Этапы в эпоху возрождения: 27. Основные этапы развития культуры Возрождения

Содержание

27. Основные этапы развития культуры Возрождения

Возрожде́ние, или Ренесса́нс (фр. Renaissance, итал. Rinascimento) — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи — XIV—XVI века.

Отличительная черта эпохи возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин.

Термин Возрождение встречается уже у итальянских гуманистов, например, у Джорджо Вазари. В современном значении термин был введён в обиход французским историком XIX века Жюлем Мишле. В настоящее время термин Возрождение превратился в метафору культурного расцвета: например, Каролингское Возрождение IX века.

Новая культурная парадигма возникла вследствие кардинальных изменений общественных отношений в Европе.

Рост городов-республик привёл к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях: мастеровых и ремесленников, торговцев, банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой, во многом церковной культурой и её аскетичный, смиренный дух. Это привело к появлению гуманизма — общественно-философского движения, рассматривавшего человека, его личность, его свободу, его активную, созидающую деятельность как высшую ценность и критерий оценки общественных институтов.

В городах стали возникать светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви. Новое мировоззрение обратилось к античности, видя в ней пример гуманистических, неаскетичных отношений. Изобретение в середине XV века книгопечатания сыграло огромную роль в распространении античного наследия и новых взглядов по всей Европе.

Возрождение возникло в Италии, где первые его признаки были заметны ещё в XIII и XIV веках (в деятельности семейства Пизано, Джотто, Орканьи и др.

), но где оно твёрдо установилось только с 20-х годов XV века. Во Франции, Германии и других странах это движение началось значительно позже. К концу XV века оно достигло своего наивысшего расцвета. В XVI веке назревает кризис идей Возрождения, следствием чего является возникновение маньеризма и барокко.

Раннее Возрождение

Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с 1420 по 1500 года. В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием все сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях.

Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании, Возрождение наступает только в конце XV столетия, и его ранний период длится, приблизительно, до середины следующего столетия, не производя, впрочем, ничего особенно замечательного.

Высокое Возрождение

Второй период Возрождения — время самого пышного развития его стиля — принято называть «Высоким Возрождением», оно простирается в Италии приблизительно от 1500 по 1580 год. В это время центр тяжести итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II, человека честолюбивого, смелого и предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших артистов Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художествам. При этом папе и его ближайших преемниках, Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла: в нём создаётся множество монументальных зданий, исполняются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся перлами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга.

Античное изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство водворяются вместо игривой красоты, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они, с большой находчивостью и живостью фантазии, свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для него из греко-римского искусства.

Позднее Возрождение

Третий период Возрождения, так называемый период «позднего Ренессанса», отличается каким-то страстным, беспокойным стремлением художников совсем произвольно, без разумной последовательности, разрабатывать и комбинировать античные мотивы, добиваться мнимой живописности утрировкой и вычурностью форм. Признаки этого стремления, породившего стиль барокко, а затем, в XVIII столетии, стиль рококо, выказывались ещё в предшествовавшем периоде в значительной степени по невольной вине великого Микеланджело, своим гениальным, но слишком субъективным творчеством давшего опасный пример крайне свободного отношения к принципам и формам античного искусства; но теперь направление это делается всеобщим.

Основные этапы художественной культуры Возрождения

Главная => Статьи о Ренессансе

Три столетия — огромный исторический период — которыми датируется Возрождение, конечно же, не одинаковы. Ренессанс, как любая культурная эпоха, имевшая генетическую связь с предшествовавшим и давшая мощный импульс для все-го будущего искусства, пережил свое зарождение, становление, расцвет и угасание. К тому же, в разных странах Европы ренессанская культура сложилась не одновременно, ранее всего, как мы знаем, — в Италии, точнее, в городах-республиках Италии, позже — во Франции (не забудем, что в первой половине XV в., времени расцвета гуманизма в Италии и блестящего ренессансного искусства на территории Франции еще продолжается тяжелая война с Англией — Столетняя война, задержавшая развитие французского искусства), в Нидерландах, Чехии, Германии. Ренессанс вне Италии, особенно фламандский (нидерландский) и немецкий, обычно именуется Северным Возрождением.

В искусствоведческой литературе эпоху Возрождения так и подразделяют на периоды по столетиям, причем, еще со времен Вазари вошло в обыкновение столетия называть по-итальянски: трехсотые годы (то есть тысяча трехсотые, XIV в.), четырехсотые, пятисотые. Но есть еще и Предвозрождение — искусство XIII в., в Сиене и Флоренции уже значительно подготовившее ренессансный взлет.

Итак:

ХШ век — Дученто (ducento, «двухсотые», то есть 1200-е) — Проторенессанс (предвозрождение}.
XIV век — Треченто (trecente, 1300-е) — Раннее Возрождение.
XV век — Кватроченто (quatrocento, 1400-е) — Высокое Возрождение.
XVI век — Чиквиченто (cinquiccento) — Позднее Возрождение.

Но не надо забывать, что всякая периодизация условна. И редко творчество и судьба какого-то большого художника укладывается в рамки одного конкретного периода.

Попробуем хотя бы бегло (потому что подробно об искусстве Возрождения написаны громадные тома) вспомнить великих мастеров каждого из этих этапов.

