Искусство России 20 века и его виды
«Чистое» искусство, провозглашающее ценности, не зависящие от общественных и исторических проблем и веяний, – прекрасное, но нереальное явление.
Невозможно творить в отрыве от повседневности, не обращая внимание на господствующие в обществе идеи – формальные и неформальные. Искусство России 20 века подверглось влиянию мощных изменений общественного строя, неведомых никакой другой стране.
Начало века, поиск новых идей
100 лет XX века для всей цивилизации были эпохой невиданных потрясений. Уже к концу XX столетия научно-технический прогресс сжал время и пространство для всей планеты, общественные конфликты в ограниченном регионе перерастали быть потрясениями планетного масштаба. Культура и искусство России 20 века, как и вся общественная деятельность Европы и Америки, имеет временную привязанность к самым важным событиям новейшей истории.
Магия цифр, обозначающих начало отсчета нового века, всегда порождает ожидание перемен, надежду на наступление нового, счастливого времени.
Девятнадцатый век, создавший всемирную славу русской культуре, уходил в прошлое, оставляя традиции, которые не могли исчезнуть в одночасье.
«Мир искусства» – так называлось объединение художников, возникшее в 1898 году и просуществовавшее с перерывами до 1924 года, без которого нельзя представить изобразительное искусство в первой четверти 20 века в России. У «мирискусстников» не было одного, общего выработанного стиля – живописцы, графики, скульпторы шли каждый своим путём, имея согласие во взглядах на цели искусства и роли его в обществе. Многие черты этого взгляда выразил гений Михаила Врубеля. Формальным ядром, основой объединения были Л. С. Бакст, М. В. Добужинский, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова-Лебедева, К. А. Сомов. В разное время в нем принимали участие Я. Билибин, А. Я. Головин, И. Э. Грабарь, К. А. Коровин, Б. М. Кустодиев, Н. К. Рерих, В. А. Серов и другие мастера.
Все они признавали главенство профессионализма в искусстве, огромную роль творческой свободы и независимости художника от общественных догматов, не отрицая при этом ценности искусства в жизни человека, протестуя против косности академизма с одной стороны и излишней политизации живописи у передвижников – с другой. Критикуемый сторонниками традиций «Мир искусства» не мог вписаться и в бурный процесс рождения «пролетарской» живописи, но оказал огромное влияние на всё изобразительное искусство 20-века в России – и на тех, кто работал в СССР, и на тех, кто оказался в эмиграции.
Модерн
Последние десятилетия девятнадцатого века стали периодом зарождения нового стиля, который оставил след в творчестве мастеров изобразительного искусства и архитектуры. Он имел свои особенности в отдельных регионах Европы, где он даже назывался по-разному. В Бельгии и Франции закрепилось наименование «ар нуво», в Германии – «югендстиль», в Австрии – «сецессион». Известны другие названия, связанные с наиболее известными художниками этого стиля или фирмами, производившими подобного направления мебель, ювелирные украшения и другие изделия: стиль муша, стиль Гимар – во Франции, либерти в Италии, в США – стиль тиффани и т. д. Искусство России 20 века, архитектура в особенности, знают его как стиль модерн.
Модерн стал после долгого периода стилевого безвременья одним из самых выразительных и визуально оформившихся художественных течений. Свойственный ему растительный, плавный характер линий насыщенного декора в сочетании с геометрически простыми и выразительными формами больших объемов привлекали свежестью и новизной художников и архитекторов.
Фёдор Осипович Шехтель (1859-1926) – звезда русского архитектурного модерна. Его талант придал национальные черты космополитическому по сути стилю, шедевры Шехтеля – Ярославский вокзал, особняк Рябушинского – это творения именно русского зодчего, и в общем, и в мелочах.
Дореволюционный авангард
Процесс поиска новых форм искусства, и больше – его новой сути – был актуален для искусства всей Европы и Америки. Искусство России 20 века содержит несколько по-настоящему революционных периодов, когда творчество нескольких реформаторов указывало новые направления развития художественной мысли. Одним из самых ярких и впечатляющих стало межреволюционное время с 1905 по 1917 год. Особенности авангардного искусства в России были вызваны кризисом общественной жизни России после трагедий русско-японской войны и революции 1905 года.
Возникшие в это время многочисленные авангардные течения и творческие объединения имели сходные порождающие причины и похожие цели художественного поиска. Оказавшие мощное влияние на основные виды искусства 20 века в России футуристы и кубофутуристы, «Бубновый валет» и «Голубая роза», Кандинский и супрематизм Малевича разными способами искали новые миры, выражали кризис старого искусства, потерявшего связь с реальностью, предваряли наступление эпохи глобальных потрясений.
Среди новых идей, рожденных авангардистами, была мысль о синтезе искусств. Театральное искусство России 20 века содержит такие страницы, как знаменитый спектакль – манифест нового искусства «Победа над солнцем» (1913). Он был результатом общего творчества поэтов-футуристов А. Кручёных, М. Матюшина, В. Хлебникова, а художественное оформление выполнил Казимир Малевич.
Обогатившие своими исканиями искусство России 20 века художники П. Кончаловский, К. Петров-Водкин, И. Машков, Н. Гончарова, Марк Шагал стали авторами полотен, получивших мировое признание. А началось это признание еще в десятые годы XX века, в эпоху рождения авангардной живописи новейшей истории.
Формирование советского искусства
После Октябрьской революции Россия получила возможность открыть всему миру новые горизонты в общественной жизни, в том числе и в искусстве. И поначалу были созданы условия, когда неизмеримо выросла ценность каждой одаренной личности, на первый план выдвинулись генераторы новых творческих идей.
Как трактует то время история искусств? 20 век, Россия, бурные двадцатые годы – это невиданно активная художественная жизнь многочисленных творческих объединений, среди которых выделяются:
— УНОВИС – «Утвердители нового искусства» (Малевич, Шагал, Лисицкий, Лепорская, Стерлигов). Основанное на базе художественной школы Витебска, это объединение было апологетом художественного авангарда, предлагало искать для искусства новые темы и формы.
— «Четыре искусства» – течение в русле «Мира искусства» Основная цель – показать огромные выразительные возможности архитектуры, скульптуры, графики и живописи. Декларировалась необходимость высокого профессионализма и творческой свободы. Виднейшие представители: архитектор А. В. Щусев, график В. А. Фаворский, скульптор В. И. Мухина, живописцы К. С. Петров-Водкин, А. П. Остроумова-Лебедева и др.
— «ОСТ», «Общество художников-станковистов». Считало главным показать приметы наступления новой мирной жизни, строительство современной молодой страны средствами передовой экспрессивной, но простой и ясной стилистики. Лидеры: Д. Штернберг, А. Дейнека, Ю. Пименов, П. Вильямс.
— «Круг художников» (Ленинград). Следование официальному курсу, выработка «стиля эпохи». Активные члены группы: А. Самохвалов, А. Пахомов, В. Пакулин.
— АХРР – «Ассоциация художников революционной России» – объединение, ставшее основой созданного впоследствии Союза Художников СССР, активный проводник направлений идеологического руководства художественным процессом, орудие партийной пропаганды, наследники передвижников. Во главе стояли И. И. Бродский, А. М. Герасимов, М. Б. Греков, Б. В. Иогансон.
Конструктивизм
В программах самых престижных учебных заведений, готовящих архитекторов, неизменно присутствует изучение темы «Русский конструктивизм — архитектурный авангард 20-х годов». Большое значение она имеет для понимания строительного искусства, очень актуальными для любого времени являются идеи, провозглашенные лидерами того направления. Сохранившиеся постройки Константина Мельникова (жилой дом архитектора в Кривоарбатском переулке, клуб Русакова на Стромынке, гараж на Новорязанской улице и др.), братьев Весниных, Моисея Гинзбурга (Дом Наркомфина на Новинском бульваре) и других звезд русского архитектурного дела – золотой фонд отечественного зодчества.
Функционализм, отказ от ненужного украшательства, эстетика конструкции здания, гармония создаваемой среды обитания – эти идеи стали основой решения новых задач, поставленных перед молодыми архитекторами, художниками и специалистами той области, которая стала называться промышленным дизайном. Им предстояло строить массовое жилище для новых городов, рабочие клубы для всестороннего развития личности, создавать объекты для труда и отдыха нового человека. Удивительные достижения авангарда двадцатых годов нельзя обойти, изучая искусство России 20 века. Архитектура Европы и Америки всего последующего времени во многом основана на них. Печально, что эти прогрессивные идеи оказались меньше всего востребованы на родине, и наибольшим достижением советской архитектуры многими считается «сталинский ампир».
Искусство эпохи тоталитаризма
В 1932 году вышло Постановление ЦК ВКП (б) о работе творческих объединений. Бурная эпоха разнообразных течений и направлений закончилась под действием набравшей мощь государственной машины, управляемой идеологическим аппаратом, в котором крепла единоличная власть. На долгие годы искусство России 20 века, как и многое в жизни страны, стало зависеть от мнения одного человека – Иосифа Сталина.
Творческие союзы стали средством подчинения художественной мысли единым идеологическим стандартам. Наступила эпоха социалистического реализма в живописи. Постепенно любые отступления от официального курса стали объявляться преступными, несогласные попадали под реальные репрессии. Обвинения в отходе от линии партии стали методом решения творческих дискуссий. Прогрессивность этого очень сомнительна. Как развивалось бы, например, театральное искусство России 20 века, если бы не пал жертвой репрессий великий реформатор сцены Всеволод Мейерхольд?
Природа художественного таланта сложна и необъяснима. Образы вождей воплощались с великим мастерством и искренним чувством. Никакие самые жестокие репрессии не могли помешать появлению истинно талантливых художников, для которых главным было самовыражение вне зависимости от идеологических рамок.
В архитектуре наступило время «сталинского ампира». Поиски авангардистов сменил возврат к проверенным канонам. Могущество коммунистической идеологии олицетворялось в эффектных образцах переработанного неоклассицизма – сталинских «высотках».
Искусство военного периода
В истории нашей страны есть время, ставшее величайшей трагедией и этапом невиданного духовного подъема. Искусство России 20-21 века получило одну из главных тем, позволявших выразить величие русского народного характера, глубину чувств, которые могут овладеть отдельным человеком и огромными массами во время исторических потрясений.
Великая Отечественная война с первых дней нашла выражение в зрительных образах удивительной силы. Плакат И. Тоидзе «Родина-мать зовет!» поднимал на защиту страны лучше всяких командиров, а «Оборона Севастополя» Дейнеки потрясает любого человека вне зависимости от идей, которые он разделяет. Так же впечатляет Седьмая симфония Дмитрия Шостаковича, а музыкальное искусство России 20 века не меньше других видов творчества отдало дань теме войны с фашизмом.
Оттепель
После Великой Победы следующим мощнейшим историческим фактором влияния на общественную жизнь в СССР стала смерть Сталина (март 1953) и XX съезд КПСС, поднявший вопрос о разоблачении культа личности. На какое-то время для художников, как и для всего общества, повеяло свободой творчества и новыми идеями. Поколение «шестидесятников» – явление очень специфическое, оно оставило о себе память как о коротком вдохе свежего воздуха, сделанном перед тем как погрузиться опять на десятилетия в болото размеренного, расписанного, регламентированного существования.
Первые опыты художественного авангарда «второй волны» – работы Э. Белютина, Ю. Соостера, В. Янкилевского, Б. Жутовского и др. – на выставке, приуроченной к 30-летию Московского отделения Союза Художников, были жестко осуждены лично новым лидером страны Н. Хрущёвым. Партия опять стала объяснять народу, какое искусство ему нужно, а художникам – как надо писать.
Архитектуре было предписано бороться с излишествами, что справедливо объяснялось экономическими трудностями послевоенного времени, наступало время массового домостроения, время «хрущевок», которые несколько сняли остроту жилищного вопроса, но изуродовали облик многих городов.
Искусство «развитого социализма»
Во многом искусство России второй половины 20 века во многом представляет собой историю противостояния художественной личности и господствующей идеологии. Но даже в атмосфере идейного регламентирования каждого кусочка духовного пространства многие художники находили способы немного видоизменять предписанный метод социалистического реализма.
Так, настоящим примером для молодых были мастера, сформировавшие свои убеждения еще в двадцатые годы: Н. Ромадин, М. Сарьян, А. Пластов и другие. Картина бывшего члена художественного объединения «ОСТ» Ю. Пименова «Свадьба на завтрашней улице», написанная в 1962 году, стала символом надежд общества на обновление.
Еще одним ярким явлением в советской живописи того времени стало формирование «сурового стиля». Таким термином обозначали творчество Г. Коржова, П. Оссовского, братьев Смолиных, П. Никонова и др. На их картинах, написанных в разных жанрах (бытовом, историческом), появился герой, который не нуждался в указаниях, занятый понятным и нужным делом. Он изображался без лишних деталей и колористических изысков, емко и выразительно.
Особое значение имеет творчество такого мастера, как Виктор Попков. Гражданское звучание его полотен содержит редкий для советского искусства общегуманистический, почти религиозный посыл, а живописная манера имеет корни времен итальянского Возрождения.
