Живопись в россии 16 века: Русская живопись 16 века кратко и понятно

Содержание

Этапы развития русской живописи. Перемены в русской живописи с конца 16 века

Считается, что до Петра I существовало только религиозное искусство: иконопись и монументальная фреска. Но это не совсем так. Поговорим о тенденциях, которые предшествовали появлению первых живописных произведений в России.

Это часть интерактивных уроков, подготовленных образовательной платформой Level One в сотрудничестве с крупнейшими российскими экспертами.

Еще 500 уроков по 15 направлениям, от истории и архитектуры до здоровья и кулинарии на levelvan.ru/plus

посмотреть все уроки

Автор урока

Анастасия Мамаева

Искусствовед, специалист по истории русского искусства

📿 В конце 16 века Россия постепенно отходит от идеала исключительно духовной жизни. Общество становится более светским, а страна, которая до этого была достаточно закрытой, начинает устанавливать контакты с Европой.

🤝 Попытки сблизиться с Европой были и раньше. Иван Грозный хотел свататься к английской королеве Елизавете I. Годунов пытался наладить экономические связи с Европой. В Смутное время польские интервенты делали попытки насадить собственную культуру на захваченных территориях. А с приходом к власти Романовых в Россию начинают активно приезжать иностранцы, в Москве появляется Немецкая слобода, мода на бритье и европейский костюм, при дворе Алексея Михайловича дают первые театральные представления.

💡 Искусство тоже меняется под влиянием Европы. На Русь попадают европейские гравюры, а вместе с ними — и новые сюжеты, а также представления о прямой перспективе.

🎨 В конце 16 века возникает Строгановская школа иконописи, меняющая представления о традиционной образности. Теперь художники больше внимания начинают уделять изяществу, орнаментике, эстетической стороне своих творений, а не раскрытию глубокого богословского содержания иконы.

1. Строгановская школа: Никифор Савин. Чудо Федора Тирона, нач. 17 в.
2. Симон Ушаков. Похвала Владимирской иконе. Древо государства Российского, 1668
3, 4. Никита Павловец. Вертоград заключенный, 1670-е

Телеграм-канал
Level One

Вдохновляющие посты, новые запуски и подарки только для подписчиков

1. Примеры западной иконографии Вертоград заключенный (hortus conclusus): Стефано да Верона «Мадонна дель Розето», около 1435 года
2. Леонардо да Винчи «Благовещение», 1475 год

Сравните иконы:
1. «Спас Нерукотворный»: икона 12 века
2. Симона Ушакова, 1658 год справа

Сравните иконы «Троица Ветхозаветная»: слева Андрей Рублев, 1-я четверть 15 века и Кирилл Уланов, 1690 год справа

Как именно изменилась русская икона в конце 16 — 17 веках?

✨ Строгановские мастера начинают использовать золотопробельное письмо. Пробéла — это тонкие линии на лицах и одежде святых, передающие их внутренний духовный свет. Как правило, пробела наносили белой краской или накладывали тончайшую золотую сеточку (ассист). Строгановские мастера стали использовать много золота, превращая икону в эстетское произведение с декоративным звучанием.

🤴🏻 Стали писать иконы с реальными персонажами. Как правило, это цари, князья и другие знатные люди, которых пишут рядом с Богоматерью. Традиция вводить донаторов в сцены Святого писания издавна существовала в европейской живописи.

💬 Появились иконы «программного» плана. На них — не конкретный святой или церковный праздник, а целая «история» с частично религиозным и частично государственным смыслом.

🖼 Например, «Древо Государства Российского» Симона Ушакова. В центре — большой медальон с Богоматерью Владимирской, покровительницей России и Москвы. Внизу — элементы реального городского пейзажа: Кремлевская стена, Спасская башня, Успенский Собор. И из всего этого вырастает огромное дерево, в ветвях которого тоже медальоны с князьями, царями, монахами и митрополитами. Поливают древо Иван Калита и Митрополит Петр, которые способствовали возвышению Московского княжества. А по сторонам — заказчики образа, сам царь Алексей Михайлович и его супруга с детьми.