В предренессансную пору, то есть в ХШ в., как мы знаем, повсюду в Европе еще доминирует готика. Но в творчестве некоторых мастеров Флоренции, Рима уже сказываются иные черты. Так, в знаменитом флорентийском соборе Санта-Кроче зодчего Арнольфо ди Камбио (1240—1302) заметно стремлении вернуться к некоторым принципам древнеримской архитектуры. Возможно, это связано с тем, что Санта-Кроче — францисканская церковь, то есть церковь ордена францисканцев. А основатель этого ордена — Франциск Ассизский, как раз и живший в ХШ в., многими считается идейным предтечей Возрождения, хотя он всего-навсего предлагал вернуться ко временам раннего христианства (со времен Франциска многочисленные церковные реформаторы будут стремиться вернуть чистые нравы ранних христианских общин — и Мартин Лютер, и даже Лев Толстой).

Видимо, Франциск Ассизский был образованным и морально безупречным человеком, так как его образ привлекал многих художников, например, Джотто. Крупнейший живописец дученто — Ченни ди Пепо, прозванный Чимабуэ, сверстник Арнольфо ди Камбио и умерший с ним в один год (1240—1302), работавший в Ассизи (на родине Франциска), Пизе, Флоренции. Чимабуэ не порывает со старыми традициями плоскостного письма, но стремится к индивидуальной характерности образов, то есть тому главному, что и внесло искусство Возрождения.

На грани дученто и треченто — два великих имени: поэт Данте Алигьери (1265—1321) и живописец, ученик Чимабуэ, Джотто ди Бондоне (1266—1337). Данте в «Божественной Комедии», Джотто в монументальных фресках создали галерею ярких образов глубоко индивидуальных и психологически достоверных. Эта психологическая достоверность каждого, кого Данте встречает в Аду или в Чистилище (а ведь все это были известные современникам имена, так что поэма Данте была и остропублицистичным произведением) будь то папа Бонифаций VIII, юная жена свирепого герцога Малатеста Франческа и ее возлюбленный Паоло; мошенник Джанни Скикки, сумевший продиктовать в свою пользу завещание умершего (тот якобы еще не умер и Джанни говорил «его голосом») — черта ре-нессансного искусства.

Не случайно Данте, наряду с Шекспиром, становится любимейшим писателем в XIX в., хотя, казалось бы, политические события во Флоренции начала XIV в. — борьба между партиями гвельфов и гиббеллинов, аристократов и пополанов, отзвуками которой дышит вся дантовская Комедия — мало уже кого затрагивают через много столетий. Тем не менее редко кто из романтических художников не отдал дань великому Данте. Вариации на даитов «Ад» создал Александр Пушкин, причем той же стихотворной формой, что и вся поэма Данте — терцинами, то есть троестишиями: «И дале мы пошли — и страх обнял меня». «Божественная Комедия» вдохновила Ференца Листа на создание фортепианной сонаты «По прочтении Данте», Петра Чайковского — увертюры-фантазии «Франческа да Римини», Сергея Рахманинова — оперы на тот же сюжет, итальянского композитора Джакомо Пуччини — на сочинение комической оперы «Джанни Скикки». Конгениальны дантовским стихам иллюстрации к «Божественной Комедии» французского художника XIX в., одного из основоположников романтизма в изобразительном искусстве Эжена Делакруа.

Силой дантовского обличения грозит в поэме «Германия» прусскому королю Генрих Гейне. Немецкий поэт не верит, в отличие от Михаила Лермонтова, в то, что «есть и Божий суд», который «недоступен звону злата»:

Но надо усердно молиться святым:
Раскрой карманы пошире,
И жертвы на церковь доставят тебе
Прощенье в загробном мире.

Гейне верит только в силу поэтического обличения:

Ты знаешь грозный Дантов ад,
Звенящие гневом терцины?
Того, кто поэтом на казнь обречен,
И Бог не спасет нз пучины.
(Перевод Вильгельма Левака)

Несомненно, самые яркие страницы «Божественной Комедии» — Ад и Чистилище, по которым флорентийского поэта водит как провожатый римский поэт Вергилий (сам Вергилий обитает в Первом круге Ада, где находятся все великие мудрецы древности, жившие до Христа — следовательно, не спасенные. Но никаких мучений в Круге первом, разумеется нет). В Раю же Поэта сопровождает Беатриче — девушка, в которую Данте был влюблен в юности, но она умерла почти подростком. В последней песне Рая Дате видит Божество в виде трех сияющих кругов;

Я увидал, объят Высоким светом
И в ясную глубинность погружен,
Три равноемких круга, разных цветом.
(Перевод Михаила Лозинского)

Но и все, кого Данте встречает в Раю, на планетах и девяти небесах — будь то мученики, как Лаврентий, основатели монашеских орденов Франциск Ассизский и Доминик, предок Данте, знаменитый врач, короли, писатели, богословы, воители за веру — все выписаны необычайно зримо и живо.

Не менее психологически выразительны и герои фресок Джотто — Иисус и Иуда, изображенные в драматический момент предательства последнего — сцена «Поцелуй Иуды». На редкость психологически убедительна Ревекка, напряженно следящая за благословением слепого Исаака, который, думая, что перед ним Исав, дает свое благословение Иакову, любимцу матери. Мудр и обаятелен Франциск Ассизский, жизни которого посвящена целая серия фресок Джотто.

В XIV в. создает свой поэтический стиль Франческо Петрарка (1304—1374) — ото так называемый («dolce style nuovo») «новый сладостный стиль». Петрарка был ученым я поэтом, дипломатом, путешественником и философом. Он писал и латинские поэмы — например, эпическое полотно «Африка» {о римском полководце Сципионе Африканском), трактаты по-ла-тыки. Но наибольшую известность ему принесли сонеты цикла «Канцоньере», в которых он воспевает свою рано умершую возлюбленную под именем Лауры. В сущности, Петрарка и стал создателем формы сонета: четырнадцатистрочное стихотворение, написанное непременно пятистопным ямбом. «Канцоньери» делятся на две части: первая — «На жизнь мадонны Лауры» и вторая — «На смерть мадонны Лауры». Продолжая и обогащая поэзию трубадуров, Петрарка находит слова, образы, сравнения для тончайшего выражения психологических состояний.

