Святой себастьян картина караваджо

Впервые в жизни я встретила изображение святого Себастьяна на выставке пары фотографов-хулиганов Пьера и Жиля. Туда нас, толпу первокурсников, привела наша преподаватель живописи, и это было дело совершенно удивительное — она была иконописцем и очень строгой дамой, поэтому обнаружить в ней задорную любовь к китчу, сверхглянцу и бесконечным блесткам было как-то ошеломляюще. Но со временем все встало на свои места.

Вылизанный и гладкий, томно глядящий вдаль святой Себастьян Пьера и Жиля даже не пытался страдать на фото.

Святой Себастьян Пьера и Жиля

Кто такой святой Себастьян?

Например, самый часто встречающийся обнаженный мужчина в истории искусства после Иисуса. Известно более 6000 его всевозможных портретов. О нем думали и его писали Поллайоло, Мантенья, Гвидо Рени, Боттичелли и Сальвадор Дали. Из картин, на которых его изобразили, можно покадрово собрать весь процесс мученичества. Но, конечно, больше всего полотен посвящено первой казни. Да, его казнили дважды.

Первое письменное житие святого Себастьяна появилось в V веке. Если ему верить, Себастьян родился в Италии. Он посвятил себя военной службе и благодаря своим талантам стал начальником преторианской стражи (то есть личной охраны) императоров Максимиана и Диоклетиана. Последний, став императором, объявил, что отныне он ни с кем не собирается делиться властью. Еще ему очень сильно пришлись не по нраву христиане, и он всячески с ними боролся. По заведенному им придворному этикету, к нему обращались практически как к божеству, вползая в зал на коленях. И вот под носом у этого товарища святой Себастьян тайно проповедовал христианство.

Житие Себастьяна не изобилует чудесами, что определенно вызывает доверие. Чаще говорилось, что он был смел, честен и милостив, что пользовался огромным авторитетом у своих солдат. А еще ободрял пойманных христиан не отрекаться от веры и стоять до последнего.

Например, двух братьев, Маркуса и Марцелиануса, заключенных в подземелье за то, что плохо говорили про императора, были христианами и в целом плохо себя вели, Себастьян уговорил не сдаваться и принять мученическую смерть. А ведь они уже были готовы пойти воскуривать фимиам во славу языческих богов. Говорят, пока он им проповедовал, его лицо засияло. Так его и вычислили.

Себастьяна привели к Диоклетиану, и тот спросил его — мол, чего ж ты меня предал и подался в христиане? На это святой честно ответил, что никого не предавал и вообще молится за здоровье Диоклетиана ежевечерне, а еще за мир в Римской империи. Но неблагодарный император все равно велел отвести Себастьяна за черту города, раздеть и расстрелять его же солдатам. Они пускали в него стрелы до тех пор, пока тот не стал похож на дикобраза.

Мученичество святого Себастьяна. Ганс Гольбейн старший.

Случилось чудо — он выжил (потом появится версия, что его спасла святая Ирина) и вылечился от ран. Но его опять поймали и устроили вторую казнь — забили беднягу палками и выкинули тело в Клоаку Максима, огромную римскую канализацию.

История ужасная со всех сторон — Себастьяна предали свои же солдаты и убили с изощренной жестокостью.

Как Себастьян из брутального солдата превратился в нежного юношу

Первые изображения святого имеют мало общего с теми, к которым мы привыкли, но они намного более логичны. Ведь Себастьян был начальником батальона императорской стражи — едва ли можно представить его безусым юнцом. Поэтому на стенах равеннской базилики Сант-Аполлинаре-Нуово мы видим его бородатым и усатым крепким мужчиной, одетым в белую тогу и держащим в руке символ мученичества — терновый венец.

Мозаика в базилике Сант-Аполлинаре Нуово, изображающая святого Себастьяна

В принципе, если бы не подпись, мы бы даже не поняли, что перед нами именно он. Это самое раннее из известных изображений святого, и относится оно к середине VI века. Тут он пока очень далек от образа томного эфеба, но чем дальше, тем моложе и нежнее становился наш святой.

Есть попытки объяснить этот феномен тем, что Себастьян вечно юн душой. Часто художники писали его худым, молодым и беспомощным, подчеркивая обнаженные подмышки и совсем условно обозначая ткань, прикрывающую бедра, именно для того, чтоб подчеркнуть контраст между грубой силой, приземленностью, грязью атакующих лучников и уже внеземным существованием святого, его силой духовной.

Мне очень нравится картина Григорио Лопеша, португальского живописца эпохи Возрождения, где Себастьян хоть и беззащитен перед нападающими, но грандиозен по размерам. И насколько изящно художник пишет его, настолько же кособокими и приплюснутыми коротышками он изображает стреляющих.

Убийство святого Себастьяна. Григорио Лопеш

Братья Маркус и Марцелианус, по ранним версиям пересказов жития, были друзьями и даже, скорее всего, сослуживцами Себастьяна. Потом они с какой-то радости превратятся в детей, и именно из-за истории с ними святого станут почитать как покровителя непослушных малышей. Это, конечно, любопытная трактовка понятия « помощь » , но, с другой стороны, тут тоже есть мораль — если ты непослушный, то и помощь тебя ждет соответствующая.

Стрелы чумы

Одна из вспышек популярности святого Себастьяна связана с эпидемией чумы, свирепствовавшей в Европе. Стрела часто считалась символом посылаемой Богом смерти. Казнь Себастьяна, когда он безропотно принял в свое тело множество стрел, стала рифмоваться с мученичеством Иисуса и трактоваться как защита людей от чумных смертей, взятых на себя. Везде, где прошлась чума, встречается множество изображений святого — в церквях, домах и даже хлевах.

Например, вот картина Йоса Лиферинкса « Заступничество святого Себастьяна » . На первом плане хоронят умершего от чумы, но болезнь распространяется с такой скоростью, что один из могильщиков уже падает замертво рядом с укутанным в саван телом. В небе над городом два ангела: один указывает, какой дом поразить, а другой пускает в него стрелу. Над ними всеми маленький утыканный стрелами Себастьян заступается перед Богом за несчастный город.

Заступничество святого Себастьяна. Йос Лиферинкс

Жорж де Латур тоже обратился к этому сюжету во время эпидемии чумы и написал его два раза с небольшими изменениями. Для него ужас происходящего был более чем близок и понятен — чума выжгла 60% населения Вик-сюр-Сея, его родного города, и от нее скончался племянник художника. Он избегает истошного драматизма, обращается к промежуточной сцене исцеления святого от ран, пишет ее очень нежно и камерно. У меня создалось впечатление, будто де Латур воспринимает сам процесс создания картины как молитву. Получается, что написание заступника от чумы является одновременно обращением к нему, и в картину вложено все, что художник мог сделать — распорядиться своим мастерством во благо родных и города.

Мученичество святого Себастьяна. Жорж де Латур

Как Себастьян стал голым

С наступлением эпохи Ренессанса сюжет мученичества Себастьяна уходил все дальше от первоначального канона. Чем дальше, тем сильнее обнажался святой. Даже в православной иконографии, где его именуют Севастьяном, его бедра еле прикрыты узлом ткани. Но встречаются его изображения в одежде и даже с луком, как, например, у Перуджино, где он — совсем юноша, да и еще и довольно ехидно демонстрирующий, что стрелой его не возьмешь.

Святой Себастьян и францисканский святой. Пьетро Перуджино

Или как у Рафаэля, где немного грустный и невыносимо прекрасный круглолицый Себастьян, изящно изогнув мизинец, показывает нам орудие своей казни. И ведь на этих картинах мы встречаем святого уже где-то в райских садах, где все расслабились и вспоминают, как жилось и мучилось там далеко, на Земле. Оба этих изображения относятся к эпохе Возрождения. В это время Себастьян переживал бум своей популярности.

Святой Себастьян. Рафаэль Санти

В первую очередь, это было связано с переменами в морали Нового времени. Вопреки средневековым представлениям, человеческое тело стали воспринимать не как оппозицию красоте души, а как не менее прекрасную и важную составляющую человеческого бытия. Но как легитимизировать изображение голого мужчины перед церковью? Очень просто.

Этот голый мужчина — не абы кто, а святой. И он не стоит красивый, а претерпевает и превозмогает. Или даже пренебрегает болью и страданием, и лик его так светел и безмятежен, потому что он уже мысленно на небесах с Господом нашим. Или он в таком экстазе, потому что чувствует присутствие святого духа. Этот сюжет дал художникам огромный простор для творчества и превратился для некоторых в штудии обнаженного мужского тела.

Так, у Перуджино есть картина, на которой Себастьян — женственный мальчик, гладкий, с нежной кожей и чуть обозначенными мускулами, едва шагнувший за порог взросления.

Святой Себастьян. Пьетро Перуджино

Мантенья изобразил Себастьяна целых три раза. Вот тут, например, он заодно продемонстрировал любовь к деталям и римским развалинам, которые святой попирает ногой, как бы указуя на то, что Рим пал не через войны, а через кровь мучеников. А еще художник показывает, как мастерски он научился античному приему изображения равновесия через противоположное движение — контрапосту. Динамика подчеркивается разнонаправленными, но вовсе не хаотично расположенными стрелами. Мантенья вообще был новатором и смельчаком, и даже искаженное страданием лицо Себастьяна — нетипичный и смелый шаг.

Святой Себастьян. Андреа Мантенья

А еще можно было хитро увильнуть от цензуры, изобразив кого-то под видом святого, так что кто знает, сколько любовников художников мы нынче наблюдаем на стенах церквей и в музеях.

Джорджо Вазари отмечает, что в какой-то момент изображения святого Себастьяна даже начали изымать из церквей: сцена мученичества вызывала у прихожан греховные мысли и эротические фантазии. Зритель становился то соучастником казни, то ставил себя на место терзаемого.

Итальянский маньерист Джованни Паоло Ломаццо писал: « Развратные зрелища голых мужчин могут заразить дух женщин. У святого Себастьяна, когда он привязан к своему дереву и утыкан стрелами, все члены окрашены и покрыты кровью из ран, не нужно показывать его нагим, красивым, обаятельным и белым. »

Святой Себастьян. Гвидо Рени

И правда, для некоторых художников изобразить абсолютно беспомощного прекрасного мужчину стало главной задачей и как будто даже каким-то соревнованием. Один из победителей — Гвидо Рени, на картинах которого грозный страж стал совсем женственным, мука стала неотличима от наслаждения, а стрел осталось всего две. Этот образ позднее вдохновил Сальвадора Дали на поэму, посвященную Гарсиа Лорке и, скорее всего, именно это изображение на всю жизнь взволновало будущего самопровозглашенного диктатора республики Фиуме Габриэле Д’Аннунцио.

Женщина с плохой репутацией в роли святого

В 1911 году в Париже состоялась премьера мистерии « Мученичество святого Себастьяна » , сценарий которой написал Габриэле Д’Аннунцио, музыку — Клод Дебюсси, а костюмы нарисовал Лев Бакст.

Габриэле замешал в своей трактовке задорный фарш из бесконечно симпатичной ему языческой эстетики древнего Рима, декадентства и ницшеанства: « я бы поверил только в такого бога, который умел танцевать » ,. Себастьян танцует на углях в экстазе, все неистово пляшут вместе с ним, и вот уже из католического святого получается этакий сверхчеловек.

Эскиз к первой постановке мистерии «Мученичество святого Себастьяна». Лев Бакст

Католическая церковь за несколько месяцев до премьеры постановку на всякий случай осудила и на спектакль ходить верующим запретила. Это случилось еще и потому, что Себастьяна играла женщина — скандально известная балерина Ида Рубинштейн, позволявшая себе позировать и танцевать обнаженной, не скрывая своего имени.

Успеха пятичасовая постановка не имела, скорее о ней писали как об опыте безумном и изматывающем. « Кто же мученик — святой или публика?!» — вопрошали зрители.

Габриэле д’Аннунцио, святой Себастьян и эстетика фашизма

Пресса писала, что участие Клода Дебюсси в создании мистерии о святом Себастьяне было случайностью. А вот в случае д’Аннунцио все было более чем закономерным.

Габриэле д’Аннунцио был одним из известнейших итальянских писателей своего времени. Он прославился как распутник, интеллектуал, поэт и персонаж, вызывающий одновременно « восторг и отвращение», прошел войну, откуда вернулся в 1918 году в звании подполковника.

После войны, пока в Париже Италия пыталась договориться за владение территорией города Фиуме (сейчас это хорватская Риека), 30 октября 1918 года в нем вспыхнуло восстание, и Габриэле стал правителем самопровозглашенной республики. Вот тут-то его любовь к утопиям, мистериям, театральности и святому Себастьяну развернулись во всю мощь.

Конституцию он написал самостоятельно и в стихах, одним из ее пунктов стало обязательное получение музыкального образования для каждого жителя. После того, как ресурсы города начали подходить к концу, здесь узаконили пиратство. В свободном обороте были наркотики (сам Габриэле во время своей службы в авиации пристрастился к кокаину), в город хлынули не только всевозможные проходимцы и авантюристы, но и поэты, художники, музыканты.

Придумывая Фиуме, Д’Аннунцио опирался на эстетику Римской империи и идеи « возрождения величия Италии» и, конечно, на свои фантазии о жизни и смерти святого Себастьяна. Он последовательно ассоциировал образ римского легионера, претерпевшего мученическую смерть за свои идеалы, с образом сверхчеловека.

Мало того, его любимым развлечением было примерять образ святого на себя. Для этих целей в его доме даже установили специальную колонну, чтоб висеть там и страдать. Иногда в этом образе он даже появлялся перед публикой, собравшейся под его балконом.

Габриэле д’Аннунцио в роли святого Себастьяна

Эту эстетику он и ввел в идеологию фашизма, упиваясь красотой смерти, страдания, эротизмом крови, отваги и героизма.

Именно из историй и фантазий о римских легионерах Габриэле возьмет традицию вскидывать руки в римском военном приветствии, впоследствии перенятую итальянскими, а потом и немецкими фашистами. Он снова ввел в обиход факельные шествия и боевые кричалки римских легионеров: « Eia! Eia! Eia! Alalà!». То есть каким-то поразительным образом описание жизни древнеримского мученика ляжет в основу эстетики фашизма.

Республика Фиуме прекратила свое существование в декабре 1920 года, Д’Аннунцио отправился своей дорогой, а святой Себастьян — своей.

Себастьян в наши дни: через фрейдизм и гомосексуальность — к чистому листу

Художники продолжают обращаться к этому сюжету. Не обойдут его и последователи Фрейда, рассуждающие о казни и стрелах как о фаллических символах и о том, что святой Себастьян сотни лет являлся тайным покровителем гомосексуалов и поклонников садомазохизма.

