Караваджо снятие с креста – Картина «Снятие с креста» | Artrue

Содержание

Картина «Снятие с креста» | Artrue

Дата создания: 1612–14 годы.
Тип: масло, дуб.
Расположение: Антверпен.

Снятие с креста

Вместе с итальянским художником Караваджо, Питер Пауль Рубенс был одним из ведущих фигур в живописи барокко. Оба мастера выразили драму и тайны, лежащие в основе католической догмы, а так же были экспертами в светотени и моделировании форм. Но в то время, когда Караваджо известен неприукрашенным натурализмом, Рубенс придерживается более традиционных правил.

«Снятие с креста» является центральной панелью триптиха, который Рубенс написал для собора Богоматери в Антверпене. Это был второй запрестольный образ завершенный художником. Первый же «Воздвижение креста», датируется 1610 годом. Кроме того, он написал две другие вариации на тему снятия. Одну в 1616–1617, которая теперь находится Музее Изобразительных Искусств (Лилль, Франция), другую в 1617–1618 (Эрмитаж, Россия).

Воздвижение креста

Холст был заказан в 1611 году главой гильдии Антверпена, по совместительству хорошим другом Рубенса.

Версия из Лилля

Анализ произведения

Живописец приступил к работе сразу после длительного визита в Италию, где занимался изучением алтарей, нового стиля Караваджизма, а так же анатомическое строение (посредством скульптур ренессанса). «Спуск с креста» полон методов и приемов, почерпнутых мастером после путешествия.

Композиция центральной части триптиха основана на эмоциональном взаимодействии группы фигур, расположенных вокруг безжизненного тела Спасителя. По диагонали картины расположено бледное и мускулистое тело Иисуса и его медленное снятие. Расположенные на вершине двух лестниц, на верхней части холста, двое рабочих начали процесс опускания с помощью бандажа. Они помогают святому Иоанну (в красном плаще) у подножья креста, Иосифу Аримафейскому (стоит по середине левой лестницы) и Никодиму (расположен по середине правой лестницы).

Триптих Рубенса

Ниже располагаются три Марии: Дева одета в спокойный синий и поднимает руки к мертвому сыну; ниже изображена приседающая на колени её сестра (не доказано) — Мария Клеопова; Магдалина же с любовью держит левую ногу Спасителя.

На земле справа мы можем видеть медное блюдо, в котором лежит терновый венец и гвозди, оставшиеся после распятия. Блюдо наполнено застывшей кровью. Композиция значительно отличается от аналога Караваджо.

Положение во гроб. Караваджо.

Масштабы картины (420,5*320 см), согласно руководящим принципам католического совета, должны были стимулировать благочестие и воображение зрителя, ведь учение иезуитов акцентировало особое внимание на необходимость развития способности верующего представлять библейские сцены так, будто они были абсолютно реальны. Распятие и его последствия — важный элемент христианского богословия и по сей день.

Версия из Эрмитажа

Две другие работы Рубенса на эту тему в равной степени драматичны и мастерски выполнены. Некоторые искусствоведы считают, что версия из Эрмитажа предлагает самую тяжелую и монументальную трактовку событий, благодаря небольшому количеству фигур и отсутствию фона. Шедевр из Антверпена принято рассматривать как самый «барочный» из трех.

artrue.ru

Описание картины микеланджело «снятие с креста»

Картина «Снятие с креста»

Дата создания: 1612–14 годы. Тип: масло, дуб.

Расположение: Антверпен.

Снятие с креста

Вместе с итальянским художником Караваджо, Питер Пауль Рубенс был одним из ведущих фигур в живописи барокко. Оба мастера выразили драму и тайны, лежащие в основе католической догмы, а так же были экспертами в светотени и моделировании форм. Но в то время, когда Караваджо известен неприукрашенным натурализмом, Рубенс придерживается более традиционных правил.

«Снятие с креста» является центральной панелью триптиха, который Рубенс написал для собора Богоматери в Антверпене. Это был второй запрестольный образ завершенный художником.

Первый же «Воздвижение креста», датируется 1610 годом. Кроме того, он написал две другие вариации на тему снятия.

Одну в 1616–1617, которая теперь находится Музее Изобразительных Искусств (Лилль, Франция), другую в 1617–1618 (Эрмитаж, Россия).

Воздвижение креста

Холст был заказан в 1611 году главой гильдии Антверпена, по совместительству хорошим другом Рубенса.

Анализ произведения

Живописец приступил к работе сразу после длительного визита в Италию, где занимался изучением алтарей, нового стиля Караваджизма, а так же анатомическое строение (посредством скульптур ренессанса). «Спуск с креста» полон методов и приемов, почерпнутых мастером после путешествия.

Композиция центральной части триптиха основана на эмоциональном взаимодействии группы фигур, расположенных вокруг безжизненного тела Спасителя. По диагонали картины расположено бледное и мускулистое тело Иисуса и его медленное снятие.

Расположенные на вершине двух лестниц, на верхней части холста, двое рабочих начали процесс опускания с помощью бандажа.

Они помогают святому Иоанну (в красном плаще) у подножья креста, Иосифу Аримафейскому (стоит по середине левой лестницы) и Никодиму (расположен по середине правой лестницы).

Триптих Рубенса

Ниже располагаются три Марии: Дева одета в спокойный синий и поднимает руки к мертвому сыну; ниже изображена приседающая на колени её сестра (не доказано) — Мария Клеопова; Магдалина же с любовью держит левую ногу Спасителя.

На земле справа мы можем видеть медное блюдо, в котором лежит терновый венец и гвозди, оставшиеся после распятия. Блюдо наполнено застывшей кровью. Композиция значительно отличается от аналога Караваджо.

Положение во гроб. Караваджо.

Масштабы картины (420,5*320 см), согласно руководящим принципам католического совета, должны были стимулировать благочестие и воображение зрителя, ведь учение иезуитов акцентировало особое внимание на необходимость развития способности верующего представлять библейские сцены так, будто они были абсолютно реальны. Распятие и его последствия — важный элемент христианского богословия и по сей день.

Две другие работы Рубенса на эту тему в равной степени драматичны и мастерски выполнены. Некоторые искусствоведы считают, что версия из Эрмитажа предлагает самую тяжелую и монументальную трактовку событий, благодаря небольшому количеству фигур и отсутствию фона. Шедевр из Антверпена принято рассматривать как самый «барочный» из трех.

Картина «Снятие с креста» обновлено: Октябрь 23, 2017 автором: Глеб

Религия

Источник: https://artrue.ru/style/barocco/rubens/kartina-snyatie-s-kresta.html

Божественный Микеланджело. “Снятие с креста”, тондо и гробница папы Юлия II/Классики/Дом Художников

Микеланджело Буонарроти. Биография. “Снятие с креста”. “Мадонна Брюгге”. “Мадонна с Младенцем”. Тондо “Мадонна Дони”. Гробница папы Юлия II.

В истории искусства много загадок. Одной из них была незаконченная картина Микеланджело Буонарроти «Снятие c креста», которая долгое время вызывала ожесточённые споры. Специалисты сходились во мнении, что она соответствует ранней манере Микеланджело, но оставалось сомнение, принадлежит ли она кисти самого мастера или всё-таки является талантливой подделкой.

В 1981 году всем спорам был положен конец благодаря найденным документам, доказывающим, что в 1500 году Микеланджело принял заказ на выполнение алтарного образа для римской церкви Сан-Агостино. В 1501 году, не завершив работы, он уехал во Флоренцию и впоследствии вернул полученные за картину деньги.

на фото: Микеланджело Буонарроти. Тондо «Мадонна Питти»

Жизнь в родном городе к тому времени стабилизировалась. В 1498 году в результате интриг флорентийских деятелей и папского престола бурная жизнь Саванаролы и его двух последователей завершилась страшной смертью (они были сожжены на площади Синьории).

Прошли века, унося прежние страсти и вражду. Осталась только память.

Сегодня во Флоренции улицы Микеланджело и Торриджано, его изуродовавшего и после изгнания ставшего знаменитым скульптором, пролегают совсем рядом, а место гибели Саванаролы флорентийцы ежегодно посыпают даже не розами, а лепестками роз.

Конец XV века знаменателен для мирового искусства и Микеланджело созданием легендарного «Давида».
Подробнее о шедевре мировой скульптуры, статуе «Давид», читайте на портале 2queens.ru здесь.

После «Давида» Микеланджело создал небольшую (высотой 1,27 метра) скульптурную группу Мадонны с Младенцем, которую закончил в 1504 году. Это одна из самых правдоподобных, нежных и одухотворённых Мадонн Микеланджело. «Мадонна Брюгге» названа по имени нидерландского города Брюгге, бывшего центром Северного Возрождения, где она до сих пор украшает собор Нотр-Дам.

 Микеланджело Буонарроти. Фрагмент скульптурной группы «Мадонна с Младенцем»(«Мадонна Брюгге»)

«Тондо» – так называют круглые по форме картину или рельеф. Знаменитое тондо «Мадонна Дони» не совсем тондо, в высоту это произведение Микеланджело чуть больше, чем в ширину.

