Живопись в россии в 19 веке: Живопись второй половины XIX

Содержание

Живопись второй половины XIX – ХХ вв.

Живопись второй половины XIX – ХХ вв.Подробнее здесь

Собрание НГХМ

Живопись второй половины XIX века представлена двумя основными направлениями художественной жизни того времени – академическим и передвижническим. Большинство крупных произведений мастеров академической школы было подарено Императорской Академией художеств или непосредственно авторами в период создания и вскоре после открытия музея. Среди них первый в музейном собрании экспонат – полотно Николая Кошелева «Погребение Христа», подаренное автором вместе с пейзажами, этюдами и эскизами на исторические, библейские, евангельские темы, в том числе сделанными для росписей интерьеров храма Христа Спасителя в Москве. В числе первых поступлений были и такие произведения, как «Последние минуты Дмитрия Самозванца» Карла Венига, «Иаков узнает одежду Иосифа» Александра Новоскольцева и многие другие. Характерными образцами академической живописи являются также картины Константина Маковского, Генриха Семирадского, Павла Сведомского и других.

Генрих Семирадский. Талисман.

Искусство передвижников представлено произведениями ведущих художников Товарищества – Василия Перова, Ильи Репина, Ивана Крамского, Алексея Саврасова, Ивана Шишкина, Василия Поленова, Виктора Васнецова, Владимира Маковского, Николая Ярошенко и др.

Илья Репин. Мужичок из робких. 1877

Один из наиболее значительных разделов коллекции – живопись конца XIX-начала XX века. Она дает достаточно полное представление как о творчестве отдельных художников – Исаака Левитана, Валентина Серова, Константина Коровина, Зинаиды Серебряковой, так и о наиболее известных объединениях рубежа веков, к которым относятся «Мир искусства», «Союз русских художников», «Голубая роза», «Бубновый валет».

Евгений Лансере. Императрица Елизавета Петровна в Царском Селе. 1905

Особую значимость имеют монографические коллекции произведений Николая Рериха и Бориса Кустодиева, основная часть которых была подарена Максимом Горьким.

Николай Рерих. Красные кони. 1925

Борис Кустодиев. Русская Венера. 1925-1926

В начале 1920-х годов в собрание музея поступила коллекция живописных работ мастеров русского авангарда. В ее составе «Косарь» Казимира Малевича, «Импровизация 4» Василия Кандинского, «Кацапская Венера» Михаила Ларионова, картины Натальи Гончаровой, Александра Родченко, Ольги Розановой, Любови Поповой, Александра Шевченко и др.

Наталья Гончарова. Белки. 1910

Раздел живописи ХХ века включает полотна нескольких поколений советских художников – от Василия Бакшеева, Федора Богородского, Александра Дейнеки, Георгия Нисского, Аркадия Пластова, Владимира Стожарова до современных живописцев последнего десятилетия. Это наиболее динамичная часть музейного собрания, пополняющаяся новыми произведениями.

Николай Терпсихоров. Окно в мир. 1928

«Картина эпохи»: XIX век в русской живописи

Публикации раздела Музеи

Русская культура в XIX веке достигла небывалых высот. В художественном творчестве этой эпохи отражались все знаковые события: Отечественная война 1812 года и восстание декабристов, Крымская война и крестьянский вопрос. А еще на работы художников влияли новые веяния, которые появлялись в Европе. Читайте, как в русском искусстве возникли романтические тенденции и реалистическое направление, кто привез в Россию картины импрессионистов и как полотна именитых отечественных живописцев становились известны широкой публике.