Нонконформизм
Официальное господство «соцреализма» заставляло неформальных художников искать свой путь к зрителю или прибегать к эмиграции. Уехали М. Шемякин, И. Кабаков, О. Рабин, Э. Неизвестный и многие другие. Это были деятели искусства 20 века России, которые являлись носителями духовных ценностей, рожденных авангардом начала века, и вернувшихся на родину после краха коммунистической идеологии.
А во времена её господства появилась внутренняя эмиграция, породившая популярный мотив сумасшедшего, вечно пьяного художника, обитателя психушек, гонимого властями и руководством творческих союзов, но высоко ценимого независимыми западными экспертами. Типичным носителем такого образа был А. Зверев – легендарная личность для Москвы эпохи развитого социализма.
Полистилистика и плюрализм
Освободившись от государственного диктата советского времени, изобразительное искусство 20 века в России вошло в общемировой процесс как его неразделимая часть, обладающая общими с ним свойствами и тенденциями. Многие формы творчества, привычные для Запада долгое время, были быстро освоены и отечественными художниками. Слова «перфоманс», «видеоинсталляция» и т. п. стали привычными и в нашей речи, а в ряду самых значительных современных мастеров, имеющих мировую славу, – художники диаметральных по направлениям взглядов: З. Церетели, А. Шилов, Т. Назаренко, М. Кишев, А. Бурганов и многие другие.
Бурная, непредсказуемая новейшая история страны, занявшей шестую часть земной суши, смотрит в свое зеркало – искусство России 20 века – и отражается в нем тысячами незабываемых образов…
11.1 Отечественное искусство ХХ в. Общая характеристика | Искуству.ру
В развитии русской художественной культуры XX столетия чётко выделяются два периода — от начала века до 30-х гг. и 30—80-е гг. Первые два десятилетия XX в. — время расцвета русского искусства, особенно живописи и архитектуры. Стиль модерн, сложившийся в России в последней трети XIX в., глубоко изменил сознание мастеров, выдвинув на первый план проблему создания новых форм и выразительных средств. Художественная жизнь стала захватывающе интересной: одна за другой следовали выставки, вызывавшие, как правило, бурные дискуссии в прессе, издавались разнообразные журналы. Основные течения европейского искусства — фовизм, кубизм, футуризм и другие — получили в России блестящее развитие. Почти все они пришли на российскую почву с некоторым опозданием, поэтому художники сочетали черты разных стилей, создавая собственные, совершенно новые и уникальные варианты. В свою очередь и русское искусство нашло серьёзных ценителей на Западе. Европейские и отечественные мастера словно заново открыли друг друга, ощутив себя при этом единым творческим целым.Революция в октябре 1917 г., приведшая к власти коммунистов, изменила направление развития русского искусства. В первой половине 20-х гг. художники ещё продолжали эксперименты и поиски, создавали новые группы и объединения(АХР — Ассоциация художников революции; ОСТ — Общество станковистов ). Однако во второй половине десятилетия художественная жизнь начала испытывать всё нарастающее идеологическое и административное давление государства. Многие мастера были вынуждены уехать за границу, а оставшиеся подверглись травле в печати, лишились возможности выставляться, некоторые были арестованы. Основной удар приняли на себя те, кто тяготел к абстрактным формам изобразительного искусства.
Государственная идеология выдвинула в качестве главного художественного метода так называемый социалистический реализм — очередной вариант академического искусства, призванный воспитывать людей в духе коммунистической морали.
Социалистический реализм — основной творческий метод советсткого времени, продолжение дореволюционного метода критического реализма.( Б. Иогансон, С. Герасимов, Ю. Пименов, А. Пластов; портретная живопись М. В. Нестерова, П. Д. Корина)
В 1932 г. специальным правительственным указом были запрещены все независимые художественные объединения и создана государственная система творческих союзов — Союз художников СССР, Союз архитекторов СССР и т. п. Наступила эпоха тоталитаризма, когда любые формы культуры, не укладывавшиеся в нормы соцреализма, могли существовать только в нелегальных условиях (волна «подпольного авангарда» особенно мощной была в 60—70-х гг.). Ситуация стала постепенно меняться только во второй половине 80-х гг.
АРХИТЕКТУРА
В результате национализации земли и крупной недвижимости в городах единственным заказчиком строительных работ в советской России стало государство, т. е. правящая коммунистическая партия. Но в первое послереволюционное десятилетие её идеологический диктат ещё не сказывался на ис-кусстве архитекторов. Открытые конкурсы, дискуссии, оригинальные проекты и системы преподавания в художественных вузах составили картину небывалого творческого подъёма конца 10-х и 20-х гг. XX в. Тогда в зодчестве видели символ преобразования общества, строительства «нового мира». Спектр направлений был очень широк: от продолжения традиции неоклассицизма 10-х гг. до самого дерзкого новаторства. Зодчие-традиционалисты пытались создать «революционный» стиль на базе архитектурных форм прошлого, обобщая их, придавая им большую выразительность. Весьма популярным было наследие зодчества Древнего Востока. Его простой и ёмкий язык, его мотивы, говорящие о вечности и бессмертии, активно использовались в мемориальных ансамблях, таких, как памятник «Борцам революции» на Марсовом поле в Петрограде (1917—1919 гг., архитектор Лев Владимирович Руднев), Мавзолей В. И. Ленина в Москве (1924—1930 гг., архитектор Алексей Викторович Щусев).СКУЛЬПТУРА
После 1917 г. искусство скульптуры в России приобрело особое общественно-политическое значение. Советская пропаганда стремилась создать образ современности как героической эпохи, сказки, которая на глазах становится былью. Памятники, монументы играли ключевую роль в советской скульптуре.Некоторое время советская скульптура ещё сохраняла отголоски импрессионизма, модерна и авангарда начала XX в., но к концу 20-х гг. главным ориентиром для большинства ваятелей стала классика. Об этом красноречиво свидетельствовала выставка 1928 г., посвящённая десятилетнему юбилею революции. Здесь впервые были показаны напряжённо-драматичная композиция Ивана Дмитриевича Шадра (настоящая фамилия Иванов, 1887—1941) «Булыжник — оружие пролетариата». Автором монументального памятника, который явился символом советсткой России стала Вера Мухина. В.И. Мухина «Рабочий и колхозница».
Искусство России XX — начала XXI в.
Искусство России XX — начала XXI в.
Один из наиболее крупных разделов собрания Национальной галерея Республики Коми представляет искусство России второй четверти XX – начала XXI века. Разработанная в 1980-е годы концепция комплектования раздела предполагала три направления: представить искусство основных художественных центров страны Москвы и Ленинграда (Санкт-Петербурга), а также произведения художников северо-запада России.
Коллекция живописи российских мастеров насчитывает более 500 произведений. Не все периоды отражены в ней равноценно. Так, произведения 1920 – 1950-х гг. малочисленны и представлены именами В.М. Орешникова, Н.М. Ромадина, К.М. Максимова, С.А. Лучишкина, Б.Я. Ряузова, М.П. Кончаловского, Н.И. Антипина, Е.М. Шапошниковой-Иваненко. Более полно и разнообразно отражено искусство второй половины XX века. Произведения конца 1950 –1980-х гг. дают возможность проследить своеобразие двух ведущих художественных центров страны – Москвы и Ленинграда. Московская школа представлена в большинстве своем пейзажем. Это произведения Л.И. Бродской, Б.В. Щербакова, А.М. Грицая, Ю.П. Кугача, В.Н. Гаврилова, В.Ф. Стожарова, Р.Р. Фалька, Е.И. Зверькова, Г.А. Сысолятина, Ф.П. Глебова.
Сюжетно-тематическая картина представлена произведениями Ф.А. Модорова, В.Ф. Загонека, В.А. Дианова, А.М. Дубинчика, К.М. Максимова, Ю.А. Межирова, Н.И. Нестеровой, Б.П. Николаева, И.П. Обросова, В.И. Рейхет, Д.К. Свешникова.
«Суровый стиль», пришедший на смену «академизму» в конце 1950 – 60-х гг., представлен полотнами болгарской серии одного из его зачинателей П.П. Оссовского, северными панорамами А.А. Яковлева, концептуальным натюрмортом А.Ю. Никича-Криличевского, живописью Н.И. Андронова.
Разнообразие индивидуальных манер присуще творчеству «семидесятников». Искусство этого времени с его повышенным вниманием к человеческой личности, метафоричностью художественного языка, ярко отражено в коллекции портретами О.П. Филатчева, Е.Б. Романовой, М.А. Бирштейна, Е.Е. Моисеенко.
Ленинградская школа живописи представлена очень разными, но неизменно интеллектуальными, эстетскими, ассоциативными произведениями Е.Е. Моисеенко, Д.А. Бекарян, Г.П. Егошина, И.В. Голицына, В.И. Тюленева, В.И. Рахиной, Б.И. Шаманова.
В полотнах мастеров Северо-запада России предстает романтичный образ Русского Севера. В коллекцию галереи вошли произведения вологодских художников В.Н. Корбакова, А.В. Пантелеева, Г.И. Попова, Д.Т. Тутунджан, архангельского живописца В.И. Видякина, карельских художников Б.Н. Поморцева, С.Х. Юнтунена, В.С. Чекмасова, кировских живописцев И.А. Широковой, В.Г. Харлова и многих других.
Значителен раздел графики российских художников в собрании НГРК. Ленинградская школа станковой и книжной графики представлена именами Д.Б. Боровского, Ю.А. Васнецова, Г.С. Верейского, В.А. Ветрогонского, Б.Н. Ермолаева, Е.А Кибрика, В.И. Курдова, В.Ф. Матюх, Ю.М. Непринцева, А.Ф. Пахомова, К.И. Рудакова. Московская – произведениями Д.С. Бисти, И.Л. Бруни, И.Н. Воробьевой, А.Д. Гончарова, Б.В. Иогансона, Н.Н. Жукова, Кукрыниксов, Д.И. Митрохина, А.Г. Тышлера, Р.Р. Фалька, Н.А. Шишловского и многих других. Северо-западный регион в собрании скомплектован произведениями ведущих графиков Вологды (Г.Н. и В. М Бурмагины, В.У. Едемский), Архангельска (Г.А. Рябоконь, Г.А. Елфимов, В.С. Вежливцев), Петрозаводска (Т.Г. Юфа, Г.А. Стронк, О.Н. и О.С Юнтунены), Кирова (А.М. Колчанов, В.И.Ушакова), Великого Новгорода (Б.Л. Непомнящий).
Коллекция скульптуры России ХХ века включает более 80 произведений художников Москвы, Санкт-Петербурга, Нижнего Новгорода, Тамбова, Воронежа, Кирова, Петрозаводска и других городов. Это произведения, разнообразные по материалу (мрамор, гранит, бронза, гипс, терракота, фарфор) и технике обработки (резьба, лепка, литье).
Большую часть собрания составляет московская объемная пластика. Творчество 1920-х гг. представлено редким в искусстве этого времени рельефом И.Ф. Рахманова «Пролетарский гимн»; скульптурная пластика 1930-х гг. – композицией А.Е. Зеленского (А.Ф. Попова) «Отдыхающий пловец». Коллекция скульптуры 1940 – 1950-х гг. представлена «выставочной» пластикой. Это произведения В.А. Михалева, А.С. Мещерякова, В.В. Трофимова, Л.Е. Лондона, Г.А. Шульца. Такие крупные мастера скульптуры как Н.В. Томский, Л.Е. Кербель, Л.Ф. Лангинен (Ланкинен), Н.А. Лавинский представлены парадными портретами вождей пролетарской революции.
Среди работ ведущих мастеров скульптуры 1970-1980-х гг. выделяются произведения А.И. Рукавишникова, М.Н Смирнова, З.М. Виленского, В.А. Евдокимова, Е.Б. Преображенской, А.М. Ненашевой, А. Н. Филипповой-Рукавишниковой, И.Л. Слонима, В.Н. Керенского. Анималистический жанр отражен в произведениях С.И. Асерьянц, А.В. Марц, А.М. Белашова, С.М. и А.М. Миренских. Медальерная пластика представлена медалями В.К. Чибисова из серии «Советский Север».
Состав собрания российских художников значительно изменился с 2008 г. Два поступления из управления «РОСИЗО» и дар московского коллекционера Н.И. Корнилова обогатили раздел произведениями современных художников Москвы, Сибири, Азии, среди которых много молодых авторов, представляющих новые направления искусства начала третьего тысячелетия: А.В. Андрусенко, М. Белос, Г.Ю. Потоцкий, Л.Феодор, Ю.Фатеев, М.Югов, А. Элмар.
Раздел графики пополнился произведениями Н.Н. Жукова, В.Н. Горяева, Ю.П. Реброва, С.М. Харламова, А.А. Лебедева-Шуйского, М.А. Бирштейна, Л.В. Хинштейна, В.Г. Рогачева, М.В. Турецкой и др. Достойно дополняет этот ряд группа художников из Узбекистана, Киргизии, Азербайджана, Туркмении, Прибалтики, Украины, Сибири: А.-Н.-оглы Щыхалиев, Г.И. Чиганов, А.Н. Циглинцев, В.И. Чаусов, Г.М. Соков, В.Н. Петров (Камчатский), Ю.М. Капустин, И.В. Кагенаускайте, А. А. Чермошенцев и другие.