Своё название оно получило в честь Аньоло Дони, процветающего флорентийского ткача, заказавшего картину к своей свадьбе. Оригинальную рамку разработал, вероятно, сам Микеланджело.

Тондо Дони – единственная из завершённых и дошедших до нас картин художника на дереве.

 Микеланджело Буонарроти. Тондо «Мадонна Дони»

С «Мадонны Дони» начинается интерес Микеланджело к живописи, но нужно отметить, что, выполняя живописные работы, он мыслит как скульптор: картину он создал в полном согласии со своими ранними рельефами «Тондо Тадеи» и «Тондо Питти».

К Микеланджело приходит осознание возможностей живописи, которая может не только повторять скульптуру, но и передать такие сложные положения тел, которые недоступны в скульптуре. Это было начало пути к росписи потолка Сикстинской капеллы.

 Микеланджело Буонарроти. Тондо «Мадонна Тадеи»

В 1505 году Микеланджело срочно уезжает из Флоренции в Рим. Причины такой срочности крылись в очередных изменениях в политической жизни в Италии: на папский престол взошёл кардинал Джулиано дела Ровере, представитель обедневшего аристократического рода.

Он начал своё восхождение в католической иерархии в 1471 году, когда его дядю избрали папой римским под именем Сикста IV. Джулиано выбрал себе папское имя Юлий, потому что всю жизнь старался подражать полководческому гению Юлия Цезаря.

Как и другие понтифики того времени, папа Юлий был не только религиозным деятелем, но и полководцем.

За время своего понтификата воинственный Юлий II лично возглавлял папские войска в ряде военных кампаний и сумел присоединить к папскому государству большую территорию на севере Италии. Прославился этот папа и своим меценатством.

Слава Микеланджело докатилась до Рима. В это время должность главного архитектора Ватикана занимал флорентиец Джулиано да Сангалло, друг Микеланджело, который активно привлекал своих земляков на службу к папе. Микеланджело также получил приглашение от имени папы прибыть в Рим.

Папа решил обеспечить себе бессмертие с помощью гениального скульптора – он заказал Микеланджело сооружение усыпальницы.

О таком заказе можно было только мечтать: не считаясь с возможностями истощённой казны, папа предоставлял Микеланджело неограниченные средства и материалы и обещал не стеснять его творческую фантазию.

 Микеланджело Буонарроти. Гробница папы Юлия II

Микеланджело энергично принялся за работу, он отправился в каменоломни Каррары, где c двумя помощниками больше восьми месяцев отбирал мрамор для усыпальницы.

Количество добытого мрамора, из которого Микеланджело собирался изваять 40 скульптур, изумило весь Рим: для его перевозки потребовалось (!) 70 повозок.

Но в Риме Микеланджело ожидала неприятная новость – за время отсутствия скульптора папа Юлий охладел к этому проекту и прекратил финансирование работ. Оскорблённый Микеланджело сразу же уехал из Рима во Флоренцию, даже не попрощавшись с папой Юлием.

Папа послал за ним погоню с требованием вернуться. Но (неслыханная дерзость в те времена!), Микеланджело отказался. Папа Юлий II хотел вернуть Микеланджело в Рим любой ценой, грозил, настаивал. И после долгих переговоров в Болонье состоялось их примирение.

В знак примирения Микеланджело принял заказ на изготовление статуи папы для церкви Сан Петронио. Статуя папы была поставлена на фасад церкви в Болонье, которую папа присоединил к своим владениям.

Но когда Болонья снова обрела самостоятельность, статую постигла печальная участь: её расплавили, а «бронзу продали герцогу Альфонсо Феррарскому, который вылил из неё пушку и назвал её Юлией.

» (Вазари)

 Микеланджело Буонарроти. «Снятие с креста»

Крушение планов, связанных с усыпальницей папы Юлия II, повергло Микеланджело в глубокую депрессию. «В этой усыпальнице я похоронил свою юность», – с печалью писал он в 1542 году.

В 1513 году папа умер, и началась многолетняя тяжба между художником и родственником усопшего. Контракт на гробницу заключался 6 раз в течение 37 лет, пока, наконец, памятник не был установлен в церкви Сан Пьетро ин Винколи.

В 1545 году Микеланджело всё же закончил работу над гробницей, но это была лишь бледная тень первоначального замысла.

Подробнее о работах Микеланджело читайте в наших следующих материалах.

автор: Людмила Велигорская,

фото с сайтов: newliturgicalmovement.org, princeamsterdam.blogspot.com, flickriver.com, myartprints.com, artmight.com, italian-renaissance-art.com

Если вы желаете опубликовать свои отзывы/впечатления о художественных выставках, которые вы посетили, на нашем портале – вы можете прислать их в нашу редакцию по адресу: [email protected].

Также вы можете инициировать обсуждение интересных вам тем на Форуме нашего портала.

Отзывы о самых нашумевших выставках, фильмах, спектаклях – на портале 2queens.ru!

Источник: http://2queens.ru/Articles/Dom-Hudozhnikov-Klassika/Bozhestvennyj-Mikelandzhelo-Snyatie-s-kresta-tondo-i-grobnica-papy-YUliya-ii.aspx?ID=1417

Джорджо Вазари Снятие с Креста: Описание произведения

«Снятие с креста» – картина Вазари, хранящаяся в Камальдоли, близ Тосканы. Если бы нужно было объяснить кому-то малосведущему, что такое маньеризм как творческий метод, это была бы одна из самых говорящих и подходящих иллюстраций.

Принято считать, что вклад Джорджо Вазари в историю искусств – неоценим, но вот живописец он довольно посредственный. Вероятно, это так.

Хотя Вазари, безусловно, слыл мастером способным и техничным и при жизни как художник был весьма востребован. Многие монастыри Тосканы, флорентийские церкви и римские дворцы украшены фресками и картинами Вазари. Однако все они, хотя и обнаруживают хорошее знание основ искусства Возрождения, принадлежат уже к периоду кризисному, поствозрожденческому.

В искусстве итальянского XVI его принято называть маньеризмом.

Снятие с креста – очень распространённый живописный сюжет.

Именно поэтому сравнение того, как пишет его Вазари и как – художники других подходов (1, 2, 3, 4, 5), обнажает суть маньеризма и его отличие (причем не в пользу последнего) от предшествующих живописных достижений. Снятие с креста у итальянских живописцев может быть суровым, трагическим, мощным, пронзительным или же, наоборот, умиротворённым.

У Вазари снятие с креста театральное. Театрализованное. У него апостол в правом углу картины выворачивает ладонь и ставит стопу, будто он танцовщик. А другой, у левого края полотна, изгибает руку, словно современный культурист, любующийся собственным мышечным рельефом. Оба выглядят по-настоящему занятыми собой и мало вовлечёнными в свершающееся событие.

Вот в левом нижнем углу возлежит Мария, развернув корпус и руки в одну сторону, а голову и ноги – в другую. Очевидно, что Вазари просто пытается копировать винтообразный поворот тела, любимый приём своего учителя Микеланджело. Но у Буонарроти подобное мощное винтообразное движение передаёт внутреннюю борьбу героев, а у Вазари кажется формальным, декоративным.

Оно демонстрирует технический навык, но не сущностную необходимость.

Марию окружают и сочувственно поддерживают другие женщины. Похожи ли они на жён-мироносиц? Нет. Скорее на холёных камеристок с рукавами-буфами и сложно уложенными причёсками.

Пять человек непосредственно участвуют в снятии Спасителя с креста. Как и у множества других работ Вазари, пространство картины кажется перегруженным, излишне многолюдным.

Художник действительно искренне предпочитал композиции сложные и многофигурные. «Отсекать всё лишнее» по методу его кумира Микеланджело («Я просто беру камень и отсекаю всё лишнее»), кажется, никогда не входило в задачу Вазари.

И это тоже отражение поствозрожденческого кризиса: у мастеров «сбились настройки», утрачена иерархия, потеряно понимание того, что важно и что неважно, что необходимо для изображения, а что излишне.

Впрочем, вполне возможно, что чисто технически пятеро – это как раз нужное количество людей, чтобы максимально бережно снять тело и спустить его вниз, тут Вазари вполне правдив. Но посмотрим, как именно осуществляется снятие: почти не прочитывается никакого усилия, мышечного напряжения.

Неизбежная в реальности брутальность этой сцены смягчена и облагорожена. Снимающие (особенно те, кто расположился вверху) поддерживают Христа под руки с какой-то поистине бальной куртуазностью. Здесь много изящества и никакого трагизма. Первое напрочь нивелирует последний.

На вопрос, что делают многие из персонажей картины, самый точный ответ будет «закатывают глаза».

Источник: https://artchive.ru/artists/727~Dzhordzho_Vazari/works/381652~Snjatie_s_Kresta

Снятие с Креста — 1612-1614 Рубенс

Ноябрь 22, 2012

Снятие с креста

центральная часть: 420х310 см; боковые створки: 420х150 смдерево, масло

Церковь Онзе Ливе Враувекерк, Антверпен

Начиная с 1610 года Рубенс пишет картины преимущественно на религиозные темы, что было весьма актуально в эпоху Контрреформации, сторонники которой прославляли художника как «певца истинных католических ценностей». К этому периоду творчества мастера относятся известные триптихи «Воздвижение Креста» и «Снятие с Креста», исполненные им для кафедрального собора Антверпена.