Продолжая традиции прошлых веков

Александр Иванов. Явление Христа народу (фрагмент). 1837–1857. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Федор Рокотов. Коронационный портрет Екатерины II. 1763. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Карл Брюллов. Последний день Помпеи (фрагмент). 1830–1833. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

В XVIII веке Россия пережила множество реформ: Петр I налаживал культурные и научные контакты с другими странами, Елизавета Петровна развивала искусство, а Екатерина Великая обратилась к идеям Просвещения. В эту эпоху российских художников начали отправлять за границу, чтобы они изучали опыт европейских мастеров. Это называлось «пенсионерство», поездки оплачивало государство. Живописцы возвращались с идеями и развивали на родине новые стили — барокко, рококо, классицизм — и жанры: натюрморты, пейзажи, городские виды и парадные портреты. Работа художника стала профессией, а учили молодых живописцев в специальном заведении, Академии художеств.

В начале нового, XIX столетия русская живопись продолжала следовать по тому же пути. Среди стилей в это время господствовал классицизм. Его поощряла Академия художеств, он стал фактически официальным художественным направлением и со временем получил название «академизм».

В основе классической живописи тех лет лежало античное искусство, полотна было принято писать на исторические, мифологические и библейские сюжеты. Исторический жанр развивал Андрей Иванов — отец Александра Иванова, который позже стал известным автором картины «Христос в пустыне». Алексей Егоров предпочитал библейскую тематику. Он преподавал живопись Карлу Брюллову, который довел до абсолюта классические приемы. Братья Карл и Александр Брюлловы учились в Италии — как пенсионеры Академии художеств. Полотна они создавали в разных жанрах и стилях: Александр стал мастером акварели и работал в прохладных тонах, а Карл Брюллов писал красочные живописные образы в насыщенных теплых оттенках.

Первый самостоятельный жанр XVIII столетия — портрет — в начале XIX века почти не развивался. Он оставался популярным у дворян, но приобрел значение современной фотографии. Портреты заказывали на память или использовали как элемент декора. Появился даже жанр акварельных мини-портретов, из которых составляли семейные альбомы. Парадные полотна, напротив, стали более салонными: людей писали в изысканных одеяниях и украшениях, на фоне красивых интерьеров. Такие картины помещали в гостиных и столовых на обозрение гостей. Портреты известных деятелей эпохи создавали Тимофей Нефф и Владимир Гау.

Возрастал престиж художественного труда — к профессии приобщались и дворяне. Одним из первых стал Федор Толстой, позже он занял пост вице-президента Академии художеств. А при Николае I закрепили и расширили сословие именитых граждан времен Екатерины II. «Почетными гражданами» могли стать художники, которые закончили Академию, и иностранные деятели искусства. Развитием искусства занялись на государственном уровне: выпускники Академии получали госзаказы, вне столицы открывали новые центры художественного образования. Первая такая школа появилась в Арзамасе в 1802 году, ее возглавил живописец и педагог Александр Ступин.

Петербуржцы стали посещать частные галереи — «Русский музеум» издателя и собирателя Павла Свиньина и «Русскую галерею» при Эрмитаже. Со второй четверти XIX века для гостей открыли и некоторые выставки в Академии художеств.

Новые тренды. От романтизма к реализму

Орест Кипренский. Портрет писателя Александра Пушкина (фрагмент). 1827. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Иван Айвазовский. Девятый вал (фрагмент). 1850. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Василий Тропинин. Кружевница. 1823. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Академический жанр развивался, но в русское искусство проникали и общеевропейские тенденции, хоть и весьма своеобразно. Теоретик искусства Дмитрий Сарабьянов писал: «Неравномерностью хода — постоянными отступлениями назад и рывками вперед — отмечено развитие русского искусства в XIX столетии». Разные художественные приемы смешивались и наслаивались друг на друга, а живописные школы сменялись не так последовательно, как в Европе.

После Отечественной войны 1812 года в искусстве появились патриотические мотивы. Англичанин Джордж Доу, художник немецкого происхождения Вильгельм Голике и Александр Поляков создали множество портретов русских генералов.

Духовный подъем после победы дал толчок развитию романтизма. В Европе этот стиль сменил классицизм на фоне Французской революции. В русской живописи два течения существовали параллельно и нередко встречались на картинах одного художника. Например, в своем творчестве их объединял Карл Брюллов.