Еще позднее Сальвадор Дали будет трактовать жизнеописание Себастьяна как цель современного ему искусства, саму отрешенность. Он начнет одно из писем Лорке фразой: « И снова я буду говорить о Священной Объективности, принявшей ныне имя святого Себастьяна».

Для Дали образ Себастьяна был одним из любимых и важнейших. Он подвергал картины и истории о мученике психоаналитическим трактовкам, писал его, и, как ни странно, считал его образ противоположностью болезненному экстазу. Дали назначил святого ответственным за освобождение от иррациональности.

Святой Себастьян. Сальвадор Дали

Еще одна из бесконечной череды трактовок образа Себастьяна: Эгон Шиле на одном из плакатов о своей выставке изобразил себя святым Себастьяном, встречающим град стрел, но не эротичным и расслабленным, а ломким и безвольным. Художник исследовал, как неуютно и страшно находиться в человеческом теле. Видимо, этот образ явился рассказом о встрече с публикой, которая относилась к его творчеству очень противоречиво. Появляется совсем личное понимание, ощущение человека, стоящего против общества, на второй план отходят все другие трактовки и появляется бесконечное и беспомощное, но стоически принимаемое одиночество.

Автопортрет в образе святого Себастьяна. Эгон Шиле

И если до определенного момента изображения святого несли в себе все больше смыслов, то пара фотографов, Пьер и Жиль, сделали своего Себастьяна уже наоборот, однозначным.

Чего только не случалось с изображениями его мученичества — от оргий до откровенной порнографии. Даже сейчас в русской Википедии статью о гомоэротизме иллюстрирует уже упомянутое изображение кисти Гвидо Рени. Но история про веру, предательство и чудесное спасение более многогранна. И может быть, трактовка этого образа Пьером и Жилем наконец ставит точку в предельной эротизации и фетишизации святого. И вот этот китч в блестках — на самом деле не опошление, как пишут некоторые критики, а наоборот — освобождение образа от всей недосказанности, накопившейся за столетия.

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Святой Себастьян на протяжении столетий был известен как символ преданности христианским идеалам, а в последнее время его считают покровителем геев. И даже при том, что в Ватикане с незапамятных времен не прекращаются споры, что делать с сексуальным разнообразием – принять его, терпеть, как неизбежное зло, или же снова устроить за ним охоту, наличие подобной иконы, в которой смешиваются мистика, религиозность и странность, явно идет вразрез с религиозной системой и ее моралью.

Святой Себастьян был одним из приверженцев учения Христа, за что его убили в 288 году по приказу римского императора Диоклетиана. Будучи римским солдатом, он тайно исповедовал христианство, несмотря на официальный запрет. Когда Себастьяна арестовали и допросили, он отказался отречься от христианства. После этого Диоклетиан отдал приказ вывести мятежного солдата за черту города и расстрелять его из луков. Несмотря на это, Себастьян сумел выжить, и его выходила некая Ирина (которую впоследствии также причислили к лику святых). Когда Себастьян поправился, христиане уговаривали его бежать, но фанатичный солдат снова отправился к императору с якобы доказательством своей веры. Диоклетиан приказал забить его камнями и палками до смерти.

Пик популярности образа святого Себастьяна пришелся на XVIвек. В это время все больше художников начали создавать картины казни святого. В классической иконографии Себастьяна представляли как красивого молодого мужчину, как правило полуголого и пронзённого стрелами, а его лицо выражает то ли боль, то ли экстаз. Именно этот образ и начал считаться отсылкой к сообществу ЛГБТ.

Одну из самых примечательных картин с этим персонажем создал Эль Греко. Гениальному художнику удалось соединить в, казалось бы, трагической картине образы тьмы, чувственности и желания. Являясь отличным примером выразительности и объективности, присущей последним работам художника, эта картина также является замечательным примером того, как можно изобразить святого так, чтобы он стал иконой для людей, с которыми его ранее очень сложно было ассоциировать.

То же самое касается и картины Гвидо Рени, которая впоследствии вдохновляла Оскара Уайльда и Юкио Мисиму на гиперчувствительность в их произведениях. И как же забыть Андреа Мантенья, художника эпохи Возрождения, который сделал святого Себастьяна центральной темой трех своих работ.

Именно эти легендарные художники сделали святого похожим на молодого человека, который, помимо боли, просто «излучает» эротику своими изгибами тела, цветом кожи, распущенными волосами и сильными мускулами.

Несмотря на всю боль, которую он должен испытывать, лицо святого обычно изображают спокойным или более того, выражающим экстаз. С точки зрения церкви, это должно символизировать экстаз или высшую степень радости перед тем, что Себастьян вот-вот встретится с Богом. Тем не менее, соблазнительные черты святого приобрели еще одну трактовку, став «священными» для геев.

Церковь пыталась бороться с этим обычаем, вводя указы, которые мешали распространению чрезмерно чувственных произведений, и наказывая любого верующего, который «усмотрел бы другую сторону святого». Но ее усилия, разумеется, были напрасными.

Такие знаменитые художники, как Боттичелли, Челлини, Донателло, Микеланджело, Рафаэль, Леонардо да Винчи и Караваджо, сексуальная ориентация которых неоднократно подвергалась обсуждениям, были лишь некоторыми из авторов, которые продолжали анализировать и представлять собственную точку зрения на то, насколько чувственным и «голубым» нужно изображать святого Себастьяна.

Себастьян сегодня считается святым покровителем гомосексуального сообщества просто из-за красоты его тела, художественно воспеваемого на протяжении веков. Наряду с Иисусом Христом это было самое изображаемое мужское тело в искусстве. Предположительно, причиной того, что геи считают святого Себастьяна своим покровителем, стала красота его тела, которую передают художники в своих картина, и перед которой не могут устоять приверженцы ЛГБТ.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Автопортрет. Ок. 1510

Это был не только художник, но поэт и музыкант, что не могло не сказаться в его живописи. Его полотна полны поэтической прелести и словно пронизаны скрытой музыкой. Обратимся к раннему полотну

Джорджоне «Юдифь».

Какой прелестной мечтательностью и нежностью наполнен образ героини! Каким лиризмом веет от пейзажа, на фоне которого красавица Юдифь грациозно касается ножкой. конечно же, головы убитого ею Олоферна. Дисгармония? Вовсе нет. Скорее дань условному библейскому сюжету, трагическая суть которого не тронула сердце мастера.

Еще более поэтичной представляется работа Джорджоне «Спящая Венера» (1508—1510).

На полотне властвуют покой и сон. Дремлет сельская природа, словно убаюкивая главную героиню. Живопись здесь подобна звучащему оркестру: мастер сообщает ей все более новые и тонкие нюансы, краски играют светом, излучают его. Солнечные блики полны неги и волшебства, а плавный ритм линий тела Венеры повторяет очертания пологих холмов. Мастер так и не успел закончить свое гениальное полотно. Он умер внезапно от чумы в расцвете творческих сил. Пейзаж последнего его творения дописал Тициан.

Тициано Вечеллио Тициан (1476/77 или 1489 —1576) Автопортрет 1550-1562гг.

стал главой венецианской школы живописи. Он, в отличие от других корифеев Возрождения, не был ни скульптором, ни зодчим, ни поэтом. Всю свою счастливую и долгую жизнь этот мастер посвятил живописи и оставил большое наследие. Точный возраст художника не установлен. Он прожил не более 103 лет и умер, скорее всего, от чумы.

Его талант был могучим, восприятие жизни — оптимистичным и всеобъемлющим. В его полотнах есть красота и уверенность в торжестве прекрасных начал бытия. Художник никогда не изменял идеалам гуманизма, и образ человека составляет главное содержание его творчества. Пленительная обворожительность женщины — одна из центральных линий живописи Тициана.

Вариации женской красоты, несущие ощущение полнокровной радости жизни, соперничают друг с другом в работах разных периодов творчества мастера. Вспомним лишь некоторые из них:

«Флора»,

“Любовь земная и небесная”, около 1514-1516,

“Венера Урбинская”, 1538, Уффици

«Венера перед зеркалом» — все это языческие мифологические персонажи.

Кающаяся Мария Магдалина 1560-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург

Динарий кесаря 1516-1518гг.

«Вознесение Марии» («Ассунта») — это уже евангельские сюжеты и образы.

Последнее из названных полотен находится в церкви Санта Мария деи Фрари (Венеция). Войдя в полузатененное даже в яркий солнечный день пространство храма, ощутив его прохладу, вдруг остановишься, не в силах противиться волшебной власти света, льющегося с полотна Тициана.

В картине страстный порыв и дыхание жизни яркой, наполненной торжеством случившегося события. Величава фигура Марии, возносящаяся в небо, по которому стремительно бегут облака. Динамична толпа святых апостолов, с восхищением взирающих на явленное чудо. Когда в церкви звучит орган, музыка словно сливается с глубокими красными и синими тонами полотна, и это ощущение сохраняется очень долго.

Тициан. Вознесение Марии около 1516-1518, церковь Санта-Мария Глориоза деи Фрари, Венеция,

Не менее выразительны образы Тициана, являющие мученичество, страдание, смерть. В коллекции Эрмитажа — полотно «Святой Себастьян» (ок. 1570). Оно написано незадолго до смерти и вновь доказывает удивительную верность мастера идеалам молодости, сформированным философией гуманизма. На фоне вихрей костра, где в грандиозной симфонии красок сомкнулись земля и небо, вырастает прекрасная фигура юноши, погибающего под стрелами. В его лице застыли страдание и боль. Но тело? Оно как будто неподвластно смерти и поражает гармонией пропорций.

Позднее Возрождение в Венеции отмечено именами двух ведущих мастеров — Веронезе и Тинторетто. Паоло Кальяри, прозванный Веронезе (1528—1588), был автором грандиозных алтарных картин и декоративных росписей, в масштабности которых чувствуется влияние Тициана. Веронезе как бы не замечал трагических сторон бытия. Для него окружающий мир полон праздника и веселых зрелищ. Его аллегорические композиции воспевают аристократическую Венецию с ее склонностью к яркому маскарадному шуму, блеску и богатству . Даже в религиозные по сюжетам полотна Веронезе вводит «посторонние персонажи», удовлетворяя тем самым свою неуемную творческую фантазию.

Веронезе пришлось предстать перед судом венецианской инквизиции, той самой, что позднее передала для расправы Ватикану Джордано Бруно. Художник был столь любим венецианцами, что инквизиторы вынуждены были его отпустить.

Веронезе. Брак в Кане(фрагмент

В числе самых известных его работ — «Брак в Кане» (1563), созданный на основе евангельского рассказа. На картине — пышный пир, где в шуме и гаме затерялись 130 персонажей. Кого только здесь нет! Художник изобразил и европейских правителей, и крупнейших венецианских художников — Тициана, Тинторетто, а также самого себя, представив живописцев в облике развлекающих публику музыкантов.

Столь же светской и, по сути, не имеющей отношения к пафосу евангельского текста является работа Веронезе «Пир в доме Левия» (1573), где за названием скрывается желание автора воссоздать красочность

жизни современных ему богатых венецианцев. Последний из корифеев итальянского Возрождения — Тинторетто (настоящее имя Якопо Робусти, 1518—1594). Его динамичное искусство полно страсти и мощи, насыщено глубокими эмоциями. Человек необычайно работоспособный, он оставил большое количество монументальных декоративных росписей, портреты своих современников,циклы фресок, алтарные композиции, в том числе драматичное полотно «Тайная вечеря» (1592—1594). ) Тинторетто. Тайная вечеря

В последние годы жизни Тинторетто завершил грандиозную картину «Распятие» (1565—1588). В толпе людей, присутствующих приказни Сына Божия, он выделил разнообразные характеры, объединивих в единую «симфонию» жестов, лиц, движений. У основания креста —потрясенные видом случившегося близкие Иисусу Христу люди.

Эмоционально насыщенная культура Высокого и Позднего Возрождения вызвала подъем в развитии музыкального искусства. Родилась хоровая полифония строгого стиля или «строгого письма» (термин С.И. Та неева). Полифония (иначе контрапункт) — вид многоголосия, основанный на сочетании и развитии двух или нескольких самостоятельных мелодических линий . Новую многоголосную музыку создавали для церкви, подчиняя творчество строгим правилам и многочисленным ограничениям в стремлении достичь высшей красоты и возвышенности звучания хора (например, избегали диссонирующих созвучий). Образнопоэтический строй этой полифонии соответствовал задачам храмовой службы, а ееведущим жанром оставалась уже знакомая нам месса.

Две ведущие реннесансные школы полифонистов — римская и венецианская составляют гордость мировой музыки. К римской школе принадлежал Джованни Пьерлуиджи да Палестрина (ок. 1525—1594).

С 1551 г. и до конца жизни Палестрина работал в Риме, возглавляя капеллы разных соборов, в том числе Святого Петра и Санта Мария Маджоре, руководил хорами, обучал певчих. Его полифонические композиции, написанные для хора a’cappella,отличаются духовной глубиной и возвышенностью. Огромное наследие Палестрины включает свыше 100 месс, более 370 мотетов, а также магнификаты, духовные и светские мадригалыи др. Его музыку сравнивают с полотнами Рафаэля, и это не случайно. Композитору удалось создать светлые, гармоническистройные и уравновешенные образы, озаренные глубокой человечностью. Венецианская школа прославлена именами Андреа и Джованни Габриели. Их сочинения созвучны облику Венеции, ее праздничной пышности, уникальной архитектуре и великой живописи. Габриели работали органистами в соборе СанМарко и оставили сочинения разных жанров, как хоровые, так и инструментальные.

Кульминация в развитии венецианской школы — творчество Джованни Габриели (ученика и племянника Андреа Габриели). Его музыка отличается концертным великолепием, динамическим и тембровым богатством. Нередко его хоровые композиции звучат вместе с органом. Наиболее известны так называемые «Священные симфонии» (1597), написанные для 6—19 голосов. Сегодня города Италии (Флоренция, Рим, Венеция, Милан, Падуя, всех не перечесть), представляются огромными музеями, хранителями античных и ренессансных ценностей. Волею судьбы этот регионмира стал центром взлета творческой мысли, воплотившей в художественных образах идею величия и безграничных возможностей человека.

1 Мотет — жанр вокального многоголосия; возник во Франции.

Биография и картины Микеланджело Караваджо

• Год рождения: 29 сентября 1571
• Дата смерти: 18 июля 1610
• Страна: Италия

Биография:

Творчество знаменитого итальянского художника Микеланджело Меризи да Караваджо повлияло на развитие мирового искусства, породив целую плеяду подражателей и последователей, так называемых караваджистов как в родной Италии, так и в других европейских странах. Мастер выработал новые форму, идеи, образы, темы и резко порвал с господствовавшим в Италии строгим академическим каноном. Эмоциональность произведений Караваджо усиливало новаторское введение в живописный обиход изображения искусственного или дневного света, пронизывающего темноту и ярко вырывающего из нее отдельные фигуры и предметы.
Микеланджело Меризи да Караваджо родился в 1571 году в Италии в Ломбардии. До сих пор неизвестно ни где родился этот выдающийся человек, ни дата его рождения. Ученые предполагают, что он мог родиться в Милане, либо в небольшом городке неподалеку от Милана – Караваджо.