Триптих «Воздвижение Креста» был создан вскоре после возвращения Рубенса из Италии.

Поэтому неудивительно, что в картине явно прослеживаются черты итальянского искусства и, в особенности, живописной манеры Караваджо, с творчеством которого художник познакомился в Риме.

Кроме того, здесь можно заметить следы влияния стиля Якопо Тинторетто, с его подчеркнутой театральностью, а также Микеланджело — если обратить внимание на монументальность фигур и тщательную проработку каждой группы мышц.

Триптих «Снятие с Креста» знаменует собой начало освобождения Рубенса от «итальянской зависимости».

Исследователи отмечают «эволюцию череды более светлых красок, что является типичным явлением для нидерландской живописи: на самом мертвом теле, на складках савана, на женских фигурах мерцающие бело-серые блики, светло-янтарный и зелено-голубой цвета контрастируют с более традиционным красным и коричневым на мужских фигурах».

И хотя влияние Караваджо еще проявляется в резких светотеневых контрастах, а также в исключительном реализме представления сцены, сама композиция, по сравнению с работой «Воздвижение Креста», уже не настолько «драматизирована», в ней нет «ни аффектированных жестов, ни криков, ни испуга, ни даже слез» (Фромантен).

Зрителя поражала прежде всего фигура мертвого Христа. «Это одна из самых прекрасных его фигур, — писал знаменитый английский живописец Джошуа Рейнольдс (1723-1792) сто лет спустя после создания этого триптиха. — Голова, упавшая на плечо, смещение всего тела дают нам такое верное представление о тяжести смерти, что никакое другое не в силах превзойти его».

И хотя здесь действительно изображена вся «тяжесть смерти», но в самой картине никакой тяжести не чувствуется.

Рубенс виртуозно передает то мгновение, когда, с трудом удерживая равновесие на шаткой лестнице и ухватившись левой рукой за конец савана, один из учеников Христа, Никодим, протягивает вторую руку к мертвому телу, буквально сползающему в раскрытые объятия святого Иоанна, а стоящая на коленях Мария Магдалина пытается поддержать ступни мертвого Иисуса.

Пока еще никто из персонажей не принял на себя Его тела полностью — это тот самый критический момент, схваченная художником доля секунды перед тем, как оно окажется на протянутых к нему руках. «Снятие с Креста» считается самым великим творением мастера из всех, созданных в тот период, и одним из наиболее значительных во всем его творческом наследии.

(1577-1640) Рубенс

Поделиться ссылкой в социальных сетях

Источник: http://www.filoli.ru/artists/063-rubens/s-kresta.php

Картина «Снятие с креста», Рубенс, 1612

Снятие с креста — Питер Пауль Рубенс, 1612. Дерево, масло. 420,5×215;320 см

Триптих «Снятие с креста» был создан великим фламандцем Питером Паулем Рубенсом для кафедрального собора его родного города Антверпена, в то время, когда, начиная с 1610 года он писал, по большей части, на религиозные темы.

К тому же периоду относится и триптих «Воздвижение креста» и многие другие.

Этой, воистину знаковой работой, Рубенс заявляет о себе, как о вполне самобытном художнике, но всё ещё находящимся под некоторым влиянием великих итальянских мастеров и учителей — Караваджо и Якопо Тинторетто.

Картина приковывает взгляд с первого мгновенья – фигурой Христа, упавшей на плечо головой, смещением тела и словно остановившегося на один краткий миг, перед тем как опустится в руки Апостола Иоанна.

По замыслу автора, умерщвлённое тело Сына Божьего — свинцово-серое, как мраморная статуя, на ярко-белом фоне погребального савана, «вливается» в ярко-красные, жизнеутверждающие одежды любимого ученика — Иоанна.

Стоящий на лестнице и уже теряющий равновесие старец, словно воспаряющий вверх, уже выпустил тело из своих рук, а второй старец — Иосиф Аримафейский ещё удерживает под руку Спасителя.

Коленопреклоненная Мария Магдалина готова принять ноги Иисуса, те самые ноги Учителя, которые она ещё совсем недавно вытирала своими волосами и смазывала благовониями.

С белым, как саван, лицом стоит Богоматерь, протянув к Сыну ладонь руки, чтобы принять его. Её страдания понятны и близки каждому, любящему Христа.

При всей реалистичной «тяжести» происходящего, в картине нет показного «драматизма», нет театральных криков, жестов, нет даже слёз.

Испытывая на себе влияние Караваджо, с его подчёркнуто резким контрастом света и тени, Рубенс в своей работе всё же освобождается от «подражания итальянцам» и пишет палитрой светло-серых, розовато-зелёных и янтарных красок у женских фигур, и более традиционных красных и охристых у мужчин.

Композиция центральной части триптиха выстроена по диагонали: справа — налево и сверху – вниз. Тёмный фон уходящего дня контрастирует с ярким, бело-красным пятном центральных фигур – Христа, Апостола Иоанна, головы и рук Марии Магдалины.

Окружение вокруг Иисуса Христа образует стройное, взаимосвязанное, торжественное действо.

Внизу картины, на переднем плане в правом углу, как символы страдания Христа изображены: страница из Писания, омытые гвозди и терновый венец в тазу с водой.

Перед нами самая величественная из созданных Рубенсом религиозных работ, прославившая его как певца истинных христианских ценностей.

Источник: http://k-a-r-t-i-n-a.ru/kartina-snyatie-s-kresta-rubens-1612/

Евангельские сюжеты в зеркале искусства. Страсти Христовы. Снятие с креста. Оплакивание. Положение во гроб

Следующие за распятием эпизоды (снятие с креста, оплакивание, положение во гроб) относятся к кругу сюжетов Страстей Христовых. Они изложены в четырёх канонических евангелиях и других текстах.

Рассказ о снятии Иисуса с креста излагается евангелистами без особых подробностей: даже не известно, как оно происходило и кто принимал в нём участие. Единственный упоминаемый всеми персонаж – Иосиф Аримафейский – тайный ученик Христа.

Когда же настал вечер, пришёл богатый человек из Аримафеи, именем Иосиф, который также учился у Иисуса; он, придя к Пилату, просил тела Иисусова. Тогда Пилат приказал отдать тело; и, взяв тело, Иосиф обвил его чистою плащаницею. (Мф.27:7–59).

Поэтому в изобразительном искусстве достаточно вольно интерпретируется этот эпизод. Как правило, в нём участвуют те, кто присутствовал при распятии Иисуса: Иосиф Аримафейский, Богородица, Иоанн Богослов, Никодим, и жены-мироносицы.

Эти персонажи являются основными, в связи с чем художники, выстраивая композицию, помещают их в центре картины, группируя вокруг Иисуса.

Крест, с которого снимают тело Христа, определяет вертикальную ось изображения, фигуры, распределяясь сверху вниз, выстраивают треугольник.

В. Верещагин. 19 век

В. Васнецов. 20 век

Е. Демаков. 21 век

Живописцы могли включать в композицию второстепенных персонажей, толпу, тем самым придавая произведению некоторую эпичность, как у Фра Анжелико, или драматическую напряжённость, как у Рембрандта.

Фра Беато Анжелико. 15 век

Рембрандт. 17 век

Довольно часто снятие с креста совмещалось с последующими сценами страстного цикла (оплакивание и положение во гроб).

Оплакивание – эпизод, предшествующий погребению, который является самостоятельной иконографической сценой. Считается, что оплакивание происходило у подножия креста на Голгофе или же у гробницы.

Традиционно тело Христа изображалось лежащим на плащанице в окружении уже известных фигур, число которых варьировалось – от трёх до семи. В печали и благоговении склонилась над телом сына Мария, иногда её рисовали потерявшей сознание. Богородицу окружают и поддерживают скорбящие Иосиф, Иоан, Никодим.

Мария Магдалина обнимает ноги Иисуса, святые жёны утирают слёзы. На изображениях могли присутствовать орудия страстей – терновый венец, гвозди от распятия, ставшие реликвиями.

Ярким воплощением сюжета оплакивания можно считать работу Сандро Ботичелли.

Сандро Ботичелли. 15 век

Необычно представляет сцену оплакивания другой мастер итальянского Ренессанса – Андреа дель Сарто. Он максимально приближает к зрителю фигуру Марии, заменяет людей ангелами. Поражает устремленный прямо на зрителя взгляд Богородицы, печальный и укоряющий.

Андреа дель Сарто. 16 век

Оплакивание Христа становится одной из самых распространённых тем в нидерландском искусстве XV–XVI вв.

Ян Мостарт. 16 век

В голландской живописи обращает на себя внимание тщательная светотеневая моделировка формы, тончайшая проработка деталей, интерес к бытовым подробностям и психологическому состоянию персонажей. Например, изображая Богородицу, учеников и последователей Христа, Хуго ван дер Гус показывает их обычными людьми, объединёнными общим чувством безграничной печали.

Хуго ван дер Гус. 16 век

Сцена оплакивания утвердилась в искусстве достаточно поздно (примерно с XII века), но стала со временем весьма популярной.