Современником Петрарки был Джованни Боккаччо (1313— 1375), создавший новую прозаическую форму — новеллу, то есть рассказ о «новых» (новелла по-итальянски — «новость»), современных событиях (в отличие от повествований о древности). Множество лиц, характеров, незаурядных фигур предстают в новеллах боккаччиева «Декамерона» — «десятидновнике». в котором дамы и юноши, остерегаясь выходить из замка во время эпидемии, чтобы скоротать время, рассказывают друг другу забавные, занимательные и трагические истории. Писателя волнуют не только сами истории, но, прежде всего, разнообразнейшие характеры, судьбы, индивидуальности.

В ту же пору на севере, в Париже, в 1320 г. появляется трактат музыканта и поэта Филиппа де Витри «Are nova» -«Новое искусство». Само название оказалось крылатым словом, означающим все новое, что появилось в музыке Возрождения. Филипп де Витри, казалось бы, толкует о сугубо профессиональных вещах: ладах, нотации, голосоведении, альтерации. Но музыка, которая создавалась на практике самим Филиппом де Витри и величайшим музыкантом эпохи треченто Гийомом де Машо (1300 — 1377) оказалась глубоко эмоциональной, более индивидуальной, утонченной, иптеллектуалвзироваиной, чем музыка предшествующих столетий. Гийом де Машо — и последний трувер, и первый музыкант Возрождения. Он и церковный композитор — автор месс, мотетов, и, одновременно, светский музыкант и поэт — автор многочисленных баллад, рондо, виреле, лэ (lais — лиро-эпическая куртуазная песня-рассказ). Правда, в отличие от труверов, Гийом де Машо — профессионал, владеющий многоголосным письмом церковного образца. К тому же он — не рыцарь, а придворный музыкант, фигура более уже характерная для позднего Средневековья и для последующих эпох до XVIII в. включительно. Гийом служил при дворах короля Богемии в Праге (династия Лнжсембургов, правившая Германской империей в XIV в., Получила благодаря династическому браку также и чешскую Kopoiry, и Прага стала столицей «Священной Римской империи германской нации»), при французском дворе Жана Доброго и Карла V, с 1346 г. до смерти руководил музыкальной службой в Реймсском соборе Нотр-Дам (кстати, именно в Реймсе, не в Париже, короновались французские короли). Таким образом, Гийом де Машо — и придворный светский поэт и музыкант, и музыкант церковный. И в его стилистике, в его мелодиях, в характере соединения голосов светское и церковное начала сближаются.

В творчестве Машо поэзия и музыка связаны очень тесно, но далеко не все его поэтические произведения послужили основой музыкальных композиций: многие из них остались созданиями литератора, например, из двухсот с лишним баллад Машо на музыку положены лишь сорок две. При этом, если в поэзии Машо ощущается несколько холодноватая риторика, то в музыке, наоборот, именно чувство становится важнейшим побуждением к творчеству. Как и Данте, и Чосер, Гийом де Машо — создатель национальной (французской) художественной школы. Но не как писатель, а именно как музыкант: Гийом, кажется, одним из первых профессиональных светских и церковных мастеров обратился к родному фольклору. Его мелодии очень близки французским хороводным песням — рондо» (рондо — круг, хоровод) — размер на 6/8, танцевальность, плавность, грациозность, мелодия с минорной «грустинкой». Вот, к примеру, двухголосное рондо «Cine, un, trez» («Пять, один, тринадцать)

Как видим, Раннее Возрождение создает не только и не Эстолько новые формы и жанры искусства, сколько индивидуализацию образов, психологизацию и тонкую градуирован! юсть эмоциональных состояний. Раннее Возрождение — начало национальных школ и языков, литератур, художественного и музыкального своеобразия новых народов Европы. При этом, если в архитектуре, изобразительных искусствах лидирует, несомненно, Флоренция и вообще итальянские мастера, то очагом музыкального Ренессанса оказывается франция — Париж, Реймс, Дижон.

Правда и в Италии очень быстро распространяется стиль are nova.

Первую половину XV в. — века кватроченто — относят еще к Раннему Возрождению, а вот вторая половина столетия, а также начало XVI в. — это уже Высокое Возрождение. Вообще-то явственную границу Между Ранним и Высоким Возрождением провести довольно трудно, так же, кстати, как между Высоким и Поздним. Но конечно, кульминация, вершина Высокого Возрождения — рубеж XV и XVI столетий.

Кватроченто в целом дало миру столь многочисленную плеяду мастеров редкой гениальности и разносторонности, что одно только их перечисление говорит само за себя: Мазаччо, Паоло Уччелло, Сандро Боттичелли, Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буанаротти. Правда, Микеланджело и по годам своей вполне патриаршей жизни (1475—1564), и по содержанию своего творчества можно отнести, в некоторой степени, к Позднему Возрождению.

А ведь это далеко не все великие имена! А Фра (брат) Филиппо Липпи (1406—1469) — один из самых жизнелюбивых флорентийских художников! А Доменико Гирландайо (1449— 1494) — великолепный портретист при Лоренцо Великолепном — фактическом правителе Флоренции, богатом банкире из дома Медичи, меценате и неплохом поэте. При Лоренцо работал и Антонио дель Поллайоло (1433—1498) — знаток и поклонник античного искусства.

