Живопись в россии 17 века: Русская живопись в XVII веке -

Содержание

Русская живопись 17 века — Исторический дискуссионный клуб — 17 мая — 43647353318

Исторически XVII век в России характеризуется расширением и углублением политических и культурных связей с близлежащими и дальними странами. Это обстоятельство способствует усилению влияния культурной жизни стран Западной Европы на русское искусство, и в частности на русскую живопись 17 века. Также следует отметить такую важную особенность художественной жизни России этого периода, как централизация управления художественной культурой. Лучшие архитекторы, живописцы, мастера других видов искусства состояли в Приказе каменных дел и Оружейной палате в Кремле. Таким образом, управление развитием культуры России осуществлялось централизованно. Оружейная палата играла роль своеобразной школы, где находились лучшие мастера различных видов искусства, в том числе и живописи 17 века. Для всех земель Русского государства Москва стала своеобразным центром, который определял направление развития искусства России. Естественно, это не исключало развития художественных школ в регионах, еще придерживавшихся норм старого искусства. Оружейная палата стала источником новшеств в искусстве, где создавались произведения, свидетельствующие о преодолении древних канонов. Следует отметить, что в Оружейной палате работали не только русские мастера, а также иностранные художники, получившие образование в Европе.

Среди русских художников следует отметить Симона Ушакова и Иосифа Владимирова, которые, следуя общеевропейской тенденции, стремились преодолеть каноны и принципы средневекового искусства. Иосиф Владимиров в своем труде «Трактат об искусстве» дает обоснование законности существования светской живописи и поддерживает развитие портретного жанра в живописи, а Симон Ушаков определяет живопись как зеркало, которое должно правдиво отражать реальный мир и облик человека. Исходя из этого меняется роль произведений живописи: икона теперь является не только священным изображением, но также и предметом любования.

Таким образом, общей тенденцией развития русской живописи 17 века является ее «обмирщение». Во многих росписях, в том числе и церковных, религиозная тема отходит на второй план, что особенно становится заметно во второй половине столетия. Русских художников все более интересуют бытовые и исторические подробности, реальная сторона сюжета произведений. Основная идея часто теряется среди второстепенных деталей, которым отдается предпочтение. В связи с этим росписи становятся более сложными по детализации. Изменения также затронули и иконопись. Несмотря на то, что как и в росписях, еще достаточно много произведений, в которых преобладают каноны прошлого века, в целом в иконописи также наблюдается склонность к частным подробностям, появляется изысканность, тонкость, «ювелирная» техника живописи.

Прокопий Чирин. Икона «Святой Никита-воин». 1593.

Следует отметить, что еще на рубеже XVI-XVII столетий вместе с течением в иконописи, следовавшем монументальному стилю живописи XV-начала XVI веков, называемым «годуновскими» письмами, получило развитие другое направление. Это направление представлено иконами так называемого «строгановского» письма. Мастера этой школы создавали произведения небольшого размера, которые предназначались для домашних молелен. Известные нам произведения этого стиля иконы Прокопия Чирина, Истомы Савина, Никифора Савина, Емельяна Москвитина отличаются тщательностью отделки с использованием драгоценных металлов. В иконе мастера Никифора Савина «Чудо Федора Тирона», которая относится к началу XVII века (ГРМ), на небольшом поле объединено в одну композицию несколько эпизодов. «Священным» является только сюжет произведения, облеченный в форму увлекательной сказки. Характерные изменения в самом характере художественного образа также видны в иконе Прокопия Чирина «Святой Никита» (1593, ГТГ). Воин, одетый в красную рубаху, золотые доспехи и ярко-синий плащ, изображен утонченным и изящным рыцарем. Обращает внимание изысканность сочетаний красок, тщательная проработка деталей и миниатюрная выписанность лица и рук. Все эти детали оттесняют религиозную идею иконы на второй план. К середине столетия техника письма «строгановских» мастеров с миниатюрных произведений переходит на крупные. Примером могут служить иконы «Иоанн в пустыне» (1620-1630-е гг.) или «Благовещение с акафистом» (1659, авторы Яков Казанец, Таврило Кондратьев, Симон Ушаков).