Агноло Бронзино трактует сюжет в духе маньеризма, вдохновляясь скорее формальными эффектами, стремясь поразить зрителя бурной динамикой: он теснит фигуры, деформирует их, использует резкие ракурсы и движения.

Агноло Бронзино. 16 век

Некоторая искусственность и стилевая неопределённость маньеризма в 17 веке сменяется цельностью и выразительностью барокко.

Так, Пауль Рубенс, обращаясь к библейскому сюжету, считает главным раскрытие мира чувств и переживаний человека во всей его полноте и неоднозначности.

Его искусство, склонное к пышности и декоративности, экспрессивным контрастам и драматической патетике, гармонизировало маньеристскую эмоциональность и ренессансную основательность.

Пауль Рубенс. 17 век

Картина Уильяма Бугеро наглядно представляет все достоинства и недостатки салонно-академической школы живописи.

Уильям Адольф Бугеро. 19 век

Сюжет оплакивания сформировал канонические варианты. Если Иисус лежит на коленях Богородицы, то подобное изображение выделяется как самостоятельный иконографический тип и называется Пьета.

Классическим и общеизвестным воплощением данного типа является скульптурная композиция Микеланджело, находящаяся в Соборе Св.Петра в Риме.

Микеланджело Буонаротти. 16 век

Дирк Боутс. 16 век

П. Жуковский. 19 век

Плач Богородицы над телом Христа в русской традиции является важнейшим композиционным и смысловым элементом повествования. Исполненный материнской любви, он призывает всех матерей, вдов и сирот, небеса и ангелов присоединиться, рыдать и скорбеть вместе с Девой Марией. Не случайно плач Богородицы лёг в основу православного канона.

А. Венецианов. 19 век

Сюжет оплакивания часто путают с близким ему сюжетом погребения Христа. Действительно, они похожи как ситуативно, так и по составу персонажей. Разница между этими иконографическими сюжетами довольно тонкая: Оплакивание – это эмоциональная, но статичная сцена, а Положение предполагает определённое действие, придающее эпизоду разнообразие и динамику.

Повествование о финале Страстей Христовых содержит также промежуточные фазы (бальзамирование тела Иисуса, пеленание перед погребением, несение тела и т.п.). Плащаница, камень помазания, на котором лежало тело Христово, стали священными реликвиями. Между тем, в изобразительном искусстве эти промежуточные эпизоды встречаются довольно редко. Тем более интересно увидеть некоторые из них.

Аннибале Караччи. 16 век

Карл Блох. 18–19 век

Положение во гроб, или погребение Христа, согласно евангелиям, считается последним моментом, где фигурирует земное тело Иисуса. Сам эпизод с богословской точки зрения трактуется как финал искупительной миссии Христа. Вот почему традиционно ему придавалось большое значение, а искусство охотно воплощало эту сцену в самых разных вариантах.

Вариативность объясняется возможностью изображения события в разных местах: у подножия Голгофы, что мы видим в книжной миниатюре, у входа в гробницу, как у Фра Анжелико, или внутри пещеры.

Средневековая миниатюра

Фра Беато Анжелико. 15 век

Ранние изображения исполнены условности и статики. Позднеренессансные работы являют разнообразие стилистических подходов и пространственных решений.

Лука Сигнорелли. 16 век

Якопо Понтормо. 16 век

Пространство у Луки Сигнорелли замкнуто и уравновешено, изображение дистанцировано от оценивающего взгляда зрителя.

Маньерист Якопо Понтормо активно расшатывает архитектонический костяк картины компоновкой фигур.

Караваджо. 16 век

Рембрандт. 17 век

Стоявший у истоков барокко Караваджо и близкий барокко Рембрандт добиваются эмоциональной экспрессии и высокого напряжения, используя эффекты освещения. Их работы объединяет внутренний драматизм борьбы личного и внеличного. У Рембрандта фигура Христа является источником света, причём не только в физическом смысле, но и духовном.

Галина Толова

Источник: http://philolog.pspu.ru/module/magazine/do/mpub_15_301

*

См.:

Карта сайта

Выставочный зал

Источник: https://multiurok.ru/blog/ievanghiel-skiie-siuzhiety-v-zierkalie-iskusstva-strasti-khristovy-sniatiie-s-kriesta-oplakivaniie-polozhieniie-vo-ghrob.html

Снятие со Креста,оплакивание и погребение:картины,фрески,иконы

Голгофа

Голгофа

Голгофа. Змитрович Геннадий.

Снятие со Креста

Место Лобное опустело. День отмаялся. Даль пуста. Бездыханное Твоё тело Мы пытаемся снять с креста. Разлетятся по небу звёзды, Словно бус разорвётся нить… Как из дерева вырвать гвозди, Чтобы ран не разбередить? …Плащаницей обвив несмело, Понесли ко гробу, кто мог. И Мария, что ночь чернела, 

И земля не держала ног… 

Протоиерей Андрей Логвинов 

11.04.98

Икона Снятие с Креста

Аньоло Бронзино.»Снятие со Креста».Алтарь капеллы Элеоноры Толедской  

Снятие с Креста .Мозаичная икона со Св.Земли,фрагмент

Кирилл Катков «Снятие с креста». 1927 год.

Кирилл Катков «Снятие с креста». Фрагмент. 1927 год.

Кафедральный собор святых Кирилла и Мефодия, Прага.

Фра Беато Анджелико. Снятие с Креста.фрагмент

Гюстав Доре.Гравюра Снятие с Креста

Оплакивание Христа. Фреска монастыря Дионисиат, Афон. Сер. XVI в.

Василий Григорьевич Перов.Положение во гроб

Врубель М.

Икона Снятие с Креста. Крит 16 век.

Снятие с Креста  фрагмент трехчастной иконы  18 век.

Положение во гроб фрагмент трехчастной иконы.18 век

Положение во гроб и Оплакивание Икона.Псков 16 век.

Васнецов Виктор Михайлович.Положение во гроб.

 Владимир Лукич Боровиковский.Христос во гробе 

Оплакивание. Икона Вт.половина 15 в.

Положение во гроб.Оплакивание.Икона.Псков 16 век.

Пиета

Икона.Плач Пресвятой Богородицы

Микела́нджело Буонарро́ти, Пьета 1499год  Мрамор. Высота 174 см   Святого Петра, Ватикан
Пьета́, Пиета́ — от итал. pietà — жалость

«Оплакивание Христа» — первая и наиболее выдающаяся пьета, созданная Микеланджело Буонарроти. Это единственная работа скульптора, которую он подписал (по сообщению Вазари, подслушав разговор зевак, которые спорили о её авторстве). Копии «Пьеты» можно видеть во многих католических храмах по всему миру, от Мексики до Кореи

Пьета .Деталь.Голова Христа

Несмотря на сложность соединения в одном изваянии двух столь крупных фигур, композиция «Пьеты» безупречна. Фигуры трактованы как единое целое, их соединение поражает слитностью.

Вместе с тем скульптор тонко противопоставляет мужское и женское, живое и мёртвое, нагое и прикрытое, вертикальное и горизонтальное, чем вносит в композицию элемент напряжения.

«Пьета» послужила образцом для последующих трактовок этого иконографического сюжета.

фрагмент

Ватиканская «Пьета» — одно из произведений, в которых историки искусства видят водораздел между кватроченто и Высоким Возрождением. Итальянский мастер переосмыслил в духе высокого гуманизма традиционное для северной готики скульптурное изображение безжизненного Христа на руках матери.

Мадонна представлена им как совсем юная и прекрасная женщина, которая скорбит об утрате самого близкого ей человека.

Пьета. Деталь.Голова Богородицы

Фигуры Девы Марии и Христа были высечены 24-летним мастером из мрамора по заказу французского кардинала Жана Билэра для его гробницы. В XVIII веке статуя была перенесена в одну из капелл базилики святого Петра в Ватикане. При транспортировке были повреждены пальцы левой руки Мадонны.

Крупные, ломающиеся складки одеяния Мадонны не только намеренно усиливают драматический излом лежащего на её коленях тела, но и служат своеобразным пьедесталом для всей пирамидальной композиции.

В этих изощрённых складках угадывается скрытая мощь, как духовная, так и физическая, контрастирующая с мягкими чертами лица Богоматери.

Общий вид скульптуры Микела́нджело Буонарро́ти,

Микела́нджело Буонарро́ти, полное имя Микела́нджело ди Лодо́вико ди Леона́рдо ди Буонарро́ти Симо́ни (итал. Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni; 6 марта 1475, Капрезе — 18 февраля 1564, Рим)— итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт, мыслитель.

Один из крупнейших мастеров эпохи Возрождени и раннего барокко.

В 1972 году на статую напал со скальным молотком австралийский геолог венгерского происхождения Ласло Тот, кричавший, что он Христос. После реставрации статуя была установлена за пуленепробиваемым стеклом справа от входа в собор.

По степени законченности и проработки деталей «Пьета» превосходит почти все прочие скульптурные произведения Микеланджело.