Современники Каравджо были поражены его талантом. Он рисовал очень реально, его картины были наполнены драматизмом и были весьма оригинальны. Он рисовал вопреки религиозным стандартам, которые существовали в то время. Конечно же, находились и противники его творчества, которые считали, что он изображает святых очень приземленно. Так, его картина «Святой Матфей и ангел» была отвергнута служителями церкви как недостойная. Именно эту картину и приобрел известный коллекционер того времени маркиз Винченцо Джустиниани, который купил у Караваджо впоследствии более 15 картин. Отвергнутое церковью полотно Микеланджело переписал.

К 1604 году Микеланджело Меризи да Караваджо стал самым известным художником Италиисвоего времени, но мало того, он был известен и как самый скандальный художник, потому что вокруг его картин всегда разгорались жаркие споры. Но с именем Караваджо была связана и дурная слава, слава правонарушителя. Его имя появлялось более 10 раз в списке нарушающих закон своими неосторожными выходками. 28 мая 1606 года Микеланджело Меризи да Караваджо убил человека. Микеланджело пришлось податься в бегство. Оставшиеся 4 года своей жизни ему пришлось провести в изгнании.

К концу жизни художника власти его уже не искали, теперь у него была другая опасность – месть госпитальеров. Осенью 1609 году Микеланджело сильно пострадал, ему изуродовали лицо. В 1610 году, ирония сыграла злую шутку с художником, он попал в тюрьму, но по ошибке! Его вскоре выпустили. Но заболев малярией, он умер 18 июля 1610 года в возрасте 37 лет.

Святой Себастьян в шедеврах мировой живописи

В истории искусства есть сюжеты, вдохновлявшие художников в течение многих веков. Святой Себастьян, предание о котором возникло в эпоху раннего Средневековья, изображен на полотнах и фресках тысяч мастеров из разных стран. О чем эти картины? В чем привлекательность этого образа?

Воин и мученик

События, о которых повествует легенда о святом Себастьяне, происходили в конце третьего века, в эпоху жесткого преследования христиан. Честный и мужественный Себастьян был командиром когорты в личной охране императоров Диоклетиана и Максимилиана. Будучи тайным сторонником учения Христа, он обращал в новую религию своих солдат, поддерживал в вере тех, кто подвергался гонениям со стороны язычников.

Когда его убеждения открылись, Диоклетиан приказал лучникам расстрелять Себастьяна. Его привязали к стволу дерева и выпустили в него стрелы. Посчитав его мертвым, солдаты оставили приговоренного в лесу. Святой Себастьян был найден пришедшими его хоронить живым, и мать друга, святая Ирина, выходила его. Себастьян не захотел тайно покинуть Рим и смело выступил против Диоклетиана, бросив ему в лицо обвинения в жестокости. По приказу императора мученик был забит до смерти и брошен в реку с нечистотами. Его мертвое тело было извлечено оттуда святой Лючией, которой во сне явился Себастьян. Она похоронила тело около Аппиевой дороги и на месте захоронения впоследствии появился собор святого Себастьяна.

В годы жестоких эпидемий чумы, поражавших Европу в Средние века, царило убеждение, что болезнь передается по воздуху. Летящие стрелы, поразившие святого, стали символом жестокой болезни, а Себастьян явился олицетворением защиты от неумолимого бедствия. В седьмом веке стал известен случай, когда по знамению свыше один горожанин выстроил в зачумленной местности часовню, посвященную Себастьяну, и мор прекратился. С тех пор культ святого стал повсеместным. Церкви с изображениями мученика появились по всей Европе.

Огромная иконография

Подсчитано, что создано около 6000 изображений святого Себастьяна. Каждый художник отражает свое видение образа, используя художественные средства своего времени.

Одно из канонических изображений принадлежит кисти мастера Раннего Возрождения Антонелло да Мессина (ок. 1429/1431-1479). На его картине мы видим юношу, привязанного к столбу и пораженного стрелами, на фоне перспективы прекрасного городского дома с высокими арками, над которым бездонное голубое небо. Горожане в богатых одеждах безмятежно занимаются своими делами. Фигура героя похожа на античную статую, лицо выражает неприятие всего земного, он не замечает ни боли от ран, ни красоты пейзажа. Убежденность в истинной вере и устремленность к богу придает человеку красоту и духовную чистоту — в этом суть картины.

Красота истинной веры показана на многих других полотнах, героем которых был святой Себастьян. Их писали такие мастера Возрождения, как Сандро Боттичелли (1445-1510), Рафаэ́ль Са́нти (1483-1520), Пьетро Перуджино (1446-1523), Джованни Больтраффио (1466-1516).

Тициан Вечеллио (1488/1490 — 1576)

Совсем другого героя изобразил на своей картине титан Возрождения – Тициан. Святой Себастьян – могучий воин, с уверенным спокойствием противостоящий злу. Драматизм надвигающейся кончины подчеркивает темный колорит, присущий окружению. Но живописный строй не мрачен, он богат множеством оттенков огня, дыма, пламенеющего закатного неба.

Тициан – истинный художник эпохи Ренессанса. Его отношение к гармонии человеческого тела берет начало из античных традиций, возрожденных мастерами той эпохи. А смелость и свобода живописных средств открывают путь живописцам следующих поколений.

Старый сюжет, новая живопись

В семнадцатом столетии рождается другой стиль живописи. Мастера барокко продолжают традиции, которые заложили Микеланджело, Леонардо да Винчи, Тициан. Святой Себастьян также изображается прекрасным юношей, античным героем. Но теперь значительно усложняется композиция, форма и живописная палитра. Лица на картинах – это лица людей из жизни. Они чувствуют и действуют не как герои мифов и легенд, они взяты художником из своего окружения, из реальности.

Гением, который повел за собой других, стал Микеланджело Меризи де Караваджо (1573 – 1610). Его картины на библейские сюжеты долго не признавались официальной церковью. Его буйство и неукротимость лишили его долгой творческой жизни. Но он оставил после себя целое течение в живописи – караваджизм.

Его картина «Мученичество святого Себастьяна» известна только в копиях, но картины последователей художника с аналогичным сюжетом передают особенности живописной манеры Караваджо. «Святой Себастьян» Хосепе де Рибера (1591-1652) – шедевр новой для того времени живописи. Характерный темный фон объединяет освещенные плотным боковым светом фигуры в сложную уравновешенную композицию. Великолепно написанные тело пораженного мученика, лицо святой Ирины, парящий ангел сразу привлекают внимание. Именно рисующий, дающий глубину, зажигающий краски на темном фоне свет характерен для караваджистов.

Иногда используется только один источник света, как на картине Жоржа де Латура (1593-1652) «Святой Себастьян и святая Ирина». Пламя свечи выхватывает из тьмы невыразимо прекрасное женское лицо Ирины, фигуры лежащего юноши и плачущих женщин. Такое освещение подчеркивает тонкую игру цветовых нюансов и придает всей сцене особую значимость.

Сюжет на все времена

Художников всегда интересуют сильные чувства, которые рождаются на грани жизни и смерти, в борьбе добра и зла. Символом этой борьбы стал святой Себастьян. Картина с таким сюжетом есть у многих великих мастеров живописи. Эль Греко (1541-1614), Питер Пауль Рубенс (1577-1640), Эжен Делакруа (1798-1863), Камиль Коро (1796-1875), Сальвадор Дали (1904-1989) по-разному изображали сцены из жития святого Себастьяна.

Общее в них – высокое искусство, рожденное вдохновляющим сюжетом и гением художника.

Святой Себастьян (100 картин)

Новый адрес страницы:
Тысяча святых Себастьянов

Образ Святого Себастьяна в искусстве

Согласно жизнеописанию святого, Себастьян вырос в Милане и был начальником преторианской стражи при императорах Диоклетиане и Максимиане. Он тайно исповедовал христианство, что обнаружилось, когда двое его друзей — братья Марк и Маркеллин — были осуждены на смерть за свою веру. Родители, друзья и жёны осуждённых умоляли их отречься от веры и спасти свои жизни, но, когда Марк и Маркеллин стали колебаться и готовы были уступить близким, Себастьян пришёл поддержать осуждённых и его речь вдохновила братьев и убедила их сохранить верность христианству.

Себастьян был арестован и допрошен, после чего император Диоклетиан приказал отвести его за город, привязать и пронзить стрелами. Думая, что он мёртв, палачи оставили его лежать одного, однако ни один из его жизненно важных органов не был повреждён стрелами (деталь, не всегда учитываемая художниками), и его раны, хоть и глубокие, не были смертельными. Вдова по имени Ирина пришла ночью, чтобы похоронить его, но обнаружила, что он жив, и выходила его. Многие христиане уговаривали Себастьяна бежать из Рима, но он отказался и предстал перед императором с новым доказательством своей веры. На сей раз по приказу Диоклетиана он был забит камнями до смерти, а тело его было сброшено в Большую Клоаку.

Образ святого Себастьяна широко использовался в живописи, начиная с V века. Картины с его изображением писали Амико Аспертини, Бенедетто Бонфильи, Джованни Больтраффио, Андреа Мантенья, Антонелло да Мессина, Антонио дель Поллайоло, Витторе Карпаччо, Ганс Бальдунг, Тициан Вечеллио, Жорж де Латур, Чима да Конельяно, Гвидо Рени, Сальвадор Дали, Антонио де ла Гандара, и др. Повесть «Фабиола» Вестминстерского архиепископа Уайзмена изображает Себастьяна и как почитаемого центуриона, и в дни мученичества. Джордж Оруэлл отсылает к истории святого в романе «1984»: «истычет стрелами, как святого Себастьяна», Томас Гарди — в романе «Возвращение на родину»: «отдельные капли вонзались в Томазин, как стрелы в святого Себастиана».

В романе «Исповедь маски» Юкио Мисимы картина Гвидо Рени впервые вызывает сексуальные чувства у главного героя, после чего тот пишет о Себастьяне поэму в прозе. Святому Себастьяну целиком посвящена повесть Лоры Бочаровой «Сок Оливы». О жизни святого снято несколько фильмов, в том числе — «Себастьян» Дерека Джармена, полностью снятый на латинском языке, и короткометражная лента «Святой» Баво Дефюрна. В книге Владимира Дудинцева «Белые одежды» герои рассматривают картину Антонелло де Мессина Св. Себастьян и проводят параллели с описываемыми там событиями. Русский художник М. К. Соколов написал цикл картин, посвященных Св. Себастьяну (1921—1922). (Источник)
 

Под редакцией Tannarh’a, 2012-2014 гг

Порядок вывода комментариев: По умолчаниюСначала новыеСначала старые

проблемы иконографии, атрибуции и датировки – тема научной статьи по искусствоведению читайте бесплатно текст научно-исследовательской работы в электронной библиотеке КиберЛенинка

Алина Булгакова, ведущий искусствовед МИА ASG

Михаил Яо, директор МИА ASG, к.с.н.

«святой себастьян» итальянской школы живописи нач. XVII в.: проблемы иконографии, атрибуции и датировки

Аннотация: В статье рассматриваются проблемы атрибуции и иконографии «Святого Себастьяна» итальянской школы живописи нач. XVII в. из Большого собрания изящных искусств ASG.

Ключевые слова: Святой Себастьян, иконография, Гвидо Рени, итальянская школа живописи XVII в., караваджизм, маньеризм, атрибуция, датировка, Николо Реньери.

Summary Abstract: In the article analyzed problems of attribution and iconography of the «Saint Sebastian» of Italian school of painting (early XVII century) from the Great Assembly of Fine Arts ASG.

Key words: Saint Sebastian, iconography, Guido Reni, Italian school of painting of the XVII century, caravaggisti, mannerism, attribution, dating, Nicolas Régnier.

Рени, Гвидо (1575 — 1642) Италия, XVII в. Святой Себастьян Холст, масло 132,5×96 см

БСИИ ASG Инв.№04-1004

Одной из самых примечательных картин собрания Международного института антиквариата ASG является работа «Святой Себастьян», написанная художником, принадлежащим к кругу Гвидо Рени — выдающегося итальянского живописца эпохи барокко.

Образ святого Себастьяна — один из самых популярных в европейском искусстве. Его писали свыше двухсот разных художников, некоторые не по одному разу. Сам Гвидо Рени написал этого христианского святого восемь раз. При этом для воплощения образа Себастьяна художник использовал различную иконографию.

Святой Себастьян — христианский святой и мученик. Его житие, хотя и не имеет исторической основы, производит правдоподобное впечатление благодаря отсутствию в нем разного рода чудес, которыми наполнены жития многих ранних святых. Традиционно считается, что Себастьян родился около 250 г. в городе Нарбоне (Галлия), вырос в Милане (Медиолане) и был начальником преторианской стражи при императоре Диоклетиане (III в.). Этот правитель Рима был известен жестокими преследованиями христиан. Служба в преторианской гвардии была непростой и требовала от воинов большой выдержки, отваги и терпения. Для того чтобы дослужиться до высоких воинских званий, требовалось много времени. Святой Себастьян был человеком храбрым, правдивым, справедливым и предусмотрительным, он пользовался авторитетом и любовью у придворных и воинов. Себастьян тайно исповедовал христианство, что обнаружилось, когда двое из его друзей — Марк и Маркеллин — были осуждены на смерть за свою веру. Себастьян пришел поддержать осужденных, и его речь вдохновила братьев и убедила их сохранить верность христианству. Далее легенда рассказывает, что слышавшие Себастьяна увидели семь ангелов и юношу, который благословил Себастьяна

чшшр вестник мэедунарояюго инстугтута антиквариата

4Чир искусств

и сказал: «Ты всегда будешь со Мною». За симпатии к осужденным император приказал пронзить Себастьяна стрелами. После казни, думая, что он мертв, палачи оставили его лежащим одного. Однако ни один из его жизненно важных органов чудесным образом не был поврежден стрелами (деталь, не всегда учитываемая художниками), и его раны, хотя и глубокие, были не смертельными. От ран его излечила некая вдова по имени Ирина, после чего он предстал перед императором живым и невредимым, доказывая тем самым силу своей веры. На сей раз он был побит до смерти дубинками, и тело его было брошено в Cloaca Maxima — главный канал в Риме для стока нечистот.

Но на этом миф о Себастьяне не заканчивается. После своей смерти святой явился во сне христианке Лукине и велел ей забрать его тело. Женщина выполнила это повеление, тайно захоронив Себастьяна за городскими стенами у Аппиевой дороги [10, с. 153-155]. Над его предполагаемым местом захоронения в IV в. возвели часовню, а в XVII в. — церковь Сан-Себастьяно. Согласно католической традиции, день памяти святого Себастьяна отмечается 20 января. В Православной церкви святой почитается под именем Севастиан Медиоланский, день памяти которого — 18 декабря (по юлианскому календарю).