✝️ На русскую икону влияет европейская гравюра. Это была целая политическая программа — Папа Римский лично спонсировал печать больших книг с известными гравюрами и отправлял их в подарок на Русь.

🛤 Русских живописцев особенно интересовала прямая перспектива, которая была неотъемлемой частью западноевропейской живописи, в то время как в русской иконописи была принята обратная перспектива.

🌳 Из гравюр появляются и новые сюжеты. Например, иконы типа «Вертоград заключенный», дословный перевод латинского Hortus Conclusus. Божья матерь изображается внутри или на фоне прекрасного сада, но сад всегда огорожен забором. Это символ девства, чего-то драгоценного, но закрытого от остальных.

🎀 Старые сюжеты приобретают новое прочтение. Основа иконографии остается прежней, но сильно меняются детали. Теперь художники с большим интересом вводят в икону элементы реального мира.

🖼 Например, если в «Троице Ветхозаветной» Андрея Рублева перед святыми стоит только одна чаша, а сзади дерево едва обозначено, то у Кирилла Уланова видим шикарную сервировку стола, мощное дерево с пышной и детально прорисованной кроной, а на заднем плане не просто красивое здание, но и сценки, которые разворачиваются внутри.

✊ В середине 17 века разгорелся важный спор о том, как именно должна выглядеть икона. Часть общества считала, что иконы должны быть темными в подражание древним образцам. Они не знали, что темными старые иконы становились из-за потемневшей олифы. Другие предлагали писать иконы и лица на них «яко живо». Среди них — Симон Ушаков и Иосиф Владимиров, иконописцы Оружейной палаты.

📷 Сам Ушаков стремился к реалистичности: иначе писал глаза и пытался давать светотеневую моделировку лиц, что прежде было абсолютно невозможно — никакой тени у святых ликов быть не может.

1. Неизвестный художник. Портрет царя Федора Иоановича
2. Неизвестный художник. Портрет царя Алексея Михайловича, 1680-е
3. Неизвестный художник. Портрет царицы Натальи Кирилловны, 1694
4. Неизвестный художник. Портрет князя Андрея Меньшого Ивановича Репнина, 1690-е
5. Неизвестный художник. Портрет Алексея Василькова, 1700-е
6. Неизвестный художник. Портрет князя Аникиты Ивановича Репнина, 1693 — конец 1694
7. Неизвестный художник. Портрет стольника Федора Ивановича Веригина, не позднее 30 августа 1698

Парсунная живопись — это переходная стадия от иконописи к академической реалистической живописи. Поговорим о парсунах подробнее: как появились и что из себя представляют.

👤 Происхождение названия. Слово парсуна происходит от искаженного латинского слова persona — особа, потому что на парсунах изображали не святых, а конкретных людей, персон.

В 17 веке на Руси это было еще настолько непривычно, что на этом делали акцент.

📜 Согласно письменным источникам, первой парсуной стал портрет Ивана Грозного. Он якобы был написан с натуры, но до настоящего времени, к сожалению, не сохранился.

👨🏻‍🎨 Активно парсуна развивается с середины 17 века благодаря приезду нескольких иностранных мастеров из Германии и Голландии. Считается, что именно они дали первые уроки портретирования ученикам Оружейной палаты.

👸🏼 Парсуны бывают разного типа. Часть парсун носила мемориальный характер, они больше походили на иконы и устанавливались над захоронениями в церквах. Были и более светские парсуны — с изображениями царей, дворян и церковных иерархов. Почти все парсуны — это мужские портреты, из женщин чести портретирования удостаивались только царицы.

🖼 Наиболее распространенный вид парсуны — поясное изображение на нейтральном фоне

. Но встречаются и более интересные варианты: в полный рост, с условным пейзажем за окном, детально прописанным интерьером — в таких картинах русские художники уже пытаются (часто еще с ошибками) дать прямую перспективу.