Декоративно-прикладное искусство России представлено произведениями ведущих мастеров росписи по фарфору (Е.П. Кубарской, С.Б. Велиховой, Н.Б. Гусевой, М.М. Тараева и др.), керамистов (К.Л. Иогансен, Л.С. Солодкова, П.С. Цвиликова, Н.М. Куприяновой, Р.В. Щипаревой и др.), художников стекла (Б.А. Смирнова, А.А. Винер, Е.А. Алексеевой (Батановой), Н.П. Матушевской, С.К. Пивоварова и др.), мастеров гобелена (А.П. Курзон) и росписи по ткани (Д.С.Беридзе, А.Б. Воронковой, Е.А. Асковой), ювелиров (В.Г. Поволоцкой, Ю.И. Паас-Александровой, Е.А. Шеремеева). В коллекции русских народных художественных промыслов представлены вологодское кружево, павлово-посадские платки, лаковая миниатюра Палеха, Холуя, Мстёры и Федоскино, художественные лаки Жостова и Нижнего Тагила, хохломская роспись, гжельская керамика, дымковская, абашевская, филимоновская и каргопольская глиняная игрушка.
В.Б. Соколова, Н.Ж. Беляева, О.К. Панкрушева, О.В. Орлова, Т.Д. Дубинина
Текст. ИЗОбразительное искусство 20 века
РУССКОЕ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО 20 ВЕКА
Начало XX в. оказалось переломным для живописи, которая с молниеносной быстротой, не только догнав, но и во многом опередив основные европейские художественные школы, совершила переход от старых принципов аналитического реализма к новейшим системам художественного мышления. Начало модернизму положили декадентство (фр. decadence (от лат. decadencia) — разложение, упадок) и символизм. Культура модернизма (от фр. moderne — новейший, современный), философско-эстетического движения в литературе и искусстве XX в., отразила кризис прежнего типа мировосприятия, кризис эстетики, которая по сравнению с новейшей стала именоваться классической. В изобразительном искусстве модерн проявил себя символизмом образов, пристрастием к иносказаниям (в живописи), текучестью форм, динамичностью композиций, особой выразительностью силуэта (в скульптуре).
В России символистское направление было представлено ярко и разнообразно не только художниками, но и поэтами, появилось чисто русское направление в поэзии символизма — акмеизм. По аналогии с пушкинским «золотым веком» этот период расцвета русской поэзии и искусства получил название «серебряный век».
Представители этого направления в искусстве сосредоточивали свое внимание на художественном выражении «вещей в себе» и идей посредством символов, причем эти вещи и идеи мыслились как нечто, находящееся за пределами чувственного восприятия человека. Они стремились с помощью символов прорваться сквозь видимую реальность к «скрытым реальностям», сверхвременной идеальной сущности мира, его «нетленной красоте». Своим искусством они выражали тоску по духовной свободе, трагическое предчувствие мировых социально-исторических сдвигов, недоверие к вековым культурным и духовным ценностям как к объединяющему началу всех людей Земли.
Важную роль культурного центра в начале XX в. играло творческое объединение поэтов-символистов и художников «Мир искусства» (1898-1924), созданное в Санкт-Петербурге А.Н. Бенуа и СП. Дягилевым. Деятельность этого объединения, протекавшая под лозунгом «искусство для искусства», дала толчок дальнейшему развитию художественной журналистики, выставочной деятельности, станковой живописи, декоративному и прикладному искусству, художественной критике. Живописи и графике «Мира искусства» присущи утонченная декоративность, стилизация, изящная орнаментальность. Заслугой «Мира искусства» было также создание новой книжной графики, эстампа, театральной декорации. На смену намеренно предметной, практической живописи передвижников, где каждый жест, шаг, поворот социально заострены, направлены против чего-то и в защиту чего-то, приходит беспредметная живопись мирискусников, ориентированная на решение внутренних живописных, а не внешних социальных проблем.
Члены объединения были желанными участниками ведущих европейских выставок. В выставочной деятельности объединения «Мир искусства» активное участие принимали выдающиеся художники XX столетия: А. П. Остроумова-Лебедева, М.В. Добужинский, А.Я. Головин, Л.С. Бакст, Е.Е. Лансере, К.А. Сомов, И.Я. Билибин, Н.К. Рерих, Б.М. Кустодиев, З.Е. Серебрякова, СВ. Чехонин, Д.И. Митрохин и другие.
Ориентация на традиции национальной художественной культуры XVIII — начала XIX в. должна была, по мнению мирискусников, способствовать возрождению русского искусства. Художники объединения увлекались немецкой романтической литературой, модернистской живописью англичан, импрессионизмом французов.
Вдохновитель и организатор «Мира искусства», художник, историк искусства и критик А.Н. Бенуа (1870-1960) создал стиль романтического историзма, передавая в журнальных и книжных иллюстрациях дух прошедших эпох. В искусствоведческих трудах Бенуа впервые обосновал самобытные черты русской национальной художественной традиции на фоне других европейских школ. Монументальным вкладом в мировое искусствознание стала его четырехтомная «История живописи всех времен и народов» (1917). Ученый и художник, он активно боролся против безвкусицы и варварского отношения к памятникам истории и искусства, выступал против русского авангарда, участвовал в музейной работе (в 1918 г. возглавил картинную галерею Эрмитажа). В 1926 г., разочаровавшись в революции, Бенуа обосновался в Париже.
После 1915 г. Москва становится столицей новаторского искусства. С 1916 по 1921 г. именно здесь формируются авангардные тенденции в живописи. Набирает силу объединение «Бубновый валет» (П.П. Кончаловский, A.B. Куприн, P.P. Фальк, A.B. Лентулов, H.A. Удальцова и другие) и кружок «Супремус» (К.В. Малевич, О.В. Розанова, И.В. Клюн, Л.С. Попова). В Москве и Петербурге то и дело возникают новые направления, кружки и общества, появляются новые имена, концепции и подходы. Революция 1917 г. заставила живописцев перенести новаторские эксперименты из замкнутого пространства мастерских на открытые площадки городских улиц. Открываются художественные вузы, в Москве создаются Институт художественной культуры (Инхук) и Высшие художественно-технические мастерские (Вхутемас).
Русские еще продолжают осваивать французский фовизм, а вот немецкий экспрессионизм, в котором русская составляющая (В.В. Кандинский, А.Г. Явленский, М.В. Веревкина — ядро мюнхенской группы «Синий всадник») играла ведущую роль, удивить их ничем не может. Постепенно моду в России начали задавать два европейских художественных течения — французский кубизм и итальянский футуризм. Однако у нас кубизм приобрел специфическое «абстрактное» звучание.
В частности, последовательным кубофутуристом был один из основателей объединения «Бубновый валет» A.B. Лентулов (1882-1943). Художник разработал самобытный тип футуристического панно, трактующего мир как калейдоскоп динамических красок и форм («Победный бой», 1914). Его феерически-праздничные, как бы рассыпающиеся или, напротив, возникающие из красочной стихии образы старинной московской церковной архитектуры («Василий Блаженный», 1913; «Звон» («Колокольня «Иван Великий»»), 1915 и др.) создают впечатление бравурно-оптимистического звучания.
Не менее восторженный прием встретил в России итальянский футуризм, с пренебрежением отвергнутый в Париже и Мюнхене. Движение, получившее в России наименование «футуризм» (от лат. futurum — будущее), было богаче и многообразнее того, что было представлено итальянским футуризмом. Не обремененные традициями кубизма и футуризма, как Франция и Италия, русские безудержно экспериментировали, добившись такого синтеза, который оказался не по силам даже парижанам. Русский синтез был прежде всего концептуальным. Он явился результатом творчества многочисленных группировок художников, объединившихся в петербургской ассоциации «Союз молодежи».
Одной из центральных фигур русского авангарда был В.Е. Татлин (1885-1953), считающийся основоположником конструктивизма, течения, которое до 1921 г. официально признавалось властями в качестве ведущего направления революционного искусства. Он прожил интересную, насыщенную жизнь. В конце 1900-х — начале 1910-х гг. художник сблизился с отечественными авангардистами, прежде всего с М.Ф. Ларионовым и Н.С. Гончаровой, поэтами Велимиром Хлебниковым, А.Е. Крученых, среди которых достаточно быстро выдвинулся на одно из первых мест. После Октябрьской революции Татлин энергично включился в общественно-художественную жизнь: в 1917 г. был председателем «молодой фракции» в профессиональном союзе художников-живописцев, с 1918 г. — председателем Московской художественной коллегии Наркомпроса, инициатором создания музеев нового типа («музеев художественной культуры»), председателем Объединения левых течений в искусстве (1921 -1925), руководил Отделом материальной культуры Гинхука (1923-1925) в Петрограде.
Сущность конструктивизма составляла идея практичного, утилитарного использования абстрактного искусства. Татлин и конструктивисты прославились одним из самых грандиозных сооружений начала XX в. — памятником III Коммунистическому интернационалу (1919-1920). Спиральная башня высотой 400 м включала в себя куб, пирамиду и цилиндр, предназначавшиеся для размещения залов конгрессов, различных учреждений и радиостанции, которая должна была распространять информационные сообщения через громкоговорители. «Башня Татлина», превосходившая в полтора раза по высоте Эйфелеву башню, была задумана как административный и агитационно-пропагандистский центр Коминтерна — организации, готовившей человечество к мировой революции. Конструкция из металлических балок и четырех вращающихся с разными скоростями прозрачных объемов должна была вмещать исполнительные, законодательные и пропагандистские учреждения Коминтерна. Применение технологически новых материалов и абстрактные формы, полностью лишенные какого-либо привкуса традиций, наглядно отражали дух революции. Сам Татлин считал свое творение высшей точкой синтеза разных искусств.
Конструктивизм оказался чрезвычайно плодовитым не столько в фундаментальной, сколько в прикладной сфере искусства. От него берут начало два культурных начинания XX в. — дизайн и производственное искусство, которое считается ветвью или направлением дизайна. Первое получило мировое признание, второе осталось на уровне «домашней заготовки «.
Одной из ключевых фигур в искусстве XX в. является гениальный русский живописец, график, книжный иллюстратор, теоретик искусства П.Н. Филонов (1881 -1941), создатель самостоятельного направления русского авангарда — так называемого аналитического искусства. Вступление в 1910 г. в «Союз молодежи» и сближение с членами группы «Гилея» (В.В. Хлебников, В.В. Маяковский, В.В. Каменский, А.Е. Крученых, братья Бурлюки и др.) оказало влияние на становление Филонова, вскоре превратившегося в одного из самых заметных живописцев русского авангарда. В 1916-1918 гг. он воевал на фронте, а в 1920-х гг. создал цикл работ, посвященных гражданской войне, революции, петроградскому пролетариату, стал организатором Гинхука в Петрограде.
Филонов называл себя художником-исследователем, понимая процесс создания картины как процесс исследования каждого микроэлемента его структуры. Основой своего аналитического метода он объявил «принцип сделанности»: кропотливая проработанность каждого квадратного миллиметра живописной поверхности служила условием создания даже большой картины. Большие холсты писались маленькой кистью. Каждый мазок означал «единицу действий», требующую предельного творческого напряжения. Филоновский метод предполагал, что зритель должен принять не только то, что художник видит в мире, но и то, что знает о нем. Филонов утверждал, что художественная картина должна выражать кроме формы и цвета целый мир видимых и невидимых явлений, известных и тайных свойств, имеющих бесчисленные предикаты. Работы Филонова («Формула мирового расцвета», 1916; «Формула космоса», 1919; «Запад и Восток», 1913 и др.) переданы его сестрой в дар Государственному Русскому музею.
Одним из крупнейших представителей сюрреализма был М.З. Шагал (1887-1985). Он родился в Витебске, но в 1922 г. эмигрировал за рубеж. В предреволюционные витебские и петроградские времена были созданы эпические картины из цикла «Любовники», жанровые, портретные, пейзажные композиции. В 1920-1930-е гг. Шагал путешествовал по многим странам мира, подружился с П. Пикассо, А. Матиссом, Ж. Руо, П. Боннаром, П. Элюаром и др. Его второй родиной стала Франция.
До конца своих дней Шагал называл себя «русским художником», подчеркивая родовую общность с российской традицией, включавшей в себя и иконопись, и творчество Врубеля, и произведения безымянных вывесочников, и живопись крайне левых. Действие в необычных шагаловских полотнах развертывалось по особым законам, где были сплавлены прошлое и будущее, фантасмагория и быт, мистика и реальность. Визионерская (сновидческая) сущность произведений, сопряженная с фигуративным началом, с глубинным «человеческим измерением», сделала Шагала предтечей таких направлений, как экспрессионизм и сюрреализм. Обыденную действительность на его холстах освящали и одухотворяли вечно живые мифы, великие темы круговорота бытия — рождение, свадьба, смерть.