Начался русский романтизм с портретного жанра: художники стали ближе знакомиться со своими героями и привносить в полотна эмоциональные детали. Орест Кипренский создавал строгие мужские образы и нежные портреты женщин и детей. Также романтичные полотна писал Василий Тропинин, бывший крепостной, его героями часто становились другие крестьяне.

Эти тенденции проявлялись и в пейзажах. Одним из первых романтические пейзажи стал писать художник Семен Щедрин, а развивал традицию его племянник — Сильвестр Щедрин. Живописец Федор Алексеев создавал городские пейзажи. Пенсионеры Академии художеств привозили из поездок зарисовки разных местностей. Философии романтиков были очень близки работы мариниста Ивана Айвазовского — с бушующим или умиротворенным морем.

Проникал романтизм и в бытовой жанр. Алексей Венецианов представлял в одухотворенном виде народный быт. Однако Академия художеств не одобряла его творчество, преподавать Венецианову не позволили. Тогда художник создал свою школу, ориентированную на работу с натурой. Ее выпускников называли «венециановцами», среди них были Алексей Тыранов, Григорий Сорока (Васильев), Лавр Плахов, Федор Славянский (Михайлов).

После восстания декабристов и европейских революций в России ужесточилась цензура. На фоне этих изменений в живописи наметился поворот к реализму — теперь изобразительное искусство транслировало идеи художника.

Во Франции реализм развивали Гюстав Курбе и Жан-Франсуа Милле, в Англии — Джон Констебл, в Италии — школа Маккиайоли. В русском искусстве это направление воплощал в своем творчестве Павел Федотов. Бывший офицер стал писать полотна, когда вышел в отставку. Он создавал реалистичные и при этом весьма саркастичные образы современников.

В середине столетия в русской живописи появились новые жанры. Александр Коцебу и Богдан Виллевальде писали батальные полотна, а график Василий Тимм рисовал первые карикатуры.

На рубеже 1850–60-х годов начал собирать свою знаменитую коллекцию Павел Третьяков. И тогда же оставил завещание: передать в будущем свои собрания Москве.

Переломная эпоха: критический реализм

Иван Крамской. Христос в пустыне (фрагмент). 1872. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Исаак Левитан. Над вечным покоем. 1894. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Павел Федотов. Сватовство майора. 1848. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Реалистические приемы, которые заложил Павел Федотов, стали еще больше востребованы в середине столетия. Россия потерпела поражение в Крымской войне, крестьянский вопрос становился все более острым, распространялись народнические идеи — все это влияло на атмосферу в обществе. В живописи настало время обличающего критического реализма.

Однако Академия художеств по-прежнему придерживалась строгих правил в отношении сюжетов и стилей: считалось, что молодые живописцы могут демонстрировать свои таланты только в работе с античными, религиозными и классическими сюжетами. Воспитанники Академии Адриан Волков, Василий Пукирев, Леонид Соломатин, Константин Флавицкий пробовали обращаться к критическому реализму, но их попытки не были успешными.

В ноябре 1863 года случился «бунт четырнадцати»: 14 выпускников отказались писать полотна на заданную тему и покинули Академию без звания. Они организовали Артель художников. Идейным вдохновителем первого независимого творческого объединения живописцев был Иван Крамской. Однако через несколько лет объединение распалось, а его участники в 1870 году вошли в Товарищество передвижных художественных выставок. Так началась история одного из самых известных объединений дореволюционной России. Петербургские и московские художники проводили передвижные выставки в разных городах страны. Первая из них открылась уже в ноябре 1871 года.

Участники сообщества писали крестьян и простых городских жителей, уделяли внимание историческим событиям разных эпох. Виктор Васнецов воссоздавал на картинах сказочный эпос и его героев. Архип Куинджи, Иван Шишкин, Алексей Саврасов, Исаак Левитан и Василий Поленов представляли публике лиричные пейзажи. Товарищество просуществовало почти 50 лет и стало отдельной эпохой в истории русской живописи.