🎨 Технически парсуны могли создаваться по-разному. Основой могло служить как дерево (по иконописной традиции), так и холст. Аналогично по краскам: иногда выбирали темперу (как для иконы), иногда масло.

Основные особенности парсуны 👇

🔅 Связь с иконой. Человек стоит напряженно, вытянуто, неестественно прямо, а голова, как правило, развернута на ¾ — силуэт лаконичен и замкнут. Основной источник освещения — слева сверху, как часто бывает в иконописи. Изображение плоскостное.

🔅 Проработка деталей. Мастера тщательно и с любовью прописывали декор, фактурные и декоративные элементы: узоры скатертей, поясов, различные орнаменты.

🔅 Пояснительный текст — картуш. Как правило, парсуна содержит в себе текст — это тоже связь с иконой, которая всегда подписана. Длина текста могла быть разной — от одной строки до целого повествования. Писали полное имя, статус и достижения. Художник словно бы понимал, что модель на его портрете могут просто не узнать.

Уникальная «тафтяная» парсуна Патриарха Никона

1. Неизвестный художник или Иван Андреев Валтырь.«Тафтяной» портрет Патриарха Никона, последняя четверть 17 века.
2. Техника: дерево, ткань, бумага, золотое кружево. Фон, фигура — аппликация. Лицо, руки — маслo.

1. Предположительно Иван Салатанов или Иван Безмин. Федор Алексеевич, предстоящий образу Спаса Нерукотворного, 1686
2. Неизвестный мастер. Портрет Марфы Матвеевны Апраксиной, до 1682
3. Неизвестный мастер. Портрет Василия Люткина, 1797
4. Неизвестный, предположительно иностранный мастер. Патриарх Никон с клиром, 1662
5. Портрет Ивана Грозного из Национального музея Дании, 1630 (предположительно — подделка)

Разберем пять очень интересных и непохожих друг на друга парсун.

1️⃣👑 Царь Федор Алексеевич, предстоящий образу Спаса Нерукотворного. Пример надгробного портрета, выполненный в переходной технике. Парсуна, как и икона, сделана на дереве, есть и левкас (иконописный грунт), но использовано масло, а не темпера.

Парсуна висела на столбе над захоронением Федора Алексеевича в Архангельском соборе Московского Кремля. Фигура статичная, словно распластанная на поверхности, условный пейзаж и целых четыре картуша с очень подробными описаниями. Сверху — икона Спаса Нерукотворного. Парсуна декоративна, здесь много золота и орнамента.

2️⃣👰🏻 Портрет второй жены Федора Алексеевича — редкий женский портрет. Предположительно, Марфа Апраксина здесь изображена в статусе царской невесты — на это указывает одежда и кокошник. У портрета жесткая светотеневая моделировка лица, глубокие тени. Но художник «отдыхает» в орнаментах и фактурах платья, фаты и кокошника.

В руке Марфы Матвеевны веер — модный атрибут, новинка из европейского обихода. Но пальцы сложены словно для крестного знамения — отголосок иконы.

3️⃣💂‍♂️ Портрет боярина Василия Люткина — вариант «парадного» портрета, в полный рост. Интересен тем, что написан в интерьере с попыткой передать прямую перспективу. Пояс, кушак, скатерть прописаны с удовольствием. Есть красная бархатная штора за спиной — атрибут из классического парадного западноевропейского портрета.

На картуше — латинские буквы. Сначала предполагали, что автор — мастер из Европы. Но некоторые буквы написаны не в ту сторону, а у русского имени — странная транслитерация. Скорее всего, это была попытка русского мастера добавить портрету статусности: работы заграничных художников стоили дороже.

4️⃣☦️ Патриарх Никон с клиром. Считается, что Никон был нарисован с натуры, и все остальные тоже позировали художнику. Детально прописан интерьер: патриаршее место, икона, книги, ковер. Здесь более удачная попытка выстроить прямую перспективу — возможно, автор иностранец. Но в этой парсуне есть доля наивности? особенно в организации левой части.