Начиная с середины XVII века работали иконописцы, в работах которых впервые в русском искусстве проявились реалистические черты. Конечно, это все относительно, и пройдет еще два столетия, прежде чем в русской живописи реализм станет главным направлением. Прежде всего, следует отметить Симона Ушакова. Правда, в теоретических рассуждениях мастер более последователен, чем на практике. Тем не менее, в его работе «Спас Нерукотворный» заметно стремление к объемной, тщательно моделированной форме, к созданию реальной пространственной среды. И хотя окончательно Ушаков не преодолел условность старого иконного письма, стремление к реальному правдоподобию, обнаруживали в своих работах также и другие художники Оружейной палаты, среди которых Богдан Салтанов, Яков Казанец, Кирилл Уланов, Никита Павловец, Иван Безмин, в дальнейшем оказало значитеное влияние на русское искусство.

Новые веяния в русской живописи 17 века отчетливо проявились в «парсуне» (происходит от слова «персона»), ставшей начальным этапом становления реалистического портрета. В иконописи и в росписях этого периода мы все чаще встречаемся с изображениями реальных людей, соответствующим канонам иконного письма. В парсуне же главной задачей мастера являлась наиболее точное отражение характерных черт персонажа, в чем художники неплохо преуспели. К лучшим произведениям данного направления можно отнести изображения царя Федора Иоанновича (вторая четверть XVII века, ГИМ), князя Скопина-Шуйского (вторая четверть XVII века, ГТГ)», Ивана IV (вторая четверть XVII века, Копенгаген, Национальный музей)

Царь Федор Иоанович. Парсуна. Неизвестный художник. Россия. 1630-е.

Среди иностранных художников, работавших во второй половине XVII века в Москве, можно отметить голландского художника Д. Вухтерса. Его считают автором группового портрета «Патриарх Никон, произносящий поучение клиру» (около 1667 г. , Обл. краеведческий музей, город Истра). Без сомнения, работы иностранных художников оказывали воздействие на развитие русской живописи, помогая русским художникам выйти на путь реалистического искусства. Так, во второй половине столетия появляются портретные произведения (например, «Стольник Г.П. Годунов», около 1686 г., ГИМ), непосредственно предвосхищающие русское портретное искусство XVIII века.

До нашего времени сохранилось достаточно много фресок, относящихся к XVII веку. Их создателями являются художники московских, костромских, ярославских, вологодских, нижегородских и других артелей. Несмотря на то, что их творчество часто смыкается с иконописью, в то же время техника росписи на стенах требовала особых приемов изображения. Следует отметить, что в росписях на стенах новые веяния дают о себе знать наиболее отчетливо: это и занимательность рассказа, и многочисленные бытовые подробности, использование в качестве ориентира западноевропейских образцов (в частности известной Библии Пискатора, изданной в 1650 году в Амстердаме). Искусство стенописи предназначено теперь на более широкий круг зрителей.

Основные черты развития монументальной живописи на стенах XVII века определяла деятельность художников, работавших в Москве. Характерными примерами являются росписи Архангельского собора (1652-1666). Стены и своды собора расписаны многочисленными композициями и отдельными фигурами святых и князей. Несмотря на тягу к подробностям и остродинамичным решениям композиций (например «Битва Гедеона»), преобладают черты монументальной живописи. Прекрасный фресковый ансамбль Москвы — роспись церкви Троицы в Никитниках (1652-1653). В данной работе мастеров проявляется приверженность к повествовательности. Росписи насыщены занимательными подробностями. В евангельских сюжетах, в иллюстрации притч, во фресках на темы Апокалипсиса авторы заимствуют различные атрибуты из окружающей их жизни. Хотя фигуры персонажей в композициях значительно меньше, чем в более ранних росписях, художники достигают необходимого единства всей росписи четким делением ее на ярусы и отдельные композиции в них, а также цветовым решением, в котором преобладают теплые охряные тона. Роспись церкви Троицы в Никитниках является важным этапом в русской живописи 17 века. Именно она стала ориентиром для мастера второй половины XVII столетия, а также XVIII века, работавших над росписью храмов в Ярославле, Костроме, Вологде, Ростове и других городах России.

