Искусство эпохи Возрождения — Художники, фотографы и скульпторы со всего света
Искусство эпохи Возрождения отличается от средневекового искусства прежде всего тем, что Ранний Ренессанс (Раннее Возрождение) был периодом становления искусства эпохи Возрождения; другими словами, именно художники и скульпторы Раннего Возрождения были пионерами и развивали физический реализм и классическую композицию.
Кульминацией этих усилий стал Высокий Ренессанс, в ходе которого была достигнута вершина классического равновесия, гармонии и сдержанности. Во время позднего Ренессанса суровый классицизм был смягчен, что позволило в определенной степени усложнить и динамизировать (таким образом, предвещая расцвет искусства барокко).
Отчетливым субдвижением искусства позднего Ренессанса был маньеризм: намеренное стремление к новизне и сложности. В скульптуре манерность привела к таким качествам, как искаженная анатомия (например, удлиненные конечности) и сложные позы. Некоторые художники позднего Ренессанса работали в полномасштабном маньеристском стиле, в то время как другие просто находились под влиянием этого движения (в разной степени).
Ранний Ренессанс (около 1400-1500 гг.)
Живопись и архитектура эпохи Возрождения были основаны Мазаччо и Брунеллески соответственно. Основателем скульптуры эпохи Возрождения был Гиберти, чей шедевр — Врата Рая, пара бронзовых дверей для Флорентийского баптистерия. Основные панели этих дверей состоят из десяти библейских сцен, выполненных с впечатляющим реализмом, включая глубокую перспективу.
Панель от Врат рая. Гиберти
Один из помощников Гиберти, Донателло, стал величайшим скульптором Раннего Возрождения. Именно Донателло, наконец, возродил классические статуи (начиная со Святого Марка), в том числе конные статуи (с Гаттамелатой, первой конной статуей со времен античности). Его другие основные работы — Святой Георгий и Давид.
Высокий Ренессанс (около 1500-1525 гг.)
Бесспорным мастером скульптуры Высокого Возрождения (подробнее об искусстве эпохи Возрождения можно узнать на сайте «Исторический журнал», по адресу https://histjournal.
ru/) является Микеланджело, который разделил свою карьеру между Флоренцией (его родным городом) и Римом. Пьета — жемчужина его ранних работ, в то время как его шедевр, Давид, часто считается величайшей скульптурой всех времен. Его главной поздней работой может быть Моисей.
Давид. Микеланджело
Хотя карьера Микеланджело простиралась до позднего Ренессанса, большая часть его скульптуры относится к Высокому Ренессансу; его последние годы были посвящены живописи и архитектуре.
Поздний Ренессанс (около 1525-1600 гг.)
Выдающимся скульптором-маньеристом был фламандско-итальянский мастер Джамболонья. Как отмечалось ранее, типичные черты маньеристской скульптуры включают сложные позы и удлиненную анатомию. Первое качество проявляется в групповых скульптурах Похищение сабинянок, Геракла и Несса, а также в нескольких более мягких статуях Меркурия. Скульптуры Меркурия также демонстрируют удлиненные конечности, как и женская статуя L’Architettura.
Похищение сабинянок.
Джамболонья
Дополнение
Основное гуманитарное определение искусства — “прекрасное человеческое творение”. Искусство можно разделить на два основных типа: изобразительное искусство (оно же “чистое искусство”), которое просто переживается (например, живопись, скульптура, архитектура), и прикладное искусство (оно же “декоративное искусство”), которое фактически используется (например, керамика, одежда, мебель).
Изобразительное искусство (которое всегда сильно влияло на прикладное искусство) является основной заботой основных гуманитарных наук. Пять великих изобразительных искусств признаны: живопись (плоское изобразительное искусство), скульптура (трехмерное изобразительное искусство), архитектура (визуальное искусство проектирования зданий; может рассматриваться как особая отрасль скульптуры), музыка (звуковое искусство) и литература (словесное искусство). Эти пять дисциплин являются «великими» в том смысле, что они (возможно) составляют наиболее выразительные и общепризнанные формы искусства.
Похожие сообщения:
Скульптура эпохи Ренессанса
Скульптура, как один из самых древнейших видов искусства, меняется вместе с людьми и временем. И скульптуры эпохи Ренессанса не исключение. Что нам известно об эпохе Ренессанса или, в переводе с латинского, Возрождения?
Это целый культурный пласт, который пришел на смену аскетичным средним векам и принес с собой возрождение античности, расцвет культуры, гуманизм, установление личности человека как высшей ценности.