Царицей всех искусств в этот век становится, несомненно, живопись. Именно в эпоху Высокого Возрождения в технике живописи происходит коренной переворот: разрабатываются законы перспективы, светотени, колорита. Необычайного расцвета достигла и скульптура — достаточно вспомнить имена Донателло (ок. 1386—1466), Андрее Верроккио (1435—1488), не говоря уж о таких титанах, как Леонардо, чей конный памятник миланскому герцогу франческо Сфорца, точнее, его модель в глине — увы, был разбит еще при жизни мастера в 1499 г. , — и таком великом скульпторе, как Микеланджело.

Новую — собственно ренессансную — архитектуру, основанную не на принципах готики, а на некоторых идеях классического римского зодчества, создают Филиппо Брунеллсски (1377—1446) и Леон Батгиста Альберти (1404—1474], творчество которых принадлежит в большей степени Раннему Возрождению.

Подлинное «лицо» Высокого Ренессанса создали три уникальнейших во всей мировой истории культуры разносторонних мыслителя и художника: Леонардо да Винчи, родившийся в год падения Константинополя — в 1452 г. и умерший в 1519 г.; Рафаэль Санти, проживший, увы, недолгую жизнь — с 1483 г. по 1520 г.; и Микеланджело Буонаротти, который был старше Рафаэля на 8 лет, а прожил до 1564 г., года рождения Вильяма Шекспира. Все трое были великими живописцами, работая как в сфере монументальной живописи (фрески), так и станковой — первооткрыватели идей, образов, приемов, определивших дальнейшее развитие изобразительного искусства. Все трое были архитекторами, хотя Леонардо, правда, не занимался практической архитектурой, но оставил множество архитектурных набросков, проектов, чертежей различных конструкций. По проектам Рафаэля выстроено несколько вилл и дворцов близ Рима и Флоренции (хотя Рафаэль, в отличие от большинства великих мастеров Ренессанса — не флорентинец, а родом из Урбино, учился в Перудже, во Флоренции, правда, прожил 4 года, а последние 12 лет своей жизни работал в Риме). Микеланджело — создатель наряду с Браманте грандиозного Собора святого Петра в Риме.

Леонардо, как известно, был еще и гениальным инженером-изобретателем, а Микеланджело — значительным поэтом.

Три гениальных мастера как бы олицетворяют разные стороны европейской «фаустовской» культуры: Леонардо — дерзновенный прорыв в неведомое, жажду познания мира, проникновение в тайны природы; Рафаэль — постижение тончайших движений человеческой души; Микеланджело — титаническую героику, трагедийность и величественность. В то же время три великих художника воплощают и три основных пласта искусства: Леонардо — эпически-повествовательное (фреска «Тайная вечеря», грандиозные замыслы эпических полотен и статуй), Рафаэль — лирическое, Микеланджело — драматическое, подобно трем великим мастерам европейской музыки более позднего времени — Гайдну, Моцарту, Бетховену. Хотя, конечно, всякая классификация и расчленение художественного целого на эпическое, лирическое, драматическое — условно.

Кватроченто, столь плодотворное в Италии для живописи и скульптуры, не выдвинуло, однако, равновеликих музыкантов. Центр новой музыки в это столетие — в Дижоне, столице герцогства Бургундия (до того времени, пока французский король Людовик XI не присоединил бургундское герцогство к Франции в конце XV в.). В Дижоне, а также в Камбрэ, Брюгге, в Туре, Антверпене работают мастера нидерландской или, как еще ее называют, франко-фламандской школы, создавшие сложную технику строгого контрапункта — многоголосной музыки по строгим правилам. Крупнейшие композиторы-контрапунктисты — Гийом Дюфаи (Дюфэ). родившийся в Камбрэ в 1400 г. и умерший там же в 1474 г., Жиль Беншуа (1400—1460), Иоханнес (Жан) Окегем (1425—1495), служивший при дворе французского короля в Туре, Якоб Обрехт (1450—1305), руководивший хорами в соборах Утрехта и Брюгге; Жоскен де Пре (1440—1521), ученик Я. Окегема. Жоскен — подлинно великий композитор эпохи Возрождения, оказавший большое влияние на развитие европейского искусства. Фламандские композиторы создавали мессы, а также светские многоголосные песни. Их называют иногда «старинными мастерами» или «старинными полифонистами» в отличие от новой, свободной полифонии композиторов первой половины XVHI в. — Баха и Генделя.

XVI в., чиквиченто, также изобилует именами величайших живописцев и скульпторов. Это эпоха Тициана, Веронезе, i Тинторетто, Джорджоне, Корреджо, Бенвенуто Челлини. В эпоху чинквиченто главными художественный центрами Италии становятся уже не столько Флоренция, но в большей степени Рим и Венеция. Здесь же складываются ведущие композиторские школы — в Венеции работает Джованни Габриэли, а в Риме — Палестрина, величайший композитор всей эпохи Возрождения. Настоящее имя этого композитора — Джованни Пьерлуиджи, он родился в 1525 г. в городке Пале-стрине (поэтому и взял название родного города в качестве прозвища), а умер в Риме в 1594 г. Палестрина, как и его предшественники, писал в основном для хора церковные многоголосные композиции.

В Венеции, — городе-республике, столице обширной страны на севере Италии, городе невероятно богатом и пышном, ранее всего сложились такие формы светской публичной художественной жизни, которые предвещали уже новую эпоху городской (бюргерской, буржуазной), а не аристократически-замкнутой культуры. В частности, именно в Венеции открылся первый публичный (общедоступный) профессиональный театр. Венеция становится центром книгопечатания в Италии, соперничая со Страсбургом, Лейпцигом, Гамбургом.