Исследования в рентгеновских лучах показали, что сохранность работы всего порядка 50%, остальное — реставрация: некоторые лица изменены или переписаны. Но это судьба многих парсун.

5️⃣👑 Оплечный портрет Ивана Грозного — знаменитейшая парсуна, которую часто называют первой дошедшей до нас парсуной и датируют 1630-ми годами. Считается, что это прижизненный портрет Ивана Грозного.

Российские исследователи же утверждают, что это подделка 19 века. Во-первых, все парсуны находятся в России, и сложно понять, как эта могла оказаться в Национальном музее Дании. Во-вторых, по манере исполнения парсуна очень декоративна: завитки волос, одежда, глаза. Возможно, была написана на старой иконной доске. Подтвердить или опровергнуть подозрения ученые не могут: нужно детально исследовать парсуну, а музей не заинтересован подтверждать факт подделки.

курс Level One

Как получать удовольствие от искусства

Курс лекций о том, как устроены картины. Любое полотно — это выбор холста и типа краски, отчаянный поиск идеального цвета и композиции, работа с символами и архетипическими образами. Научимся наслаждаться картинами от первого эскиза и мазка краски до музейной рамы.

Сегодня можно купить со скидкой 50%
3900₽ 1950₽

подробнее о курсе

Живопись конца XV — начала XVI века. Дионисий —

Развитие русской живописи конца XV—XVI веков, как и развитие зодчества этой поры, в первую очередь определялось таким важнейшим историческим событием, как образование Русского централизованного государства, сопровождавшееся значительными социальными сдвигами.

Ростом социальных противоречий обусловливается сложный характер мировосприятия человека конца XV—начала XVI столетия. Конец XV века был временем торжества иосифлянства, проводившего ортодоксальную линию русской церкви и ратовавшего за подчинение интересов церкви интересам феодальной монархии. Вместе с тем значительно усиливаются еретические движения. Борьба иосифлян с еретиками придает напряженный характер русской общественной жизни этого времени.

Основной задачей искусства становится прославление Русского централизованного государства. Это расширяет идейное содержание искусства, придает политический смысл многим произведениям живописи. В искусство XVI века проникает все больше светских мотивов, все больше живых, занимательных сцен. Вместе с тем как выражение противоположных тенденций строгая регламентация сюжетов, иконографических переводов и образцов сковывает творческое развитие искусства, зачастую придает ему холодный, официальный характер. Постепенно появляются произведения догматические, долженствующие разъяснять и доказывать основные положения официальной религии.

Крупнейшим представителем московской школы живописи конца XV века был Дионисий (родился, вероятно, около 1440, умер после 1503). В отличие от Рублева Дионисий не был иноком. Его два сына—Владимир и Феодосий — также были живописцами и помогали ему в его работах.

Ранний период творчества мастера (60-е — 70-е годы), проходил в Пафнутьево-Боровском монастыре. Из многочисленных работ, созданных им в эти годы, ничего не сохранилось.

В 80-х годах Дионисия вызывают в Москву. Здесь он выполняет ряд заказов: в летописи говорится о большом многоярусном иконостасе, написанном в 1481 году в московский Успенский собор по заказу ростовского архиепископа. Иконостас был выполнен Дионисием совместно с тремя другими мастерами Тимофеем, Ярцом и Коней. В «Сказании о Каменном монастыре» сообщается еще об одном иконостасе Дионисия, написанном в 1482 году по заказу угличского князя Андрея. Обе эти работы не сохранились.