От века золотого к веку серебряному

Михаил Нестеров. Видение отроку Варфоломею. 1889-1890. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Константин Коровин. Гурзуф. 1914. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Михаил Врубель. Шестикрылый Серфим (фрагмент). 1904. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

К концу XIX века художники начали искать новые пути самовыражения. Из Европы в Россию проникали новые направления. Импрессионистские приемы начали использовать в своем творчестве Константин Коровин и Валентин Серов. Михаил Нестеров наделял свои полотна глубоким символизмом, Франц Рубо развивал батальную технику, а Михаил Врубель создавал работы в стиле зарождающегося русского модерна.

Художники вновь искали единомышленников. В усадьбе Саввы Мамонтова образовался Абрамцевский кружок, в него вошли Василий Поленов, Михаил Нестеров, Илья Репин, братья Васнецовы и другие художники — и молодые, и именитые. Сюда приезжали гостить и работать известные не только живописцы и графики, но и скульпторы, декораторы писатели. В усадьбе создавали новые книги, ставили спектакли и делились свежими идеями. Михаил Врубель управлял здесь майоликовой мастерской — красочные мозаичные панно из Абрамцева украшали многие здания Москвы. А картины, которые художники писали в усадьбе Мамонтова, сегодня хранятся в крупнейших музеях России.

В 1898 году художник Александр Бенуа, импресарио Сергей Дягилев и публицист Дмитрий Философов начали издавать журнал «Мир искусства». В нем публиковали иллюстрированные статьи о российском и западном искусстве, в том числе о новых веяниях. Мирискусники — Лев Бакст, Константин Сомов, Евгений Лансере — разделяли идеи модернизма, стремились к свободе и эстетике, обращались в национальной русской культуре и продолжали противостоять академизму. А еще — хотели представить работы отечественных живописцев в Европе и познакомить россиян с современными иностранными живописцами. В 1899 году в Санкт-Петербург привезли новаторские картины Поля Гогена, Клода Моне и Эдгара Дега. А художники «Мира искусства» выставляли свои работы в Германии.

В 1892 году Павел Третьяков подарил Москве свою коллекцию живописи. Через год посетители смогли посещать галерею братьев Третьяковых — один из крупнейших музейных фондов в России. В 1898 году в петербургском Михайловском дворце торжественно открылся Русский музей. Именно в него вошли коллекции русской живописи из фондов Эрмитажа, Академии художеств и императорских собраний.

Автор: Татьяна Григорьева

Теги:

Изобразительное искусствоЖивописьИсторияМузеиПубликации раздела Музеи

Русская живопись эпохи романтизма

Основной индекс

Русский Живопись эпохи романтизма

Как видно из раздела «Портрет Картина при Елизавете и Екатерине».

Портретная живопись XVIII века в России отражала понимание господствовавшего в то время общества: мужчины и женщины сначала рассматривались как типы (как члены класса) и лишь во вторую очередь как индивидуумы. Многое изменилось с портретами Ореста Кипренского. Теперь настроение было направлено к конкретному человеку как к одному индивидууму с особым психологическим ответственности перед обществом и перед собой.

Орест Кипренский (1782-1836) родился внебрачным сыном дворянина и воспитывался как крепостной. Когда его талант был признан на в раннем возрасте его отправили в Академию художеств. Хотя обучался как история живописец Петербургской академии, Кипренский со временем сосредоточился по портретной живописи. Его нетрадиционные автопортреты являются замечательными иллюстрациями.

растущего самосознания, которое характеризовало романтическое движение. Об этом свидетельствует его портрет полковника Ефграфа Давыдова (1809 г.).

Его портрет поэта Александра Пушкин — одно из самых известных его произведений. Смешанные ингредиенты раннего Романтизм, классическая ссылка на статую на заднем плане, клетчатый пояс в стиле Байрон вместе создают комбинацию реального и идеального в поэзии Пушкина. Способ, которым предмет его голова повернута, и выражение его лица — романтические утверждения отдельных личность.