С Венецией связаны и имена названных выше великих мастеров Позднего Возрождения — Джорджоне (1476—1510), Тициана (родился, видимо, в конце 1480 г. , умер в 1576 г,) Веронезе (1528—1588), Тинторетто (1518—1594).

Джорджо де Кастельфранко, прозванный Джорджоне, автор известнейших ныне картин — «Юдифь» (Эрмитаж, Петербург), «Спящая Венера», которая экспонируется в Картинной галерее Дрездена, «Сельский концерт» (Лувр, Париж), «Гроза» (находится в городе Джорджоне, в Венеции, в Галерее Академии) — прожил недолгую жизнь и был забыт, заслоненный славой Тициана. Он был «открыт заново» лишь в конце XIX в.

Искусство Тициана — его фамилия Вечеллио (в историю искусства он вошел не под фамилией, а под собственным именем, как Леонардо, Микеланджело и Рафаэль), прожил долгую жизнь высокоодухотворенно, пышно и в то же время драматично — достаточно вспомнить его «Святого Себастьяна» или «Кающуюся Магдалину» — поздние работы Мастера, находящиеся в петербургском Эрмитаже. Образ святого Себастьяна — римского легионера, ставшего христианином и подвергшегося во время гонений на христиан расстрелу из луков (правда, он тогда не погиб — был вылечен святой Ириной, которая извлекла стрелы из его тела) — и до Тициана привлекал первоклассных художников. Например, в Дрезденской Картинной галерее находится картина Антонелло де Мессина «Святой Себастьян», написанная в 1475 г., а в Государственном музее Берлина — работа 28-летнего Боттичелли на тот же сюжет. Но ни Мессина, поместивший Себастьяна на городской площади, на фоне гуляющих и беседующих горожан, ни великий Боттичелли, подчеркнувший спокойное, даже умиротворенное прекрасное лицо юноши и написавший идиллический сельский пейзаж, не достигли той драматической силы, выражения страдания, которым веет от полотна Тициана. У Тициана вся стихия возмущена жестокостью палачей, а на лице героя — боль и скорбь.

Тициан вошел в историю и как великий портретист-психолог. Особенно широко известны его портреты императора Священной Римской империи Карла V Габсбурга: один — конный, хранящийся в мадридском музее Прадо (музей на бульваре Прадо — одно из богатейших, наряду с Лувром, Эрмитажем, Дрезденской галереей собраний картин), другой — портрет Карла в испанском костюме (Карл как внук по женской линии Фердинанда Арагонского и Изабеллы Кастильской был одновременно королем Испании), находящийся в Старой пинакотеке Мюнхена. Оба портрета написаны в 1548 г. Но самый, пожалуй, одухотворенный портрет кисти Тициана —- так называемый «Юноша с перчаткой» — портрет Ипполито Риминаль-ди, находящийся во Флоренции, в Галерее Питти. Граничит с карикатурой групповой портрет Тициана, представляющий папу Павла III с его молодыми племянниками Оттавио и Алес-сандро Фарнезе, находящийся в Неаполе, в Галерее Каподи-монте.

Тициан был и великолепным мастером одного из самых сложных жанров — «ню» (по-французски «пи» — нагой, раздетый), изображения обнаженного тела. В ренессансной живописи так обычно представляли античных богинь и мифологических героинь. Его Венера (во Флоренции) и Даная (в Вене) — пленительные, пышущие здоровьем венецианки в интерьерах богатого дома современного для Тициана убранства.

Праздничную, нарядную и богатую Венецию воспевал и Паоло Кальяри, прозванный Веронезе, автор преимущественно монументальных росписей. По жизнелюбию и праздничности его работы перекликаются с хорами, канцонами и концертами венецианских композиторов Андреа и его племянника Джован-ни Габриэли.

А вот искусство венецианца Якопо Робусти, прозванного Тинторетто, учившегося недолго у Тициана, более трагично и изощренно. Но не только итальянскими мастерами славен век XVI. Хотя это столетие и оказалось самым, наверное, кровавым и жестоким в истории Европы (яростное преследование еретиков, какого не знал XV век, гугенотские войны во Франции, Крестьянская война в Германии, Венгрии, тяжелые войны сербов, венгров, австрийцев с турками, борьба Нидерландов с Испанией — и все это с небывалым ожесточением, массовыми казнями и избиениями, разграблением целых стран), но ренессансный дух проникает в образованные круги всех европейских культур — Англии, Франции, Германии, Богемии (Чехии), Венгрии, Польши (Речи Поспо-литой), Испании. У Тициана в Венеции учился гениальный испанский художник Доменико Теотокопули (1541—1614), грек с острова Крит, вошедший в историю под именем Эль Греко («грек», по-испански «эль греко» — подобно Феофану Греку на Руси), поселившийся в 1577 г. в Толедо, к тому времени бывшей столице Испании. С 60-х годов король Филипп II перенес столицу Испании в Мадрид, где архитектор Хуан де Эррера (1530—1597} выстроил новый королевский дворец Эскуриал {строился с 1563 по 1584 гг.). Испания из разрозненных королевств (Кастилия, Астурия, Леон, Арагон, Наварра), отвоевывавших шаг за шагом у арабов Пиренейский полуостров, в одночасье, в 1492 г. превратилась в единое мощное государство, когда королева Кастилии Изабелла вышла замуж за арагонского короля Фердинанда и объединенными усилиями они сокрушили последний оплот мавров-мусульман (арабов) в Гренаде. В том же году генуэзец Христофор Колумб на испанских кораблях смело поплыл за «Геркулесовы столбы», то есть за Гибралтар — на запад и открыл новые земли. Вскоре Испания, благодаря смелым, но и жестоким мореплавателям-завоевателям, превратилась в мировую державу, хотя уклад жизни в Испании оставался архаично-средневековым. Эль Греко при жизни не был по достоинству оценен. Подлинный расцвет испанского искусства — особенно живописи и литературы — приходится уже на следующий, XVII в.