Италия тринадцатого века считается колыбелью Ренессанса и продлилась эта эпоха до 16 века, когда начали появляться новые направления и стили в искусстве. Скульптура, которая ранее лишь украшала рельефами архитектурные сооружения, в период Возрождения постепенно приобретает самостоятельность. И к концу 16-го века, это уже отдельный вид искусства.
Проторенессанс появился в позднем средневековье и ярким его представителем был скульптор и архитектор Арнольфо ди Камбио. Он автор главного собора во Флоренции, статуи короля Карла I в Риме, фонтана в Перудже с многочисленными скульптурами.
Раннее Возрождение охватывает весь 15 век. Скульптура как искусство начинает отделяться от религиозных средневековых канонов. Имя Донателло ди Никколо ди Бетто Барди самое знаменитое в тот период. Он первым «отлепил» от стены рельеф — изображения скульптур углубляются, индивидуализируются. Первым создал обнаженную натуру. А также работая над конной статуей кондотьера Гаттамелаты, первого памятника в бронзе, он нашел необычное для того времени решение по расположению скульптуры относительно стен здания. Благодаря этому, весь контур всадника и коня прекрасно смотрится с любой стороны, не сливается с фасадом церкви и от этого кажется более значительным и монументальным, несмотря на небольшие размеры.
Высокое Возрождение — это расцвет и пик эпохи Ренессанса. Длится он с конца 15 века до 20-х годов 16. Немалую роль сыграл в этом и вступивший на папский престол папа Юлий II. Он известен как меценат искусства. При нем творили свои шедевры такие таланты как Леонардо да Винчи, Рафаэль и великий Микеланджело. Микеланджело Буонаротти, прожив почти 90 лет, сделал множество работ. Но его всемирно известный Давид, это вершина эпохи Ренессанса и человеческого гения. Его скульптуры мощны и объемны, но в то же время завораживают гибкостью и реальностью объекта. Скульптура периода Высокого Возрождения вышла из тени архитектуры окончательно, она независима от религии, у мастеров ваяния появляются заказчики. Скульптура становится классической, достойной своих античных греко-римских предков.
К Позднему Возрождению условно относят вторую половину 16 века. Здесь уже трудно назвать момент, когда появляется кризис и упадок эпохи Возрождения и начинается новый этап в искусстве – маньеризм, он переходный перед следующим стилем в скульптуре и архитектуре – барокко.
Настолько разнообразны в своих проявлениях работы мастеров ваяния и художников. Слишком свободным становится отношение авторов к принципам и формам античного искусства. Большое влияние в этом периоде имеет итальянский скульптор, живописец и ювелир Бенвенуто Челлини. Его известный рельеф Нимфа Фонтенбло сделана в бронзе для короля Франции Франциска первого. Знатоки искусства относят это произведение к раннему маньеризму. Также последняя скульптурная группа Пьета, в исполнении Микеланджело, как бы завершает не только его творческий путь, но и эпоху Возрождения.
Влияние эпохи Ренессанса имеет огромное значение для понимания и изучения человека, природы в целом, для возрождения античной культуры, в частности. Скульптура, благодаря Возрождению, стала более понятна и доступна обычным людям, разбудила в них потребность в красоте и эстетике. Эпоха Возрождения породила множество гениальных творцов, чьи шедевры до сих пор не перестают восхищать и поражать своим великолепием.
Renaissance Paragone: Painting and Sculpture
В контексте истории искусства итальянское слово paragone («сравнение», пл.
paragoni ) может относиться к любому из ряда теоретических дискуссий, которые повлияли на развитие теории искусства. в Италии 16 века. К ним относятся сравнение различных эстетических качеств центрально-итальянской и венецианской школ живописи (так называемые disegno/colore paragone ) и то, была ли живопись или литература более убедительной и описательной средой. Но срок paragone чаще всего относится к спорам об относительных достоинствах живописи и скульптуры в эпоху Возрождения. Эти дебаты развернулись в основном в Италии, но также и в Нидерландах (Фландрия и Нидерланды) в трудах об искусстве и самих произведениях искусства и дают нам представление о некоторых из наиболее значительных художников и художников эпохи Возрождения.
Джамболонья: Похищение сабинянки , мрамор, 1582; фото Сына Граучо (Flickr), через Wikimedia Commons
Дух соперничества
Развитие paragoni проистекает из фундаментальных тем конкуренции и соперничества, которые окрашивают историю искусства эпохи Возрождения, особенно в Италии.