В послереволюционный период в России произошел раскол на так называемых левых и правых художников. Объяснялось это тем, что с победой Октябрьской революции советская власть сразу приступила к осуществлению новой культурной политики. Под этим подразумевалось создание невиданного в истории — пролетарского — типа культуры, опирающегося на самую революционную и передовую, как тогда считали, идеологию марксизма, воспитание нового типа человека, распространение всеобщей грамотности и просвещения, создание монументальных художественных произведений, воспевающих трудовые подвиги простых людей, и т.д. Как мыслилось, пролетарская культура должна была прийти на смену дворянской и буржуазной культурам. Художники-авангардисты (Кандинский, Малевич, Шагал, Татлин и др.), которые и в предреволюционное время декларировали новые принципы в искусстве, восприняли преобразования с энтузиазмом и стали именовать свое творчество «левым искусством». Однако со временем они и другие деятели искусств, в том числе такие яркие художники, как М.Ф. Ларионов, Н.С. Гончарова, М.В. Добужинский, В.М. Кустодиев, З.Е. Серебрякова, разочаровавшись в советской власти, покинули Россию. С эмиграцией творческой интеллигенции закончился «серебряный век» русского искусства и русской литературы.
Другой лагерь, который можно назвать «правым», являл собой сообщество политически ангажированных художников, стоявших на твердых принципах социалистического реализма. «Правый» лагерь был неоднороден, и в нем просматриваются по крайней мере два направления. Первое направление воскрешало традиции передвижников XIX в. и группировалось вокруг созданной в 1922 г. «Ассоциации художников революционной России» (АХРР), члены которой (И.И. Бродский, A.M. Герасимов, М.Б. Греков, Б.В. Иогансон, Е.А. Кацман, Г.Г. Ряжский) видели свою задачу в том, чтобы в художественной форме отобразить триумфальное шествие по стране советской власти. Повседневная счастливая жизнь крестьян и рабочих, подвиги бойцов Красной армии, забота партии и правительства о простых людях становятся темами «героического реализма». Один из самых крупных художников АХРР И.И. Бродский (1883-1939) создает галерею портретов Ленина и цикл историко-революционных картин, в том числе знаменитое полотно «Расстрел 26 бакинских комиссаров» (1925). Специализируются на героических портретах и другие ахрровцы: A.M. Герасимов («Ленин на трибуне», 1930), СВ. Малютин (портрет Фурманова, 1922), H.A. Андреев (портрет Сталина, 1922), Б.В. Иогаисон («Допрос коммунистов», 1933). Групповые образы героев революции создают М.Б. Греков («Тачанка», 1925), К.С. Петров-Водкин («Смерть комиссара», 1928), A.A. Дейнека («Оборона Петрограда», 1928). Второе направление социалистического реализма связано с воспеванием красоты родины. Например, К.Ф. Юон создавал жизнерадостные пленэрные пейзажи, И.И. Машков, в прошлом один из создателей «Бубнового валета», пишет экспрессивные красочные пейзажи и натюрморты, А.Е. Архипов специализировался на лирических пейзажах и изображениях жизнерадостных крестьянок.
Произведения 1930-х гг. посвящены прославлению либо счастливой деревни после коллективизации (СВ. Герасимов «Колхозный праздник», 1937) и доблести и силы армии (С.А. Чуйков «На границе», 1938), либо руководителей партии, среди которых ведущее место занимает Сталин.
Ухудшение художественной атмосферы в стране стало ощущаться сразу после смерти Ленина в 1924 г., в эти годы усиливается партийный контроль, газета «Правда» отводит свои страницы под выступления против «абстрактных измышлений, вдохновленных мелкой буржуазией». ЦК партии большевиков призывает художников создавать реалистическое искусство революционной пропаганды, доступное массам.
Резкой критике подвергается творчество К. Малевича, а самого художника неоднократно арестовывают. В результате после тяжелой болезни выдающийся новатор XX в. умирает. В те же 1920-х гг. подверглись идеологической травле П. Филонов и группа его учеников «Мастера аналитического искусства» (МАИ). К 1924 г. перестают существовать Музей живописной культуры, Инхук. Один за другим следуют удары по советскому авангардизму. В. Кандинский и Эль Лисицкий вынуждены были уехать из России и поселиться в Германии. В 1930-е гг. начинают шельмовать как «формалистическое» творчество В. Татлина. Потеряв почву для существования в России, беспредметное искусство обращается к западной аудитории. Его традиции наследуют уже европейские художники.
С началом Великой Отечественной войны перед изобразительным искусством встает новая задача — использовать силу искусства как оружие против врага. Поэтому на первое место в графике (как и в годы революции) выдвинулся плакат. В первые два года войны в нем преобладало драматическое звучание. Уже 22 июня появился плакат Кукрыниксов «Беспощадно разгромим и уничтожим врага!». Всем известен плакат И. Тондзе «Родина-мать зовет» (1941). После перелома в войне меняется настроение и образный строй: оптимизмом и народным юмором проникнут плакат Л. Голованова «Дойдем до Берлина!» (1944).
В годы войны появились значительные произведения станковой графики: быстрые, документально-точные фронтовые зарисовки, портретные рисунки бойцов, партизан, моряков, санитарок, пейзажи войны, а также серии графических листов на одну тему (например, графическая серия Д. Шмаринова «Не забудем, не простим!», 1942).
После войны основной темой стал мирный труд. Классикой советского искусства стали жизнерадостные по цвету, полнозвучные живописные произведения А. Пластова «Сенокос» (1945), Т.Н. Яблонской «Хлеб» (1949), A.A. Мыльникова «На мирных полях» (1953), «Ужин тракториста» (1951). В пейзажном жанре образ земли, исковерканной войной, сменяется изображением природы, находящейся в гармонии с человеком (С.А. Чуйков «Утро», 1947). Эпическое начало характерно для творчества М. Сарьяна. Развивается и портрет. В этом жанре работают П. Корин, И. Грабарь, М. Сарьян.
В 1940-1950-х гг. в связи с восстановлением разрушенных городов и новым строительством интенсивно развивается монументально-декоративное искусство. Монументальная живопись находит применение в украшении общественных зданий, постепенно она проникает в небольшие помещения кафе, клубов, детских садов. Ведущими мастерами в этой сфере изобразительного искусства были А. Дейнека, В. Фаворский, П. Корин. П. Корин создавал также мозаики для московского метрополитена.
В 1950-е гг. активно развивается эстамп — печатная станковая графика в разных техниках: ксилографии, линогравюры, литографии, офорта. Эстамп этого периода разнообразен по тематике — это трудовые будни, портрет, пейзаж, натюрморт, бытовые, жанровые сцены.
На рубеже 1950-1960-х гг. художественная жизнь активизируется. В 1957 г. состоялся Первый Всесоюзный съезд советских художников, на котором были подведены итоги прошедшего и определены пути дальнейшего развития советского искусства. В этом же году состоялась Всесоюзная художественная выставка, экспозиция которой была построена по республикам.
Идут поиски новых выразительных средств в каждом из видов изобразительного искусства. Художники разрабатывают новый, так называемый суровый стиль (А. Каменский) — для воссоздания действительности без обычной для 1940-1950-х гг. парадности и бесконфликтности. Художники Н. Андронов, П. Никонов, В. Попков и другие обратились к сдержанной, обобщенной форме, композиции их картин лапидарны, рисунок жесток и лаконичен, цвет условен.
В 1970-1980-х гг. появляется новое поколение художников — О. Булгакова, Т. Назаренко, Н. Нестерова, А. Ситников и др. Они много размышляют о традиции, истории, красоте. Их живописная манера богата театральной зрелищностью, артистична, виртуозна. Возрастает роль монументально-декоративного искусства.
Отечественное искусство последних десятилетий чрезвычайно многообразно. С началом перестройки произошла легализация различных неформальных и «андеграундных» объединений.
Современное российское искусство развивается в многообразных, свободных формах и, таким образом, в настоящее время происходит переход от моностилизма к полистилизму.
Стили и направления живописи
Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.
Абстракционизм(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).
Авангардизм(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.
Академизм
(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.
Акционизм(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.
Алла прима(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.
Ампир(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины “Клятва Горациев” (1784), “Брут” (1789))
Анималистика(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.
Аппликация(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.
Анахронизм(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.
Андеграунд(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.
Арте повера(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.
Ар нуво(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.
Арт деко
(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).
АэрографияТехника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.
Барокко(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.
Бидермейер(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.
Батальный жанр(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.
Бытовой жанр(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.
Ванитас(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.
Ведутажанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.
Веризм(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.
Возрождениеили РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи – XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения – светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).
Геометрический абстракционизмвид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.
ГиперреализмФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.
Городской пейзаж(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.
Готика(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.
Графикаискусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.
Гризайль(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.
Дадаизм(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).
Декоративная живописьживопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.
Дивизионизм(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.
Импрессионизм(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.
Караваджизмстиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.
кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.
Классицизм(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.
Клуазонизм(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.
Конструктивизмнаправление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.
Космизм(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.
Кубизм(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).
Кубофутуризмнаправление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.
ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)
Лучизмживописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.
(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.
Метареализм(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.
Мизерабилизм
(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.
Минимализм
(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.
Модерн
(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).
Модернизм
(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.
Натюрморт
(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.
Наив, наивное искусство
изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.
Натурализм
(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.
Неоклассицизм
Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)
Неопластицизм
одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).
НеореализмНеореализм
художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.
Неоэкспрессионизм
направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.
Ню(произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.
Оп-Арт(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.
Орфизм(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.
(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.
Пастораль
(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.
Примитивизм
стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.
Поп-арт
(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.
(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.
Постимпрессионизм
(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.
Постмодернизм
(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.
Прерафаэлитизм
(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.
Проторенессанс
(произошло (от греч. protos – первый и фр.Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.
Пуантилизм
(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).
Пуризм
(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.
Реализм
(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.
Рококо
(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.
Романтизм
(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).
Иппический жанр
(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.
Исторический жанр
жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.
Каприччо(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.
Марина
МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ (произошло от фр. marine, итал.marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И.К.Айвазовский (1817-1900).
Сентиментализм
(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.
Символизм
(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.
Стрит-арт(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.
Материал подготовлен студией Art-Spb
«Изобразительное искусство Кубани в 19 –начале 20 века».
Тема урока: Изобразительное искусство Кубани в XIX веке.
Цели:
воспитательная
обучающая
формировать у учащихся представление о развитии изобразительного искусства на Кубани;
познакомить с творчеством художников, проживавших на Кубани;
развивающая
Оборудование: мультимедийный проектор, компьютер, мультимедийная презентация.
Ход урока
Организационный момент.
Проверка знаний по предыдущей теме.
Сообщение темы и цели урока.
Сегодня на уроке мы продолжим знакомиться с культурой Кубани. Сообщение цели урока.
Новый материал.
Любите живопись, поэты!
Лишь ей, единственной, дано
Души изменчивой приметы
Переносить на полотно.
Нужно сказать, ребята, что Кубань нуждалась не только в архитекторах, но и в своих художниках. Сегодня вы узнаете о том, как происходило развитие изобразительного искусства на Кубани, познакомитесь с жизнью и творчеством кубанских художников.
Запишите тему урока в тетрадь.
По ходу урока каждый из вас будет заполнять таблицу. Это будет ваш опорный конспект, который поможет хорошо усвоить материал и справиться с заданиями в конце урока.
№ | ФИО художника, годы жизни | Этапы жизни, основные биографические данные | Особенности творчества, картины |
1 | |||
2 | |||
3 | |||
4 |
Вы помните, ребята, что кубанское войсковое правительство заботилось об одарённых детях казаков и отправляло их за счёт войсковой казны для получения образования в лучшие учебные заведения России. Так как Кубань нуждалась в своих художниках, то вслед за Иваном Черником в Петербургскую Академию художеств был отправлен в 1836 году молодой казак — Пётр Афанасьевич Шамрай.
Сообщение ученика:
Имя черноморского художника П.Шамрая обычно употребляется вкупе с именем Елисея Черника. Оба екатеринодарца одновременно поехали учиться в Санкт-Петербург, в Академию художеств, правда, находились в столице разное количество лет, оба вернулись в родной город и творили на благо родного войска, отдавая все свои силы и талант архитектора и художника. Войско следило за учебой своих посланников, интересовалось тем, какие науки им преподают (Е.Чернику — архитектурные художества, теорию строительного искусства, П.Шамраю – теорию изящных искусств и анатомию. П.Шамрай окончил академический курс в сентябре 1842 г. и, будучи выпущен со званием художника, оставлен был для художественных занятий в Академии на 1843г. по распоряжению войскового правления Черноморского казачьего войска. Шамрай участвовал под руководством Бруни в росписи Исаакиевского собора и соборной церкви в Екатеринодаре. К сожалению, пока полностью неизвестен его творческий путь и не выявлены все живописные работы, эти темы ждут своих исследователей. Однако и то, что удалось выяснить, показывает, что вклад П. Шамрая в культуру Черномории несомненен.