Интересно развитие иконографии образа. Наи-

столбу или дереву, и лучников, одетых по моде того времени. Обычно лучники изображались окружающими возвышающегося над ними святого. Такую

I i LT at&iei

Л V.

Севастиан Медиоланский. Русь. Начало XVII в.

Церковно-Археологический Кабинет Московской Духовной Академии

севастиан медиоланский.

Миниатюра. Афон (Иверский м-рь). Конец XV в.

Национальная библиотека, Санкт-Петербург

Тзортзи (Зорзис), Фука Мученичество Святого Севастиана Фреска. Афон (Дионисиат). 1547 г.

более ранние изображения святого Себастьяна, такие как мозаика в Равенне в базилике Сант-Апол-линаре-Нуово, в церкви святого Петра в веригах (Рим, кон. VII в.) или фрески церкви святого Сабы в Риме, представляют его в виде бородатого старика, держащего венец мученичества. И только в конце средних веков появляется хорошо известный нам образ молодого Себастьяна, привязанного к

трактовку мы видим в триптихе Джованни дель Бьёндо, созданном ок. 1370 г. и находящемся в Опера-дель-Дуомо во Флоренции.

Иногда Себастьяна изображали облаченного в одежды со стрелами в руках, которые являются символом его мученичества (неизвестный художник, XVв., Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Особую популярность сюжет приобрел в эпоху Возрождения. Если средневековые мастера стремились подчеркнуть жестокость казни, физические страдания, отраженные на лице святого, то живописцы кватроченто, напротив, пользуясь возможностью показать обнаженное тело, писали его юным, стройным, а подчас даже эротичным (Пьетро Перуджино, 1493 — 1494 гг., Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург; Сандро Боттичелли, ок. 1473 г., Картинная галерея, Берлин; Гвидо Рени, ок. 1625 г. Художественный музей Окленда, Новая Зеландия).

Обычно святой изображался пронзенным несколькими стрелами, его руки, как правило, связаны за спиной или подняты кверху, что делает его тело открытым взгляду и производит особое впечатление уязвимости. Подобная манера изображения объясняется стремлением художников обыграть контраст между физической болью и душевной гармонией, несмотря на то что зритель понимает, какие страдания должен испытывать главный герой. Себастьян изображается полный спокойствия и возвышенной обращенности к Богу. Вот почему его лицо так поразительно спокойно и безмятежно.

Традиционно композиция картины строится так, что зритель смотрит на святого как бы снизу вверх. При этом взгляд невольно совпадает с точкой зрения лучников, что делает наблюдателя как

Бьёндо, Джованни дель Италия, ок. 1370 г. Триптих. Мученичество Святого Себастьяна Дерево, темпера, золочение. 224×89 см

Опера-дель-Дуомо, Флоренция

Неизвестный художник, XV в.

Испания, 1475 — 1500 гг. Святой Фабиан и Святой Себастьян

Дерево, масло, темпера.

141,5×89,5 см

ГЭ, Санкт-Петербург

вестник №ждународного института антиквариата

шшр искусств

бы соучастником казни. Фоном может служить вид Рима, каким он открывается с Палатинского холма — предполагаемого места его мученичества (Чима да Конельяно, 1502 г., Музей изобразительных искусств, Страсбург), или пейзаж фантастического характера (Эль Греко, ок. 1578 г., Музей Епархии, Паленсия; Тициано Вечеллио, ок. 1570 г., Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Конельяно, Чима де Италия, 1502 г. Святой Себастьян Дерево, масло. 114×46 см Музей изобразительных искусств, Страсбург

Вечеллио, Тициано Италия, ок. 1570 г. Святой Себастьян. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Греко, Эль Испания, ок. 1578 г. Святой Себастьян Холст, масло. 191×152 см Музей Епархии, Паленсия

Мантенья, Андреа Италия, ок. 1470 г. Святой Себастьян Дерево, темпера.

68×30 см художественно-исторический музей, Вена

Мантенья, Андреа Италия, ок. 1480 г. Святой Себастьян Холст, темпера. 257×142 см Лувр, Париж

Другим важным нюансом иконографии является возраст святого. Начальником стражи преторианцев никак не мог быть молодой человек. Именно поэтому на наиболее ранних изображениях Себастьян — зрелый, мускулистый, бородатый мужчина. Но, уже начиная с XIII в., мы видим юного Себастьяна, облаченного в одну лишь набедренную повязку.

Примерно с XV в. сложились два альтернативных иконографических типа изображения святого: сентиментально-чувственный и мужественно-героический. Пожалуй, поистине хрестоматийным является образ святого Себастьяна кисти Андреа Манте-ньи. Его Себастьян (ок. 1480 г., Лувр, Париж) — зрелый мужчина, воин, мужественное лицо которого, испещренное морщинами, выражает горечь страдания и физическую боль. Его скорбный взгляд обращен к небесам. Еще более выразителен другой образ кисти Мантеньи (Святой Себастьян, ок. 1470 г.

Перуджино, Пьетро Ботичелли, Сандро

Италия, ок. 1500 г. Италия, ок. 1473 г.

Святой Себастьян Святой Себастьян

Дерево, масло. 170×117 см. Дерево, темпера.

Лувр, Париж 195×75 см

Картинная галерея, Берлин

Художественно-исторический музей, Вена). Здесь Себастьян изображен привязанным к колонне, которая является украшением виртуозно прорисованной художником арки. Именно благодаря этому фигура святого словно становится органичной частью архитектурного окружения. Лицо Себастьяна пронизано стрелой, словно в знак протеста, который выражает художник против традиции изображать святого изнеженным и женственно красивым юношей.

В ином ключе выдержан образ святого Себастьяна, созданный представителем болонской школы живописи — Гвидо Рени. Гвидо Рени -мастер драматичного письма, живописец крупных, великолепно моделированных форм, контрастного, интенсивного колорита. Его живопись отличает масштабность фигур, заполняющих собой большую часть полотна, отточенность и пластическая напряженность образов. Именно благодаря этим свойствам его живопись пользовалась большой популярностью у современников. Гвидо Рени был учителем целого ряда живописцев, наиболее известными из которых являются: Элизабетт Сирани, Симоне Кантари-ни и Джованни Лафранко.

Как уже было сказано, Гвидо Рени неоднократно обращался к образу святого Себастьяна. Все изображения святого, выполненные болонским мастером, можно свести к четырем иконографическим типам. Нас интересует тип, изображающий святого в образе молодого человека с поднятыми и связанными руками. таким художник написал святого в 1615 г. для Палаццо Россо в Генуи и повторил эту композицию позднее в работе, находящейся ныне в Пинакотеке Капитолия в Риме. Позднее именно эта компо-

чшшр вестник мэедународ-юго инстугтута антиквариата

4Чир искусств

зиция получила большую известность и повторялась еще несколько раз как самим Гвидо Рени, так и художниками его круга.

Святой Себастьян на этих полотнах наделен мягкой, поэтичной и одухотворенной красотой. Таким он предстает и на полотне из Большого собрания изящных искусств АБС. Несмотря на то, что на первый взгляд оно очень близко к работе из Палаццо Россо, его нельзя назвать простой репликой, копией, механически повторяющей оригинал. Отталкиваясь от образа, созданного Гвидо Рени, автор дает свою интерпретацию святого.

Как и в работе из Генуи, Себастьян изображен привязанным к стволу дерева, однако фигура трактована легко и свободно. Вопреки трагичности сюжета герой предстает спокойным красивым юношей, грациозно поднявшим руки. Его большие влажные глаза устремлены в небо. У него правильные черты лица, щеки покрыты румянцем, волосы уложены в идеальные локоны. Художник хорошо знаком с анатомией человека, однако трактовка формы у него отлична от трактовки Гвидо Рени. Обнаженные торсы болонского мастера отличаются тщательной проработкой мышц и темпераментностью их моделировки. В нашем же случае автор отходит от напряженности оригинала, заменяя ее гораздо более близкой автору мягкой, цельной, едва ли не маньеристической пластичностью. Отзвуки маньеризма проявляются в вытянутых пропорциях тела, особенно рук, пальцев, в Б-образном изгибе фигуры. Есть еще одна характерная особенность рассматриваемого полотна, выражающаяся в явном воздействии на автора творчества Караваджо. Резкая игра света и тени, изображение тела святого на темном фоне, приближенность фигуры к краю холста, желание сделать зрителя участником происходящего — все это было найдено Караваджо и оказало воздействие на автора полотна.

В настоящее время конкретного ответа на вопрос об авторстве картины дать не представляется возможным. Однако можно определенно утверждать, что полотно, безусловно, исполнено художником, принадлежащим к кругу Гвидо Рени, работавшему в нач. XVII столетия. Стилистически наиболее близкой работе является композиция из собрания Государственного музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина «Святой Себастьян» (инвентарный номер Ж-4695, дар Е.В. Полосатова). Определенная сложность анализа состоит в том, что работа Пушкинского музея воспроизводится покрытой довольно толстым слоем потемневшего лака, что затрудняет анализ. Однако очевидна стилистическая близость обоих полотен. Общее проявляется и в деталях: в изображении ногтей на правой руке, в рисунке самих пальцев, мягкой моделировке торса и схожести

Рени, Гвидо (1575 — 1642) Италия, XVII в. Святой Себастьян Холст, масло. 128×98 см. Капитолийская пинакотека, Рим.

Рени, Гвидо (1575 — 1642) Италия, 1615 г. Святой Себастьян Холст, масло. 146×113 см. Палаццо Россо, Генуя

пейзажа. Полотно Пушкинского музея, вероятно, было обрезано, о чем говорит «сжатость» композиции и практически не просматривающаяся часть пейзажа и дерева, к которому привязан святой, вдоль левой кромки картины. Очевидна схожесть и в моделировке лица, манере изображения устремлённых вверх глаз, носа и губ святого.

Оба полотна близки не только в деталях, но и в общем звучании образа. Им свойственна простота изображения, отсутствие деталей и дополнений в виде дробных элементов пейзажа и второстепенных предметов. Такое многословие характерно для работ, повторяющих картины первой половины XVII столетия, но исполненных позднее, в конце XVII — XVIII вв.

‘ ‘ï ш

Рени, Гвидо (1575 — 1642), копия

Италия, XVII в. Святой Себастьян Холст, масло. 92×67 см. Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина, Москва

В Государственном Эрмитаже Санкт-Петербурга хранится полотно Николо Реньери «Святой Себастьян» (1620 г.). Настоящее имя — Никола Ренье (Nicolas Régnier). Родился 28 сентября 1588 или 6 декабря 1591 в Мобёже, Франция, скончался 20 ноября 1667 в Венеции. Французский художник Барокко, работал в Италии. Последователь Караваджо. Около 1615 г. переехал в Рим, где сблизился с караваджистами, особенно с Бартоломео Манфреди. Позднее испытал влияние Симона Вуэ. Был знаком с художником и историком фламандского искусства Иоахимом фон Зандрартом.

уЫр вестник №ждународного института антиквариата

шшр искусств

‘4

м

С

я?

л

Рени, Гвидо (1575 — 1642) Италия, ок. 1625 г. Святой Себастьян Холст, масло. 167,5×130 см. Художественный музей Окленда, Новая Зеландия.

Рени, Гвидо (1575 — 1642) Италия, 1640 г. Святой Себастьян Холст, масло. 235,5×137см. национальная пинакотека, Болонья.

4

Приехав в Рим, Николо Реньери имел возможность увидеть недавно написанного Себастьяна Гвидо Рени. Об этом свидетельствует исполненный под впечатлением от живописи болонского мастера повтор его композиции. Если работы из Пушкинского музея Москвы и собрания АБС прямо повторяют композицию Гвидо Рени, то эрмитажное полотно близко к его зеркальному воспроизведению. Это может быть объяснено тем, что мастер повторял не само полотно, а сделанную с него гравюру, которые часто давали зеркальное отражение композиции. Если посмотреть в зеркало на композицию Николо Реньери, то не трудно убедиться в близости к полотну из Казани. Их объединяет и почти совпадающее положение стрел, и скрещенные наверху руки, и взгляд, устремленный вверх, и до деталей схожий пейзаж на заднем плане. Различие составляют лишь более хрупкая фигура святого из Санкт-Петербурга и по-разному трактованные набедренные повязки. Караваджистская манера письма свойственна обоим авторам. Объединяет эти два полотна еще один психологический момент. Авторы не просто используют тенебросо Караваджо, но и явно эмоционально переживают эту манеру. Эффект искусственного света (светильников с сальными свечами) позволяет обоим авторам высветить самое интересное для них. так, Николо Реньери увлеченно пишет удлиненные, ослабленные мышцы рук, усиливает драматическое звучание холодным подмалевком, пробивающимся сквозь плотные лессировки. Он настоятельно обращает внимание на худое, несформировавшееся туловище юноши. Автор работы из собрания АБС также увлечен новой манерой, эффектно высвечивая более мощную фигуру своего героя. Он старательно моделирует лицо с горящими белками глаз, ярким бликом на подбородке и высветленным лбом. Освещение снизу вверх, если и не было изобретено

Список использованной литературы:

в нач. XVII в., то во всяком случае именно в это время становится специфическим средством выражения.

w %

m. лТ,

m

Реньери, Николо (1588/1591 -1667) Франция, 1620 г. Святой Себастьян Холст, масло. 130*100 см. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Если учесть, что работа Николо Реньери была написана около 1620 г., а картина самого Гвидо Рени в 1615 г., то можно с большой долей уверенности предположить, что «Святой Себастьян» из Большого собрания изящных искусств АБС написан в то же время, т.е. между 1615 и 1625 гг. Что касается авторства, то вопрос в настоящее время остается открытым. Мы можем утверждать только то, что автор работал в Риме в 1-ой четверти XVII в. и являлся последователем Караваджо, находившимся под большим впечатлением от творчества Гвидо Рени.

В целом можно сказать, что работа «Святой Себастьян» из собрания АБС отличается высоким художественным уровнем, является характерным образцом искусства Италии XVII в. и вполне может быть рассмотрена как одна из самых примечательных картин Большого собрания изящных искусств АБС.

Рени, Гвидо (1575 — 1642) Италия, XVII в. Святой Себастьян Холст, масло. 167,5×130 см.

Францисканский университет Стейбенвилля, огайо

1. Словарь сюжетов и символов/ Дж. Холл; пер. с англ. А. Майкапара.- М.: ООО «Издательство АСТ»: ООО «Транзит книга», 2004. — 655, [1] с.: 80 л.

