», что в переводе с итальянского означает «булочка». В действительности прекрасную жену художника звали Маргарита Лути.
Санти не раз писал свою возлюбленную, она вдохновляла его и на более возвышенные образы, такие как Сикстинская Мадонна.
Фреска «Изгнание Элиодора» (1512)
Сюжет этой фрески был заимствован из текстов Ветхого Завета. Военачальник сирийского царя Элиодор, пытался конфисковать из Иерусалимского храма, золото для бедных. За это Бог покарал его, наслав на него всадника в золотых доспехах. Фреска была аллегорией разгрома французских войск в папской области под началом папы Юлия II, который слыл не только прекрасным военачальником, но и щедрым меценатом. Эта фреска визуально напоминает фреску «Афинская школа». Композиционно она разделена на две равные части — левую и правую. В левой части Рафаэль изобразил своего покровителя папу Юлия II и толпу вдов и сирот, а в правой части — Элиодора, которого изгоняет из храма всадник на белом коне.
Прекрасно выстроенная перспектива композиции передаёт глубину пространства, в точке схождения всех её линий изображена минора, указывающая на то, что это — Второй Храм в Иерусалиме.
Величие места происходящего события подчёркивает богатая роспись сводов.
«Битва святого Георгия с драконом» (1504–1505)
Покинув Перуджу, молодой Рафаэль отправился во Флоренцию, где в окружении великих живописцев он черпал новые идеи и методы живописи. Картина «Битва святого Георгия с драконом» написана на дереве маслом и отождествляет переходный период от стиля умбрийской школы, которая отличалась линейностью, к стилю флорентийской школы. Санти потрясли работы Леонардо и Микеланджело, их реализм и глубокий смысл. Библейский сюжет на тему Георгия Победоносца был очень популярным, и Рафаэль не мог упустить шанс написать картину на эту тему. Белая лошадь св. Георгия топчет копытами дракона, а сам святой пронзает его своим копьём.
Святой Георгий изображён в средневековых латах и похож больше на рыцаря. Дракон изображён немыслимым сказочным чудовищем, соединившим в себе части различных птиц и животных. Картина предельно реалистична, пейзаж, на фоне которого происходит сражение, тщательно выписан, но он не забивает передний план.
Его приглушённая коричнево-оливковая гамма прекрасно подчёркивает белизну коня и сияние лат всадника.
«Мадонна Грандука» (1505)
«Мадонна Грандука» изображает самый популярный сюжет из Евангелия — Мадонну с младенцем. Она написана под большим влиянием работ <Леонардо да Винчи. Это особенно заметно, если сравнивать эту картину с предыдущими работами Рафаэля. Она выполнена в технике сфумато, которая смягчает контуры фигур, передаёт воздух и пространство. Исследования реставраторов показали, что ранее за мадонной было изображено окно с пейзажем, как на некоторых работах Леонардо. Но впоследствии окно было закрашено, и фон картины стал абсолютно тёмным. Кто сделал такой фон — сам автор или последующие реставрации — неизвестно.
Мария одета в классическое для XVI века красное платье с чёрной каймой, на голову наброшено голубое покрывало. Эти цвета традиционные — красный цвет означает символ крови Христа, а голубой — непорочность Девы. Лицо Марии печально и спокойно одновременно.
В руках она нежно держит младенца Иисуса, который похож на обычного ребёнка, пухленького и крепенького. В дальнейшем этот образ Рафаэль использовал и в других своих картинах, изображающих Мадонну с младенцем.
«Мадонна в кресле» (1515)
«Мадонна в кресле» — одна из самых красивых картин эпохи Возрождения, изображающих Мадонну с младенцем. Моделью для картины Рафаэля опять послужила его любимая натурщица, подруга и жена Маргарита. Эта работа отражает величину и зрелость художника.
Круглая форма картины смягчает изображение, делает его уютным и домашним. Всё пространство полностью заполняют три фигуры — Мария, младенец Иисус и младенец Иоанн Креститель. Младенец Иисус занимает центральное место, уютно устроившись на руках матери. Мария крепко прижимает к себе сына, в то же время Иоанн Креститель взирает на Христа с мольбою. Яркие краски, в которых доминируют голубой, сочный красный, изумрудный и золотистая охра изумительно красиво смотрятся на тёмном фоне.