По-видимОму, в 80-х годах XV века были созданы фрески алтарной части Успенского собора Московского Кремля. Некоторые из них дошли до наших дней. На каменной алтарной преграде изображены полуфигуры святых и композиция «Спас» над входом в северный Петропавловский придел. В самом Петропавловском приделе сохранилась композиция «Сорок мучеников севастийских» (на южной стене), а в жертвеннике главного алтаря — «Три отрока в пещи огненной». Кроме того, частично сохранились росписи Похвальского придела: «Похвала Богоматери» на своде и «Поклонение волхвов» на северной стене. Изображение «Рождества Иоанна Предтечи» на южной стене того же придела первоначально, до перестройки алтарной части собора, относилось к росписи прилегавшего к Похвальскому Дмитровского придела. Из всех этих фресок, выполненных, по-видимому, группой мастеров, работавших вместе с Дионисием а Успенском соборе, кисти Дионисия с наибольшей вероятностью можно приписать «Поклонение волхвов» в Похвальском приделе (ил. 74).

73. Апокалипсис. Икона. Рубеж XV—XVI вв. Фрагмент
74. Поклонение волвов. Фреска Похвальского придела Успенского собора Московского Кремля.. Конец XV в.
75. Митрополит Петр. Икона. XV в. Клеймо
76. Дионисий. Распятие. Икона. 1500

77. Митрополит Алексей. Иконе. XV в. .

Конец 80-х годов и, вероятно. 90-е годы Дионисий работает в Иосифаео-Волоколамском монастыре. Сохранились сведения о росписи монастырской церкви, выполненной артелью мастеров под руководством Дионисия, о большом четырехьярусном иконостасе и множестве икон, написанных в монастыре Дионисием и его сыновьями.

Из всего этого обилия икон и фресок, выполненных мастером в 80-х — 90-х годах для Волоколамского монастыря, до настоящего времени ничего не обнаружено. Но к этому времени относится икона «Богоматерь Одигитрия» (ГТГ), согласно летописи, написанная на обгоревшей во время пожара 1482 года доске византийской иконы Богоматери. По сравнению с другими достоверными произведениями Дионисия, эта икона кажется несколько суховатой и официальной.

В 1502—1503 годах Дионисием совместно с двумя его сыновьями и артелью художников была исполнена роспись собора Рождества Богородицы в Ферапонтовом монастыре. Эта роспись посвящена теме похвалы Богородице.

В трех больших люнетах центральной части храма представлены крупные торжественные композиции: «Собор Богородицы», «Похвала Богородице» и «Покров Богородицы». В центре каждой из них помещена фигура Богоматери, восседающей с младенцем на коленях или же стоящей с покровом в руках на фоне высокого пятиглавого собора. Вокруг многолюдными группами расположились славословящие Богоматерь святые и простые смертные. Яркие, красочные сочетания, пестрые узоры одежд и архитектуры, радужный ореол вокруг фигуры Богоматери, множество цветов и трав создают впечатление праздничное, торжественное.

Во втором ярусе фресок, тянущихся по стенам и столбам центральной части храма, подробно иллюстрирован «Акафист Богородице» (хвалебное песнопение). Повторяющийся в каждой композиции стройный темно-вишневый силуэт ее фигуры на фоне бледно-розовых и золотисто-охристых горок или зданий придает всему циклу фресок смысловое и композиционное единство.

По плоскостям арок расположены целые гирлянды разноцветных круглых медальонов с по- грудными изображениями святых, Снизу они воспринимаются как красивый узор и усиливают общее впечатление нарядности и праздничности. На сводах боковых приделов идущие в два яруса евангельские сцены завершаются группами фигур, размещенных полукругом за пиршественными столами. Здесь представлены сцены на сюжеты евангельских притч.

Утром и вечером, когда солнце заглядывает в узкие окна храма и зажигает янтарем тусклую охру фресок, роспись производит впечатление особенно торжественного и радостного славословия в красках. Это и составляет главное содержание всей росписи.

Фрески ясно обнаруживают различные живописные манеры. Считают, что кисти самого Дионисия бесспорно принадлежит портальная фреска «Рождество Богородицы» (ил. V).