2. Cavalli, Gian Carlo (ed.) Guido Reni exh. cat. Bologna, 1954.

3. Pepper, Stephen, Guido Reni, Oxford, 1984.

4. Marzia Faietti, «Rome 1610: Guido Reni after Annibale Carracci» Print Quarterly, XXVIII, 2011, pp. 276 — 81.

5. Guido Reni 1575-1642 (exhibition catalogue Pinacoteca Nazionale, Bologna; Los Angeles County Museum of art; Kimbell Art Museum, Fort Worth) Bologna, 1988.

6. Spear, Richard, The «Divine’ Guido: Religion, Sex, Money, and Art in the World of Guido Reni» New Haven and London, 1997.

7. Hansen, Morten Steen and Joaneath Spicer, eds., Masterpieces of Italian Painting, The Walters Art Museum, Baltimore and London, 2005.

8. «Printmaking». Encyclopœdia Britannica. 2007. Encyclopedia Britannica Online. 29 March 2007.

9. E. Benezit. Dictionnaire critique et documentaire Des Peintres Sculpteurs Dessinateurs et Graveurs, Editions Gründ, Paris, 1999.

10. The Golden Legend. Compiled by Jacobus de Voraigne. Trans. William Caxton. Ed. F. S. Ellis. London: Temple Classics, 1900. Reproduced in Medieval Sourcebook, Fordham University.

11. Jacques Darriulat, Sébastien le renaissant : sur le martyre de saint Sébastien dans la deuxième moitié du Quattrocento, éd. Lagune, 1999.

12. Jacques de Voragine, La Légende dorée, Bibliothèque de la Pléiade, Gallimard, 2004, publication sous la direction d’Alain Boureau p. 133-900.

13. Karim Ressouni-Demigneux: Saint Sébastien, éd.ляр вестник мэедундрояного институт антиквариата

Î4up искусств

История искусства в одном сюжете: святой Себастьян • Arzamas

9 марта 2017Искусство, История

Как римский военачальник-христианин из немолодого бородатого мученика превратился в гей-икону

Автор Анна Киселева

Святой Себастьян — один из самых известных католических святых. В раннее Средневековье его почитали как мученика, не предавшего веру и достойно принявшего смерть во имя Христа, а с конца XIV века, после эпидемии чумы, поразившей в середине столетия всю Европу, — и как защитника от этой болез­ни. Себастьяна казнили, когда ему было около тридцати лет, и о его жизни известно немного. Краткость жизнеописания повлияла на иконографию святого: художников в основном впечатляла история его казни и связанные с ней сюжеты, а не рассказы о том, как римский легионер Себастьян обращал в христианство своих однополчан.

Благодаря миланскому епископу и богослову святому Амвросию мы знаем, что Себастьян родился в Милане, а умер в Риме. Больше подробностей (хотя и их немного) нам известно благодаря «Золотой легенде» — средневековому сборнику житий святых, составленному в XIII веке монахом Иаковом Ворагин­ским, впоследствии архиепископом Генуи. Себастьян родился в Нарбонне, жил в Риме при императоре Диоклетиане (284–305), служил начальником гвардии и тайно исповедовал христианство. Узнав об этом, император приказал рас­стрелять его из лука. Однако Себастьян остался жив и начал обличать власть в преступлениях против христиан. Тогда Диоклетиан отдал повторный приказ о казни. Себастьяна забили палками, от чего он и умер в 287 году. Благодаря хронографу 354 года  Хронограф — памятник древней письмен­ности, содержащий сводный обзор всеобщей истории. мы также знаем, что святой похоронен в римских катакомбах.

Мозаика в базилике Сант-Аполлинаре-Нуово

Святой Себастьян. Деталь мозаики, изображающей шествие мучеников. Равенна, середина VI векаruicon.ru

Самое раннее из дошедших до нас изображений святого Себастьяна — мозаика из базилики Сант-Аполлинаре-Нуово в Равенне, созданная в середине VI века. Узнать Себастьяна можно только по соответствующей подписи: он лишь один из 26 участников процессии святых и мучеников, которые шествуют к престолу Иисуса Христа от дворца Теодориха  Теодорих Великий (454–526) — король остго­тов, который к 493 году завоевал большую часть Италии и основал там королевство со столицей в Равенне. Теодорих был хри­стианином, но исповедовал арианство, то есть cчитал, что Бог Сын сотворен Богом Отцом.. Во главе процессии, вероятно, был изо­бражен сам Теодорих, но к концу столетия, когда Равенна оказалась под влия­нием Византии, арианские мозаики заменили новыми, и на них Теодориха уже нет. Святые почти не отличаются друг от друга: все, кроме святого Марти­на и святого Лаврентия, одеты в белые тоги римских патрициев и несут в руках терновые венцы — символ мученичества. Себастьян изображен немолодым бородатым мужчиной: возраст — единственная историческая деталь в его облике.

Андреа Мантенья. «Святой Себастьян» (

1457–1459) Kunsthistorisches Museum / Google Art Project

На картине Андреа Мантеньи тело святого напряжено, и привязан он не к дере­ву, а к колонне триумфальной арки, напоминая скорее мраморную статую, нежели человека. Фон картины символичен: языческий мир уходит в прошлое, арка разрушена, у ног святого разбросаны обломки античных статуй. Ступня в сандалии и голова могли принадлежать одному из 200 каменных идолов, которых, согласно «Золотой легенде», разрушил Себастьян. Чуть дальше лежит другой обломок — кусок рельефа с амурами, собирающими виноград, с антич­ного саркофага: сбор винограда мог символизировать жертву Иисуса и евхаристию.

В облаке в верхней части картины, слева, видна фигура всадника. Возможно, Ман­тенья снова вспоминает «Золотую легенду», где приведена версия, соглас­но которой имя Себастьян происходит от слова basto — «седло», а значит, свя­той — седло Иисуса, где церковь — это конь, а сам Иисус — всадник.

Антонелло да Мессина. «Святой Себастьян» (

ок. 1478) Staatliche Kunstsammlungen Dresden

По-настоящему популярным образ святого Себастьяна становится в Италии XV века. На ренессансных картинах изображена первая казнь: Себастьян при­вязан к дереву, а тело его пронзают стрелы. Теперь святой выглядит молодо и у него нет бороды. Уменьшается и количество стрел, хотя Иаков Ворагинский писал, что во время первой казни святой напоминал ежа — так много стрел в него было выпущено. Но художники эпохи Возрождения сосредоточены на красоте тела Себастьяна, а не на количестве ран — боль редко искажает лицо святого.

Дерево, к которому привязан святой, растет у канала на одной из венецианских площадей. Сцена казни не нарушает праздного спокойствия города, его жители продолжают прогуливаться, а стражник — единственный персонаж, связанный с Себастьяном, — уснул. Балконы дворца украшены турецкими коврами: они напоминают о процветании Венеции, случившемся благодаря торговле с Отто­манской империей.

Почитание святого Себастьяна усилилось в XIV и XV веке вместе с пришедшей в середине XIV века черной смертью: считалось, что Себастьян помогает защи­титься от чумы. С приходом чумы в Венецию в 1477 году связывают и картину да Мессины. Впрочем, художник умер всего через год в своей родной Сицилии, так что неизвестно, мог ли он успеть получить и выполнить такой заказ.

Йос Лиферинкс. «Заступничество святого Себастьяна» (

1497–1499) The Walters Art Museum

Как свидетельствует жизнеописание святого Себастьяна, первый случай изба­вления города от чумы благодаря его заступничеству произошел в конце VII ве­ка, а именно в 680 году, когда мощи святого отправили из Рима в Павию, пора­женную эпидемией. Реликвию поместили в церкви Сан-Пьетро ин Винколи, посвятили Себастьяну алтарь, после чего чума ушла.

В Павию мощи Себастьяна попали скорее по политическим, нежели религиоз­ным соображениям. В то время культа Себастьяна как защитника от чумы еще не существовало, зато он считался, наравне с Петром и Павлом, покровителем Рима. Незадолго до начала эпидемии тогдашний римский папа Агафон заклю­чил союз с лангобардами  Королевство лангобардов (568–774) — государство на севере Италии, созданное одноименным германским племенем. В VII веке под властью лангобардов находилась большая часть современной Италии.. Перенесение мощей одного из самых влиятельных римских святых в Павию укрепляло этот союз, а последовавшее за этим исцеле­ние города свидетельствовало о том, что союз одобрен Небесами.

В 1460-е годы, после почти векового отсутствия, чума вернулась на юг Фран­ции, вспышки эпидемии в разных городах продолжались вплоть до начала XVI века. В Марсель чума приходила в 1476, 1483–1485, 1490 и 1494 годах. Спу­стя три года после очередной эпидемии, в 1497-м, авиньонский художник Йос Лиферинкс написал историю жизни святого Себастьяна для алтаря церкви Нотр-Дам-дез-Аккуль в Марселе. Алтарь посвящен и двум другим защитникам от болезней — святому Роху и святому Антонию. Одна из сцен изображает заступничество святого Себастьяна. Лиферинкс опирается на рассказ из «Золо­той легенды», в основе которого — сюжет из «Истории лангобардов», написан­ной в конце VIII века средневековым монахом Павлом Диаконом. На картине изображена Павия, где свирепствует болезнь: живые не успевают хоронить мертвых, и прямо во время отпевания чума поражает одного из могильщиков. В небе видны два ангела: согласно «Золотой легенде», многие видели, как ангел в белых одеждах показывал ангелу смерти, какой дом поразить копьем, после чего оттуда выносили мертвецов. Вдалеке, на облаке, святой Себастьян молит Бога о спасении города. Впрочем, в Павии художник никогда не был, так что на картине, скорее всего, изображен его родной Авиньон.

Хусепе Рибера. «Святой Себастьян и святая Ирина» (

1628) Государственный Эрмитаж

После того как Диоклетиан приказал лучникам расстрелять Себастьяна, свято­го оставили умирать привязанным к дереву. Ночью к месту казни пришла свя­тая Ирина. Она вытащила стрелы из тела Себастьяна, отнесла его к себе домой и вылечила. Эта история появляется в середине XVII века в сборнике «Деяния святых», составленном иезуитом Жаном Болландом. В его основе — более ранние средневековые тексты. В искусстве же линия о святой Ирине возникает еще раньше — в XV веке.

Исцеление Себастьяна от ран и его способность останавливать чуму считались чудом: чума обойдет молящегося, как Себастьяна миновали стрелы палачей. В конце XVI — XVII веке, в эпоху Контрреформации, на изображениях казни святого все чаще появляется святая Ирина — и церковь всячески поддерживает этот сюжет, пытаясь восстановить доверие католиков. Образ Ирины являл хри­стианам, и в особенности христианкам, пример сострадания и заботы о ближ­нем, а также рационально объяснял, каким образом Себастьян остался жив. К этой сцене часто обращались художники, находившиеся под влиянием Кара­ваджо, в том числе Хусепе Рибера. Большую часть жизни он провел в Неаполе, где видел работы Караваджо.

На этой картине в теле святого осталась всего одна стрела. Внимание зрителя приковано к Себастьяну, тогда как женские лица остаются в полумраке. В отли­чие от большинства художников, изображавших Ирину и ее помощницу осво­бождающими Себастьяна от веревок, Рибера оставляет святого привязанным к дереву. Запрокинутая голова, голая шея, отведенная рука подчеркивают его беззащитность.

Лодовико Карраччи. «Святого Себастьяна сбрасывают в клоаку Максима» (1612)

The J. Paul Getty Trust

После того как святая Ирина спасла Себастьяна, он пришел во дворец Диокле­тиана и начал упрекать его в жестокости по отношению к христианам. Разгне­ванный император велел снова казнить святого, а именно забить его палками, после чего сбросить тело в клоаку Максима  Клоака Ма́ксима, или Большая клоа­ка, (от лат. Cloaca Maxima) — часть античной системы канализации в Древнем Риме. — до сих пор существующий канал канализационной системы, заложенной в VI веке до н. э.

В ночь после смерти Себастьян явился благочестивой римской матроне Луци­не, показал ей, куда было сброшено его тело, и женщина похоронила его в ката­комбах у Аппиевой дороги  Аппиева дорога — одна из важнейших обще­ственных дорог Рима, построенная в IV веке до н. э. В катакомбах на Аппиевой дороге были захоронены многие христианские свя­тые и мученики. . Рядом с тем местом, где Луцина обнаружила тело святого, построили небольшую церковь, но в XVII веке ее пришлось снести, чтобы освободить место для базилики Сант-Андреа делла Валле. Чтобы сохра­нить память о том, что здесь произошло, одну из капелл новой базилики посвятили святому Себастьяну, а семейную капеллу Барберини расписали сце­нами из его жизни.

Эгон Шиле. Автопортрет в образе святого Себастьяна (

1914–1915) Wikimedia Commons

В 1915 году в венской галерее «Арно» открылась персональная выставка Эгона Шиле. Для афиши Шиле использовал автопортрет в образе святого Себастьяна. На множестве своих портретов художник изображал себя смотрящим на зрите­ля в упор. Здесь же его глаза закрыты, а тело безвольно повисло в воздухе, встречая град стрел.

Пьер и Жиль. «Святой Себастьян» (

1987) © Pierre et Gilles / burnley college digital photography / Flickr.com

Начиная с XV века художники, обращающиеся к образу святого Себастьяна, все чаще сосредоточивались на красоте его обнаженного тела, мученичество же отходило на второй план. Еще в первой половине XVI века Джорджо Вазари рассказывал в своей книге «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих», что в монастыре Сан-Марко во Флоренции решили убрать из церкви изображение святого Себастьяна: многие прихожанки на исповеди сознавались в том, что картина вызывает у них греховные мысли. Наконец, к XX веку образ этого красивого юноши стал частью гей-культуры. На блестя­щих, китчевых фотографиях Пьера и Жиля святой Себастьян выглядит слиш­ком желанным: не скрывая своей иронии, художники утрируют те смыслы, которыми изобра­жения святого Себастьяна наделяли их предшественники.

Источники

• Ворагинский И. Золотая легенда. Апостолы

  М., 2016.

• Кон И. Мужское тело в истории культуры.

  М., 2003.

• Лазарев В. Н. История византийской живописи.

  М., 1986. 

• Лазарев В. Н. Старые итальянские мастера.

  М., 1972.

• Brown L. B. As Time Goes By: Temporal Plurality and the Antique in Andrea Mantegna’s «Saint Sebastian» and Giovanni Bellini’s «Blood of the Redeemer».

  Artibus et Historiae. Vol. 34. Vienna, Cracow, 2013.

• Katz M. Preventive Medicine: Josse Lieferinxe’s Retabel Altar of Saint Sebastian as a Defence against Plague in 15th-century Provence.

  Interfaces journal. № 26. Worcester, 2006.

• Piety and Plague: From Byzantium to the Baroque.

  Ed. Franco Mormando, Thomas Worcester. Kirksville, 2007. 

• The Age of Caravaggio.

  Ex. Cat. New York, 1985.