Важной особенностью росписей XVII столетия является впечатление динамики, внутренней энергии. Правда в некоторых городах, например, в росписях Ростова этого периода все еще преобладают плавные, гибкие линии, свободно очерчивающие силуэты фигур. В церкви Спаса на Сенях представлены дьяконы в праздничных облачениях. Их позы спокойны, движения размеренны и торжественны. Тем не менее, и здесь прослеживается тенденция времени — парчовые одежды украшены затейливым растительным и геометрическим орнаментом. Росписи храма Спаса на Сенях и церкви Воскресения (1670-е гг.) — это искусство праздничное, яркое, торжественное.

Иосиф Владимиров. Сошествие Св. Духа на Апостолов. 1666. Москва, церковь Троицы в Никитниках.

В отличие от выше названных росписей Ростова, росписи ярославских церквей Ильи Пророка (1681, главные мастера Г. Кинешемцев, С. Савин) и Иоанна Предтечи (1694-1695, артель художников под руководством Д. Плеханова) насыщены активностью. Мастера не уделяют внимания стройности силуэтов, изысканности линий. Для них более важно действие, сюжет. Так, в композициях, повествующих о пророке Елисее, содержится множество подробностей и побочных эпизодов. В сцене исцеления Елисеем отрока художник основное внимание уделяет изображению жатвы. Фигуры персонажей изображены в свободном движении, видно желание автора передать пространство и реальный пейзаж. Вместе с этим отсутствуют внутренние переживания, психологическая характеристика образов, хотя большое внимание уделяется внешнему облику персонажей. Они облачены в праздничные разноцветные одежды. Персонажи росписей церквей Ильи Пророка и Иоанна Предтечи бурно жестикулируют, и эта жестикуляция является одним из основных средств их характеристики. Праздничность ярославским росписям придает особенный колорит: краски в них яркие, звонкие. Этот аспект даже в какой-то мере лишает эсхатологические сцены ощущения драматической напряженности. Хотя в таких композициях, как «Страшный суд» Предтеченской церкви, авторы стараются натолкнуть зрителей на мысль о неизбежной расплате «на том свете» за грехи в этом мире.

В XVII веке все еще существовала рукописная книга, хотя ее постепенно вытесняла книга печатная. Следуя тенденции времени, в миниатюру, как и в живопись, чаще проникали реалистические мотивы. Оформление рукописных книг религиозного содержания «обмирщалось». Вместе с этим иллюстрации становились более пышными, их орнаментация усложнялась. Характерен рукописный фолиант «Титулярники», созданный в 1670-х годах, с многочисленными изображениями царей и князей XVI-XVII веков. Также следует отметить типичные для этого времени Сийское евангелие (1693, Библиотека Академии наук), «Лекарство душевное» (1670, Государственная Оружейная палата), в которых множество бытовых подробностей. Многие миниатюры являются хорошо скомпонованными жанровыми композициями.

В XVII веке развивалась гравюра по дереву, а затем по меди. Это направление также представлено талантливыми мастерами, среди которрых Кондратий и Гаврила Ивановы, Григорий Благушин, Леонтий Бунин, Василий Корень, Афанасий Трухменский. Работе в этой области посвятили себя такие известные живописцы как Прокопий Чирин, Симон Ушаков, Федор Зубов. Вообще, гравюра на протяжении XVII века прошла значительную эволюцию, к концу столетия овладев реалистическими средствами изображения. В данном случае показательно творчество Трухменского. Его титульный лист «Истории о Варлааме и Иоасафе», выполненный по рисунку Симона Ушакова, свидетельствует о свободном владении техникой резьбы по меди. Интересны женская и мужская аллегорические фигуры «Мир» и «Брань»: они трактованы вполне реалистически, так же как и архитектурное обрамление листа. Также по рисункам Ушакова Трухменский исполнил гравюры к «Псалтири в стихах» (1680), «Обеду душевному» (1681), «Вечери душевной» (1682).