Учитель:
Сообщение ученика:
Пётр Сысоевич Косолап родился в Екатеринодаре 16 декабря 1834 г. в известной казачьей семье. После успешного окончания Павловского кадетского корпуса в 1856г. он получил чин и отбыл на Кавказ. Ещё в корпусе обратил на себя внимание его рисунок «Трагическая гибель наполеоновской армии в ледяных российских полях». Но только в 1861 г. он поступил в Академию художеств, где окреп и развился его талант. Уже в 1863 году на академической выставке была представлена его картина «Сумасшествие». Она была удостоена малой серебряной медали.
На следующий год была выставлена картина «Возвращение из ссылки». Косолап одним из первых показал ссыльного. За эту картину ему была присуждена первая серебряная медаль. В 1867 г. Косолапа за его картину «Последние минуты Шамиля в Гунибе» наградили большой золотой медалью.
Подъём его таланта — это 1894 г., когда был объявлен кубанский конкурс на лучший проект памятника запорожским казакам, высадившимся на Тамани 25.08.1792г.
Образ казака-черноморца, созданный им, нашёл отражение в этом памятнике, открытом в 1911г.
Долгие годы Косолап проработал преподавателем каллиграфии и чистописания в Мариинском женском училище.
Так незаметно прошла его жизнь. О нём мало кто знает или слышал. О его смерти в феврале 1910 года не упомянула ни одна газета. Его картина «Сумасшествие» хранится в Государственном Русском музее. Другие работы — в частных коллекциях или утеряны, поэтому широкому кругу зрителей неизвестны.
Учитель:
Особую роль в художественной жизни Екатеринодара и Кубани сыграл Евгений Иванович Посполитаки.
По окончании Кубанской войсковой гимназии Посполитаки поступил в строительное училище в Санкт-Петербурге. Переход из училища в Академию художеств, а затем продолжение учёбы в лучших художественных заведениях Парижа, окончательно связали его жизнь с искусством. С 1881 г. он постоянный участник художественных выставок в Москве. Его картины покупает Третьяков. В 1893г. он устраивает выставку своих картин в Екатеринодаре. 3 его картины покупает Ф. Коваленко. В 1898 г.
Просветительская деятельность Посполитаки на рубеже XIX-XX вв. оставила значительный след в культурной жизни Кубани. С его именем связано открытие в Екатеринодаре школы рисования – первого частного художественного учебного заведения на Кубани.
Открывая в 1898 году свою школу, художник руководствовался целью «распространять в обществе художников развитие и вкус». Школа располагалась на втором этаже его собственного дома (по ул. Красной, 34). Пятая часть слушателей училась за счет основателя школы. Отчетные выставки позволяли судить о росте молодых художественных сил. Из стен этой школы потом выйдут известные кубанские художники Рачев, Шариков, Аветисян; Заслуженные художники России В. К. Нечитайло, А.Г. Лысенко.
Аналитическая работа по картине.
Изобразительное искусство, так же, как и другие виды искусств, имеет свои внутренние разновидности – жанры. Особенно ярко деление на жанры проявляется в живописи, где различие жанров происходит по предмету изображения. Вспомним жанры изобразительного искусства:
если изображена природа – это… (пейзаж)
вещи — …(натюрморт)
человек -…(портрет)
события жизни — …(сюжетно-тематическая картина)
К какому жанру принадлежит эта картина? Что на ней изображено? Как называют художников, которые пишут море? (Маринисты).
Какие краски использовал автор?
Какое настроение передал художник, использовавший эти цвета?
Какое время суток, на ваш взгляд, изобразил автором?
Это отрывок из стихотворения замечательного русского художника — Александра Александровича Киселёва, который неоднократно бывал на Кубани.
Сообщение ученика:
Александр Александрович Киселев (1838–1911), художник-пейзажист, входивший в «Товарищество передвижников», объединявшее таких мастеров русской живописи, как И. Е. Репин, В. И. Суриков, В. Г. Перов, В. М. Васнецов, И. И. Левитан, И. И. Шишкин и др.
Профессор, академик живописи А. А. Киселев написал более 800 картин. Его работы хранятся в Третьяковской галерее, Русском музее, в художественных музеях и частных коллекциях в России и за рубежом.
В истории русской пейзажной живописи его картины «Кадошские скалы», «Окрестности Туапсе», «Скалистый берег», написанные в Туапсе, занимают видное место.
Учитель:
С 1890-го года каждое лето Александр Александрович Киселёв проводил на даче на мысе Кадош и в доме в Туапсе. В этом доме сейчас находится музей художника.
В собрании музея более 3 тыс. экспонатов, в том числе и 20 картин этого художника.
Посмотрите, перед вами некоторые из них.
Скала, изображённая на картине «Кадошские скалы», сейчас носит имя художника.
Сообщение ученика:
Похитонов Иван Павлович (1850-1923), русский художник, живописец, мастер пейзажа, близкого барбизонской школе.
Родился в селе Матреновка (Херсонская губерния) 27 января (8 февраля) 1850 в семье помещика. В 1868 поступил в Петровско-Разумовскую земледельческую и лесную академию в Москве, но на следующий год был исключен за участие в народовольческом кружке и выслан в Матреновку под надзор полиции. В 1870-1871 изучал зоологию и орнитологию в одесском Новороссийском университете. Как художник сложился в основном самостоятельно, с той поры, как начал бывать за границей (с 1871). В 1877 обосновался в Париже; с 1893 жил преимущественно в Бельгии, в пригороде Льежа. Получил известность своими живописными «миниатюрными перлами» (как их называл И.Е. Репин), преимущественно пейзажными. Писал тонкой кистью на дощечках красного или лимонного дерева, загрунтованных по особой технологии. Находясь большую часть жизни за границей, тем не менее сохранивший верность идеалам русской культуры, гражданственность И. П. Похитонов поддерживал постоянные контакты с П.М.Третьяковым, участвовал на выставках передвижников. Его пейзажи отличает характерное умение раскрыть одухотворенность и красоту природы в самых обыкновенных ее проявлениях.
Закрепление изученного. Тест.
Рефлексия.
Подводя итог нашего урока, мне бы хотелось, чтобы вы сказали о нём несколько слов, начиная свою речь с любого из представленных выражений.
Домашнее задание. 8. Итог урока: оценки за урок, пожелание.
5
история взаимодействия» – тема научной статьи по искусствоведению читайте бесплатно текст научно-исследовательской работы в электронной библиотеке КиберЛенинка
КУЛЬТУРОЛОГИЯ
«ПОЛИТИКА И ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО В РОССИИ: ИСТОРИЯ ВЗАИМОДЕЙСТВИЯ»
Белых М.А.,
студентка 4 курса социально-теологического факультета
им. митрополита Московского и Коломенского Макария (Булгакова), Белгородский государственный национальный исследовательский
университет, г. Белгород;
Научный руководитель: Бардыкова И.В.,
к. философ. наук, доцент кафедры культурологии и политологии, Белгородский государственный национальный исследовательский
университет, г. Белгород.
Аннотация: В статье представлен ретроспективный анализ взаимодействия государства и изобразительного искусства. Делаются предположения о дальнейших перспективах взаимоотношения искусства и политики в РФ.
Ключевые слова: политика, изобразительное искусство, современное искусство, искусство как пропаганда.
Summary: The article presents a retrospective analysis of the interaction between politics and the fine arts. The author makes assumptions about the future prospects of the relationship between art and politics in Russia.
Keywords: politics, fine arts, contemporary art, art as propaganda.
История и теория искусства в наши дни не обходятся без изучения политических и идеологических аспектов в анализе изобразительного искусства практически всех периодов и географических регионов, так как именно в изобразительном искусстве более всего отразились реализуемые политические и культурные идеологемы. Стоит помнить, что многие столетия художник в социальной иерархии занимал весьма низкое положение и был всего лишь слугой государя и исполнителем заказов. Только во II-й половине XVIII века произошел переворот в сознании высших слоев общества [3, с. 65]. В это время происходит смена религиозной парадигмы на парадигму личностную и переключение внимания на приоритет эстетического через наслаждение художественными полотнами.
Изобразительное искусство России на разных временных этапах не становится исключением. После принятия христианства главными заказчиками произведений искусства стали государство и церковь. Именно они выступали заказчиками масштабных строительств, создания фресок, икон, литературных произведений. Нельзя не отметить благотворности этого влияния, так как именно в русской храмовой культуре наивысшего расцвета достигают все виды искусства. Эту тему подробно развивает П.А. Флоренский в своей работе «Храмовое действо как синтез искусств».
Искусство периода Киевской и Московской Руси оставалось анонимным и выступало инструментом усиления религиозных и патриотических чувств. Многие виды искусства использовались для подтверждения высокого статуса «Москва — Третий Рим». Художники создавали идеализированные величественные образы правителей-вождей. Из чего следует то, что отношения между искусством и церковью или государством были, скорее, вертикальными.
Политический заказ на произведения искусства и на изменение картины мира ярко просматривается в эпоху Петровских реформ, кардинально изменивших культурный облик Российской империи. Новые идеи нашли отражение во всех видах искусства. Главным изменением в изобразительном искусстве становится освобождение искусства от церковного влияния и формирование светской живописи. Активно развивается портретный жанр. Петр I отправляет молодых художников за границу для обучения и включения в модные европейские тенденции. Постепенно начинает формироваться система профессионального обучения граверов и живописцев.
Появление романтизма в изобразительном искусстве России XIX века часто связывают с событиями политическими, когда в связи с подъемом национального самосознания в эпоху антинаполеоновских войн начинает формироваться национальная модель мира. Расширяется жанровая специфика живописи — развиваются пейзаж, исторический, батальный, бытовой и другие жанры. Уместно вспомнить деятельность «передвижников», первых серьезных противников ограничения свободы художника, и их стремление проводить своеобразную культурную политику — просвещение путем демонстрации искусства народным массам. Цель передвижных выставок состояла в желании показать облик России и душу русского народа. Творческие поиски передвижников нашли подлинные образы русской ментальности, близкие как народу, так и интеллигенции.
Если искусство XIX века просвещало, проповедовало и обличало, то искусство XX века больше стремилось преобразовать жизнь и слиться с ней. Важной составляющей деятельности людей этого периода стала реализация своеобразной культурной политики, выраженной в трансляции достижений русской культуры за рубежом (деятельность С. Дягилева, разнообразных художественных объединений).
Одной из причин появления русского авангарда явилась произошедшая в начале XX века научная революция, подорвавшая основы мировидения и отвергнувшая общепринятые ценности. Люди этой эпохи утратили четкое видение своего положения в системе мироздания. Для искусства характерны теософские поиски, разочарование в ценностях европейской культуры и обращение взгляда на Восток. Изобразительное искусство становится практически аполитичным и ориентируется на внутренний мир художника, на его духовные поиски и переживания.
Апологетом идеологизации стала эпоха советского режима, когда все виды искусства были взяты на вооружение и активную пропаганду нового государственного строя и образа жизни. Больше всего на этом поприще преуспела графика в виде агитмассовых плакатов и карикатур.
После падения советского режима взаимоотношения между властью и культурой претерпели существенные изменения. Прежде всего, это было связано с утратой интереса государственного аппарата к сферам культуры как механизму формирования мировоззрения нового поколения, в появлении свободы творчества для мастеров культуры, а для общества — в свободе удовлетворения культурных потребностей.
XXI век ознаменовывается периодом творческих поисков и появлением новых видов изобразительного искусства (боди-арт, стрит-арт, энвайронмент, кинетическое искусство и пр.). Эти изменения побуждают авторов пересматривать границы своей свободы и творчества, что иногда приводит к столкновению с государственными, церковными или общественными интересами.
Политизация искусства в период господства клипового сознания оказывает серьёзное влияние на мировоззрение и ценностное ориентирование. Нигилизм, отрицание авторитетов, абстрактность, оскорбление морали и устоев большинства — это не обязательные черты современного искусства, но именно их стремятся развивать и культивировать отдельные авторы и критики. В политической сфере художественность становится оправданием ряда действий, которые по сути своей остаются эпатажным хулиганством. Само же искусство, его различные ипостаси, оказывается частью глобального мировоззренческого спора, столкновения в борьбе за влияние над массовым сознанием западного постмодернизма и традиционных консервативных ценностей России.
Культурная политика в России находится на стадии формирования. Знаковым событием стало утверждение Президентом РФ значимого документа: «Основ государственной культурной политики» в конце 2014 -начале 2015 гг. [4, с.21]. С.С. Загребин, анализируя положения этого документа, пишет, что в его тексте были заложены принципиально новые подходы к трактовке роли культуры в обществе и направлений культурной политики государства. В орбиту культуры и культурной политики включается весь социокультурный универсум, прослеживается ориентация культурной политики на сохранение и развитие в обществе традиционных культурных ценностей.