микрорубрики

Ежедневные короткие материалы, которые мы выпускали последние три года

Архив

как Рембрандт, Тициан и Караваджо переживали эпидемии

Кажется зловещим и невероятным, что мы до сих пор находим общее с людьми, которые жили 500 лет назад. Они также сталкивались с болезнями без какого-либо понимания и даже отдаленных надежд на адекватное лечение. На прошлой неделе Папа Римский Франциск шел по безлюдным улицам Рима, которые опустели из-за коронавируса. Он посещал церковь Сан-Марчелло-аль-Корсо, чтобы почтить крест. Предположительно тот же самый, который защищал Рим от чумы в 1522 году.

Сегодня мы вновь находимся под угрозой эпидемии, которая пока одерживает верх и переворачивает наши представления с ног на голову. Даже предпринятые меры, включая карантин, выходят из мучительного прошлого. Из того прошлого, от которого нам досталась большая часть величайшего западноевропейского искусства. Эти шедевры веками нас впечатляли и утешали. Теперь мы можем взглянуть на них по-новому, или даже найти в них практические идеи, как справиться с кризисом.

Редакция «Вашего досуга» анализирует работы известных художников (Дюрера, Рембрандта, Тициана, Караваджо и других), которые прошли путь карантина и эпидемий задолго до нас.

Источник: DEA/A Dagli Orti/Getty Images/DeAgostini

Смерть и трое ее приспешников едут по миру, сокрушая под копытами своих лошадей, как правителей, так и простых крестьян. Эта гравюра на дереве наглядно иллюстрирует 6 главу Откровения Иоанна Богослова и определяет трех самых страшных убийц человечества: войну, голод и эпидемию. Дюрер отошёл от привычного представления Смерти в виде ухмыляющегося скелета с косой, он изобразил Смерть в виде худого бородатого старика с трезубцем. Всадник с весами воплощает собой голод. С мечом — войну. А самый дальний лучник представляет собой мор. Потому что стрелы чумы поражают незримо, как будто на расстоянии, без предупреждения. В мире Дюрера этого всадника боялись больше всего.

В 1347 году генуэзские корабли принесли разрушительную чуму в Европу из Крыма. В последующие несколько лет «Черная Смерть» убила как минимум треть континента. После этой первоначальной пандемии чума регулярно возвращалась в европейские города. Недавние анализы ДНК скелетов в Великобритании и других странах подтвердили, что все вспышки бубонной чумой были вызваны одной и той же бактерией — Yersinia pestis.

Источник: agefotostock/Alamy Stock Photo

Каждый город в ранней Европе страдал от повторяющихся эпидемий, которые могли убить 10-50% населения. Считается, что по крайней мере половина жителей Неаполя — более 200 000 человек — умерли от чумы в 1656 году. Картина Розы — репортаж с линии смерти. Она может показаться чрезмерной в жутком преувеличении: новорожденный ребенок подписывает соглашение со Смертью, признавая, что человеческое существование несчастно и кратко. Смерть — это ужасающий скелет с крыльями, которые проступают сквозь мрачную тьму картины.

Роза пережил чуму 1656 года, но потерял своего маленького сына, а также брата, сестру, ее мужа и пятерых детей. Младенец на картине — тот самый молодой сын живописца, Розальдо, принимающий власть смерти.

Источник: DEA/A. DAGLI ORTI/Getty Images/DeAgostini

Эта картина — трогательное признание отчаяния. Старик молится за своего сына и самого себя, в надежде пережить эпидемию. Тициан нарисовал этот сумрачный образ, когда Венеция была разорена чумой. Он изображает себя полуголым, распластанным перед Девой Марией, обнимающей тело мертвого Христа.

Чтобы прояснить свое послание, Тициан использует прием «картины в картине»: грубая, популярная в те времена панель экс-вото, которую можно найти в церкви, изображает художника и его сына Орацио в молитве. Самый искушенный из художников предлагает свой великий пепельный холст в том же простом духе, что и любой крестьянин. Это не сработало. Тициан и Орацио оба погибли в чуме 1576 года.

Источник: Alamy Stock Photo

Сан-Рокко (или Сен-Рош) считался защитником от чумы, поскольку, по преданию, он чудесным образом излечил себя от инфекции. Его имя получила благотворительная организация Скуола Сан-Рокко, построенная в Венеции — в городе, который из-за стесненных условий превратился в улей болезни, несмотря на то, что первым ввел карантин. Даже само слово «карантин» происходит от венецианского слова «40 дней» — срок, в течение которое иностранные корабли были изолированы в 1348 году.

Скуола Сан-Рокко свидетельствует о страданиях Венеции, несмотря на все ее усилия. Туристы ежедневно слетались в Венецию, чтобы увидеть картины Тинторетто. Но когда текущий карантин будет закончен, стоит остановиться на той самой лестнице, которую Дзанки погрузил в атмосферу разрушительной чумы 1630 года.

Источник: Bridgeman Images

Бубонная чума отразилась на многих величайших произведениях мира. Хендрикье Стоффельс стала одной из ее жертв. Она чувственна и жива на портрете, сделанном ее возлюбленным, Рембрандтом. Мягкие темные глаза создают ощущение близости и откровенности. Стоффельс была домработницей овдовевшего Рембрандта прежде, чем стала его партнером в жизни и бизнесе. От Рембрандта у нее была дочь, и она приняла на воспитание его сына Тита. После того, как живописец обанкротился, она стала его деловым представителем и держала его на плаву. Эта картина является свидетельством их любви.

А затем, в 1663 году, корабль из Алжира принес чуму в Амстердам, и Стоффельс стала одной из ее жертв. Именно ее потеря способствовала трагедии и мукам, которые мы видим в последних автопортретах Рембрандта.

Источник: Art Collection 2/Alamy Stock Photo

Римский солдат Себастьян, приговоренный к расстрелу из стрел с близкого расстояния за свои христианские убеждения, был защитником от чумы, а также гомоэротической иконой. Живопись Хонтхорста сумела объединить оба элемента. Его родной Утрехт, в Нидерландах, был поражен чумой в 1620-х годах. Эта картина страстно изображает святого как вдохновляющего героя чудесного выживания. Стрелы, глубоко вонзившиеся в его плоть, выглядят так же фатально, как бубоны (увеличения в лимфоузлах), — но Себастьян был вылечен от этого тяжелого испытания. Бледная кожа, темная обстановка и интенсивное насилие этого образа вдохновлены Караваджо, чье искусство взволновало Хонтхорста, когда он отправился в Рим.

Источник: Peter Horree/Alamy Stock Photo

Одним из самых трагичных результатов первой пандемии в Европе и причиной ее рецидивов стало то, что мертвых не удавалось должным образом похоронить. Похороны стали главной «милостью» христианской общины, как показывает Караваджо в своем мрачном видении людей, совершающих добрые дела на мрачных улицах Неаполя. Священник держит факел, пока мужчину несут на похороны, его ноги выглядывают из савана.

В своей истории очевидца «Черной Смерти» во Флоренции Джованни Боккаччо рассказывает, как скорбь сломилась, а тела оказались выброшены на улицу. Обнаруженные в последствии «чумные ямы», забитые телами, подтверждают, что мертвые просто сбрасывались в братские могилы.

Источник: Historic Images/Alamy Stock Photo

Бубонная чума в Европе ослабла лишь к XVIII веку. Ее последние большие разрушения настигли Марсель в 1720 году. Восковой ужас, переданный неаполитанской монахиней, показывает, как сохранились воспоминания о целом ландшафте, опустошенном смертью. Как и в более ранних работах, таких как гравюры Ганса Гольбейна «Пляска смерти» и «Триумф смерти» Брейгеля Старшего, перед нами отвратительное видение смерти как анархиста, разрушающего все человеческие надежды. Традицию именно так изображать смерть можно проследить до самой «Черной Смерти». Память о той пандемии никогда не стиралась.

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ:

Искусство учиться: лучшие бесплатные онлайн-курсы по культуре и искусству

Лекции о музыке, живописи, архитектуре, литературе, кино и театре.

23 марта 2020

«Пир во время чумы»: на время карантина лучшие спектакли покажут онлайн

Российские и мировые премьеры и классические постановки, которые можно увидеть, не выходя из дома.

17 марта 2020

47 лучших музеев мира, которые можно посетить онлайн

Самый полный список музеев, которые можно посетить, не выходя из дома.

19 марта 2020

«Святой Себастьян и святая Ирина», Хосе де Рибера — описание картины

Святой Себастьян и святая Ирина — Хосе де Рибера. 1628. Холст, масло. 180,3 x 231,6 см.

   Наиболее часто для картин использовался другой фрагмент мучений святого Себастьяна – момент его расстрела римскими лучниками. Де Рибера выбрал другой, редко встречающийся мотив – спасение и излечение от ран. Мученика развязала, вынула стрелы, промыла раны и вылечила их другая христианская святая – Ирина.

   Себастьян был римским военачальником, тайным христианином. Во время казни друзей-христиан он выступил в их защиту. Явился Ангел и благословил его, толпа уверовала и приняла запретную веру. Разгневанный император велел казнить Себастьяна. Его привязали к дереву и расстреляли из луков. Очевидно, у него было много сторонников среди солдат, потому что ни одна стрела не пронзила важных органов.

   Ночью его пришла похоронить местная вдова, христианка Ирина. Она сняла его с дерева и увидела, что он тяжело ранен, но жив. Именно этот момент и запечатлел в своей картине художник. Святой даже еще полностью не отвязан – его правая рука вытянута вверх, привязанная веревками к дереву, а тело уже лежит на земле. Вторая рука безвольно упала на землю, голова запрокинута – мужчина без сознания после перенесенных мучений. Святая Ирина извлекает из его тела глубоко вонзившуюся стрелу, а стоящая рядом на коленях женщина держит в руках большой стеклянный флакон с какой-то жидкостью – водой или лекарством.

   Эта картина написана художником в ранние годы и несет выраженный отпечаток сильнейшего влияния школы Караваджо. Это проявляется в выборе цветовой гаммы и особенно в игре светотени на полотне. Ее фон и большая часть антуража погружены в глубокий мрак, фигура служанки тоже тонет в темноте, едва намеченная сдержанными и тоже темными, приглушенными красками. На этом глубоком, бархатном фоне буквально сияет в лунном свете почти обнаженное тело святого. Столь же ярко выделено светом и лицо святой Ирины. В момент извлечения стрелы она повернула голову к служанке и что-то сказала ей. Лунный свет озарил ее лицо, выделив скульптурные черты и руку, вытаскивающую стрелу.

   При том, что в сцене участвуют всего три фигуры, композиция ее достаточно сложная, даже замысловатая. Это характерно для барокко. Две женские коленопреклоненные фигуры, почти диагонально расположенное тело святого мученика, его вытянутая вверх рука – все это служит для воплощения замысла художника. Несмотря ну скупую цветовую гамму и сдержанное художественное решение полотна оно поражает экспрессией и своей выразительностью.

Святой Себастьян — Работы — Художественный музей Крайслера

Николя Ренье
Фламандский, 1591–1667
Сен-Себастьян, ок. 1620
Холст, масло, 41 x 31 дюйм (104,1 x 78,7 см)
Дар Уолтера П. Крайслера-младшего 71 558

Ссылки: Пьер Луиджи Фантелли. «Николо Реньери,« Питтор Фиаменго »». _Saggi e Memorie di Storia dell’Arte_. № 9. 1974: с. 82, 95, 96, 99, нет. 63, рис. 30; Бенедикт Николсон. _The International Caravaggesque Movement_. Оксфорд, 1980, стр. 80.

Николя Ренье родился во фламандской деревне Мобёж. Сначала он изучал живопись в Антверпене у Авраама Янссенса, который посетил Италию около 1600 года и чье искусство находилось под влиянием римского стиля Караваджо.Покинув мастерскую Янссенса, Ренье сам отправился в Рим около 1615 года, где продолжил обучение у художника Бартоломео Манфреди, одного из самых важных итальянских последователей Караваджо. Оставаясь в Риме до 1625 года, Ренье стал видным членом городской колонии фламандских художников и работал у нескольких влиятельных меценатов, включая бывшего защитника Караваджо Винченцо Джустиниани.
В своих римских картинах Ренье поддерживал решительное использование Караваджо хиароскуро (контраст света и тьмы) для моделирования формы.Это очевидно у святого Себастьяна ок. 1620 год, в котором смело освещенное тело святого прямо установлено на темном фоне. Концентрированный дизайн фигуры в три четверти длины и драматическое расположение переднего плана также были вдохновлены Караваджо и его итальянскими учениками, которые создали аналогичные изображения святых и других фигур крупным планом в половину и три четверти длины. Однако в «Святом Себастьяне» и других своих римских произведениях Ренье смягчил реализм искусства Караваджо и Манфреди более отполированной техникой живописи и предпочтением перламутровых телесных тонов.
К 1626 году Ренье поселился в Венеции, где оставался до конца своей жизни. Во время своего венецианского периода он отказался от эстетики Караваджа в пользу более легкого и элегантного стиля под влиянием Гвидо Рени (№ 18). Все четыре его дочери стали художниками; одна вышла замуж за выдающегося венецианского художника Пьетро делла Веккья (№ 29).
На картине музея Крайслер изображен раннехристианский мученик Себастьян, служивший офицером римской преторианской гвардии во время правления языческого императора Диоклетиана.Сочувствовавший христианам, он провозгласил свою веру и был осужден императором, который приказал застрелить его из стрел. (Он пережил это испытание, но был забит до смерти приспешниками Диоклетиана.) Во времена Ренье Себастьяна обычно показывали привязанным к дереву или (как на картинке в музее) к колонне, его почти обнаженное тело пронизано стрелами (ср. №20). Долгое время его почитали как защитника от чумы, он пользовался широкой популярностью среди верующих католиков, которые молились его образу, чтобы избавить их от эпидемии.
Картина из музея — одно из нескольких религиозных образов раненого Себастьяна, созданных Ренье на протяжении его карьеры (Museo Civico, Bassano del Grappa; Museo d’Arte Antica, Милан; Эрмитаж, Санкт-Петербург; Gemäldegalerie, Дрезден и т. Д.) .). Из них Дрезденский «Святой Себастьян» особенно близок по стилю и композиции к настоящей работе.

Джефферсон К. Харрисон. _Справочник музея Крайслера европейских и американских коллекций: избранные картины, скульптура и рисунки_.Музей Крайслера, Норфолк, Вирджиния, 1991, стр. 26, №19.

(PDF) МУЧЕНИЧЕСТВО СВЯТОГО СЕБАСТЬЯНА СЕККО ДЕЛЬ КАРАВАДЖО. ИССЛЕДОВАНИЕ ТЕХНИКИ И ТЕХНОЛОГИИ ОКРАСКИ КАРАВАДЖИ

МУЧЕНИЧЕСТВО СВЯТОГО СЕБАСТЬЯНА СЕККО ДЕЛЬ КАРАВАДЖИО

http://www.ijcs.uaic.ro

с другими пигментами, такими как свинцовый белый или земляной пигмент для усиления цвета. Для покраски Cecco

выбрала льняное масло в качестве связующего для малярного слоя. Известно, что Караваджо и его

последователей использовали льняное и ореховое масло [17-19].