Поскольку эпоха Возрождения включала в себя «возрождение» культуры классической Греции и Рима, художники эпохи Возрождения не только восхищались древними художниками, такими как Апеллес и Пракситель, но и конкурировали с ними. При этом они могут попытаться улучшить древнее искусство — либо за счет использования того же предмета, либо за счет решения технической проблемы, представленной в старинном произведении. Примером последнего является 9 Джамболоньи.0003 Изнасилование сабинянки (вверху), состоящее из трех монументальных человеческих фигур, вырезанных из цельного куска мрамора, удивительный подвиг, который древние писатели приписывали знаменитой группе Лаокоонов. Художники эпохи Возрождения, естественно, также соревновались друг с другом, участвуя в гражданской и личной конкуренции, например, между городами-государствами Сиеной и Флоренцией, а также в конкурсах за комиссионные, такие как желанная работа по созданию набора бронзовых дверей для Флорентийского баптистерия. присужден Лоренцо Гиберти после его победы над Филиппо Брунеллески и другими в 1401 году.
Даже самый фундаментальный эстетический принцип Возрождения — натурализм, предполагавший создание идеализированных версий наблюдаемого физического мира — поставил искусство в соревнование с природой.
Живопись как зеркало природы
Руководящий принцип натурализма и изучение древнего искусства определяют аргументы обеих сторон живописи/скульптуры paragone . Хотя различные пункты каждого аргумента не были систематизированы до середины 16 века Бенедетто Варки, они уже давно репетировались на различных аренах, начиная с художественных трактатов середины 15 века. Леон Баттиста Альберти в своем трактате о живописи 1435 года ( De Pictura ), выдвинул множество аргументов в пользу живописи — что она была идеальным средством для имитации мира природы, потому что могла представить всю сцену, как если бы она смотрела через окно; что это было трудное интеллектуальное упражнение, связанное с наукой о перспективе; и что он лучше всего подходил для изображения сложных повествований, которые Альберти считал самым благородным типом сюжета.
Несколько десятилетий спустя Филарете заметил, что живопись обладает большим потенциалом для натуралистического изображения из-за ее способности передавать цвет и текстуру, чтобы создать иллюзию любого материала или объекта. Те же темы использования цвета для создания иллюзорных эффектов и интеллектуальных аспектов композиции картины были повторены Леонардо да Винчи в его обширных примечаниях к трактату о живописи и Бальдассаре Кастильоне в его 9 работах.0003 Книга придворного (начало 1508 г.). Эта живопись требовала больше умственных способностей, чем физических усилий, а технические навыки были важны в попытках художников поднять свое искусство до уровня ученой научной деятельности.
Аполлоний: Бельведерский торс , мрамор, 1 век до н.э.; фото Стивена Цукера (Flickr: profzucker). период и его неявные связи с античным искусством. Флорентийские скульпторы 15-го века в значительной степени инициировали стилистическое развитие эпохи Возрождения, настолько, что во введении к своему трактату о живописи Альберти признал выдающиеся достижения четырех скульпторов (Брунеллески, также знаменитого архитектора; Гиберти; Лука делла Роббиа; Донателло) и только один живописец (Мазаччо, которого уже несколько лет как нет в живых).
Учитывая внимательное изучение художниками эпохи Возрождения произведений античного искусства, они прекрасно понимали, что основная часть того, что уцелело, состояла из мраморных и бронзовых статуй и рельефов. Мало того, что эта ситуация продемонстрировала преимущество долговечности скульптуры, это также означало, что художники зависели от древних скульптур, таких как торс Бельведера, в качестве моделей — часто для поз и идеализированных изображений человеческих фигур — чтобы придать своим работам классический оттенок. Более распространенная защита скульптуры была связана с ее трехмерностью: живопись никогда не могла достичь натурализма скульптуры, потому что она могла лишь приблизиться к глубине и объему, в то время как скульптура существовала в объемном пространстве, как и имитируемая вещь, и ее можно было рассматривать с разных сторон. углы. В своем вкладе в обсуждение Варки paragone , Микеланджело утверждал, что живопись хороша только в том случае, если она имитирует трехмерные качества скульптуры, и его последователь Бенвенуто Челлини поддержал это утверждение доказательствами того, что сам Микеланджело работал по этому принципу и был признан многими величайшим художником.
в истории.
Петрус Кристус: Рождество , панель, масло, ок. 1450; изображение предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон, округ Колумбия, .