Несмотря на разгоревшиеся гугенотские войны (гугенотами называли себя во Франции протестанты-кальвинисты от искаженного немецкого слова genossen — товарищи — так они обращались друг к другу), именно в XVI в. происходит становление французского гуманизма, французской общенациональной литературы. Это эпоха Франсуа Рабле, Мишеля Монтеня. В середине столетия кружок высокоодаренных поэтов — «Плеяда», в который входили Пьер Ронсар, Жоашен (Иоахим) дю Белле создают на новом французском языке утонченнейшую лирическую поэзию.

Поэты Позднего Возрождения, в первую очередь итальянские, склонны к развернутым эпическим поэмам по мотивам средневековых сказаний. Так, итальянский поэт Лодовико Ариосто (1474—1533), как бы продолжая поэму «Влюбленный Роланд» Маттео Боярдо, жившего в XV в., создает своего «Неистового Роланда» — гуманистическую поэму, восходящую к средневековой «Песни о Роланде» и сказаниям о рыцарях Круглого стола. А великий итальянский поэт Торквато Тассо (1544—1595) :пишет историческую поэму «Освобожденный Иерусалим», повествующую о временах первых крестовых походов, сопоставимую по эпической мощи с «Илиадой».

He случайно сюжеты Тассо и Арносто, образы Рафаэля и Микеланджело, а также судьбы самих ренессансных художников в романтический XIX в. становятся сюжетами театральных и музыкальных произведений. Так, французский композитор Гектор Берлиоз героем одной из своих опер сделал великого художника и гравера Бенвенуто Челлини, а симфоническая поэма Франца Листа «Тассо» посвящена великому поэту, на долю которого выпало множество страданий — по приказу феррарского герцога он был заключен в темницу, затем в дом для умалишенных, потом скитался по Италии до своей смерти в Риме. Лишь после смерти к Тассо пришло признание. Творения великих мастеров Высокого Ренессанса вдохновили Листа на создание фортепианных пьес — «Обручение» (по картине Рафаэля), «Мыслитель» (по микеланджеловской статуе «Моисей»).

Последняя четверть XVI в. — несомненно, время упадка гуманизма и возрожденческого «титанизма». Творчество художников (например, Пармиджанино), которых стали называть «маньеристами», а все направление — «маньеризмом» (от итальянского maniera — манера, стиль), изощренно, но вычурно. В то же время, как раз в конце XVI в. являются мастера, создавшие великие гуманистические шедевры — живописец Караваджо, композитор Клаудио Монтеверди, драматург Вильям Шекспир, прозаик Мигель Сервантес. В той же Флоренции, где когда-то начинался ренессансный гуманизм, в самые последние годы XVI в. вновь происходит возрождение — на сей раз античной драмы под названием «драмма пер музика», которая затем станет именоваться оперой. И еще не раз суждено будет европейской культуре пережить возрождение — и античных художественных форм, и самого духа фаустианского постижения мира, который, как Феникс, будет возрождаться и в веке XVII, и в эпоху Просвещения, и в век романтизма, и в XX столетии.

Как писал в поэме «Паломничество Чайльд-Гарольда» Джордж Байрон:

Промчатся годы,
И может рухнуть царственный твой дом,
Италия! Но волею Природы
Гигантов равных не дали народы,
Царящие огнем своих армад.
И, как твои не обветшали своды,
Их зори Возрожденья золотят.

(А. Юхвидин «Мировая художественная литература», Москва, 1996}

Что именно изучает история искусств?

История искусств — это дисциплина социальных наук , изучающая эволюцию искусства во времени. Сосредоточьте эти исследования на анализе художественного самовыражения человека в разные периоды существования человечества и того, как это представляло их особое видение окружающего мира с помощью различных техник и художественных проявлений. История искусства как наука позволяет классифицировать исследования о различных культурах и устанавливает энциклопедические знания о том, как они проявляются в каждый из исторических периодов, определяя характеристики, которые делают их отличительными.

Эта наука также является результатом тесной связи и сотрудничества между различными междисциплинарными науками. Поддержка, которую история искусств получает от различных дисциплин, и все большее число современных изощренных методов приводят к более полному и точному изучению художественных проявлений, которым она посвящена, среди которых: скульптура, архитектура, живопись, керамика, музыка, текстиль, изделия из металла, производство стекла и другие, хотя диапазоны, которые в настоящее время достигаются, выходят за рамки так называемого изобразительного искусства.

Каждая из сотрудничающих наук вносит свой особый вклад в видение событий, формировавших художественное наследие человечества на протяжении веков, среди них: археология, антропология, химия, геология, история, биология, архитектура и многие другие. История наук наиболее достоверна.

Постоянное получение обновленной информации о художественном наследии человечества помогает нам сегодня лучше понять красоту и ценность художественных произведений наших предков, а также анализировать уровень сложности, с которым они были созданы, и их связь с их историческими, религиозный, философский и социальный контекст.

Изучение уровней навыков художников или ремесленников в каждой культуре; также помогают понять влияние, которое они получили от других предыдущих или современных культур, и то, как эти навыки, в свою очередь, повлияли на навыки их собственных потомков. Несомненно, эти влияния, прошедшие через века, определили то, как сегодня создаются вещи не только с художественной точки зрения, но и с практическими функциями.