V. Портальная фреска собора Рождества Богородицы Ферапонтова монастыря. 1502—1503. Фрагмент

Кисти Дионисия, его учеников и помощников принадлежит и созданный для собора Рождества Богородицы Ферапонтова монастыря большой многоярусный иконостас. От иконостаса дошли до нашего времени несколько икон деисусного ряда (ГРМ, ГТГ, Музей Кирилло-Бепозерского монастыря) и местные иконы — «Сошествие во ад» и «Одигитрия» (обе — ГРМ). Трудно сказать, принадлежат ли эти иконы самому Дионисию или они были написаны кем-то из его учеников. Сохранились также две иконы из иконостаса Павло-Обнорского монастыря. На обратной стороне одной из них — «Спас в силах» (ГТГ), составлявшей центр деисусного чина, обнаружена надпись, свидетельствующая об авторстве Дионисия, и дата исполнения — 1500 год. Это дает основание для атрибуции Дионисию второй из сохранившихся икон этого иконостаса — «Распятие» (ГТГ, ил. 76). Колорит ее поражает светлостью, обилием белого в сочетании с различными оттенками лимонно-желтого, розового, с вкрапленными кое-где пятнами алого; построение пронизано движением, фигуры составляют динамичные группы, возникающие, распадающиеся и образующие новые сочетания, в которых большую роль играют композиционные паузы. Икона «Распятие», так же как и портальная фреска Рождественского собора,— самые совершенные творения Дионисия.

С именем этого мастера все исследователи настойчиво связывают и две большие житийные иконы митрополита Петра (Успенский собор Московского Кремля) и митрополита Алексея из Успенского собора Московского Кремля (ГТГ, ил. 77).
В среднике каждой иконы представлена фигура митрополита в полном облачении. В одной руке он держит евангелие, другой — благословляет. Торжественная поза, ритуальный жест придают митрополитам царственное величие. В клеймах помещены житийные сцены, где они выступают в роли мудрых правителей церкви, принимающих непосредственное участие в государственной деятельности.

В ряде клейм митрополиты изображены как основатели и строители монастырей и храмов (ил. 75). В среднике обеих икон фигура митрополита в светлом саккосе (вид облачения) с темно-вишневыми крестами помещена на светло-зеленом фоне и это придає* иконам торжественный праздничный характер.

Высокие и стройные человеческие фигуры в клеймах, медленные, ритмически размеренные жесты, архитектура, простая и строгая по формам, заполняющая зачастую весь фон клейма, пейзаж с грядами далеких светлых горок, тонкими деревьями, цветами и травами, обилие светлых тонов: бледно-розового, бледно-зеленого, желтоватого — все это рождает впечатление светлого простора и ясной гармонии.

Один из замечательных памятников живописи рубежа XV и XVI веков — большая икона «Апокалипсис» (Успенский собор Московского Кремля, ил. 73). Она находится вне круга искусства Дионисия.

Изображены толпы молящихся в белых одеждах; охваченные единым порывом, они склоняются перед агнцем. Вокруг них развертываются величественные видения Апокалипсиса: высятся стены белокаменных городов, витают ангелы, их полупрозрачные фигуры, как бы нарисованные пером и слегка подкрашенные, контрастируют с черными и темнокоричневыми фигурами демонов. Занимая несколько обособленное место в иконописи своего времени, эта икона свидетельствует о существовании в живописи, так же как и в архитектуре рубежа XV и XVI веков, связей с искусством и культурой итальянского Возрождения.