источник

Источник: https://subscribe.ru/group/eruditsiya-i-tvorchestvo/13458698/

infocentereurope.ru

«Снятие с креста» в формате 3D

Шедевры из коллекций Пап Римских за 500 лет покажут в Екатеринбурге

«Музеи Ватикана 3D» – это выдающееся путешествие, которое покажет самые невероятные работы из художественной коллекции Пап Римских за 500 лет. Впервые в мировой истории съемки в музеях Ватикана и Сикстинской капеллы велись камерами Ultra HD 4K/3D. Бесценные произведения искусства показаны в беспрецедентном формате.

Действия фильма в качестве эксперта будет комментировать директор музеев Ватикана, профессор Антонио Паолуччи, а авторский текст за кадром прочитает знаменитый кинорежиссер Андрей Кончаловский.

Производство фильма заняло четыре месяца. Съемки велись с применением современных мировых технологий, чтобы придать изображению невероятный трехмерный объем и глубину. Всего было отснято более 40 фресок и картин. Новые углы и планы съемок придали им такую перспективу, что зритель буквально оказывается «внутри» полотен.

В прошлом выпуске «МК-Урал» мы уже рассказывали, что в фильме будут показаны знаменитые работы Микеланджело, Рафаэля и Леонардо да Винчи. Но этим дело не ограничится. В списке шедевров, попавших в фильм, немало работ других прославленных художников.

Скульптурная группа «Лаокоон и его сыновья»

Эта работа скульпторов Агесандра Родосского и его сыновей Полидора и Афинодора, датируется первым веком до н.э., хранится в музее Пия-Клемента музеев Ватикана. Скульптурная группа выполнена как единое целое и изображает знаменитый эпизод из «Энеиды» Вергилия – троянец Лаокоон и его сыновья вступили в смертельную схватку со змеями. Эта работа очень повлияла на Микеланджело: глядя на нее, он осознал свое призвание скульптора и желание высвобождать жизнь, заключенную в мраморе.

Бельведерский торс

Знаменитый мраморный торс, хорошо известный в Риме начиная с XV века – это работа афинского скульптора Аполлона. Торс – одна из самых популярных и любимых современными творцами античных скульптур. Многие века статую пытались интерпретировать по-разному. Самая распространенная гипотеза – это торс Геракла в момент отдыха после подвигов. Так же, как и Лаокоон, Бельведерский торс оказал влияние на Микеланджело, помогая ему обрести свой творческий путь.

Снятие с креста

Работа Караваджо, который, как и его великие учителя Джотто, Леонардо да Винчи и Микеланджело, изменил живопись своей эпохи, сломав существующие традиции и привнеся жестокий реализм в самые тревожные религиозные сцены. Сложные отношения Караваджо с религией привели к тому, что живопись и религия пошли разными дорогами.

«Снятие с креста» считается самой выдающейся работой художника. Караваджо отошел от традиционного изображения снятия Христа с креста и его погребения, поскольку Христос изображен не в гробнице, а в окружении скорбящих женщин и Никодима с Иоанном, которые бережно кладут его на могильную плиту.

Август из Прима-Порта

Работа датирована началом первого века н.э., найдена на вилле Ливии, жены императора Августа. Вилла была обнаружена на Фламиниевой дороге в районе Прима-Порта. Это более чем двухметровая статуя императора Августа, который изображен произносящим речь перед армией. На нем надеты кираса и мантия.

Триптих Стефанески

Алтарь работы Джотто, сделанный для старой Базилики Святого Петра. Несмотря на золотую основу, присущую тому времени, триптих демонстрирует всю революционность таланта Джотто, показывая переход от размышлений над доктриной Св. Франциска к реализму, который виден в фигурах святых и ангелов.

«Забытая Пьета» Ван Гога

Художник, уже готовящийся к заключению в лечебнице, в порыве одержимости скопировал литографию «Пьета» Эжена Делакруа, который, в свою очередь, вдохновился Микеланджело. Это единственная работа Ван Гога на религиозную тему, написанная незадолго до смерти – она считается очень личной для художника.

«Красная Пьета»

Работа Марка Шагала, русского художника еврейского происхождения. Шагал создал собственный поэтический и художественный мир, который сделал его одним из самых характерных художников двадцатого века. Его картины основаны на мастерском синтезе объективного и субъективного восприятия. Пример тому – картина, вызывающая вопросы. Объективная составляющая «Пьеты» – несколько черных жирных линий, которые намечают основные фигуры. Но все остальное – абсолютно субъективная интерпретация художника, который находится вне христианской традиции. Это выражается в абсолютном доминировании красного цвета, символизирующего пролитую Христом кровь, и клубок линий на заднем плане, которые, возможно, символизируют толпу людей или руины. Этой картиной Шагал выразил свое личное восприятие Пьеты, поместив ее в эпицентр ужасов Второй мировой войны.

«Распятие» Сальвадора Дали

Антиклерикальный, как и все сюрреалисты, Дали, тем не менее, пришел в своих поисках к сближению с религией. В 1950-х годах он создал серию картин, в которых религиозная тема вынуждена бороться с его темной стороной.

«Мадонна» Лучо Фонтаны

Выдающееся переосмысление Пьеты Микеланджело одним из величайших мастеров двадцатого века. Дева Мария Фонтаны выглядит грубой и незавершенной, но при этом живой и дышащей. 

eburg.mk.ru

церкви и музеи Рима — La Tua Italia

Начинается эта прогулка с галереи Боргезе. Именно здесь хранится самое многочисленное собрание полотен мастера: их здесь целых шесть. Две работы представляют ранний период творчества Меризи — «Юноша с корзиной фруктов» (1593-1594) и «Больной Вакх» (1593-1594), попавшие сюда в результате конфискации имущества художника Джузеппе Чезари (по прозвищу Кавалер д’Арпино), у которого Караваджо работал помощником. «Мадонна со змеёй» («Мадонна конюхов», 1605-1606), заказанная Караваджо братством папских конюших для их алтаря в соборе святого Петра и отвергнутая ими, была приобретена племянником папы Павла V Боргезе. «Давид с головой Голиафа» (1605-1606) был создан во время второй поездки Караваджо в Неаполь, по всей видимости, в надежде снискать расположение кардинала Шипионе Боргезе по возвращении в Рим, а «Святой Иероним за книгой» (1605-1606) написан по прямому заказу кардинала в знак признательности за то, что тот вытащил художника из передряги, грозившей обернуться судебным процессом. Ну а шестая картина — это портрет самого папы Павла V (1605-1606).

Оттавио Леони. Портрет Караваджо. 1621 ©WikimwdiaCommon

От галереи Боргезе мы предлагаем отправиться на виллу Людовизи: здесь, на своде небольшого помещения алхимической лаборатории, Караваджо написал маслом по стене Юпитера, Нептуна и Плутона — сыновей Хроноса, повелителя Вселенной.

Затем направимся в Национальную галерею старинного искусства в Палаццо-Барберини: здесь находится картина «Юдифь и Олоферн», написанная Караваджо для банкира Оттавиано Косты. Здесь же можно увидеть «Нарцисса» — работу, атрибуция которой Караваджо долгое время оставалось предметом дискуссий, но после реставрации была окончательно признана.

Следующая точка маршрута — это галерея Дория-Памфили; здесь можно полюбоваться картиной «Отдых на пути в Египет» (это своего рода подведение итогов ученического периода в творчестве Меризи), а также «Кающейся Магдалиной».

Далее следует заглянуть в картинную галерею Капитолийских музеев, где хранятся «Гадалка» (выполненная по заказу кардинала Дель Монте около 1594 г.) и «Иоанн Креститель» — почти забытая картина, чьё обнаружение в 1953 г. в кабинете римского мэра стало сенсацией. Вероятно, эту работу Караваджо в 1602 г. заказал Чириако Маттеи; выбор сюжета объясняется тем, что в честь этого святого дворянин Маттеи назвал своего первенца, который и унаследовал полотно после смерти самого Чириако.

Разумеется, есть работа Караваджо и в собрании великолепных музеев Ватикана. Это «Снятие с креста», выполненное между 1602 и 1604 гг.

Обойдя все музеи, мы отправляемся на поиски тех шедевров Караваджо, которые украшают римские церкви. Прежде всего стоит зайти в церковь Сан-Луиджи-деи-Франчези: здесь есть капелла Контарелли,

latuaitalia.ru

Галерея Боргезе. Часть II: ziggyibruni — LiveJournal


Второй этаж дворца Шипионе Боргезе с самого начала был полностью отведен для размещения коллекции живописных полотен.
Cейчас галерея Боргезе, дополненная более поздними приобретениями и дарами, насчитывает около 560 полотен. В основном в этой коллекции представлена итальянская живопись: произведения Перуджино, Пьеро ди Косме, Лоренцо ди Креди, Сандро Боттичелли и т.д. Картины как этих, так и других мастеров, им современных, дают зрителю возможность ознакомиться с искусством раннего Возрождения более подробно, нежели где-либо еще.