Карл Брюллов (1799-1852) был одним из самых знаменитых художников своего времени и первым Русский живописец с мировым именем. У него было родился в Италии и приехал в Россию с отцом — скульптором по имени Брюлло, фамилия которого была русифицирована до Брюллова.

По 1823 г. сын Брюллова завершил обучение в Академии и отправился в Рим. Там ему пришла в голову идея нарисовать разрушение Помпеи при извержении Везувия. В подготовка этого монументального полотна, процесс, который занял три лет (1830-33) Брюллов настаивал на исторической достоверности. Он посетили руины древнего города (в котором велись раскопки в то время, когда он задумал картину), изучал артефакты повседневной жизни в Неаполитанском музее и читать Плиния Младшего рассказ об извержении Везувия.

Когда «Последний день Помпеи» (1830-33) был закончен, итальянская пресса назвала его шедевром. и Брюллов прославился. Публичный энтузиазм легко понять, как Брюллов предложил что-то на любой вкус: он дал мелодраматический трактовка классического предмета с множеством реалистических деталь. С его грандиозной, многофигурной сценой и драматическим действие, картина меняет ход истории русской живописи, вдохновляя других на попытки создания таких же сложных композиций.

Когда он вернулся в Россию в 1841 г. Брюллов был провозглашен величайшим мастером того времени. и ожидалось, что он повторит или даже превзойдет свою первую работу. Он никогда не создавал ничего в таком масштабе, но создал много портретов.

На портрете сидящего принца Голицына (1838-40) Брюллов воссоздал не только человека, но и также его окружение. Шпалера с растущими растениями, повторяющаяся в дальней комнате свидетельствует о чувстве испытуемого к природа. Обратите внимание также на распределение света по всему пространство комнаты. Многие русские преуспели в традициях роспись интерьеров.

Александр Иванов (1806-58) . Можно утверждать, что Александр Иванов, сын художника-историка Андрея Иванова, был самым значительным Русский художник второй четверти девятнадцатого века, хотя он провел большую часть своей жизни в Италии. Его философский проницательность, романтико-реалистический стиль и новаторские исследования характеризуют направления русского искусства XIX века.

Уникально одаренный и обученный реализовать свой потенциал, Иванов жил в городе своего рождения, Санкт-Петербург, до его отъезда в Италию. Сначала он учился с отцом, профессором Петербургской академии искусств, а в 1817 г. стал официальным студентом Академии. 1830 художник переехал в Рим при поддержке Общества Поощрение художников. Хотя он посвятил большую часть своего времени к копированию произведений итальянских мастеров, он также создал свои собственные композиции. Он сосредоточился на предметах Ветхого и Нового Завета так как они предложили психологическую сложность, которая уволила его воображение и испытал свои способности как реалиста.

«Явление Христа Мария Магдалина после Воскресения» была задумана художником в качестве проверки его способностей выполнить еще более амбициозную многофигурную состав. Изображение сложной эмоции на коленях фигура Магдалины особенно привлекла внимание зрители.

Иванов был одержим способность художника передать нюансы эмоций. В то время как двадцатый век художники и критики, возможно, уделяют меньше внимания выражению эмоциональности, любая оценка творчества Иванова должна основываться на этом аспекте. его работы с учетом. Коллеги артиста были так впечатлены по «Явлению Христа Марии Магдалине после Воскресения» что ему присвоили звание академика.

После 1833 года, когда «Последний День Помпеи» произвел такую сенсацию, Иванов стал считать выполняя такую же большую работу. Иванов был глубоко верующим человеком. взято с предметом первого явления Иисуса к народ, объявленный Иоанном Крестителем. Иванов выбрал эпизод потому что он чувствовал, что она охватывает религиозные, исторические и философские идеи, которые его больше всего волновали: духовные и нравственные преображение человечества.

» Явление Христа народу» (1836-1855) объединяет ряд отдельных событий Евангелия: проповеди Иоанна и его крещение народа на переднем плане и пришествие Христа на расстоянии.