Артефакт вне надлежащего контекста, который включает в себя другие очень важные факторы для человека, ограничивает оценку настоящей ценности, они могут казаться даже красивыми или хорошо законченными, но без истории, которая их окружает, их ценность не может быть оценена с полной честностью . Искусство носило по существу элитарный характер на протяжении большей части истории человечества и долгое время было доступно только богатым классам; совсем недавно эти произведения искусства приобретают то значение, которое они действительно имеют в глазах широких масс.

Наслаждайтесь искусством сегодня благодаря обширной сети изучения, распространения и сохранения всего художественного наследия, созданного человечеством на протяжении всей его истории. Предстоит еще многое сделать для повышения эффективности сохранения исторических мест и артефактов и защиты их от вандализма и разграбления.

Начиная с 20-го века появилось множество учреждений, фондов, музеев и галерей, государственных и частных, занимающихся анализом и каталогизацией произведений искусства, а также их надлежащей экспозицией для широкой публики по различным темам, которые не ограничивается только так называемым изобразительным искусством.

Художественная комната в Музее Ринглинга и Мейбла в Сарасоте, Флорида. Музей открыт каждый понедельник бесплатно для посетителей этой художественной комнаты

. Следует отметить, что рост средств массовой информации и охват ими различных социальных слоев населения был очень важен для распространения сообщений о необходимости обучения. и сохранить искусство и артефакты в наши дни. Этот важный труд способствовал распространению новых художников и эстетических форм, которые, тем не менее, показывают нам свою связь с культурным наследием прошлого. Новые технические и художественные возможности выражения , которые они фактически разрабатывают, будут изучаться и будущими поколениями.

Так или иначе, искусство стало более доступным для масс, и влияние этих художественных произведений можно увидеть в бесчисленных формах выражения или дизайнерских тенденциях современного художника. Любители искусства и истории в целом увеличивают сегодня количество интернет-страниц, посвященных донесению идеи искусства, через огромное количество страниц, тематика которых столь же разнообразна, как и само искусство.

Чтобы знать, как и где человечество должно управлять своим будущим, нам нужно узнать о История искусства и наши прошлые сокровища, черпайте из этого мудрого потока информации необходимое вдохновение для увеличения духовного обогащения настоящего и будущих поколений.

Кампаниформная шнуровая керамика

Пожалуйста, посетите список категорий, чтобы получить доступ к ссылкам на периоды искусства или культуры.

Вы можете связаться со мной по адресу [email protected] или по электронной почте geogle+ Elena Victorero
Я хотел бы узнать ваше мнение, но имейте в виду, что плагин «Askimed» настроен на блокировку спам-комментариев, поэтому, пожалуйста, укажите свое настоящее имя (имя человека). ) и комментарии, которые можно понять, также вносят свой вклад в содержание или дизайн блога.

Ваше мнение очень важно для меня, но я не буду одобрять спам-комментарии.

WebMuseum: Ренессанс: Италия

«Возрождение» искусства в Италии было связано с открытием заново античная философия, литература и наука и эволюция эмпирических методы обучения в этих областях. Повышение осведомленности о классических знаниях создал новую решимость учиться путем прямого наблюдения и изучения естественного Мир. Следовательно, светские темы становились все более важными для художников, а с возрождением интереса к древности появился новый репертуар предметы, взятые из греческой и римской истории и мифологии. Модели представленные старинными зданиями и произведениями искусства, также вдохновили на развитие новых художественных приемов и стремление воссоздать формы и стили классического искусства.

Центральным элементом развития искусства эпохи Возрождения было появление художник как творец, востребованный и уважаемый за свою эрудицию и воображение. Искусство тоже стало цениться — не только как средство религиозного и социальной дидактики, но еще более как способ личного, эстетического выражение.

Хотя эволюция искусства итальянского Возрождения была непрерывной процесс традиционно делится на три основные фазы: ранняя, высокая, и позднего Возрождения. Последний этап был предметом в последние годы сложные интерпретации, которые признают множество конкурирующих и контрастирующих тенденций. Некоторые ученые датируют начало итальянского Возрождения появление Джотто ди Бондоне в начале 14 века; другие считают его потрясающие достижения в натуралистическом искусстве как отдельном явлении. Согласно второй точке зрения, последовательное развитие ренессансного стиля началось только с поколением художников, действовавших во Флоренции в начале 15 века.

Раннее Возрождение

Основные представители первого поколения Ренессанса художники — ДОНАТЕЛЛО в скульптуре, Филиппо БРУНЕЛЛЕШИ в архитектуре и Мазаччо в живописи — разделял многие важные черты. Центральный к их мышление было верой в теоретические основы искусства и убежденность в том, что развитие и прогресс не только возможны, но и необходимы к жизни и значению искусства. Древнее искусство почиталось не только как вдохновляющая модель, но и как пример проб и ошибок, которые могли раскрыть успехи бывших великих художников. Намереваясь восстановить творческий процесс, а не просто имитировать конечные достижения В древности художники раннего Возрождения стремились создать художественные формы, согласующиеся с появлением мира природы и с их опытом человеческого личность и поведение. Проблема точного представления, поскольку это касалась массовой скульптурной формы или живописных соображений измеримого пространство и эффекты света и цвета, были рассмотрены в духе интенсивное и методичное исследование.