Высокое Возрождение представлено в собрании галереи не менее богато и разнообразно. В нескольких соседних залах собраны истинные жемчужины не только итальянской, но и мировой живописи: «Снятие с креста» Рафаэля и его же «Портрет молодой женщины с единорогом», «Снятие с креста» Ортолано, «Мадонна со Змеей» Караваджо, «Небесная и Земная любовь» Тициана, «Мужской портрет» Антонелло да Мессина, «Даная» Корреджо, картины Пинтуриккио, Боттичелли и Рубенса.
Отдел итальянской живописи XVII века дает представление о таких течениях в искусстве Италии, как болонский академизм, караваджизм и барокко.
Влияние искусства Караваджо коснулось, прежде всего, разумеется, художников-неаполитанцев, хорошо знакомых с его работами. Определить свое отношение к искусству Караваджо пришлось и мастерам, связанным с совершенно иными творческими направлениями, в частности, представителям венецианской школы и стиля барокко — Гверчино, Гвидо Каньяччи. Магии искусства Караваджо поддались не только итальянцы, но и художники других стран, для которых путешествие в Рим было чем-то наподобие последней ступени профессионального образования. Среди этих художников особую группу составили голландцы из Утрехта: Дирк ван Бабюрен, Геррит ван Хонтхорст и Хендрик Тербрюгтен. Их жанровые картины, полные контрастной светотеневой игры, характеризуются сочетанием реалистической убедительности и непосредственности с отвлеченным или двойным смыслом картины.
Собрание картин венецианской школы XV—XVI вв., следующее за итальянской экспозицией, не менее интересно и драгоценно. Прежде всего эта характеристика относится, конечно, к произведениям Джованни Беллини, Джорджоне, Тициана и Веронезе.


Пинтуриккьо. Распятие со Святыми Иеронимом и Христофором. 1471


Антонелло да Мессина. Портрет мужчины. 1474—1476


Витторе Карпаччо. Портрет женщины. 1495—1498


Перуджино. Мадонна с Младенцем. нач. XVI века


Фра Бартоломео. Поклонение младенцу. 1499—1500


Рафаэль. Портрет мужчины. 1502


Рафаэль. Дама с единорогом ок. 1506


Рафаэль. Снятие с креста. 1507


Джованни Беллини. Мадонна с младенцем. ок. 1510


Тициан. Любовь Земная и Любовь Небесная. ок. 1515


Тициан. Любовь Земная и Любовь Небесная. Фрагмент. ок. 1515


Тициан. Любовь Земная и Любовь Небесная. Фрагмент. ок. 1515


Тициан. Венера, завязывающая глаза Купидону. 1565


Андреа дель Сарто. Мадонна с младенцем и юным св. Иоанном. 1517


Доссо Досси. Аполлон и Дафна. 1520


Доссо Досси. Мелисса. 1520


Доссо Досси. Диана и Калисто. 1528


Доссо Досси. Святые Козьма и Дамиан. 1534-1542


Лоренцо Лотто. Мадонна с младенцем между святыми Игнатием Антиохским и Онуфрием. 1508


Лоренцо Лотто. Портрет мужчины. 1535


Ортолано. Снятие с креста. ок. 1520


Мазолино. Неверие Святого Фомы. 1522


Джулио Романо. Мадонна с младенцем и юным св. Иоанном. 1523


Андреа Брешианино. Венера и два амура. 1520-1525


Аньоло Бронзино. Святой Иоанн Креститель. 1525—1550


Пармиджанино. Портрет мужчины. ок. 1526


Антонио да Корреджо. Даная. ок. 1530


Савольдо. Товия и ангел. 1530


Савольдо. Юноша. 1530


Лукас Кранах Старший. Венера с Купидоном. 1531


Содома. Пьета. 1540


Вазари. Поклонение младенцу. 1546


Якопо Бассано. Тайная вечеря. 1546-1547


Пеллегрино Тибальди. Поклонение Младенцу. 1548


Паоло Веронезе. Проповедь святого Иоанна Крестителя ок. 1561


Аннибале Карраччи. Смеющийся юноша. 1583


Якопо Дзукки. Аллегория открытия Нового Света.1585


Якопо Дзукки. Аллегория Сотворения Мира. 1585


Караваджо. Больной Вакх. 1593—1595


Караваджо. Мальчик с корзиной фруктов. 1593—1595


Караваджо. Мадонна со змеёй.1605—1606


Караваджо. Святой Иероним. 1605—1606


Караваджо. Давид с головой Голиафа. 1610


Караваджо. Святой Иоанн Креститель. 1610


Рубенс. Оплакивание Христа. нач. XVII века


Рубенс. Святая Сусанна. 1607—1608


Ян Брейгель старший. Натюрморт с цветами. нач. XVII века


Систо Бадалоккьо. Положение во гроб. 1610


Лавиния Фонтана. Туалет Минервы. 1613


Франс Франкен младший. В лавке антиквара. 1615-1620


Франческо Альбани. Серия «Времена года». Зима. 1616-1617


Франческо Альбани. Серия «Времена года». Весна. 1616-1617


Франческо Альбани. Серия «Времена года». Лето. 1616-1617


Франческо Альбани. Серия «Времена года». Осень. 1616-1617


Доменикино. Кумская сивилла. 1617—1618


Доменикино. Охота Дианы. 1617—1618


Гвидо Рени. Моисей со скрижалями. ок. 1624


Джованни Ланфранко. Норандино и Лючина обнаруженные великаном. 1624


Джованни Ланфранко. Совет богов. 1624-1625


Гарофало Бенвенуто Тизи. Мадонна и младенец с архангелом Михаилом и святыми. 1630-е


Геррит ван Хонтхорст. Концерт. 1626—1630


Джан Лоренцо Бернини. Автопортрет в юности. 1623


Джан Лоренцо Бернини. Автопортрет. 1620-1635


Сассоферрато. Мадонна с Младенцем. 1650


Помпео Батони. Мадонна с Младенцем. 1742


Гаспаре Ланди. Автопортрет. 1806


Гаспаре Ланди. Портрет Кановы. 1806

ziggyibruni.livejournal.com

Благовещение (Федерико Бароччи) и Снятие с креста (Микеланджело Меризи да Караваджо).

Благовещение
Творчество Федерико Бароччи объединило в себе черты маньеризма, зародившегося внутри ренессансной живописи, и раннего барокко. Они видны в представленной картине, написанной на один из самых распространенных в христианском искусстве сюжетов. Произведение было создано для капеллы герцога Урбинского Франческо Марии II делла Ровере в базилике города Лорето.
Архангел Гавриил, встав на одно колено, склонив голову набок и протягивая руку к Мадонне, благовествует Ей о том, что она родит Сына Божьего. Мария слегка подалась назад, жест Богоматери выражает испуг, но глаза смиренно опущены, а на Ее лице - отсвет благоговейной радости. Поза ангела отличается галантностью, а вся картина - некоторой сладостностью, эти особенности были свойственны живописи маньеристов. В то же время в работе Веронезе чувствуется экспрессия, которая будет в искусстве барокко.
В проеме окна видно палаццо Дукале (Герцогский дворец) в Урбино, напоминающее о заказчике полотна.

Снятие с креста
Художник, повлиявший на развитие всей европейской живописи Нового времени, написал эту картину по заказу Джироламо Виттриче для его фамильной капеллы в церкви Санта Мария им Валичелла в Риме. В данном случае Караваджо выбрал не более привычную для живописцев сцену снятия с креста или положения во гроб, а показал положение Христа на камень помазания.
Яркая вспышка света выхватывает фигуры людей из тьмы. Они увидены немного снизу, отчего усиливается и масштаб происходящего, и драматизм, выраженный в патетических жестах персонажей. Мастер реалистически изобразил лицо умершего Христа, Его отяжелевшее тело, это было новшеством. Непривычным выглядело и то, что в сакральной сцене художник представил Никодима босым, с огрубевшими ногами, на которых вздулись жилы. Кроме того, персонажи написаны в неожиданных ракурсах: тот же Никодим, бережно держа ноги Христа, согнулся, одновременно обернувшись к находящимся в церкви, отчего его голова оказалась в центре картины, и выставив локоть, ставший одной из наиболее близких к зрителю точек композиции. Все перечисленные приемы, как и воздетые руки, и выражение мучительного состояния на лице Марии, жены Клеопы, были использованы с целью дать молящемуся ощутить себя причастным к событию.
Это полотно Караваджо стало образцом для многих художников, например, его воспроизвел Питер Пауль Рубенс, хотя и в собственной манере.



Я даже не представляю свою жизнь, если бы не мои друзья. Да и каждый из нас тоже имеет близких людей, без которых было бы грустно и невыносимо. Я уверена, что в блоге vmestodairy.blogspot.com есть отличная информация на эту тему, которая заставит нас задуматься и более внимательно относиться к тем, кому мы так доверяем. Это не я, это жизнь говорит фактами.