Таким образом, гравюра XVII века, ровно как и живопись, заложила основы этого вида искусства уже Петровской эпохи. Связь между творчеством мастеров искусства конца XVII века и первой трети XVIII века очевидна.

Источник

Развитие живописи в 17 веке в России :: SYL.ru

В истории искусства России 17 век был периодом борьбы двух живописных школ и формирования новых жанров. Православная церковь все еще имела огромное влияние на культурную жизнь человека. Художники тоже испытывали некоторые ограничения в своей деятельности.

Иконопись

Во времена позднего Средневековья центром сосредоточения в России художников и ремесленников был Кремль, а точнее Оружейные палаты. Там трудились лучшие мастера архитектуры, живописи и других видов творчества.

Несмотря на стремительное развитие искусства по всей Европе, живопись в России в 17 веке имела только один жанр — иконопись. Художники вынуждены были творить под неусыпным надзором церкви, которая всячески противилась любым нововведениям. Русская иконопись сформировалась под влиянием живописных традиций Византии и имела к тому времени четко сформировавшиеся каноны.

Живопись, как и культура в России 17 века, была достаточно замкнутой в себе и развивалась очень медленно. Однако одно событие повлекло за собой полное реформирование иконописного жанра. При пожаре в 1547 года в Москве сгорело множество древних икон. Необходимо было восстанавливать утраченное. И в процессе главным камнем преткновения стал спор по поводу характера ликов святых. Мнения разделились, приверженцы старых традиций считали, что образы должны остаться символичными. В то время как художники более современных взглядов были за то, чтобы придать святым и мученикам большую реалистичность.

Разделение на две школы

В итоге живопись в России в 17 веке разделилась на два лагеря. В первом были представители «годуновской» школы (от имени Бориса Годунова). Они стремились к возрождению иконописных традиций Андрея Рублева и других средневековых мастеров.

Эти мастера работали над заказами для царского двора и являли собой официальную сторону искусства. Характерными чертами для этой школы были каноничные лики святых, упрощенные изображения толпы людей в виде множества голов, золотистые, красные и сине-зеленые тона. При этом можно заметить попытки художников передать материальность некоторых предметов. Годуновская школа наиболее известна своими настенными росписями в палатах Кремля, в Смоленском соборе, Троицком соборе.

Противоборствующей школой стала «строгановская». Название связано с купцами Строгановыми, для которых делалась большая часть заказов и которые выступали в качестве «спонсоров» в развитии живописи в России в 17 веке. Именно благодаря мастерам из этой школы и началось стремительное развитие искусства. Они первыми стали делать миниатюрные иконы для домашних молитв. Это способствовало их распространению среди простых граждан.

Строгановские мастера все больше и больше выходили за рамки церковных канонов и стали уделять внимание деталям окружения, внешнему виду святых. Так потихоньку стал развиваться пейзаж. Их иконы отличались красочностью и декоративностью, а трактовка библейских персонажей была ближе к образам реальных людей. Самые известные из сохранившихся произведений — иконы «Никита воин», «Иоанн Предтеча».

Ярославские фрески

Уникальным памятником в истории живописи 17 века в России являются фрески в церкви Пророка Ильи в Ярославле, над которыми работали художники из Оружейных палат. Особенностью этих фресок являются сцены из реальной жизни, которые преобладают над библейскими сюжетами. Например, в сцене с исцелением основную часть композиции занимает изображение крестьян во время жатвы. Это было первое монументальное изображение в бытовом жанре.

Среди этих фресок можно встретить сказочные и мифологические сцены. Они поражают своими яркими красками и сложной архитектурой.

Симон Ушаков

На каждом этапе культурного развития страны появляются свои значимые лица. Человеком, который продвинул живопись в России в 17 веке по новому направлению и способствовал ее частичному освобождению от религиозной идеологии, был Симон Ушаков.

Он являлся не только придворным живописцем, но и ученым, педагогом, богословом, человеком широких взглядов. Симон был увлечен западным искусством. В частности, его интересовало реалистичное изображение человеческого лица. Это хорошо заметно в его работе «Спас Нерукотворный».