Закреплением выдвинутых положений стали Указы Президента РФ, когда 2012 год был объявлен Годом российской истории, 2014 — Годом культуры, 2015 — Годом литературы, 2016 — Годом российского кино. В обществе развернулись дискуссия об отечественной истории и культуре. В средствах массовой информации, на телевидении проходили различные социологические опросы, дискуссии, ток-шоу, полемические
аналитические программы, в которых выявлялись и презентовались полярные взгляды на судьбоносные проблемы российской истории и культуры.
Дальнейшее документальное развитие положений государственной культурной политики закрепляется в Распоряжении Правительства РФ «Об утверждении Стратегии государственной культурной политики на период до 2030 года» [1] и Указе Президента РФ «Об утверждении Основ государственной культурной политики [2]. Возможно, эти документы откроют новую страницу во взаимоотношениях изобразительного искусства и политики, художника и власти.
Список использованных источников:
1. Распоряжение Правительства РФ от 29.02.2016 N 326-р «Об утверждении Стратегии государственной культурной политики на период до 2030 года» // [Электронный ресурс] URL: http://docs.cntd.ru/document/ 420340006. Дата обращения: 09. 10. 2016 г. 17.00.
2. Указ Президента РФ от 24.12. 2016 N 808 «Об утверждении Основ государственной культурной политики» // [Электронный ресурс] URL:
http://www.consultant.ru/cons/cgi/online.cgi?req=doc;base=LAW;n=172706#0. Дата обращения: 09. 10. 2016 г. 17:30.
3. Жидков В. С., Соколов К. Б. Культурная политика России: теория и история. М.: Академический проект, 2001.
4. Загребин С. С. Культурная политика в постсоветской России 1991-2015 гг. // Вестник ЮУрГУ. Серия «Социально-гуманитарные науки». 2015. №4.
Русское искусство: история, движение и факты
Просвещение и вестернизация
Религиозное искусство доминировало в России на протяжении многих веков. Лидеры даже препятствовали производству светского искусства. Некоторые художники, такие как Симон Ушаков (1626–1686), сопротивлялись этому и создавали работы под влиянием стиля иконы, но с изображением нерелигиозных предметов. Все изменилось, когда царь Петр Великий (1672-1725) начал программу вестернизации русской культуры, чтобы сделать ее более похожей на европейскую.В то время господствовавшим в Европе стилем был неоклассицизм, поэтому многие русские произведения восемнадцатого и начала девятнадцатого веков разделяют его черты. Исторические, библейские и классические (греческие и римские) сюжеты были популярны среди художников, таких как Антон Лосенко (1737–1773). Русские художники, такие как Иван Никитин (ок. 1688-1741) и Дмитрий Левицкий (1735-1822), также создали мастерские портреты в академическом стиле, в которых подчеркивается реалистичность техники и идеализация сюжетов. Российская академия художеств, основанная в середине восемнадцатого века, помогла централизовать русское искусство и подготовить художников, умеющих создавать произведения, соответствующие ожиданиям академического и неоклассического искусства.
Девятнадцатый век и реализм
Художники могут быть мятежниками, поэтому неудивительно, что к XIX веку русским художникам наскучили строгие правила и ограниченная тематика, продиктованная академическим и неоклассическим искусством. Группа художников, известная как Wanderers ( Передвижники ), создавала работы, изображающие более знакомые, исконно русские сюжеты, а не имитирующие западные модели. Иван Шишкин (1832–1898) и Илья Репин (1844–1930) были двумя его наиболее значительными художниками.Картина Шишкина « Утро в сосновом лесу » (1878) демонстрирует стиль реалист , запечатленный этими художниками.
Репин также изобразил сцены, связанные с русской жизнью и историей, такие как его знаменитая работа, показывающая жестокий момент, когда царь XVI века Иван Грозный убил своего сына.
Модернизм
На заре двадцатого века Россия претерпела серьезные изменения, включая революцию 1917 года, гражданскую войну и образование Советского Союза (СССР).Русское искусство отреагировало на эти бурные события тем, что стало более экспериментальным и авангардным, как и другие движения модернистов по всему миру. Некоторые художники, такие как Василий Кандинский (1866-1944) и Марк Шагал (1887-1985), работали как в русских землях, так и в Европе. Шагал создавал произведения в различных средствах массовой информации, которые показывают влияние народной жизни и еврейской культуры, и использовал яркие цвета и творческий, часто похожий на сон стиль. Кандинский создал некоторые из первых значительных абстрактных и необъективных работ, освободив искусство от необходимости быть реалистичным или даже изображать узнаваемые предметы.
Движение Futurist , распространенное в таких странах, как Италия, также сильно повлияло на российских художников, таких как Александр Родченко (1891–1956) и Наталья Гончарова (1881–1962). Русские художники этого движения подчеркивали смелость дизайна, угловатые формы и современные темы, как это видно на знаменитых фотомонтажах Родченко или картине Гончаровой «Велосипедист » (1913).
Футуризм в России превратился в вариант, известный как Конструктивизм , который подчеркивает живопись, скульптуру и архитектуру в России и за рубежом.Группа Suprematist создавала еще более резко абстрактные работы. Супрематизм подчеркивал основные геометрические формы и упрощенные цветовые схемы, а не изображение чего-либо узнаваемого, как вы можете видеть в метко названной супрематической композиции : белое на белом (1918) от Казимира Малевича (1878-1935).
Советское и постсоветское искусство
После 1920-х годов, под строгим правлением Иосифа Сталина и других советских лидеров, русское искусство официально стало более ограниченным.Стиль Социалистический Реалист доминировал и был гораздо более консервативным, чем авангардные работы Модерна. Ожидалось, что художники будут использовать свое мастерство для создания изображений, пропагандирующих советский коммунизм, таких как портреты Сталина и его предшественника Владимира Ленина Исааком Бродским (1883-1939).
Неофициально, однако, художников-нонконформистов художников продолжали создавать больше экспериментальных и индивидуалистических работ, несмотря на риски. Например, на знаменитой Бульдозерной выставке (1974) художники-нонконформисты устроили шоу под открытым небом, прежде чем оно было фактически уничтожено чиновниками с помощью бульдозеров и других орудий.В постсоветскую эпоху русское искусство продолжало охватывать нонконформизм и новые стили, такие как перформанс. Хорошо известным примером является арт-группа феминистского панк-рока Pussy Riot, участники которой были арестованы в 2012 году по обвинению в хулиганстве и кощунственных действиях в знак протеста против руководства России.
Краткое содержание урока
Русское искусство на протяжении веков демонстрировало большое разнообразие стилей, тем и движений. Начиная с иконы и живописи, посвященной религиозным темам, русское искусство стало более вестернизированным в восемнадцатом веке и отреагировало на европейские движения, такие как неоклассицизм.Однако в XIX веке художники выступили против этой тенденции и выпустили реалистических работ, посвященных истории и жизни России. В двадцатом веке ряд российских движений Модерн , таких как Конструктивизм и Супрематизм , внесли значительный вклад. Хотя в советский период был отмечен официальный возврат к консервативному искусству в стиле соцреализма , сильная нонконформистская тенденция развивалась и продолжается в постсоветскую эпоху.
| |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
Русское искусство и архитектура
Русское искусство и архитектура| На протяжении большей части истории России искусство, музыка, литература и история были либо народным, либо православным.Причина этого в том, что в эпоху Возрождения Россия была гегемонией Монголо-татарской империи и, таким образом, пропустила возрождение искусства, охватившего Западную Европу. Петр I и Екатерина II изменили все это с секуляризацией русской культуры в 18 веке. | Однако российским художникам всегда приходилось покидать Россию, чтобы избежать реализма, навязанного им русскими критиками и миром искусства. Шагал, Кандинский и многие другие прогрессивные художники могли развивать свое искусство только в Западной Европе.Эта страница содержит постоянно растущий список источников по русскому искусству: народных, церковных и светских. |
Эта страница была последний раз обновлена:История русского искусства
Александр Богуславский из колледжа Роллинз поддерживает удивительно богатый сайт, описывающий и иллюстрирующий историю русского искусства от икон до 20-го века. На сайте обсуждаются периоды, художники, школы и тенденции. Он красиво спроектирован и спланирован таким образом, чтобы по нему было легко ориентироваться.Здесь можно найти все, что вы хотите знать о русском искусстве, включая само искусство. Богуславский добавил не менее великолепный экспонат и трактат по русской народной живописи лубок .
Иконы Киевской Руси XI-XVI веков
«Икона» происходит от греческого eikon «образ», а русское слово, обозначающее «образ», образ , является другим словом для «иконы». Иконы были написаны яичной темперой на липе и считались прямой связью между душами смертных и душами священных фигур, которые они представляли.Следовательно, их целование было актом обожания этих фигур. Вот отличная выставка некоторых из самых ранних икон из истории России и Украины, установленная Архиепископией Львова, Украина.
Эрмитаж
Наконец-то в сети появилась вторая по величине и наиболее впечатляющей коллекции произведений искусства в мире. Сайт Эрмитажа не дает эффекта двухдневного посещения самого музея, но это большой и сложный сайт, достойный своего происхождения.Есть экскурсии по Меншиковскому дворцу и дворцу Петра I, лекции, выставки и многое другое. Богатый и увлекательный ресурс.
Русская живопись XIX века
Георгий Митревский предоставил электронную галерею шедевров русской живописи 19 века. Изображения лучше всего просматривать на Mac; если вы используете ПК и изображения темные, загрузите их и просмотрите их в L-View или другом средстве просмотра, которое позволяет увеличить яркость.Сергей Наумов выставил свои любимые художники XIX века — И. К. Авазовского и С. В. Иванов .
Галерея И. К. Айвазовского
Сергей Наумов любезно поделился с нами старой книжкой с картинками. Айвазовский был главным художником-маринистом России.
Питер Карл Фаберже и российские императорские яйца
Питер Карл Фаберже родился в Санкт-Петербурге.Санкт-Петербург, 30 мая 1846 года. Его отец, Густав, основал ювелирную фирму всего за четыре года до своего рождения в доме 11 на Большом Морском. Фаберже младший взял на себя дело отца в 1872 году и начал блестящую карьеру. Он особенно известен своими тщательно продуманными пасхальными яйцами . Остальную часть истории вы можете найти на этом сайте. Ссылки на других сайтов можно найти здесь. Не забывайте, что Императорский дворец также сохранил традицию фарфоровых пасхальных яиц.Узнайте о них на сайте Russian Imperial Easter Egg .
Музей Андрея Рублева
В настоящее время в этом музее, носящем имя великого русского средневекового мастера иконы , хранится коллекция икон московской, тверской и северной школ XIV — XIX веков, фрагменты монументальной живописи раннерусской деревянные скульптуры и факсимильные копии фресок.Щелкните здесь, чтобы просмотреть краткую биографию .
Художественные галереи и музеи Москвы
Это список адресов и телефонов основных галерей и музеев Москвы.
Художественные галереи и музеи Санкт-Петербурга
Санкт-Петербург полон архитектурных и культурных чудес с достаточным количеством дворцов, музеев и достопримечательностей, чтобы сокрушить даже самых жаждущих культурного стервятника.Эрмитаж, конечно, является центральным элементом музейной жизни Петербурга, но есть множество других музеев, охватывающих самые разные темы и интересы. К сожалению, несколько менее известных музеев закрываются: одни из-за отсутствия интереса и финансирования (например, Музей связи), другие (например, Центральный музей Ленина и Музей истории ВЛКСМ) по идеологическим причинам.
Lili Brochetain Коллекция
Коллекция Лили Брошетен в Париже давно известна среди специалистов как одна из крупнейших в мире коллекций русского «нонконформистского искусства» периода 1960–1980-х годов.Хотя многочисленные ссылки на Коллекцию появляются в публикациях в Европе, США и России, эта онлайн-выставка представляет собой первый случай, когда Коллекция Лили Броштейн стала широко доступной для всеобщего обозрения.
Русская архитектура
Сайт «Малая Россия», поддерживаемый Владимиром Пеккелем, предлагает обзор московской архитектуры 13-19 веков, архитектуры барокко Санкт-Петербурга.-Петербург, народная архитектура Кижей и др. Seanet предлагает красивую архитектурную прогулку по городу Москве. Он также включает остановки в нескольких музеях.
Русский конструктивизм
Русское модернистское искусство 20-х годов — Кандинский, Малевич, Татлин и другие — оказало большое влияние на европейское современное искусство. Вот прекрасная выставка со ссылками на другие выставки, посвященные этому важному движению.
Российская Империя, 1895-1910
Фотографии со стереоскопических негативов из коллекции Краеугольного камня Калифорнийского музея фотографии Калифорнийского университета в Риверсайде. Это подборка из 900 фотографий русской архитектуры и других исторических объектов, сделанных в период с 1895 по 1910 год до того, как сталинский декрет о монументальном искусстве привел к разрушению многих из этих объектов.
Василий Кандинский (1866-1944)
Замечательная выставка ранних и абстрактных картин Кандинского Николаса Пиоха. Музей искусств Texas.Net Марка Хардина также имеет значительную коллекцию работ Кандинского.
Иконы Новгородские
Это потрясающая выставка иконописи древнего Великого Новгорода. На выставке представлено множество цветных фотографий высокого разрешения, сопровождаемых необычно информативными текстами.