Иванов предназначен для своей картины превзойти по духовной глубине и естественной истине все прежние религиозная живопись на Западе. Поэтому он предпринял самые масштабные учился и советовался с каждым художником, чье мнение он уважал. В результате, конечно, эта работа затянулась на неопределенный срок. и что он снова и снова менял свой состав.

Когда картина наконец была готова выставлена в Петербурге в 1858 г., после 20 лет мучительного усилий, она не вызвала того энтузиазма, который встретил Брюллова. работай. В конечном итоге произведение можно назвать благородным провалом. Его фигуры серьезны и полны разнообразных чувств. Эмоции слушатели варьируются от сомнений и скептицизма до внезапных, ошеломленных убеждение. Но есть неразрешенное напряжение между преследованием идеализма и приверженности реализму, слишком большой контраст между натуралистическим фоном и классическим, надуманным группы на переднем плане. К середине 19^-й века противоречащие друг другу утверждения натурализма и идеализма могли больше не мириться; когда первое имело приоритет, это обязательно уничтожил последний. Одно указание

Неполный успех Иванова фигура Иисуса, который кажется почти незначительным. Исполнитель был верен натуралистической линейной перспективе, которая работала против изображение духовного опыта.

Несмотря на то, что это было так и не завершенный, эпический характер полотна вдохновил многих русских художников конца XIX в.

При жизни Алексей Венецианов (1780-1847) был провозглашен «отцом русской жанровой живописи». Его острое наблюдение как за силой, так и за тонкостью света и его способность переводить свое восприятие в композиции тихая напряженность передает почти осязаемую симпатию к достоинства и достоинства своих подданных. Это были почти всегда сельский характер: сельские крестьяне заняты или останавливаются на своих задания.

Родился в семье иконописцев, Венецианов учился сам до поступления на государственную службу в 1802 году в качестве геодезиста-чертежа. Затем он брал частные уроки от Владимира Боровиковского, который был профессиональным солдатом казачьего происхождения.

Хотя Академию он так и не закончил, Венецианов в конце концов получил звание академика. Это признание его талант побудил его поощрять таланты других из скромных фоны. В 1815 году в возрасте 35 лет художник ушел в отставку. имение в Тверской губернии под Москвой. Там он начал свою школа, которая работала в 1820-х и 30-х годах и в которой обучалось семьдесят ученики. Венецианов провозгласил природу высшим ориентиром и его учение подчеркивало эту идею.

«Гумно» (1821 — 1823). Собрано почти так, как если бы позировало для «живой картины», в драматическом в удаляющемся интерьере амбара появляются девять фигур, работа по дому. Хотя некоторые аспекты композиции могут показаться искусственными, элементы, тем не менее, красиво расположены.

Духовное спокойствие Венецианова работ отличает их от произведений молодого современника, Павла Федотов (1815-1853) .

Федотов известен своей способностью изображать высоты и глубины человеческое существование. Он родился на окраине Москвы и вырос в оживленной деятельности провинциальной столицы. Он учился в Академии в Петербурге, где на него повлияло собрание голландской живописи в Эрмитаже. Костюм, жест и деталь очаровали Федотова. Его произведения отражают Возникновение в России нового класса — зажиточной городской буржуазии. чьи манеры и вкусы вдохновляли и требовали для его картин. Его картины также демонстрируют новые и более критическое отношение к русской жизни.

Федотов создал свой художественный манифест в серии картин маслом (1846-1852 гг.), в которых критикуется русского общества середины XIX века, иллюстрируя его гротеск противоречия и дефекты. Каждый фиксирует определенный момент в время. «Обручение майора (Посещение невесты в купеческой лавке) дом)», также известное как «Как исправить свое материальное положение». Женя» (1851) представительная работа из этой серии. Федотов показывает волнение богатой купеческой семьи, когда немолодой и уже не богатый дворянин приходит ухаживать за дочерью. Его изображение красивой, обезумевшей молодой девушки, ее курс и расфуфыренная мать, а ее растерянный отец в старом русском кафтане стоит хитрая критика нравов растущего среднего класса.