Визуализация
paragone Споры о достоинствах живописи и скульптуры также проявляются в произведениях искусства того периода. Эти примеры часто включают картины, имитирующие скульптуру, и скульптуры, имитирующие живопись, что является стратегией подрыва утверждений об уникальных преимуществах одного искусства над другим. Скульпторы — прежде всего Донателло за его Пир Ирода и мраморные скьяччато рельефы, а также Гиберти за его Врата рая — в повествовательных сценах использовались системы линейной и воздушной перспективы, которые художники считали важными компонентами хорошей живописи. Эти рельефы являются одними из самых почитаемых произведений раннего Возрождения и оказали большое влияние как на следующее поколение скульпторов, так и на художников.
В таких работах, как «Рождество» (вверху), Петрус Кристус сопоставил богатую, красочную сцену, ставшую возможной благодаря недавнему принятию масляной живописи среди фламандских художников, и вымышленную каменную арку со статуями и рельефами в стиле гризайль. Кристус противопоставляет натуралистичные цвета и текстуры, которые могут быть представлены в живописи, монохромной скульптуре, показывая, что художник также может создавать эффекты скульптуры на плоской поверхности. Тициан использовал подобное устройство в своем Женский портрет («Ла Скьявона») , , включая вымышленный каменный рельеф его модели в профиль рядом с красочным, ярко выполненным портретом. Чтобы показать, что художники также могут изображать фигуры с разных ракурсов, они включили в свои композиции отражающие поверхности (также виртуозная демонстрация иллюзионистского мастерства). Согласно источнику 15-го века, Ян ван Эйк написал великолепную картину (ныне утерянную), изображающую обнаженную женщину, выходящую из ванны, спина которой отражается в зеркале на стене.
Тициана Венера с зеркалом ( ниже), вероятно, был вдохновлен письменным описанием и также ответил на аргумент в пользу скульптуры, что только фигура, вылепленная в виде круга, может быть видна с разных точек зрения.
В других работах подчеркивалась связь с древностью. В своем использовании материалов — бронзы и мрамора — и возрождении типов, сохранившихся до современной эпохи — например, конных фигур и портретных бюстов — скульпторы эпохи Возрождения открыто ссылались на древнюю скульптуру, тем самым демонстрируя ее преимущества в создании прочных памятников. Такие художники, как Сандро Боттичелли и Андреа Мантенья, воссоздавали старинные картины и рисунки, используя древние писания, такие как описание Лукианом аллегории клеветы (клеветы) греческого художника Апеллеса. Такие работы не только должны были ослабить претензию на особую близость скульптуры эпохи Возрождения и античности, но и выставляли напоказ образование художников и знакомство с древними текстами.
Тициан: Венера с зеркалом , холст, масло, ок.
1555; Изображение предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон, округ Колумбия. статус артистов. Ученые ученые и меценаты участвовали в дебатах вместе с самими художниками, помогая переделать художников и скульпторов в интеллектуалов, а не в мастеров на уровне плотников и ткачей. Это развитие не только привело к повышению социального статуса художников, что особенно заметно в славе и восхищении, которыми были удостоены Микеланджело, Рафаэль, Тициан и Леонардо да Винчи, но также способствовало созданию академий искусств. Академии, сначала в Италии, а затем по всей Европе, институционализировали теоретические и эстетические принципы, возникшие в IX веке.0003 paragoni , оставивший след в западных художественных традициях на века.Интернет-ресурсы
Smarthistory.org, Ренессанс в Италии и на Севере [видео, краткие очерки, изображения на тематические темы, СМИ и художники]
Smarthistory.org, Высокое Возрождение [видео, короткие очерки, изображения на тематические темы, средства массовой информации и художники]
Universal Leonardo, Университет искусств, Лондон, Paragone : живопись или скульптура? [эссе, обобщающее труды Леонардо о paragoni ]
Heilbrunn Timeline of Art History, Metropolitan Museum of Art, The Rediscovery of Classical Antiquity [эссе с изображениями и ссылками на соответствующий контент]
Учебные ресурсы итальянского Возрождения, The Making of a Artist [эссе, изображения и первоисточники]
Дополнительная литература
Мендельсон, Леатрис: Бенедетто Варки Due lezzioni и Теория искусства Чинквеченто (Ann Arbor: University of Michigan Press, 1982).
Эймс-Льюис, Фрэнсис: «Изображение и текст: Образец » в Интеллектуальная жизнь художника раннего Возрождения (Нью-Хейвен: издательство Йельского университета, 2000).
Леонардо да Винчи: Леонардо о живописи , изд. Мартин Кемп (Нью-Хейвен: издательство Йельского университета, 2001).
Гоффен, Рона: Соперники эпохи Возрождения: Микеланджело, Леонардо, Рафаэль, Тициан (Нью-Хейвен: издательство Йельского университета, 2002).