: История :: Культура и искусство :: Россия-ИнфоЦентр

Русская живопись XVI века

16 июня 2014 г. 14:33

Московская живопись во многом была представлена Дионисием, самым выдающимся художником эпохи. В отличие от большинства художников того времени, он не был монахом, а имел семью с двумя сыновьями, которые помогали ему в работе. Важнейшим из сохранившихся его творений является почти полностью дошедший до нас цикл фресок Рождественского собора Ферапонтова монастыря (Вологодская область). Храм был посвящен Божией Матери, и Ее прославление стало лейтмотивом творчества прославленного иконописца. В храме три большие живописные композиции: Собор Пресвятой Богородицы, О Тебе радуется и Мантия Богородицы. Они были написаны на сюжеты одноименных песнопений, вместе составляя акафист (цикл песен в честь Богородицы). В центре каждой композиции фигура Богородицы, сидящей с младенцем на коленях или стоящей с покровом в руках на фоне высокого пятиглавого собора. Она окружена святыми и простыми смертными, восхваляющими Деву Марию. Яркие красочные сочетания, пестрые узоры одежды и архитектуры, радужный ореол вокруг Богоматери производят праздничное и торжествующее впечатление. Второй ярус фресок, раскинувшийся по стенам и колоннам центральной части церкви, иллюстрирует акафист, который всегда слушают стоя. Темно-вишневый силуэт Марии, повторяющийся на фоне светло-розовых и золотых холмов или зданий в каждой композиции, придает циклу фресок смысловое, композиционное и колористическое единство. Особенно ярко картина выглядит в утреннее и вечернее время, когда солнце заглядывает в окна церкви.

Искусство XVI века все больше ориентировалось на символическое значение, абстрактную изощренность и философскую интерпретацию основных христианских доктрин в визуальных образах. К 1540-м годам новые течения в живописи превратились в новое самостоятельное течение. Образцовыми в этом отношении являются росписи кремлевских палат, в том числе Грановитой палаты. Иллюстрированные просторы (воздух, солнце, луна, земля, ангелы), а также пути человеческой жизни (Спаситель, евангелисты, райские врата, земные, огненные, лунные и временные круги) сопровождались аллегорическими образы, в том числе и довольно легкомысленные. Такие картины требовали мудрой интерпретации и определенного уровня знаний. Стало возможным сочетать символические и космологические образы, абстрактные религиозные представления с конкретными подробностями земной жизни. Таким образом, сюжет Троицы нередко сводился к бытовой сцене за столом, поставленным наискосок. На такое уменьшение и упрощение первоначальных культовых образов отреагировали адепты старины. В итоге это привело к ужесточению церковного контроля над творчеством и запрету писать по-своему, вновь закрепив строгий иконописный канон, восшедший от греков и Андрея Рублева.

Русская иконопись XVI века характеризовалась тенденцией к прославлению официальных политических идей средствами искусства. Так появилась знаменитая икона «Церковь воинствующая», она же «Благословенно Царское воинство». На ней было изображено возвращение русской армии после победы Москвы над Казанью. Его основной идеей было обожествление московского войска во главе с Иваном Грозным. Однако аллегорическое выражение московского триумфа не может перебить ощущение живой природы с ее простором и жизненной силой воинской толпы. Эта икона на самом деле очень близка к жанру светской живописи.

В этот период активно развивались светские жанры. Различные имперские теории, универсальные и космологические концепции идеи государственности, а также династические интересы способствовали историзму, все более освобождавшемуся от аллегорической формы. Роспись Золотой палаты Кремлевского дворца включала множество исторических сюжетов, таких как крещение Киевской Руси, история царских регалий Владимира Мономаха, поход Мономаха на Царьград и др. Фрески Грановитой палаты раскрывали родословную Рюрика, история раздела киевских земель князем Владимиром и т. д.

Читайте также: Русская культура XVI века

Автор: Вера Иванова

Метки: история России русская живопись русская культура

Русский Художник | Святой Георгий

Русский Художник | Святой Георгий | Метрополитен-музей ×

Обрежьте изображение:

Отсканируйте свой QR-код:

С благодарностью создан с помощью ACNLPatternTool

Детали обложки

Используйте клавиши со стрелками для перемещения по вкладкам ниже и клавишу табуляции для выбора элемента

Заголовок: Святой Георгий

Художник: Русский художник (возможно, 16 век)

Середина: Дерево, темпера

Размеры: 27 1/4 x 19 3/4 дюйма (69,2 x 50,2 см)

Классификация: Картины

Кредитная линия: Дар гуманитарного фонда Inc. , 1972 г.

Регистрационный номер: 1972.145.13