Ушаков был новатором. Он первым из русских художников стал использовать масляную краску. Благодаря ему стало развиваться искусство гравюры на меди. Будучи тридцать лет главным художником Оружейной палаты, он написал множество икон, гравюр, а также несколько трактатов. Среди них «Слово к любителю иконного писания», в котором он изложил свои мысли о том, что художник должен, подобно зеркалу, правдиво отображать окружающий мир. Он придерживался этого в своих работах и обучал этому своих учеников. В его записях есть упоминания анатомического атласа, который он хотел написать и проиллюстрировать гравюрами. Но, судя по всему, он не был издан или же не сохранился. Главная заслуга мастера в том, что он заложил основы портретной живописи 17 века в России.

Парсуна

После значительных преобразований в иконописи, начал формироваться портретный жанр. Поначалу он выполнялся в иконописном стиле и получил название «парсуна» (от латинского — персона, личность). Художники все больше работают с живой натурой, и парсуны становятся более реалистичными, лица на них приобретают объем.

В этом стиле написаны портреты Бориса Годунова, царей Алексея Михайловича, Федора Алексеевича, цариц Евдокии Лопухиной, Прасковьи Салтыковой.

Известно, что при дворе работали и иностранные художники. Они тоже в значительной мере способствовали эволюции русской живописи.

Книжная графика

Книгопечатание тоже довольно поздно пришло на русские земли. Однако параллельно с его развитием популярность приобретали и гравюры, которые использовались в качестве иллюстраций. Изображения были как религиозного, так и бытового характера. Книжная миниатюра того периода отличается сложным орнаментом, декоративными буквицами, встречаются и портретные изображения. Большой вклад в развитие книжной миниатюры внесли мастера строгановской школы.

Живопись в России в 17 веке из высокодуховной превратилась в более мирскую и близкую к народу. Несмотря на противодействие церковных деятелей, художники отстояли свое право творить в жанре реализма.

Русский Художник | Воскресение Христово и адские муки

Русский Художник | Воскресение Христово и муки ада | Метрополитен-музей ×

Обрежьте изображение:

Отсканируйте свой QR-код:

С благодарностью создан с помощью ACNLPatternTool

Детали обложки

Используйте клавиши со стрелками для перемещения по вкладкам ниже и клавишу табуляции для выбора элемента

Заголовок: Воскресение Христово и муки ада

Художник: Русский Художник (возможно 17 век)

Середина: Дерево, темпера

Размеры: 12 1/4 x 9 7/8 дюйма (31,1 x 25,1 см)

Классификация: Картины

Кредитная линия: Подарок Золтана Овари в память о Бэби и Умберто Натали, 1982 г.

Регистрационный номер: 1982.378

Узнайте больше об этом произведении

Хронология истории искусств

Музейные публикации

Европейские картины в Метрополитен-музее художников, родившихся до 1865 года: сводный каталог

Обратная связь

Мы продолжаем исследовать исторический и культурный контекст предметов в коллекции The Met.

Если у вас есть комментарии или вопросы об этой записи объекта, пожалуйста, заполните и отправьте эту форму. Музей с нетерпением ждет ваших комментариев.

Европейские картины в Метрополитене

Знаменитая коллекция европейских картин Метрополитен-музея включает более 2500 произведений искусства с тринадцатого по начало двадцатого века.

Богородица Умиление

Описание

Провенанс

Государственный Исторический музей, Москва (II, № 18)

Третьяковская галерея, Москва (этикетка № 1043; роспись № 14320; регистрационный номер ГТГ Р 5666/36), 19 августа 1930 г. ( приказ о передаче № 288)

Антиквариат, 25 декабря 1934 г. (заказ № 232)

Джордж Р.Хан (1875-1954), Питтсбург, Пенсильвания, США (продано через Антиквариат в 1934)

Christie’s New York, The George R. Hann Collection, 17 и 18 апреля 1980 г., лот 66, цена с молотка $65 000 Клуб, 1940-1941, вып. 37

Русские иконы и предметы церковного и декоративного искусства Из коллекции Джорджа Р. Ханна , Институт Карнеги, Питтсбург, Пенсильвания, 12 января – 22 февраля 1944 г., вып. 75