Учебные ресурсы итальянского Возрождения — Национальная художественная галерея
Хотя Микеланджело был известен тем, что большую часть кропотливой работы по резьбе по мрамору выполнял сам, скульптура, как и живопись, чаще всего была совместной работой, будь то бронза, дерево, терракота или камень. Каменная скульптура (а Италия богата мрамором) представляла собой уникальные проблемы, начиная с затрат и логистических трудностей при транспортировке тяжелых материалов. Требовались значительные инженерные способности, чтобы сконструировать оснастку, необходимую для размещения больших блоков, а скульпторы должны были понимать способность материала выдерживать собственный вес в пространстве.
Учитывая необходимые навыки, неудивительно, что многие скульпторы также работали архитекторами.
Помощники обычно делали черновой блок для вырезания по рисункам, сделанным мастером, или по рисунку, который он набросал непосредственно на камне, или путем переноса точек с небольшой модели, сделанной мастером из воска или глины. В первой половине пятнадцатого века скульпторы по мрамору и бронзе все больше полагались на трехмерные модели, называемые боццетти, и реже на одни лишь рисунки. Работа с трехмерной формой с самого начала побуждала скульпторов планировать свои работы с разных точек зрения и создавать более динамичные и сложные позы. Bozzetti были особенно полезны при объяснении заказчику запланированной работы. Некоторые художники также использовали модели. Леонардо, например, задрапировал их тканью, чтобы изучить падение складок — практика, которую он, кажется, перенял у своего учителя Верроккьо, который сам был прежде всего скульптором.
Скульптурные эскизы Микеланджело
Микеланджело
Рисунки лежащей статуи, ок.
1525
Перо и тушь, 13,7 x 20,9 см (5 3/8 x 8 1/4 дюйма)
Британский музей, Лондон
© Trustees of the British Museum
Микеланджело разработал свои скульптурные проекты с помощью быстрых набросков и более подробных изображений, а также создал боццетти . Этот набросок с размерами, вероятно, предназначался для каменщика. На нем показан ранний этап планирования лежащего речного бога, одного из двух, которые должны были стать частью гробницы, созданной Микеланджело для Лоренцо Медичи. Глиняная модель речного бога также существует (Академия, Флоренция), но мрамор так и не был выполнен.
Джамболонья
Эскизная модель речного бога, ок. 1580
Терракота, 31 x 39,4 x 25 см
Музей Виктории и Альберта, Лондон Джамболонья , который родился более чем через пятьдесят лет после Микеланджело. Джамболонья сделал больше боццетти , чем любой другой скульптор того времени для работ из мрамора и бронзы. Сохранение моделей скульпторов позволяет предположить, что bozzetti — как рисунки — начали цениться сами по себе как часть большего интереса к художнику и его творческому процессу.
Бронзовые статуи были самыми высоко ценимыми произведениями искусства в древнем мире, но отдельно стоящие бронзовые скульптуры не производились широко в течение многих столетий. Бронза как материал для искусства пережила свой собственный «ренессанс» в пятнадцатом веке не только для крупномасштабных скульптур и статуэток, но и для рельефных плакеток и медалей. Скульпторы, работающие с бронзой — дорогим и технически сложным материалом — часто оставляли отливку профессионалам, таким как производители колоколов или пушек. В период с 1407 по 1424 год Гиберти помогали с бронзовыми дверями баптистерия Флоренции не менее двадцати пяти человек. Бронза требовала не только высоких температур и тщательного контроля процесса литья, но и понимания того, что технически возможно при проектировании и изготовлении.
Отделка скульптуры, независимо от материала, часто требует других навыков и других рук. Мраморные поверхности подвергались разной степени полировки, чтобы устранить (или не удалить) следы, оставленные резными инструментами.
Бронза патинировалась в химических процессах, в результате которых приобретались цвета поверхности, от зеленого до блестящего коричневого и черного, которые в противном случае достигались только со временем по мере окисления металла. Художники обычно раскрашивали деревянные и терракотовые скульптуры , , а иногда и мраморные; они могли даже позолотить неокрашенные мраморные фигуры, чтобы выделить детали. Эти процессы, опять же, обычно выполнялись специалистами.
Бенедетто да Майано
Святой Иоанн Креститель , c. 1480
Окрашенная терракота, 48,9 x 52 x 26 см (19 1/4 x 20 1/2 x 10 1/4 дюйма)
Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия, Коллекция Эндрю У. Меллона
Изображение предоставлено Попечительский совет, Национальная художественная галерея
Бенедетто да Майано работал в основном с мрамором, но также делал скульптуры из терракоты, модели и готовые работы, подобные этой.