Хохлома
Хохлома — бывший торговый центр в Заволжье, куда мастера по дереву привозили свои изделия для продажи на рынке.По легенде, боярин Б. И. Морозов начал заказывать уникальные конструкции чаш и столовых приборов еще в XVII веке, когда они стали популярными в Москве и других крупных городах. Хохломские узоры известны тем, что они использовали золотую краску на деревянной посуде. (Если оглавление выглядит тарабарщиной, просто начните нажимать вверху и двигайтесь вниз. Требуются шрифты Windows 1251.)
Новая галерея (Социалистический реализм)
«Новая галерея» специализируется на советском искусстве социалистического реализма 1920-1950-х годов.Он функционирует как закрытая галерея, художественный фонд, собирающий произведения искусства и готовящий их к дальнейшим выставкам и аукционам, а также для украшения офисов и жилых помещений. Хороший источник картин, рисунков и плакатов советского периода.
Палех
Центром русской иконописи XVII-XVIII веков была деревня Палех близ Иванова к востоку от Москвы. Он был спасен от исчезновения в 19 веке благодаря вмешательству семьи Строгоновых.Когда большевистская революция охватила страну в 1917 году, колонии снова удалось выжить, написав сцены из русских народных сказок, а не икон . Однако стиль церковных икон того периода очевиден в их творчестве. Сергей Наумов также организует Электронную выставку Палехского искусства .
Плакаты России
Из Русского архива Фунета в Финляндии — небольшая коллекция советских плакатов от революции до Второй мировой войны.
Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина
Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина — одно из крупнейших художественных собраний в России, в котором представлены иностранные произведения искусства от древних времен до наших дней. Деньги на создание музея поступили из общественных пожертвований; Инициатива исходила от группы профессоров Московского университета во главе с профессором Цветаевым, создавшей музей в 1912 году. Помещения музея были построены в 1898-1912 годах по проекту архитектора Романа Клейна.
Центр русской культуры
Этот сайт содержит серию эпизодических статей о русском искусстве, архитектуре, народных песнях, танцах и кухне (три рецепта по состоянию на февраль 1997 г.). Надеюсь, этот сайт будет продолжать развиваться, потому что идея хорошая, и у сайта хорошее начало.
Центр современного искусства Сороса, Санкт-Петербург
Это новый центр, ориентированный на современных художников России.Попасть внутрь немного сложно; просто продолжайте щелкать мышью. Поездка стоит того.
Государственная Третьяковская галерея
Третьяковская галерея датируется 1856 годом, когда покупка картины Николая Шильдера Искушение положила начало собирательской деятельности московского купца Павла Третьякова (1832-1898). Брат коллекционера Сергей Третьяков тоже был знатоком искусства, собирал картины не только русских, но также французских и голландских художников.В 1892 году Павел Третьяков подарил свою уже известную к тому времени коллекцию в Москву. Вот еще одна короткая страница по этой теме.
Понимание русских икон
Эта статья Лазара Бркича для журнала LORE музея Милуоки дает хорошее введение в русские иконы и понимание их понимания. Георгий Митревский предоставил прекрасную иллюстрацию для статьи Бркича на его странице Russian Icon .Вместе они представляют собой идеальные ворота к пониманию этого древнего и загадочного искусства.
Украинские писанки
Красивая коллекция украинских расписных пасхальных яиц, созданная Биллом Яковенко , студентом факультета информатики UNC Chapel Hill. В Украинском музее «» в Нью-Йорке также есть несколько страниц о писанках, в том числе слайд-шоу с примерами. У карпато-русинов есть свой стиль.
Социалистический реализм
Виртуальный музей политического искусства представляет пятистраничную экспозицию советского социалистического реализма из частной коллекции Патрика Хорват и Прима. Доктор Вернер Хорват. На выставке представлены работы Тихоменко, Бродского, Владимирова, Григорьева и других.
© 1996 Robert Beard
[Изобразительное искусство: ХХ век] [Россия] 6 единиц: (1) Г.Г. Малысьев. Русские падежи. — […] | лот 1473 | Vente 21: Livres, BD, Photographie, Beaux-Arts et Affiches — Партия 2 на аукционах Zwiggelaar Auctions | Auction.fr
Условия продажи
1. All E С.клиенты, покупающие товары, должны уплатить покупательскую премию в размере 25% от суммы, на которую товар был сбит. Клиенты за пределами ЕС платят 20% покупательной премии.
2. Каждый покупатель обязан покупать за свой собственный счет и не может требовать никаких комиссионных.
3. Покупатель, предложивший самую высокую цену, будет. Аукционист имеет полное право разрешить любой спор. Аукционист оставляет за собой право разделять или объединять лоты и отклонять любую ставку.
4. Товар в хорошем состоянии, если не указано иное.Если любой названный товар в этом каталоге окажется дефектным, товар может быть возвращен при условии, что это будет сделано в течение одной недели после продажи. Эта гарантия не распространяется на лоты, обозначенные как «w.a.f.»
5. В случае, если потенциальные покупатели не могут лично присутствовать на продаже, аукционист исполнит свои ставки бесплатно.
6. Цены указаны в евро. Торги начнутся по цене в скобках.
7. Все книги должны быть оплачены в течение двух недель после получения счета.Если покупатель не производит оплату в течение двух недель, аукционист имеет право воспользоваться одним из следующих прав: A. Подать иск о возмещении убытков за нарушение контракта, B. отменить продажу этого или любых лотов, проданных покупателю, и повторно — продать лот или лоты, после чего дефолтный покупатель должен выплатить аукционисту любую разницу между выручкой от этой продажи за вычетом затрат на перепродажу и общей причитающейся суммой.
8 Кроме того, все условия, указанные ниже на голландском языке, являются действительными.
———————————————-
Veilingvoorwaarden
1.De verkoop geschiedt à contant of via PIN met een opgeld van 25% (включая all belastingen).
2. Копировать слово для собственного восстановления te kopen en kan zich dus niet op opdracht beroepen.
3. De hoogste bieder is de koper. Bij een meningsverschil tussen twee of meer bieders heeft de veilinghouder het absolute beslissingsrecht. De veilinghouder behoudt zich het recht voor kavels te splitsen из bijeen te voegen. Bij vergissingen heeft de veilinghouder het recht zich te herstellen.De veilinghouder heeft het recht zonder opgave van redenen een bod te weigeren.
4. De goederen worden geacht in goede staat te verkeren, tenzij anders vermeld in de catalogus. Bij ernstige gebreken die niet in de catalogus vermeld staan, kunnen de objecten word geretourneerd (met uitzondering van de kavels uit de afdeling ‘pakketten’ en de kavels waarbij als anmerking W.A.F. staat vermeld). Dit dient uiterlijk een week na ontvangst te geschieden. Встретился с поздними отзывами о кан-гине, переписывающем word gehouden.Voor de afdelingen kunst, grafiek en affiches gelden bovendien nog de volgende voorwaarden:
— Все объекты в de veiling word geacht naar eer en geweten te zijn omschreven. Omschrijvingen, evenals mondelinge mededelingen vór of tijdens de veiling gedaan, geven echter niet meer dan een mening weer, en vormen op geen enkele wijze een garantie omtrent Authentiteit, datering, herkomst etc.
— Behoudens opvallende uitzonderingen wordt de staat van de kavels niet vermeld in de catalogus.Vermelding van enig gebrek impliceert niet de afwezigheid van andere. Ieder object wordt verkocht in de toestand waarin het zich bevindt op het moment van veiling. Aspirant-kopers dienen zich zelf tijdens de kijkdagen van de staat te vergewissen.
— Het risico van beschadiging van een gekochte kavel berust bij de koper vanaf het moment dat de
veilingmeester tijdens de veiling het bod van de koper als hoogste bod aanvaardt.
— Indien een koper binnen vier weken na de veiling ten genoegen van de veilinghouder kan aantonen dat een door hem aangekocht object een ver
5. De veilinghouder zal opdracht van hen, die de verkoop niet kunnen bijwonen, zonder kosten uitvoeren. Bij gelijke opdrachten gaat de eerste opdrachtgever voor. Opdrachten zonder limiet worden niet aanvaard.
6. De kavels worden ingezet op de richtprijs, aangegeven tussen haakjes na elk nummer in de catalogus. Biedingen onder dit bedrag word niet aanvaard.
7. Opdrachtgevers en aanwezigen kunnen ervan uitgaan, dat de veilinghouder de inzet als volgt zal verhogen:
итого 100 евро, — встречено 5 евро; фургон 100 евро — всего 200 евро — встречено 10 евро; фургон 200 евро — всего 500 евро — встречено 20 евро; фургон 500 евро — всего 1000 евро — встречено 50 евро; фургон 1000 евро — всего 2000 евро — встречено 100 евро; фургон 2000 евро, — всего 5000 евро, — встречено 200 евро; даарбовен встретил € 500, -.
8. Делая ставку на переход от виа ПИН на петле ван де вуалинг, Тензий Андерс встретил завесу на улице. De geveilde voorwerpen worden pas na volledige betaling eigendom van de koper. Bij gebreke van betaling is de veilinghouder gerechtigd tot én van de volgende mogelijkheden:
— 1. Zijn vordering ter incasso uit handen geven, de daarbij gemaakte kosten zullen voor rekening van de koper zijn;
— 2. Niet betaalde kavels zullen weer ter veiling komen, waarbij een lagere opbrengst voor rekening van de in gebreke gebleven koper is.
9. Eventuele verzending van aangekochte kavels is voor risico en rekening van de koper, en geschiedt na volledige betaling van de factuur. Let op: ingelijste werken en breekbare goederen worden niet verzonden.
10. De koper dient op de hoogte te zijn van bovenstaande veilingvoorwaarden.
Подробнее
Лучшее русское искусство XIX и XX веков в галерее ABA
Знаете ли вы, что в Нью-Йорке около 1500 художественных галерей? Такое количество действительно впечатляет, делая Большое Яблоко популярным местом для коллекционеров произведений искусства со всего мира.Лучше всего то, что художественные галереи Нью-Йорка так же разнообразны, как и сам город. Любите ли вы современное искусство или предпочитаете старых мастеров, каждый найдет что-то для себя. В этом сообщении блога мы хотим рассказать вам об одной очень особенной художественной галерее Нью-Йорка, которую мы действительно любим. Это потрясающая галерея ABA, настоящая сокровищница русского искусства XIX и XX веков.
Лучшее русское искусство XIX и XX веков в галерее ABAABA Gallery — художественная галерея, расположенная в районе Флэтайрон на Манхэттене.Вот уже более 30 лет он является домом для лучших произведений русского искусства XIX и XX веков, от живописи до скульптуры. Галерея предоставляет услуги по оценке искусства и консультационные услуги, а также предлагает великолепный выбор произведений на продажу. Именно здесь можно увидеть работы таких мастеров, как Иван Айвазовский, Наталья Гончарова, Давид Бурлюк, Владимир Маковский, Николай Фешин, Владимир Баранов-Россине. В галерее ABA также представлены работы самых известных современных художников, в том числе Олега Целкова, Ильи Кабакова и Гриши Брускина.
ABA Gallery тесно сотрудничает с художественными институтами, принимая активное участие в продвижении современного русского искусства, а также помогает частным и корпоративным клиентам собирать значимые коллекции. Галерея также участвует в национальных и международных художественных ярмарках. Заметным событием с участием ABA Gallery является предстоящая выставка The Palm Beach Show, запланированная на 11-16 февраля 2021 года. В галерее будут представлены шедевры русского искусства, поэтому обязательно посетите ее выставку, если собираетесь посетить The Palm Beach Show. .
В Fine Art Shippers мы гордимся тем, что работаем с ABA Gallery. Это действительно лучшее место в Нью-Йорке для покупки высококачественного русского искусства XIX и XX веков, которое мы настоятельно рекомендуем всем любителям искусства.
аспектов изучения наивного искусства ХХ века в России: исследователи, коллекции, названия
В статье исследуются основные этапы изучения наивного искусства в России, начиная с первых десятилетий ХХ века и до 1980-х годов, когда наивное искусство называлось «любительским искусством».Это период деятельности ИЗОРАМ (Санкт-Петербургские художественные мастерские рабочей молодежи) и многолетней работы Национального заочного университета. Первые выставки художественной самодеятельности прошли в 1970-х годах, а позже привели к созданию специализированных коллекций. В 1980-х годах академические исследования наивного искусства начали просачиваться сквозь образ примитивной или так называемой «третьей» культуры, которая, как предполагалось, существовала между «высоким» и «низовым» искусством. Лишь с 1990-х наивное искусство стало восприниматься как отдельное художественное направление.В русской художественной критике наивное искусство определялось как одно из первобытных направлений искусства XVIII-XX веков. В этот период в Москве начали формироваться отдельные музейные коллекции, в том числе частный музей аутсайдерского искусства, где были представлены некоторые работы наивных художников, и Городской музей наивного искусства. В Екатеринбурге Городской центр народного творчества и ремесел «Гамаюн» начал изучать наивное искусство в 1994 году. В 2000-х годах интерес к наивному искусству ХХ века начал расти.В это время государственные и частные коллекции наивного искусства формировались в следующих музеях: Музей Б.У. Кашкина при Уральском государственном университете; Музей советского наивного искусства; и Музей наивного искусства, который в 2015 году вошел в состав Екатеринбургского музея изобразительных искусств.