И несмотря на то, что Мария выглядит как обычная земная женщина, обнимающая своё дитя, её нарядная одежда, её духовная возвышенная красота подчёркивают высокий статус Мадонны.
Портрет папы Юлия II (1512)
Существуют два похожих портрета папы Юлия II, один из которых — оригинальное произведение Санти, а другой — копия портрета, выполненная учениками Рафаэля. Современники утверждали, что папа на портрете выглядит, как живой. Красная мантия папы римского смотрится очень контрастно на ярком зелёном фоне.
Лицо папы покрыто морщинами и обрамлено седой бородой, его взгляд задумчив и проницателен, но в целом фигура Юлия II ещё полна сил и энергии. Этот человек при жизни вёл активные военные кампании, но в то же время был потрясающим меценатом, поддерживающим творчество Леонардо, Микеланджело и Рафаэля. Через год после написания портрета папа Юлий II умер, но остался жить вечно на картине Рафаэля. Уникальный папа, покровитель искусства эпохи Высокого Возрождения.
Портрет молодого человека (1513–1514)
Предположительно это автопортрет Рафаэля, так как лицо молодого человека очень похоже на единственный подтверждённый автопортрет художника. Очень красивый молодой человек сидит вполоборота к зрителю. Его длинные каштановые волосы небрежно спадают по плечам из-под лихо надетого берета. Уверенный взгляд, раскованная поза молодого человека говорит о том, что он знает себе цену.
Эту картину во время Второй мировой войны нацисты похитили из усадьбы князей Чарторыйских (Польша) и скрыли в неизвестном месте. Долго она считалась утраченной. Только спустя много лет польское правительство подтвердило, что картина находится в безопасности в частной коллекции.
Послесловие
Творчество Рафаэля Санти является мировым достоянием человечества. Этот гениальный творец эпохи Великого Возрождения подарил нам, его потомкам неповторимые и прекрасные образцы живописи. Он был почитаем и своими современниками, которые после смерти художника написали на его надгробии, что природа при его жизни боялась быть побеждённой и боялась умереть после его смерти.
Автор: Marina Renzina
источник
Источник: https://www.liveinternet.ru/users/4734325/post457259910/
живопись картины художник
1
232
Преображение Рафаэля — Факты и история картины
Рафаэлло Санцио да Урбино, известный в мире искусства как Рафаэль, был итальянским художником Высокого Возрождения. Рафаэль работал учеником у художника Пьетро Перуджино, где он узнал о рисовании, использовании художественных средств для создания анатомии человеческих фигур, химии краски и различных техниках нанесения краски на дерево или холст ровными слоями.
Период Высокого Возрождения в искусстве (1490-е – 1527) характеризовался периодом исключительного художественного творчества в Италии.
У художников этого периода были амбициозные масштабы, сложность композиции, внимательно наблюдаемые человеческие фигуры, декоративные отсылки к классической древности или идеализированное видение прошлого. Рафаэль не только стал мастером художественной техники, но и за свои тридцать семь лет создал удивительное количество искусных художественных произведений.
История
Произведение искусства Рафаэля, Преображение , было создано в начале 1516 года и, как считалось, было закончено его учеником художника Джулио Романо в 1520 году, после преждевременной смерти Рафаэля. Кардинал Джулио Медичи (позже ставший Папой Климентом VII) поручил Рафаэлю написать Преображение для города Нарбонны во Франции. Картина хранилась лично у Папы после безвременной кончины Рафаэля, пока он не подарил ее церкви Сан-Пьетро в Риме. Сейчас картина находится в музее Ватикана.
Интерпретация
Художественная композиция разделена на две отдельные части. Преображение относится к последовательным историям Евангелия от Матфея.