В в то же время его «Завтрак дворянина» (1849-1850) показывает материальный упадок русского дворянства. В окружении владений еще не проданный, в крохотной квартирке, которую он делит со своим пудель, аристократ ест на завтрак грубый ржаной хлеб когда гость внезапно подходит к двери. Стыдно за свою худобу плата за проезд, он вскакивает и прикрывает свой завтрак книгой. На стул рядом с богато отделанным шпоном столом – это реклама дорогие устрицы.

Движение передвижников — Вероника Уинтерс Живопись

Поскольку русское искусство не изучается на большинстве уроков истории искусств в США, я хотел бы познакомить вас с движением «Передвижники», группой художников-реалистов. XIX век — это увлекательный период в истории искусства Западной Европы, поскольку церковь и государство утратили свое прежнее влияние на покровительство искусствам, что позволило зародиться и развиться нескольким художественным движениям в Европе. В то время как русское искусство оставалось достаточно сдержанным, развивая новые идеи медленно по сравнению с западноевропейским, оно все же оторвалось от холодной академической живописи в изображении простых людей и деревни.

Передвижники появились в 1863 году. Это была группа художников-мужчин, которые устраивали передвижные представления и писали народные, русские пейзажи и портреты. Их целью было донести искусство до своего народа. Русские художники отказались от изображения библейских сцен и греческой мифологии, вместо этого сосредоточившись на рисовании окружающего мира. Они часто показывали неравенство между богатыми и бедными, знатными мужчинами и неполноценными женщинами. Они также привлекли внимание людей к широко распространенному жестокому обращению с детьми, которые часто занимались тяжелым физическим трудом. В результате такого движения русское искусство сохранило традиционный подход к живописи с точки зрения техники, но резко изменило ее тематику.

Вот несколько замечательных русских жанровых картин, выполненных передвижниками.

Илья Репин (1844-1930)

Илья Репин, Его не ждали, 1884-88, Государственная Третьяковская галерея

Илья Репин вырос в нищете и лишениях, жил среди военных. (Его отец служил в армии). Он проявил страсть к искусству в 13 лет и начал брать уроки рисования в мастерской местного художника. Вскоре он стал настолько хорош, что получил заказы на написание икон, что дало ему финансовую свободу для осуществления своей мечты. В 1863 году художник едет в Петербург, чтобы учиться искусству в Академии. Не допущенный в том же году, он работает над своим рисунком, чтобы поступить в следующем году. Репин быстро собирает медали и награды за учебу и добивается больших успехов в своем последнем академическом проекте. Параллельно завершает заказную работу — «Бурлаки». После путешествия по Франции он возвращается домой, чтобы рисовать вместе с передвижниками.

Репин верил в нравственную и социальную цель своего искусства и рисовал крестьянскую жизнь, как никакой другой художник его времени. Он изображал ежедневную борьбу и подавляющую бедность рабочих и крестьян, которые жили в разительном контрасте с хорошо одетым высшим светом. На этой картине «Бурлаки» мы видим бесконечный берег Волги, где слепящее солнце так же сильно, как и люди под ним.

Репин, Бурлаки на Волге, 1870-1873

Павел Федотов (1815-1852)

Павел Федотов родился в многодетной и бедной семье в Москве и провел детские годы среди соседей. В одиннадцатилетнем возрасте родители отдали его в кадетский корпус, где художник показал себя блестящим учеником. Он также начал рисовать карикатуры на своих учителей и помощников на страницах своих тетрадей. Когда он закончил обучение прапорщиком Финляндского полка, он занимался музыкой и поэзией, переводил статьи с немецкого и зарисовывал своих друзей. Будучи очень бедным, он не мог участвовать в вечеринках своих друзей и продолжал работать над портретом и карикатурой. После немалых осуждений своих друзей он оставил службу и поступил в Академию для изучения искусства.