Ключевые слова: первобытное искусство, самодеятельность, наивное искусство, народное творчество, аутсайдерское искусство.
[1] Прокофьев В. Н. (1983). О Трех Уровнях Художественной Культуры Нового И Новейшего Времени.Прокофьев В. Н. (Ред.) Примитив и его место в художественной культуре нового и нового времени. Москва: Наука.[2] Третьяковская галерея. Получено 23 августа 2019 г. с сайта https://bm.tretyakovgallery.ru/article/ 526876092245500178 / larionov — kollektsioner.
[3] Богемская К.Г. (2000). Изобразительное и Декоративно – Прикладное Искусство. В Солнцева, Л. П. и др. (Ред.). Самодеятельное Художественное Творчество в СССР: Очерки истории 1917–1932. Санкт-Петербург: Дмитрий Буланин.
[4] Богемская К.Г. (2000). Самодеятельное Художественное Творчество в СССР: Очерки Истории Конец 1950-х — начало 1990х гг. Санкт-Петербург: Дмитрий Буланин.
[5] Богемская К.Г. (2000). Самодеятельное Изобразительное Искусство. В Солнцева, Л. П. и др. (Ред.). Самодеятельное Художественное Творчество в СССР: Очерки истории 1930–1950. Санкт-Петербург: Дмитрий Буланин.
[6] Сафонов С., Смолев Д. (1999). Нерассказанный мир.Неприкосновенный Запас: Очки Нравов Культурного Сообщества. Москва: Новости.
[7] Грозин В.И., Дьяконицына О.В. (Ред.). (2005). Павел Леонов. Москва: Музей Наивного Искусства.
[8] Прокофьев В. Н. (Ред.). (1983). Примитив и Его Место в Художественной Культуре Нового и Новейшего Времени. Москва: Наука.
[9] Лебедев А.В. (1998). Чаниеем и Усердием: Примитив в России XVIII — Середины XIX века. Москва: Традиция.
[10] Лебедев А.В. (Ред). (1995). Примитив в России XVIII – XIX веков. Москва: ГТГ, ГИМ.
Русское изобразительное искусство | Известные художники, Картины, Галереи России
Русское изобразительное искусство — синоним великолепных галерей и всемирно известных художников. Посетители с удивлением открывают для себя богатую и динамичную историю искусства и культуру России, от иконописи Киевской Руси 11 века до современного искусства 21 века.
- Русские художественные формы / жанры
- Купить русское искусство
- Художественные галереи, которые стоит посетить
- Областные музеи изобразительных искусств
Запорожские казаки пишут письмо турецкому султану (1880-1891)
Художник: Илья Репин Местонахождение: Русский музей, Санкт-Петербург
Русские формы / жанры / движения
Иконопись
Ранней формой русского искусства, насчитывающей более 1000 лет, является иконопись.Русская икона обычно влечет за собой священное лицо или религиозное событие, написанное на деревянном холсте.
Традиция иконописи была принята в году Киевская Русь. стиль, уникальный для Восточной Европы.
Этот традиционный русский стиль, нереалистичная стилизация, сохранялся до второй половины 17 века.Именно в это время художники во главе с Симоном Ушаковым (1626–1686) начали экспериментировать со свежими новыми стилями из Западной Европы. Это нововведение в русской иконописи совпало с расколом в Русской православной церкви, когда государственная церковь провела комплексные реформы, в то время как традиционалисты или «старообрядцы» твердо придерживались традиций, включая традиционный стиль иконописи.
Самая полная коллекция иконописи находится в Третьяковской галерее в Москве.Коллекция включает бесценные произведения, относящиеся к раннему русскому христианству, вплоть до Строгановского училища , последнего крупного русского иконного движения, процветавшего в конце 16-17 веков.
Классическая живопись
Протестантское и католическое влияние на русскую иконопись неизбежно повлекло за собой движение и классической живописи. В то время как классическое искусство Возрождения давно утвердилось в некоторых частях Западной Европы, только в 1757 году в Санкт-Петербурге была создана Российская Академия художеств , чтобы обучать местных художников древнему и неоклассическому стилям.
Среди первых членов уважаемой академии — Дмитрий Левицкий, Антон Лосенко и Федор Рокотов, а среди известных художников-классиков романтической эпохи начала 19 века — Карл Брюллов и Александр Иванов.
.
Реалистичная живопись
Некоторые из самых известных художников и произведений искусства России принадлежат к реалистическому направлению. Излюбленный стиль XIX века, русские художники-реалисты точно иллюстрировали портреты своих современников, исторические жанровые сцены (например, картина Репина выше), а также великолепные пейзажи, характерные для Российской Империи.
В то время как одни художники придерживались портретов и изображений аристократии, многие другие начали создавать произведения русского крестьянства и его страданий. Этот тип критического реализма, который процветал в России XIX века при Александре II, позже стал образцом, которому подражали художники-социалисты-реалисты Советского Союза.
Известные русские художники-реалисты: Иван Крамской, Архип Куинджи, Исаак Левитан, Василий Поленов, Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Суриков и Виктор Васнецов.
Как и во всех формах живописи, существует переходный период, включающий стили двух или более различных направлений. Так было при переходе от реалистической живописи к современному искусству авангарда. Русские художники, в том числе Борис Кустодиев, Кузьма Петров-Водкин, Николай Рерих и Михаил Врубель, разработали свои собственные уникальные стили, которые окончательно не вписывались в то или иное движение.
Русский авангард
Не столько самобытное движение, сколько русский авангард описывает несметное количество современных форм искусства, включая конструктивизм, футуризм, неопримитивизм, лучизм и супрематизм среди других.
- конструктивизм — относится конкретно к группе художников, которые стремились выйти за рамки автономного арт-объекта, расширив формальный язык абстрактного искусства на практическую дизайнерскую работу.
- футуризм — социальная и художественная философия, основанная Филиппо Томмазо Маринетти, в которой художники прославляли все современное, индустриальное и технологически продвинутое, стремясь изобразить «универсальный динамизм», который они воспринимали вокруг себя.
- неопримитивизм — движение, получившее свое название от неопримитивизма Александра Шевченко (1913), описывающего грубый стиль живописи, основанный на условностях традиционных русских форм искусства, таких как лубок, икона, крестьянское искусство и т. Д. ремесла.
- лучизм — недолговечный, но важный шаг в русском абстрактном искусстве. Районисты искали искусство, которое плавало бы за пределами абстракции, вне времени и пространства, используя динамические лучи контрастного цвета, представляющие линии отраженного света.
- супрематизм — художественное направление, сосредоточенное на основных геометрических формах (в частности, квадрате и круге), в разных цветах, без какого-либо очевидного смысла.
Русский авангард процветал с конца 19 века до прихода Сталина к власти.К 1932 году были наложены ограничения на то, что художники могли рисовать, с ориентацией на социалистический реализм, а не на современное искусство.
Советское Искусство
Хотя теоретически советское искусство включало бы в себя все постреволюционное, подлинную эпоху советского искусства (объединенные ассоциации художников, организованные в интересах государства), на самом деле никогда не начиналось до 1932 года. С созданием в августе Союза художников Москвы и Ленинграда. 1932, официально утвержденное искусство теперь должно было следовать доктрине социалистического реализма .
В то время как строгий социалистический реализм был заметным стилем на раннем этапе, многие художники в конечном итоге внедрили новую, новаторскую технику в последние годы советского искусства. Несмотря на это нововведение, ограничения на то, что художники могли рисовать, никогда не отменялись до конца 1980-х годов.
Художественные галереи, которые стоит посетить
Московские художественные галереи
Третьяковская галерея
Государственная Третьяковская галерея — это крупнейшая выставка русского изобразительного искусства.Его великолепная коллекция насчитывает более 150 000 произведений живописи, скульптуры и графики русских художников 11 — начала 20 веков.
адрес: Москва, Лаврушинский переулок, 10
метро: Третьяковская
время работы: ежедневно 10:30 — 19:30 (выходной понедельник)
сайт: TretyakovGallery.ru
изучить музей: Google Art Project
Новая Третьяковская галерея современного искусства
Новая Третьяковка, расположенная в Центральном Доме художника напротив Парка Горького, представляет собой витрину русского искусства, начиная примерно с 1920-х годов по настоящее время.Помимо основной галереи, в музее также проводятся регулярные выставки и прилегающий парк скульптур под открытым небом.
адрес: , Крымский Вал, 10, Москва
м.: Парк Культуры
время работы: ежедневно 10:30 — 19:30 (выходной понедельник)
Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина
Второй по величине музей зарубежного искусства в России (уступающий только Эрмитажу в Санкт-Петербурге), Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина имеет обширную коллекцию произведений искусства и артефактов, от древних древностей до наших дней.
адрес: , ул. Волхонка, 12, Москва,
, м.: , Кропоткинская,
, , время работы: , ежедневно с 10.00 до 19.00 (выходной — понедельник)
сайт: Museum.ru
Музей частных коллекций
В Музее частных коллекций, который является частью более крупного музея изобразительных искусств имени Пушкина (также удобно расположенного по соседству), находится выставка русского и зарубежного искусства 15-20 веков.
адрес: 14, улица Волхонка, Москва
метро: Кропоткинская или Боровицкая
время работы: ежедневно с 12:00 до 19:00 (выходной — понедельник и вторник)
сайт: Museum.ru
Московский музей современного искусства
Московский музей современного искусства, открытый в 1999 году президентом Российской академии художеств Зурабом Церетели, содержит великолепную коллекцию русского авангардного искусства. Помимо работ известных российских художников, в музее представлено современное и современное искусство выдающихся американских и европейских мастеров.
адрес: , ул. Петровка, 25, Москва,
м.: , Пушкинская,
время работы: , ежедневно с 12 до 20 (с 13 до 21, четверг)
сайт: MMOMA.ru
Художественные галереи Санкт-Петербурга
Государственный Эрмитаж
Государственный Эрмитаж, крупнейший музей зарубежного искусства в России и один из крупнейших в мире, насчитывает около 3 миллионов картин и артефактов.Основное собрание музея, основанное Екатериной Великой в 1764 году, в настоящее время размещается в 6 исторических зданиях на Дворцовой набережной. К ним относятся Зимний дворец, Малый Эрмитаж, Старый Эрмитаж и Новый Эрмитаж (все они частично открыты для посещения), а также Эрмитажный театр и Дом-заповедник.
адрес: Дворцовая площадь, 2
м. Невский проспект или Гостиный двор
время работы: ежедневно с 10:30 до 18:00 (понедельник выходной)
сайт: Государственный музей Эрмитажа.org
изучить музей: Google Art Project
Русский музей
Как и Третьяковская галерея в Москве, Государственный Русский музей хранит обширную коллекцию русского искусства. Основанный в 1895 году царем Николаем II, музей значительно расширился с момента своего основания, особенно когда частные коллекции были национализированы после русской революции 1917 года. Сегодня в нем хранится более 400 000 артефактов XI-XXI веков.
адрес: ул. Инженерная, 4 (Михайловский дворец)
м.: Невский проспект или Гостиный двор
время работы: ежедневно 10:00 — 17:00 (вторник выходной)
сайт: RusMuseum.ru
Музей Академии художеств
Музей Академии художеств, основанный в 1757 году, является старейшим художественным музеем в России. Именно в этой академии учились и читали лекции некоторые из самых известных художников России, и, соответственно, ее коллекция в основном состоит из проектов этих студентов, работ преподавателей, а также картин, связанных с историей Академии.
адрес: , Университетская набережная, 17
м.: Василеостровская
время работы: ежедневно 11.00 — 19.00 (выходной — понедельник и вторник)
сайт: RAH.ru
Киевская художественная галерея
Национальный художественный музей Украины
Национальный художественный музей Украины, основанный в 1899 году, является наиболее полным собранием отечественного украинского искусства в мире. В музее представлены работы не только художников, родившихся в Украине, но и работавших в Украине иностранцев, а также потомков украинцев, живших за границей.
адрес: , Вулица Грушевсково, 6, Киев Киевский музей русского искусства адрес: , ул. Терещенковская, 9, Киев Киевский музей западного и восточного искусства
м.
Киевский музей русского искусства, основанный в 1922 году, уходит своими корнями в советскую национализацию частных коллекций, в том числе коллекций семьи Терещенко.Сегодня это один из крупнейших экспонатов русского искусства (с 13 века по настоящее время) за пределами России.
м.: Площадь Льва Толстого или Университет
время работы: ежедневно с 10.00 до 18.00 (выходной — понедельник и четверг)
сайт: MuseumRu.kiev.ua
Музей, крупнейшее собрание зарубежного искусства в Украине, был основан в 1919 году на основе частной коллекции промышленника (и мецената) Богдана Ханенко.