Многие мои друзья знают, что я часто бываю в Киеве, Одессе, Чернигове и даже во Львове и Харькове. А потому меня интересуют новости Украины. Не могу понять, почему американцев пугают украинскими дорогами? А еще замечу, что не только в Украине растут цены на продукты. Они растут во всех странах СНГ. Подробности на сайте Talks.su.

fm-off-sky.livejournal.com

СОКРОВИЩА ВАТИКАНА И ГАЛЕРЕЙ РИМА. Часть 2 • Новости • Институт арт-бизнеса и антиквариата


< Назад                   Далее >

Караваджо и караваджисты

Изучая искусство 16-17 веков мы, конечно же, не могли пройти мимо такой крупной фигуры в истории живописи как  Караваджо. Рим может похвастаться самым большим собранием картин Караваджо. Из известных 60 работ художника, выставленных по всему миру, в вечном городе хранится 23 картины. Вадим Анатольевич рассказал нам о работах, находящихся не только в музеях и галерея, но и во многочисленных  церквях Рима, Сан Луиджи дельи Франчези, Санта Мария дель Пополо, Сан Агостино, церковь Санта Мария ин Валичелла, и Неаполе.

 

Алтарная композиция «Семь деяний милосердия», написана Караваджо для церкви Пио Монте делла Мизерикордия в Неаполе. Эта поздняя работа отличается  огромной художественной энергией и выразительностью, свойственной позднему периоду творчества художника.

 

 

Церковь Сан Луиджи деи Франчези (San Luigi dei Francesi). В церки выставлены три картины Караваджо: «Призвание апостола Матфея» (Vocazione di San Matteo), «Мученичество Апостола Матфея» (Mrtirio di San Matteo) и «Святой Матфей и Ангел» (San Matteo e l’Angelo).

 

 

Базилика Санта Мария дель Пополо (Basilica Santa Maria del Popolo).В капелле Черази выставлены «Распятие Святого Петра» (Crocefissione di San Pietro) и «Обращение Савла» (Conversione di Saulo).

Базилика Святого Августина (Basilica di Sant’Agostino). «Мадонна дей Пеллегрини» (Madonna dei Pellegrini).

Галерея Боргезе может похвастаться самым большим в мире собранием работ Караваджо. В галерее представлены картины: «Давид с головой Голиафа» (Davide con la testa di Golia), «Мадонна дей Палафреньери» (Madonna dei Palafrenieri), «Иоанн Креститель» (San Giovanni Battista), «Натюрморт с цветами и фруктами» (Natura morta con fiori e frutti), «Юноша с корзиной фруктов» (Ragazzo con canestra di frutta), «Святой Иероним» (San Gerolamo), «Больной Вакх»  (Bacchino malato).

Вадим Анатольевич рассказывает о знаменитой работе Караваджо «Юноша с корзиной фруктов»  в галерее Боргезе.

 

Так мы смогли проследить как развивался стиль мастера, чем  ранние работы художника отличают от работ его зрелого периода. Сущность художественной реформы Караваджо заключалась, прежде всего, в реалистическом обращении к натуре, которая, в отличие от идеалистических установок маньеризма, признавалась художнику единственным источником творчества. Живописная манера раннего Караваджо отличается твердостью контуров, отчеканенностью объемов, резким сопоставлением различных цветов, темных и светлых пятен. Свои небольшие холсты он заполняет всего лишь одной полуфигурой (позднее — двумя-тремя). Даже в ранних работах он умел предметно изображенную натуру облечь в обобщенные, монументальные формы. Позднее огромное значение приобретает контрастная светотень («тенеброзо»), служащая не только для рельефного выделения объемов, но и для эмоционального усиления образов и для достижения естественного единства композиции. Проблема светотени у Караваджо неразрывно связана с его дальнейшими поисками колористического и тонального объединения всех частей картины.

 «Мадонна деи Палафреньери» (Madonna dei Palafrenieri), галерея Боргезе.

 

Зрелый период творчества Караваджо отмечен поисками монументального стиля в связи с исполнением двух циклов картин для римских церквей Сан Луиджи деи Франчези (1598—1601) и Санта Мария дель Пополо (1601). Священные события он изображает просто и  правдиво, как нечто, увиденное им в повседневной жизни, чем было вызвано резкое недовольство заказчиков. Яркий свет неравномерно выхватывает из темноты отдельные части фигур, лиц, предметов. И в этой борьбе света и тьмы рождается ощущение такой напряженной трагичности, какую не найти во всех предшествующих произведениях мастера. 

В Капитолийском музее выставлены две работы художника: “Иоанн Креститель” (San Giovanni Battista) и “Гадалка” (Buona ventura).

А вот Ватикан может похвастаться только одной картиной Караваджо «Снятие с креста» (Deposizione dalla croce). Работа зрелого периода  была написана Караваджо для церкви Манта-Мария-ин-Валичелла «Снятие с креста». В настоящий момент в церкви находится её копия.

 В палаццо Памфили Выставлены три работы Караваджо: «Кающаяся Магдалина» (Maddalena penitente), «Отдых на пути в Египет» (Riposo durante la fuga in Egitto) и «Иоанн Креститель» (San Giovanni Battista). Вадим Антольевич обратил наше внимание также на копию этой работы. Развеска полотен позволяет, стоя почти на одном месте, сравнить две картины.

 

Караваджо «Бичевание Христа», работа позднего периода в галерее Capodimonte.

Во дворце Барберини хранятся три картины Караваджо: «Нарцисс» (Narciso), «Молитва Святого Франциска» (San Francesco in meditazione) и  «Юдифь и Олоферн» (Giuditta e Oloferne).

Хотя у Караваджо не было прямых учеников, его творчество и манера повлияли на многих его современников. Среди них Orazio Borgianni, Carlo Saraceni ("S. Cecilia с ангелом" , на полотне изображены невероятного размера крылья, художник  мастерски соединил тему святой покровительницы музыки  и более мирской сюжетом концерта, широко распространённый среди караваджистов ), француз Simon Vouet (композиция «Гадалка» , к этому сюжету уже обращался Караваджо, картина в Капитолийском музее). 

 

Ранняя работа Караваджо «Гадалка» в Капитолийском музее, данный сюжет встречается в картинах караваджистов, например у Simon Vouet.

 

Simon Vouet "Гадалка", галерея Боргезе.

Carlo Saraceni "Св. Цецилия и ангел", галерея Боргезе.

Эмоциональный рассказ Вадима Анатольевича о работе  Dirk van Baburen «Уверование Фомы» (Pio Monte della Misericordia). Этот художник, будучи другом Караваджо,  основал утрехтскую школу караваджизма. У Караваджо он заимствовал композиционную выразительность, контрастное освещение и стремление к реалистическому изображению натуры. Похожая композиция есть у Караваджо.

Караваджо "Уверение Фомы", дворец Сан-Суси.

   

Giovanni Baglione «Sacred Love and Profane Love», палаццо Барберини.      Караваджо «Amor Vincit Omnia» («Любовь побеждает все»), Gemäldegalerie, Berlin.

В палаццо Барберини Вадим Анатольевич рассказывал еще об одном художнике караваджисте  Giovanni Baglione, друге Караваджо. Возможно, эта работа была написана после их  ссоры,  в ответ на композицию  Караваджо «Amor Vincit Omnia».

 

Во дворце Памфили мы посетили атмосферное кафе. Нас покорила оригинальность меню, в котором были пирожные в форме вулкана Везувий,  и заботливые официанты. Рядом с кафе  стильная парфюмерная лавка.

 

Grand Tour

В XVIII-XIX веке обязательным в среде европейских аристократов было совершать образовательные поездки в Италию и Францию. Их целью было посещение особо значимых в культурном отношении  столиц и городов, где можно было изучать шедевры архитектуры времён античности, средневековья и Возрождения. Такие поездки назывались Гранд-Турами и должны были стать завершающим этапом в образовании и воспитании молодых людей из аристократических семей. Часто они совершались и коллекционерами произведений искусства. Некоторые художники, которым уделялось внимание в этих поездках, сейчас не так известны, но в свое время они пользовались огромной популярностью. В контексте этой темы, мы изучили творчество  тех мастеров, которые работали в  XVI-XVIII вв.  Вадим Анатольевич рассказывал о  Pompeo Batoni, Domenico Zampieri,  Гвидо Рени, Giovanni Battista Salvi da Sassoferrato, A. Sarto.

 

Pompeo Batoni "Святое семейство", Капитолийский музей.

Искусство Pompeo Batoni не знало конфликтов с современным обществом, слава портретиста привлекала в его мастерскую аристократическую власть.

   

Domenico Zampieri "Сивилла", Капитолийский музей

Domenico Zampieri был очень популярным и востребованным художником своего времени. Для него характерны портретные изображения женщин в тюрбанах.

   

В Галерее Боргезе  Садков рассказывает о еще одном часто копируемом художнике XVII  века Giovanni Battista Salvi da Sassoferrato. Его можно узнать по особому  холодноватому колориту живописи.

 

Гвидо Рени «Портрет Беатриче Ченчи», палаццо Барберини.