Преподаватели живописи сомневались в его таланте, потому что Федотов игнорировал академические принципы батальной живописи, сочиняя лошадей и солдат, и проводил вечера, рисуя жанровые сцены, которые запомнились ему с детства. Бедный художник жил очень скромно, отсылая часть своей служебной пенсии семье на родину. Однако его чувство юмора никогда не позволяло ему разочаровываться в себе, и в конце концов его талант был замечен известным русским баснописцем Иваном Крыловым, который написал ему письмо с просьбой бросить Академию и работать над своей жанровой картиной.

Павел Федотов ушел из Академии художеств, а в 1847 году показал свою первую картину «Только что в рыцари. Утро чиновника, получившего свой первый крест». Художник смеется над гордым клерком, показанным после вечеринки, живущим в ужасающей нищете. Вторая картина «Привередливая невеста» последовала в том же году, чтобы произвести впечатление на его бывших преподавателей из Академии.

Только что посвящен в рыцари.

Утро чиновника, получившего первый крест, 1848, холст, масло, 48х42см, ГТГ, Москва

Федотов, Вдова, 1851

Разборчивая невеста, холст, масло, 37х45 см, ГТГ, Москва, 1847

Павел Федотов, Сватовство майора, холст, масло, 58 х 75 см, 1848, ГТГ , Москва

В 1848 году художник выставил свой шедевр под названием «Сватовство майора», за что был удостоен почетного приза академика. Он изображает прекрасную невесту, выбегающую из гостиной, как только она увидела в дверях своего будущего жениха. Богато одетая мать ловит невесту за платье. Эта картина принесла художнику известность и финансовый успех. Федотов хотел поехать в Англию для изучения жанрового искусства, но друзья заметили перемену в художнике в 1852 году. Вскоре его поместили в лечебницу, где он и умер в том же году.

За свою недолгую жизнь художник оставил огромное наследие в русском искусстве, открыв новое направление в русской жанровой живописи. Большинство его картин маслом, эскизов и портретов можно увидеть в Государственной Третьяковской галерее в Москве.

Василий Перов (1834-1882)

Василий Перов получил школьное образование у местного дьякона, который обучал мальчика математике, языкам и Библии. Мальчик показал большие успехи в каллиграфии, и учитель назвал его Перовым («Перо» по-русски звучит как «перо»). Родители Перова не отдали сына в местную художественную школу, но тем не менее разрешили ему брать уроки живописи в частном порядке. Благодаря одному из своих родственников Перов позже в 1852 году поступает в художественную школу и учится там, чтобы получать награды. После выпуска он проводит два года в Париже, но, по его словам, «не в силах написать ничего стоящего», умоляет Академию позволить ему вернуться домой. (Лучшие художники получали стипендии, чтобы провести 1-2 года в Западной Европе после окончания Академии).

Помимо мастерских портретов, Перов пишет замечательные жанровые картины, отражающие реальность русской жизни и ее людей. Его искусство исследует неравенство между богатыми и бедными, а также лицемерие церковного духовенства. Несмотря на свои фантастические способности и успешные выставки, художник не считал себя достойным внимания. Он жил скромно и умер в нищете. Большинство его картин можно найти в Государственной Третьяковской галерее в Москве.

Василий Персов, Пасхальный сельский крестный ход, 1861 г. Перов, Трое студентов несут воду, 1866 г.

Здесь художник изображает детей, несущих воду в условиях морозной русской зимы.

Перов, Утопленница, холст, масло, 68 х 106 см, 1867, ГТГ

На этой картине художник изображает равнодушного милиционера, сидящего и курящего над мертвым телом бедной женщины (предположительно проститутки), которая случалось так часто, что чиновники не проявляли никакого интереса к жизни обездоленных.

Маковский, к свадьбе, 1894

Есть и другие русские художники, которые внесли свой вклад в наследие русского искусства в движении передвижников, в том числе Иван Крамской, Василий Поленов, Василий Суриков, Владимир Маковский, Михаил Клодт и др. Женщины-художники не существовали до ХХ века в России.