Поскольку о Чекко и других его картинах известно так мало,

трудно сделать выводы обо всей его технике рисования. Мученичество Святого Себастьяна — неотъемлемая часть творчества Чекко. Он представляет и иллюстрирует основные аспекты его стиля: использование

света, цвета, деталей, контуров и характерных фигур. Автор надеется, что эта статья будет

началом исследования техники живописи Франческо Буонери, также известного как Чекко.

Благодарности

Автор также выражает благодарность Национальному музею в Варшаве.

Финансирующий орган

Это исследование финансировалось Национальным научным центром (Техника и технология

картин Караваджисти в собраниях польских музеев, 2013/09 / N / HS2 / 02116, PRELUDIUM

V).

Ссылки

[1] Дж. Гаш, Чекко дель Караваджо, Burlington Magazine, 144 (1195), 2002, стр. 631-632.

[2] G. Papi, Cecco del Caravaggio, Edizioni dei Soncino, Soncino, 2001.

[3] G., Papi, Cecco del Caravaggio, Caravaggio’s Rome 1600-1630, Vol. 2, (Редактор: R.

Vodret), Выставочный каталог, Museo Nazionale di Palazzo Venezia (16 ноября 2011 г. —

5 февраля 2012 г.), Рим, 2012 г.

[4] Р. Водрет, Б. Граната, Not Только Караваджо, Рим Караваджо, 1600-1630, том 2,

(Редактор: Р. Водрет), Каталог выставок, Национальный музей Палаццо Венеция (16

ноября 2011-5 февраля 2012), Рим, 2012, стр.55–56.

[5] Г. Папи, Некоторые размышления и исправления о Караваджо. Его метод и его «школа»,

Караваджо и его наследие, (редактор: Дж. Патрис Марандел), каталог выставки Country

Музей искусств в Лос-Анджелесе (11 ноября 2012–10 февраля 2013), Лос-Анджелес,

2012.

[6] М. Фрид, По Караваджо, Издательство Йельского университета, 2016.

[7] Дж. Коккони, Эпизоды реализма в Парме: Бартоломео Скедони и очарование

Караваджо, Ricerche di S-Confine , 7 (1), 2016, с.1-17.

[8] G. Bastek., Cecco del Caravaggio, Caravaggio i różne oblicza caravaggionizmu.

Wybrane obrazy z Pinakoteki Watykańskiej i zbiorów polskich, (Редакторы: А. Зиемба),

каталок выставок, Национальный музей в Варшаве (14 сентября – 15 октября),

Варшава, 1996, с. 124.

[9] М. Манфреди, Э. Барберис, А. Рава, Э. Роботти, Ф. Гозетти, Э. Маренго, Портативный диффузный метод

с отражением инфракрасного преобразования Фурье (DRIFT) для неинвазивного

идентификация грунта холста: справочная коллекция ИК-спектров, Аналитические методы,

7 (6), 2015, стр.2313-2322. DOI: 10.1039 / c4ay02006e.

[10] С. Ридольфи, Портативный EDXRF в мультитехнологическом подходе к анализу картин,

Insight, 59 (5), 2017, стр. 273-275.

[12] Дж. Надольни, М. Кларк, Э. Херменс, А. Массинг, Л. Кэрил, Технологический источник искусства

исследовательских документальных источников по европейской живописи до двадцатого века,

Сохранение станковой живописи, (редакторы : JH Stoner and R. Rushfield), Oxon,

Routledge, New York, 2012, p.218.

Рибера, Святой Себастьян | MuMa Le Havre: официальный сайт музея современного искусства Андре Мальро

В 17 веке испанская живопись пережила значительный рост, который до сих пор называют «золотым веком» и иллюстрируется такими именами, как Сурбаран, Веласкес, Мурильо и Рибера. .
Родом из Валенсии, Хусепе де Рибера (1591–1652) учился у испанского художника Рибальта. В 1613 году он уехал из Испании в Рим, где открыл для себя работы Караваджо.В 1616 году он поселился на постоянной основе в Неаполе, который находился под властью Испании, и пользовался двором как протеже знаменитого герцога Осуны и графа Монтеррея. Прибытие Веласкеса в Неаполь в 1630 году оказало сильное влияние на его живопись, побудив его принять более мягкую светотень и более яркую палитру. Хотя Рибера черпал большинство своих сюжетов из Библии, его многочисленные произведения также включали мифологические картины и сцены войны.

На этой монументальной картине Рибера изображено мученичество Святого Себастьяна .Офицер преторианской гвардии при Диоклетиане (3 век), Себастьян, тайный христианин, раскрыл свою веру, когда два собрата-христианина были приговорены к смерти. Его немедленно приговорили к выстрелу из стрел и бросили умирать, но Ирэн вылечила его. И снова он столкнулся с императором, который забил его до смерти и бросил в великий римский коллектор Cloaca Maxima.

Как и в других сценах мученичества, выбранная иконография изображает момент непосредственного общения с Богом.Религиозное излияние находит выражение в приоткрытых губах и мокрых от слез глазах, смотрящих в небо. Эта крупномасштабная картина Saint Sebastian представляет собой амбициозную картину, которая играет на уникальном эффекте диагонали. Хотя слегка искривленное тело в основном подчеркивает анатомию туловища, оно также напоминает распятие Христа. Правая рука, обращенная к небу, подобно взору святого, является символом заступничества.

Сделано ли художником рукой или его окружением — практика, которая стала более распространенной в 1634 году, когда болезнь истощила его силы, эта картина, вероятно, принадлежит второй половине карьеры Ribera , когда он осветил свою палитру под живописью. влияние венецианцев и эволюция живописи в Риме в сторону более светлого стиля барокко.

Бартоломео Манфреди | SARTI

Бартоломео МАНФРЕДИ
(Остиано, провинция Мантуя, 1582 — Рим, 1622)

Мученичество святого Себастьяна.
С. 1618-1620.
Холст, масло.
381/4 x 305/8 дюйма (97,2 x 77,7 см).

Литература:
. Н. Хартье, Бартоломео Манфреди (1582-1622), Ein nachfolger Caravaggios und seine europäische Wirkung. Monographie und Werkverzeichnis, VDG, Weimar, 2004, стр.361-363 (кат. № 33), рис. 21.
. Р. Контини, в Hommage an Caravaggio (1610/2010), каталог выставки, под руководством Б.В. Линдеманн и Р. Контини (12 ноября 2010 г. — 6 марта 30 г. 2011 г.), Мюнхен, изд. Минерва, 2010, стр. 56-57, № 9.
. Г. Папи, Бартоломео Манфреди, Сончино (CR), 2013, стр. 152-153.

Выставлено:
Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie, Hommage an Caravaggio (1610/2010), 12 марта 2011 г., № 9.

Иконография этой картины полностью отличается от традиций того периода: на ней не изображен святой Себастьян, пронзенный стрелами, и не изображен эпизод, когда он исцелялся от ран.Вместо этого Манфреди показывает нам очень особенный момент, который символически связывает образ святого с изображением Христа непосредственно перед Бичеванием. Святой Себастьян изображен привязанным к дереву, где он будет неоднократно поражен стрелами своих мучителей. Один из них, явно связанный (хотя и с некоторыми вариациями и перевернутый позы) с фигурой одного из мужчин, привязывающих Святого Себастьяна к дереву в утерянном оригинале Караваджо, записанном в важной копии, которая сейчас находится в частной коллекции. гарантирует, что он не может двигаться, в то время как взгляд святого и его свободная левая рука направлены к небу, чтобы он мог доверить свою судьбу Богу.
Он уже преображен Верой и Милосердием, но он все еще борется с врагами Церкви. В соответствии с его абсолютным, непоколебимым отношением, Себастьян показан сильным атлетом, частично напоминающим торс Бельведера и, в частности, Вакха, который перешел из коллекции Сеоли в коллекцию Боргезе, работы, которые послужили прототипами для других картин Манфреди, таких как в роли Вакха и пьющего в Galleria Nazionale d’Arte Antica в Палаццо Барберини в Риме.Классическая ссылка ясна, как и иконографическое значение картины, которая стремится передать доверие к Богу, силу истинной веры (и одновременно ее хрупкость) и самое благородное выражение безмятежного принятия могущественного героя.

Это прекрасно согласуется с тем, что ранние источники рассказывают нам о Манфреди, выделяя два элемента его искусства, которые присутствуют в картине перед нами. С одной стороны, художник был выделен в очень раннем возрасте как очень близкий и внимательный последователь Караваджо, а с другой стороны, было отмечено, что в своем зрелом стиле он стремился освободиться от слишком тесной зависимости от великого мастера. , передавая вместо этого идею мягкости и сладости, которые определенно расходятся с языком Караваджо.

Стиль Манфреди четко прослеживается в «Мученичестве святого Себастьяна»: широкий, мощный дизайн; повышенное чувство объема; полированные широкие поверхности, подчеркивающие яркий свет и тень; резкие контрасты между благородством выражения и жестокостью сюжета; и классическое самообладание, примененное к желанию бесповоротно сбежать от нормы. Но что более интересно, с точки зрения стиля, можно выдвинуть гипотезу о точной датировке — что еще более важно в отношении такого художника, как Манфреди, который никогда не оставлял подписи или даты и для кого в отсутствие надежных документальных свидетельств затрудняет установление надежной хронологии.

Работа кажется полностью зрелой в творчестве Манфреди, хотя это, конечно, не картина, которую можно определить как отражение того, что Сандрарт называл «методом Манфредианы», который обычно понимается как критерий для картин с поясными фигурами. , которые составляют большую часть продукции нашего художника. В этом нам помогает биограф Джулио Манчини, писавший о Манфреди незадолго до смерти художника, и его отчет следует читать вместе с несколько более поздним рассказом Джованни Бальоне, чей Vite de ‘pittori, scultori e architetti (Рим, 1642 г.) ) заявил, что: «он изо всех сил старался выполнять свою работу, но делал это очень хорошо, и преобладал его гений в области естественного.Свои картины он создавал с тайным знанием глазури и масляного красочного импасто, достигая, таким образом, большой свежести ». Таким образом, достигнув своей первой полной зрелости примерно в возрасте тридцати лет, Манфреди радикально пересмотрел саму идею Караваджизмо, привив в нее элемент деликатности и «единства» в обращении, которые гордо контрастировали с менталитетом Караваджо, считавшим только самое лучшее. драматические аспекты картины.

Этот замечательный союз — союз противоположностей — пришел к Манфреди после смерти Караваджо (которого он пережил на десять лет) через Гвидо Рени, и действительно в течение этих лет (около 1614-1617 гг.) Болонский художник проявлял себя. страстно стремится к возрождению классических форм, как в красиво расписанной фресками Авроре в Казино Боргезе (позже — Паллавичини Роспильози), так и в цикле «Подвиги Геракла», написанном для герцога Мантуанского в 1617 году, ныне хранящемся в Лувре.Эта последняя модель была настолько привлекательной и убедительной, что Манфреди, который был мантуанцем и поэтому очень внимательно относился к тому, что отправлялось из Рима в столицу Гонзага, должно быть, высоко ценил ее, действительно настолько, что сочетал ее с тем, что казалось (или могло показаться) это урок Караваджо. Эта мастерская комбинация дает исчерпывающее объяснение мученичества святого Себастьяна и его положения в карьере Манфреди.

Работа действительно отражает то, что ранние комментаторы говорили об этом мягком, едином стиле, который все больше отличал Манфреди от мира Караваджизма, и хорошо сочетается с решающими словами Манчини, который сказал, что «он сделал мало общественных работ».Это означает, что, возможно, было относительно поздно и впервые с момента своего прибытия в Рим в 1603 году Манфреди приложил руку к проекту церкви; и что эта новая сторона его творчества, мгновенно прерванная его смертью, сразу же выпала из поля зрения. Тем не менее, именно изучение этого аспекта могло бы послужить лучшей основой для Мученичества Святого Себастьяна, картины, несомненно предназначенной для частной обстановки.

На самом деле не существует алтаря, официально признанного Манфреди в Риме тех лет, но недавнее открытие — которое, кажется, попало в цель, хотя опять же это не более чем атрибуция — коронации Богородицы с Алтарь святых Иоанна Крестителя, Франциска и Марии Магдалины в Сан-Пьетро, ​​Леонесса, позволяет нам сформулировать более точное представление о мученичестве святого Себастьяна.Если рассказ Манчини верен (и нет причин сомневаться в этом), алтарь Леонессы должен датироваться примерно 1620 годом и, возможно, остался незавершенным, учитывая некоторые неровности стиля, после смерти мастера. Достаточно сравнить святого Франциска в центре этого алтаря со святым Себастьяном в нашем мученичестве, и мы поймем, что смотрим не только на одну руку, но и в один и тот же момент времени.

Страстный жест, означающий веру и принятие божественной воли в обеих картинах, а также отказ от жестокости мученичества, говорит об их абсолютной близости в датировке.Каждая из этих работ является примером того грандиозного, но мягкого, единого стиля, которого Манфреди достиг в своей первой зрелости, что в его случае, к сожалению, совпало с его кончиной.

Падший титан в этом мученичестве святого Себастьяна — незабываемая фигура в истории живописи Сейценто и знаменательный указатель нового этапа в истории искусства, который Манфреди ввел, но не смог его осуществить. Несмотря на то, что источники говорят о «методе Манфредианы», принятом, прежде всего, французскими живописцами, работавшими в Риме в 1610–1620-х годах, можно рискнуть сказать, что сам Манфреди, утвердивший идею горизонтальных сцен с поясными фигурами, сочетающими жанровые сюжеты, музицирование и карточную игру, прошли последнюю фазу эволюции, нарисовав отдельные фигуры, которые выступают в качестве торжественных эмблем великих моральных концепций, таких как величественный, недавно вновь открытый царь Мидас.

Искусство Манфреди, облагороженное конвергенцией явно противоположных идеалов — стилей Караваджо и Рени, — все больше приближалось к возвышенной моральной медитации, соответствующей тому, что мы знаем о характере самого художника: прилежный, строгий и сдержанный. .

Подобно королю Мидасу, смотрящему на воду, с помощью которой он очищает знаки своей гордости в сладком, скорбном отражении, святой Себастьян смотрит вверх, твердый и чувствительный, как непобедимый герой, одновременно сильный и хрупкий.Следовательно, возможно, что Мученичество Святого Себастьяна может быть помещено в число произведений, созданных в конце карьеры Манфреди, между 1618 и 1620 годами, даже если отсутствие надежных документов мешает нам указать точную дату.