В продолжение темы портретов, Вадим Анатольевич отметил эту работу «Портрет Беатриче Ченчи» Гвидо Рени. В последний период своего творчества художник изображал типы чисто внешней женской красоты, нередко портретируемые были в тюрбанах. Он  также был необычайно популярен, существует огромное количество копий этой картины. После Гвидо Рени, художник Гверчино (Guercino) занял ведущее место  в кругу мастеров болонской  живописной школы. Мы не раз встречали работы этого мастера в музеях Рима, стоит отметить композицию "Et in Arcadia ego". Исходным и наиболее распространённым в начале пониманием было Et in Arcadia ego sum, то есть «И в Аркадии я есть» или «Даже в Аркадии я есть». В таком прочтении «я» — это смерть, которая обращается к смертным с напоминанием, что и в самом счастливом и беззаботном месте всех когда-нибудь ждёт неминуемый конец. Именно так следует понимать первое произведение на данный сюжет: картину Гверчино  «Et in Arcadia ego». Нередко первоисточником указывается некая картина Бартоломео Скедони (Скедоне). Ошибка вызвана тем, что до 1911 данная картина Гверчино ошибочно приписывалась Скедони, а потом данные некритически копировались составителями крылатых фраз. На картине задан ставший каноническим сюжет: пастухи в Аркадии рассматривают старое надгробие с указанной латинской надписью. На надгробии лежит череп, как символ смерти.

 Гвидо Рени "Et in Arcadia ego", галерея Боргезе.

У работы Гверчино «Саул и Давид» во  дворце Барберини

Каждое наше путешествие мы стараемся уделить  время не только живописи, но и музыке, театру или балету. В этот раз мы посетили Римскую оперу (Teatro dell'Opera di Roma), где слушали сценическую кантату немецкого композитора Карла Орфа "Кармина Бурана". Произведение было написано в 1935 – 1936 годах на собственное либретто композитора, по мотивам средневековых стихотворений из одноименного сборника. Вечер оставил протеворечивые впечатления. Угодить ценителя классического  русского театра – задача не простая.

 

 

Ватикан

Одним из ключевых пунктов поездки было посещение Ватикана. Группе представилась уникальная возможность совершить визит в одно из старейших помещений Апостольского дворца, личную капеллу папы Николая V -   Капеллу Никколина, стены которой покрывают росписи работы Фра Беато Анджелико. Программа росписей посвящена св. Стефану и св. Лаврентию.

Швейцарских гвардеец провожает нас к Капелле Никколина.

Фрески в капелле  расположены на двух уровнях, на панелях с рисованными ложными занавесями, подвешенными по средневековому обычаю на гвоздях, и повествуют об основных фактах из жизни двух святых диаконов христианской церкви – Святого Стефана, первого великомученика Иерусалима, и Святого Лаврентия – одного из первых великомучеников Римской церкви. Это были миряне, близкие к Церкви, в функции которых входило оказание помощи нуждающимся; кроме этого, они были помощниками священников в ритуалах крещения и причастия.

 

Фрески капеллы Никколина, Ватканский дворец.

В углах комнаты, в расположенных одна над другой эдиколах, изображены Учителя Церкви – Святой Августин и Святой Фома Аквинский, а на потолке, разбитом на четыре части ребрами крестового свода – Четыре Евангелиста с их символами: Лука с быком, Матвей с ангелом, Марк со львом и Иоанн с орлом.

 

 

Фреская с Евангелистами, капелла Никколина.
 

 

Группа у фрески Фра Беато Анжелика, Святой Лаврентий перед трибуной императора Валериана и Казнь Святого Лаврентия, 1447—1450, Капелла Никколина.

 

О бесценной коллекции сокровищ Пинакотеки Ватикана нам рассказывал Петр Бeреш, старший научный сотрудник Пинакотеки, эксперт по иконописи. В этот день он был нашим гидом. После посещения  Капеллы Никколина Петр познакомил нас с основными залами Пинакотеки Ватикана. Мы прошли по  Галерее географических карт,  расположенной в западной части Бельведерского Дворца. Она представляет собой не столько собрание «картографических достопримечательностей», сколько  «географическое» воплощение мощи папской власти  конца  XVI века. Все карты были заказаны Папой Григорием XIII в мастерской картографа Игнацио Данти. Наиболее подробно здесь представлены карты Авиньона, где находилась папская резиденция, Генуи, Венеции, Сицилии и Корсики.

 

На карте красным отмечены территории римско-католической церкви. Масштабная линейка позволяла рассчитать расстояния и время пути.

 

 

Проходим залы, наполненные посетителями так, что движение возможно только в одном направлении.   

В Пинакотеке практикуют современную тенденцию в реставрации - открытый вид. Посетители могут  наблюдать за реставрационным процессом  Бельведерского торса, которым как моделью пользовался Микеланджело.

 

Петр показал нам экспозицию недавно открывшегося зала, посвященного транспортным средствам понтификов. Здесь находится роскошная Berlina (закрытое транспортное средство) кардинала Luciano Luigi Bonoparte, подаренная Наполеоном III. Mercedes Benz – 460 Nurburg Пия XI, в годы правления которого было учреждено государство Ватикан и другие интересные экспонаты.

 

А мы продолжаем идти вперед, через знаменитые Станцы Подписей, Лоджии Рафаэля и Зал Аудиенций.

 

 

 В оформлении лоджии ученик Рафаэля использовал изысканные гротески, выполненные по рисункам великого мастера.

В станцах Подписей нас познакомили со знаменитыми фресками Рафаэля, которые художник выполнил для личного кабинета Папы Юлия II, так называемого зала подписей. Петр, эксперт и наш экскурсовод,  рассказал о идейной  программе, выраженной в стремлении человека к совершенству во всех аспектах бытия: в познании и рациональном объяснении мира (фреска Афинская школа), в пути к спасению (Диспут о Причастии), в красоте и гармонии (Парнас), в стремлении к порядку и законам (Правосудие).

 Рафаэль "Правосудие в окружении Кардинальных и Теологических Добродетеле", Станца Подписей.

 

Рафаэль "Диспут о Святом Причастии", Станца Подписей.

Рафаэль "Афинская школа", Станца Подписей.

Мы посетили Зал светотеней (Sala dei Сhiaroscuri).  Он расположен рядом с Капеллой Никколина. Именно в этом зале ожидали своей очереди послы, пока им не разрешалось пройти внутрь. Художественное оформление зала было выполнено при папе Льеве X, распорядившемся изготовить также великолепной красоты деревянный кессонный потолок, украшенный резьбой. Стены были оформлены, как ложный портик из колонн с коринфскими капителями, между которыми в эдиколах были помещены изображения Двенадцати Апостолов и Святых.

 

Зал светотеней (Sala dei Сhiaroscuri), Ватиканский дворец.

К слову, идея устройства «ложных эдикол» с изображениями выдающихся персонажей была перенесена и на оформление дворцов римской знати, только вместо Апостолов и поборников Веры в них изображались светские персонажи – знаменитые военачальники или выдающиеся правители.

В Капелле Паолина изучали последние фрески Микеланджело. Капеллу начали строить в 1537 году во время понтификата Павла III по проекту архитектора Антонио де Сангалло. Темы фресок: «Обращение Савла» и «Распятие св. Петра» (апостол Павел был небесным покровителем папы Павла III, а апостол Пётр – первым римским папой).

 

 

Капелла Паолина, Ватиканский дворец. 

Сначала была написана фреска «Обращение апостола Павла», для которой Микеланджело выбрал драматический момент явления Господа Павлу – жестокому гонителю христиан, после которого Павл, совершенно преобразившись, стал ревностным проповедником Христа и христианства даже за пределами Иудеи. Большая часть Нового Завета состоит из посланий Апостола Павла разным церквям и служителям.

Микеладжело Фреска «Обращение Павла», Капелла Паолина.

 

Микеланджнело  «Распятие Святого Петра», Капелла Паолина.

Во время правления императора Нерона Пётр был приговорён в Риме к смертной казни. Согласно христианским преданиям, Нерон был первым императором, который не только организовал государственные гонения на христиан, но и казнил апостолов Петра и Павла. «Распятие Св. Петра» стало последней работой Микеланджело. 

Мы посетили также Galleria degli Arazzi, украшенную гобеленами «Scuola Nuova», созданными по картонам Рафаэля фламандскими мастерами, и конечно Сикстинскую капеллу. 

 

Так незабываемо и информативно прошел наш визит в Пинакотеку Ватикана.

 

Одним из важных пунктов нашей тематической  программы была прогулка по улочке антикварных лавок и мастерских  Via Margutta. В средние века здесь  начали появляться мастерские художников, в первую очередь иностранцев (фламандцев, немцев), а также иногородних итальянцев. В настоящее время это тихая и спокойная улочка с домами, заросшими виноградником, где не чувствуется шум и смог большого города. Начиная с 1950-х гг., после фильма «Римские каникулы», на Via Margutta поселилось множество художников, скульпторов, антикваров и известных личностей.

 

В антикварной галерее на Via Margutta Римма рассказывала о ценности и редкости предмета мебели.

 

Хозяева галереи радушно встречают гостей, нам рассказывают о коллекциях из первых рук.

 

Хозяйка этой галереи для визуального осмотра снимает работу со стены, но по обороту данной картины сразу становится понятна проблематика заявленного этикетажа.

Вадим Анатольевич производит визуальный осмотр представленной  к продаже работы.

 

Еще одно атмосферное место города - это римские дворики. Этот на Via Marguta с магазинчиками для дизайнеров и антикваров и реставрационными мастерскими.

 

Два наших маэстро отдыхают  в стильном кафе на улице дизайнеров и антикваров.

< Назад                   Далее >

www.artinstitut.ru

Отправить ответ

avatar
  Подписаться  
Уведомление о