Считалось, что ключом к успеху является рациональное исследование; следовательно, усилия были призваны открыть правильные законы пропорции для архитектуры и для изображение человеческого тела и систематизировать изображение изобразительное пространство. Хотя эти художники остро наблюдали за природными явлений, они также были склонны экстраполировать общие правила из конкретных появления. Точно так же они попытались выйти за рамки простого транскрипцию натуры, привить произведению искусства идеальное, нематериальное качества, наделяя его красотой и значением все больше и больше постоянна, чем та, что на самом деле встречается в природе. Эти характеристики — воспроизведение идеальных форм, а не буквальное появление и концепция физический мир как средство или несовершенное воплощение монументального духовная красота — должны были оставаться основополагающими для природы и развития искусства итальянского Ренессанса.

Термин «Раннее Возрождение» характеризует практически все искусство XV в. век. Флоренция, колыбель художественной мысли эпохи Возрождения, оставалась бесспорных центров инноваций. Около 1450 г. нового поколения художников, среди которых были такие мастера, как Поллайуоло (см. семейство ПОЛЛАИУОЛО) и Сандро Боттичелли выступил во Флоренции. Другие итальянские города — Милан, Урбино, Феррара, Венеция, Падуя, Неаполь стали сильными соперниками на распространяющаяся волна перемен. Работа Леона Баттисты АЛЬБЕРТИ в Римини и Мантуе представлял наиболее прогрессивную архитектуру нового ГУМАНИЗМА; Андреа Мантенья картины в Падуе отображали личную формулировку линейного перспектива, антиквариат и реалистическая техника; а также Джованни Беллини поэтический классицизм продемонстрировал растущую силу Венецианская школа.

К концу 15 века новизна первых взрывных достижений Стиль Ренессанса уступил место всеобщему принятию таких основных понятий. как пропорция, контрапост (скрученная поза) и линейная перспектива; следовательно, многие художники искали средства личного самовыражения в рамках этого относительно устоявшийся репертуар стиля и техники. Рано Ренессанс был не просто несовершенным, а необходимая подготовка к совершенству искусства Высокого Возрождения, но период больших внутренних достоинств. Однако, оглядываясь назад, живопись раннего Возрождения кажется недостаточным для вполне убедительного образного изображения, и его выражение человеческих эмоций скорее стилизовано, чем реально. Кроме того, сила отдельных черт художественного произведения несоразмерна весь состав.

Высокое Возрождение

Однако искусство Высокого Возрождения стремилось к общему, единому эффекту. живописного изображения или архитектурной композиции, увеличивая драматическая сила и физическое присутствие произведения искусства и собирание его энергий и установление управляемого равновесия. Потому что существенное Характерной чертой искусства Высокого Возрождения было его единство — баланс, достигаемый как единое целое. вопрос интуиции, недоступный рациональному знанию или техническому мастерство — стилю Высокого Возрождения суждено было распасться, как только акцент был смещен в пользу какого-либо одного элемента в композиции.

Стиль Высокого Возрождения просуществовал недолго (около 1495–1520 гг.). и был создан несколькими гениальными художниками, среди них Леонардо да Винчи, Донато Браманте, Микеланджело, Рафаэль и Тициан. Леонардо да Винчи незаконченное «Поклонение волхвов» (1481; Галерея Уффици, Флоренция) считается вехой единой живописной композиции, позже полностью реализованной во фреске «Тайная вечеря» (1495–97; Санта-Мария-делле-Грацие, Милан). Леонардо считается образцом мыслителей эпохи Возрождения. в опытах всякого рода и привнеся в свое искусство дух беспокойное исследование, которое стремилось открыть законы, управляющие разнообразными природными явления. С другой стороны, Микеланджело стал типичным образцом художника. наделен необъяснимой одинокой гениальностью. Его универсальные таланты пример гробницы Юлия II (ок. 1510-1515), Сан-Пьетро-ин-Винколи, Рим; Капелла Медичи (1519 г.)-34), Флоренция; потолок Сикстинской капеллы (1508-12) и Страшный суд (1536-41), Рим; и купол СВЯТОГО ПЕТРА БАЗИЛИКА (начало 1546 г.) — произведения, представляющие собой главные и неповторимые достижения в отдельных областях скульптуры, живописи и архитектура. Рафаэль, человек совсем другого темперамента, вызывал в картины Мадонн и на фресках, не подавляющие силы, но возвышенные гармония и лирическая, изящная красота.

Позднее Возрождение

Важным водоразделом в развитии искусства итальянского Ренессанса был разграблением Рима в 1527 г., что временно покончило с ролью города как источника меценатство и заставляло художников ездить в другие центры Италии, Франции, и Испания. Еще до смерти Рафаэля, в 1520 г., антиклассическая тенденции начали проявляться в римском искусстве. Некоторые ранние представители маньеризма, в том числе Якопо Каруччи ПОНТОРМО, ПАРМИДЖАНИНО и ROSSO FIORENTINO, способствовал развитию стиля, достигшего своего крайняя экспрессия в творчестве Джорджио ВАЗАРИ и Джованни да БОЛОНЬЯ. Маньеризм был эстетическим движением, которое ценило утонченное изящество. и элегантность — прекрасная манера, или стиль, от которого маньеризм берет свое начало. имя. Хотя основные характеристики стиля позднего Возрождения разделялись многими художниками, этот период, в котором преобладал маньеризм, был отмечен художественной индивидуальностью — качеством, в полной мере проявляемым поздние работы Микеланджело. Проявление индивидуальной виртуозности стало важным критерием художественных достижений, и соперничество часто вызывало соревнование, основанное на ярком индивидуальном исполнении. самосознание художников-маньеристов и их попытки соответствовать или превзойти великих мастеров, непосредственно предшествовавших им, были признаки несколько перезревшего развития, далекого от свежей зари открытия, которое впервые придало смысл концепции Возрождения.