Ссудная выставка русских икон , Метрополитен-музей, Нью-Йорк, 1944

Русские иконы: коллекция Джорджа Р. Ханна 1944 г. — 17 января 1945 г .; Галерея изящных искусств Колумбуса, Колумбус, Огайо, 10 февраля — 10 марта 1945 г .; Художественный институт Джона Херрона, Индианаполис, Индиана, 25 марта — 29 апреля 1945 г., вып. 40

Выставка русских икон из собрания Джорджа Р. Ханна

, Мемориальный художественный музей Аллена, Колледж Оберлина , Оберлин, Огайо, май 1945 г.
Русские иконы и предметы церковного и декоративного искусства, предоставленные Джорджем К. Ханом Луи, Миссури, 15 сентября – 15 октября 1945 г. Яйца , Музей искусств Хаггерти, Милуоки, Висконсин, 19 апреля – 28 июля 1996 г. 75
C.G.E. Бунт, История русского искусства, Студия , Лондон и Нью-Йорк, 1946, с. 120, иллюстрация
M.E.L. Dywer, Hann Collection of Icons // Carnegie Magazine , Volume XLII no.8, October 1968
H.P. Герхард, Мир икон , Лондон, 1971, иллюстрированные листы XXXI, с. 104, иллюстрировано, фото 185
Б. Дворский, Коллекция Джорджа Хана , Christie’s, Manson & Woods International Inc., Нью-Йорк, 1980, вып. 66, стр. 142-143, иллюстрировано

Р. Темпл, Иконы, В поисках внутреннего смысла , 1982, № 5, иллюстрировано, стр. 59-64 и 114
А. Ружников, А. Харлоу, Иконы и пасхальные яйца Императорской России [каталог выставки] , Hearst Art Gallery, Моргана, 1995, вып. 1, с. 13
Русское искусство XIX века: иконы и пасхальные яйца [каталог выставки] , Художественный музей Хаггерти, Милуоки, 1996, вып. 2, pp. 14 & 18
Е. Осокина, Небесная голубизна ангельских одежд: Судьба произведений древнерусской живописи, 1920–1930-е годы. Религиозное искусство, 1920-е-1930-е] , Москва, 2018, вып. 30, с. 581, с. 28 проиллюстрировано в цвете

Икона относится к иконографическому типу, известному как Умиление по-русски и Елеуса ( Милосердная ) или Гликофилуса (70096 Нежно обнимающая) по-гречески. Лик Младенца Христа прижат к щеке Богородицы. Его правая рука сжимает ее подбородок, а в левой он держит развернутый свиток; его правая нога согнута так, что его ступня может быть видна. Фигуры нарисованы на золотом фоне с каллиграфическими надписями на греческом языке:
MP θυ (μήτηρ θεοῦ, Мать Бога ) и IC-XC (ἰησοῦς χριστός, Иисус Христос )
А. В 1934 году она была передана на Центральный склад художественных собраний СССР, а затем продана Советским правительством в составе большой коллекции. Икону приобрел Джордж Р. Ханн (1875–1954), пионер воздушного транспорта, страстный коллекционер произведений искусства и меценат. Почти 50 лет коллекция Ханна размещалась недалеко от Питтсбурга в «Верхах деревьев». Другие произведения этой группы сейчас находятся в коллекции Фонда Менила в Хьюстоне, штат Техас, и в Художественном музее Тимкен в Сан-Диего.

Иконография Элеуса восходит к византийскому искусству постиконоборческого периода. Образ, характеризующийся нежными объятиями Марии и Младенца Христа, сочетает в себе темы материнской любви и Страстей Христовых. Одной из самых известных икон этого типа является Владимирская икона Божией Матери XII века из собрания Государственной Третьяковской галереи в Москве.
Вы ищете покупателя?
У нас есть активный и постоянный процесс приобретения.
Связаться с нами
Чтобы быть в курсе последних новостей и идей, пожалуйста, заполните форму ниже.
Пожалуйста, заполните форму ниже, чтобы быть в курсе интересных новостей и идей.
Имя
Первый Последний
Адрес электронной почты

Мы работаем только по предварительной записи.