В верхней части картины изображен Христос, вознесенный перед вздымающимися светящимися облаками, а по обе стороны от него – пророки Илия и Моисей. В нижней части картины изображены апостолы, безуспешно пытающиеся избавить одержимого мальчика от бесов. В верхней части изображен преображенный Христос, который, кажется, совершает чудо, исцеляя мальчика и избавляя его от зла.
На самом очевидном уровне картину можно интерпретировать как разрыв между недостатками людей, изображенными в нижней половине, и искупительной силой Христа в верхней половине картины. Слева от Христа стоят две коленопреклоненные фигуры мучеников святых Агапита и святителя Феликиссима, диаконов, схваченных во время гонений императора Валериана.
Художественный стиль и среда
Преображение Размеры : 159 дюймов на 109дюймы. Рафаэль предпочитал рисовать на холсте, но эта картина была написана масляными красками по дереву в качестве выбранной среды. Рафаэль действительно показал в этой картине передовые признаки маньеризма и техники периода барокко.
Стилизованные, искривленные позы нижних полуфигур указывают на маньеризм. Драматическое напряжение внутри этих фигур и свободное использование света и тени или контрастов светотени представляют период барокко преувеличенного движения для создания драмы, напряжения, изобилия или просветления. Трансфигурация опередила свое время, как и смерть Рафаэля.
«Преображение». Рафаэль
«Преображение» — большая темпера на дереве, созданная Рафаэлем между 1516 и 1520 годами. Эта картина станет последней, созданной итальянским мастером эпохи Возрождения перед его смертью.
На нем изображены две разные библейские истории, связанные с Евангелиями от Матфея и Марка. Первый — это Преображение Христа, где Моисей и Илия стоят по обе стороны от Иисуса, а Иаков и Иоанн смотрят. Вторая часть картины рассказывает историю апостолов, которые не смогли вылечить больного мальчика, ожидая возвращения Иисуса.
Преображение Христа или просто Преображение было заказано кардиналом Джулио Медичи, будущим папой Климентом VII, для Нарбоннского собора во Франции.
Заказывая картину, Медичи возродил соперничество между Рафаэлем и Микеланджело во время работы над станцами Рафаэля, или комнатами Рафаэля, во дворце Ватикана и Сикстинской капелле.
Пока Рафаэль работал над «Преображением», Микеланджело нарисовал «Воскрешение Лазаря» Себастьяно дель Пьомбо. Обе картины предназначались для собора в Нарбонне.
В верхней половине картины изображено Преображение на горе Фавор. Иисус изображен плывущим перед облаками между двумя пророками. Слева от Иакова и Иоанна – Иустус и Пастор, два святых, которые разделяют праздник Преображения Господня (6 августа).
Святые также были покровителями кардинала Джулио Медичи и Нарбоннского собора. Другие считают, что две коленопреклоненные фигуры — это святой Фелициссим и святой Агапит, два мученика, прославляемые в миссале во время праздника Преображения Господня. В нижней половине картины изображены апостолы, пытающиеся спасти мальчика, одержимого демоном. В конце концов, их ребенка спасает Иисус, прибывший после Преображения.
Трансфигурация основана на ранней модели, созданной в студии Рафаэля Джулио Романо. На рисунке изображен Иисус на горе Фавор, а Моисей и Илия плывут к нему.
Стиль этой картины можно сравнить со стилями «Святая Троица» Эль Греко и «Страшный суд» Микеланджело.
Апостолы Иоанн и Иаков стоят на коленях справа, а Петр слева. Вторая модель, созданная Джанфранческо Пенни, иллюстрирует две сцены, как и окончательная версия.
Стилизованные и искаженные позы фигур в нижней половине «Преображения» можно рассматривать как предтечу маньеризма, а драматическое напряжение между фигурами и использование светотени сходны с искусством барокко.
Рафаэль умер, не завершив «Преображение», хотя большая часть картины была закончена прославленным художником. Картина была помещена близко к голове художника, когда он лежал в состоянии.
На картине присутствует более 16 незавершенных областей и изменений, большинство из которых, вероятно, были созданы под влиянием произведений Амадео Менеса да Силвы, когда они были опубликованы как «Новый апокалипсис» в 1502 году.