Клаудио СТРИНАТИ

Искусство в Тоскане | Мученичество святого Себастьяна

Искусство в Тоскане | Мученичество святого Себастьяна

Мученичество святого Себастьяна — одна из самых устойчивых тем в западном религиозном искусстве.Сцена казни, которую так часто изображают — святого, пронзенного стрелами, — основана на легенде о его жизни и смерти во время правления римского императора Диоклетиана. Тем не менее, это символическая ассоциация стрел с Черной смертью — в средние века и в эпоху Возрождения — которая идентифицирует Себастьяна как святого покровителя жертв чумы. После более чем четырех столетий повторяющихся эпидемий чума в Европе вымерла; но образ Святого Себастьяна продолжал вдохновлять художников до конца XIX века. Самым ранним изображением Себастьяна считается барельеф в склепе базилики Святого Себастьяна недалеко от Рима; и здесь Святой появляется в доспехах, как римский солдат (Kraehling, 1938 9). Церковь была построена над той частью катакомб, которая называется Кладбище Каликста , вдоль Аппиевой дороги, в двух милях от города. Первоначальной церкви нет, но новая была построена в 1611 году, а большая лежачая статуя Себастьяна работы Бернини находится под главным алтарем (Джеймсон, 1885, 21).Некоторые из великих имен эпохи Возрождения, связанных с картинами Святого Себастьяна, включают Тициана, Тинторетто, дель Сарто, Мантенья и дель Кастаньо (Targat, 1979 5-25). Примечательно, что фигура Себастьяна была одной из немногих форм полуобнаженной натуры, разрешенных в раннехристианском искусстве. Среди множества изображений святого эпохи Возрождения картины Перуджино, Содомы и Франсиа считаются лучшими с точки зрения физической красоты и анатомической точности (Crawfurd, 1914, 100).

Святой Себастьян (умер ок.288) был христианским святым и мучеником, который, как говорят, был убит во время преследования христиан римским императором Диоклетианом. В искусстве и литературе его обычно изображают привязанным к столбу и расстрелянным из стрел. Это наиболее распространенное художественное изображение Себастьяна; однако он был спасен и исцелен святой Ириной Римской, прежде чем подверг критике императора и был избит до смерти [1]. Его почитают в Римско-католической и Православной церквях. Подробности мученической кончины святого Себастьяна впервые были упомянуты епископом IV века Амвросием Миланским в его проповеди (номер 22) по 118-му Псалму.Амвросий заявил, что Себастьян приехал из Милана и что он уже почитался там в 4 веке. Согласно Acta Sanctorum 5-го века Себастьяна [2], все еще приписываемым Амброзу агиографом 17-го века Жаном Болландом, и более кратким описанием в Legenda Aurea, он был человеком из Галлии Нарбоненсис, который учился в Милане и назначен как капитан преторианской гвардии под руководством Диоклетиана и Максимиана, которые не знали, что он христианин. Себастьян был известен тем, что ободрил в своей вере двух христианских узников, приговоренных к мученической смерти, Марка и Марселлиана, которых оплакивали и умоляли их семьи отречься от Христа и принести символическую жертву. Говорят, что его присутствие излечило женщину от немоты, и это чудо мгновенно обратило 78 человек. Согласно традиции, Марк и Марселлиан были братьями-близнецами и диаконами. Они были из знатной семьи, оба были женаты, жили в Риме со своими женами и детьми.Братья отказались приносить жертвы римским богам и были арестованы. Их посетили в тюрьме их отец и мать, Транквиллин и Мартия, которые пытались убедить их отказаться от христианства. Себастьян обратил в христианство Транквилина и Мартию, а также святого Тибуртия, сына местного префекта Хроматия. Никострат, другой чиновник, и его жена Зоя также были обращены. Говорят, что Зоя была немой 6 лет. Однако она дала знать Себастьяну о своем желании принять христианство.Как только она это сделала, ее речь вернулась к ней. Затем Никострат привел остальных пленников; эти 16 человек были также обращены Себастьяном. [3] Хроматий и Тибуртий обращены; Хроматий освободил всех своих заключенных из тюрьмы, оставил свой пост и удалился в деревню в Кампанию. Марк и Марселлиан, укрытые христианином по имени Кастул, позже были замучены, как и Никострат, Зоя и Тибуртий. Мученичество Диоклетиан упрекнул Себастьяна в его предполагаемом предательстве и приказал вывести его на поле и там привязать к столбу, чтобы в него стреляли.«И стреляли в него лучники, пока он не наполнился стрелами, как еж» [5], оставив его там умирать. Чудом стрелы его не убили. Вдова Кастула, Ирэн Римская, пошла забрать его тело, чтобы похоронить его, и обнаружила, что он все еще жив. Она вернула его к себе домой и вылечила. Другие жители дома сомневались, что он христианин. Одной из них была слепая девушка. Себастьян спросил ее: «Ты хочешь быть с Богом?» И перекрестил ее голову.«Да», — ответила она и сразу же прозрела. Затем Себастьян встал на ступеньку и орал Диоклетиана, когда тот проходил мимо; Император забил его до смерти, а тело бросили в уборную. Но в видении Себастьян сказал христианской вдове, где они могут найти его непорочное тело и похоронить его «в катакомбах апостолов». О чудесном эффекте примера Себастьяна, как сообщает Золотая легенда, … Святой Григорий рассказывает в первой книге своих Диалогов, что о женщине из Тосканы, которая была новобрачной, молились, чтобы она пошла с другими женщинами на посвящение церковь Себастьяна, и в ночь до этого она была так взволнована своим телом, что не могла воздержаться от своего мужа, и утром она, имея больший позор перед людьми, чем перед Богом, пошла туда, и вскоре, когда она вошла в молельню, где находились мощи святого Себастьяна, бес взял ее и мучил ее перед всем народом. Себастьян также считался защитником от чумы. Золотая легенда передает эпизод великой чумы, поразившей лангобардов во времена короля Гумбурта, которая была остановлена ​​возведением алтаря в честь Себастьяна в церкви Святого Петра в провинции Павия. Поскольку считалось, что Себастьян был убит стрелами, но это не так, а позже был убит тем же императором, который приказал его застрелить, его иногда называют святым, который дважды был замучен. Местонахождение останков Останки, предположительно принадлежащие Себастьяну, в настоящее время находятся в Риме в Базилике Апостолорум, построенной Папой Дамасом I в 367 году на месте временной гробницы Святых Петра и Павла. Церковь, которая сегодня называется Сан-Себастьяно фуори ле мура, была перестроена в 1610-х годах под патронажем Сципиона Боргезе. Другие источники говорят, что его тело перевезли из Рима в Суассон (Франция), в аббатство Сен-Медар. Pietro Perugino, Martirio di San Sebastiano , 1505, affresco, Panicale, chiesa di San Sebastiano Святой Себастьян в искусстве и литературе Пьетро Перуджино, Сен-Себастьян , 1495, Лувр, Париж Самое раннее изображение Себастьяна — мозаика в базилике Сант-Аполлинаре-Нуово (Равенна, Италия), датированная периодом между 527 и 565 годами.Правая боковая стена базилики украшена большими мозаиками, представляющими процессию из 26 мучеников во главе с Святым Мартином, включая Себастьяна. Мученики представлены в византийском стиле, лишены какой-либо индивидуальности и имеют идентичные выражения. Еще одно раннее изображение находится на мозаике [6] в церкви Сан-Пьетро-ин-Винколи (Рим, Италия), вероятно, в 682 году. На нем изображен взрослый бородатый мужчина в придворном платье, но на нем нет следов стрелы. [7] Лучники и стрелы начинают появляться к 1000 году, и с тех пор их гораздо чаще показывают дубинками, чем фактический момент его смерти, так что существует распространенное заблуждение, что именно так он умер.[8] Как защитник потенциальных жертв чумы (связь, популяризируемая Золотой легендой [9]) и солдат, Себастьян, естественно, занимал очень важное место в популярном средневековом сознании и, следовательно, был одним из наиболее часто изображаемых святых поздней готикой и Художники эпохи Возрождения, в период после Черной смерти. [10] Возможность показать полуобнаженного мужчину, часто в искаженной позе, также сделала Себастьяна любимым предметом [11]. Его стрельба из стрел была предметом самой большой гравюры Мастера игральных карт в 1430-х годах, когда в настоящее время было немного других предметов с обнаженными мужчинами, кроме Христа.Себастьян появляется во многих других гравюрах и картинах, хотя это также было связано с его популярностью среди верующих. Среди многих других, Боттичелли, Перуджино, Тициан, Поллайуоло, Джованни Беллини, Гвидо Рени (который нарисовал предмет семь раз), Мантенья (трижды), Ганс Мемлинг, Геррит ван Хонтхорст, Лука Синьорелли, Эль Греко, Оноре Домье, Джон Сингер. Сарджент и Луиза Буржуа писали святого Себастьяна. Обычно святой изображается в виде красивого юноши, пронзенного стрелами. При необходимости были сцены пределлы, часто с его арестом, конфронтацией с Императором и окончательным обезглавливанием.На иллюстрации в информационном окне изображен Святой Себастьян из Иль Содома во дворце Питти во Флоренции. Пьетро Перуджино, Святой Себастьян , 1495, Лувр, Париж В основном сюжет 17-го века, хотя и находившийся в сценах пределлы еще в 15-м веке [12], был святым Себастьяном, за которым ухаживала святая Ирен, нарисованный Жоржем де Латуром, Трофим-фанатиком (четыре раза), Джузепе де Рибера , [13] Хендрик тер Бругген и другие.Это могло быть преднамеренной попыткой Церкви уйти от единственного обнаженного объекта, который уже упоминается в Вазари как иногда вызывающий неуместные мысли среди прихожанок. [14] Художники барокко обычно рассматривали это как ночную сцену светотени, освещенную единственной свечой, факелом или фонарем, в стиле, модном в первой половине 17 века. Существует несколько циклов, изображающих жизнь святого Себастьяна. Среди них фрески в «Базилике Сан-Себастьяно» в Ачиреале (Италия) с картинами Пьетро Паоло Васта.Эгон Шиле, австрийский художник-экспрессионист, написал автопортрет в образе Святого Себастьяна в 1915 году. Во время «периода Лорки (Федерико Гарсиа Лорка)» Сальвадора Дали он писал Себастьяна несколько раз, особенно в его «Академии неокубизма». По неизвестным причинам всегда обнажается левая вена Себастьяна. В 1993 году в Берлине скульптор Анджела Лаич создала скульптуру «Святой Себастьян». В 1911 году итальянский драматург Габриэле д’Аннунцио совместно с Клодом Дебюсси поставили на эту тему мистическую пьесу.Американский композитор Джан Карло Менотти написал балетную партитуру для балетной постановки Ballets Russes, которая была впервые представлена ​​в 1944 году. В своей новелле «Смерть в Венеции» Томас Манн приветствует «Себастьяна-фигуру» как высшую эмблему аполлонической красоты, т. Е. , артистизм дифференцированных форм, красота, измеряемая дисциплиной, пропорциями и яркими различиями. Этот намек на страдания святого Себастьяна, связанный с писательским профессионализмом главного героя новеллы Густава Ашенбаха, представляет собой модель «героизма, порожденного слабостью», который характеризует уравновешенность среди мучительных мучений и простое принятие своей судьбы, выходящее за рамки простого терпения и пассивность, стилизованное достижение и художественный триумф.Смерть Себастьяна была изображена в фильме 1949 года «Фабиола», в котором его сыграл Массимо Джиротти. В 1976 году британский режиссер Дерек Джарман снял фильм «Себастьян», который вызвал споры в его трактовке мученика как символа гомосексуализма. Однако, как отметили некоторые критики, это был подтекст образов со времен Возрождения. [15] Также в 1976 году фигура Святого Себастьяна появлялась в американском фильме ужасов «Кэрри» [16]. В 2007 году художник Дэмиен Херст представил «Святой Себастьян, изысканная боль» из своей серии «Естественная история».На картине изображена корова в формальдегиде, связанная металлическим тросом и застреленная стрелами. [17] Антонелло да Мессина, Санкт-Себастьян, Gemäldegalerie Alte Meister, Дрезден Пьетро Ваннуччи, иль Перуджино родился в Читта-делла-Пьеве. Он почти наверняка тренировался во Флоренции под руководством Андреа дель Верроккьо.Впервые он был задокументирован в Перудже в 1475 году, когда ему заплатили за небольшую комиссию в Палаццо деи Приори. Тем не менее, он становится полностью зрелым художником к 1479 году, когда папа Сикст IV заказал ему фрески для Cappella della Concezione старого собора Святого Петра в Риме (разрушена в 1602 году). Он продолжил работу в Сикстинской капелле (см. Ниже) ок. 1481-2. Перуджино содержал мастерскую во Флоренции по крайней мере с 1487 по 1511 год. Он также содержал мастерскую в Перудже, вероятно, с ок.1495 г. Перуджино не успевал за быстрым развитием художественного вкуса ок. 1500 г., и его репутация во Флоренции сильно пострадала, когда его «Polittico dell ‘Annunziata» (1504-7) для SS Annunziata было плохо принято. Тем не менее он продолжал доминировать на арт-сцене Перуджи около двадцати лет. Джорджо Вазари увидел алтарь св. Иоанна Крестителя (ок. 1510 г.) Перуджино на алтаре в Сан-Франческо-аль-Прато, который предположительно был посвящен св. Иоанну Крестителю. Хотя он был внесен в список произведений, которые должны были быть отправлены в Musei Capitolini в Риме в 1812 году, впоследствии было решено, что он должен оставаться в церкви.Она вошла в галерею в 1863 году. Панно изображает Святого Иоанна Крестителя, стоящего на фоне пейзажа, в окружении СС Франциска, Иеронима, Себастьяна и Антония Падуанского. Фигура святого Себастьяна необычно одета и была адаптирована, несколько оппортунистически, из карикатуры, использованной во фресках Перуджино (около 1500 г.) в Collegio di Cambio. Композиция и, в частности, фигуры СС Франциска и Иеронима, похоже, происходят от Мадонны ди Лорето (1507 г.), которую Перуджино написал для Санта-Мария-деи-Серви и которая сейчас находится в Национальной галерее в Лондоне. Пьетро Перуджино, Святой Антоний Падуанский и Святой Себастьяно для San Francesco al Prato Антонио дель Поллайуоло и Пьеро дель Поллайуоло Антонио дель Поллайуоло и Пьеро дель Поллайуоло, Мученичество Святого Себастьяна (фрагмент), завершено 1475, Лондон, Национальная галерея Антонио дель Поллайоло был итальянским художником, скульптором, гравером и ювелиром в эпоху Возрождения.Он родился во Флоренции. Его брат Пьеро тоже был художником, и они часто работали вместе. Их работы демонстрируют как классические влияния, так и интерес к анатомии человека; как сообщается, братья провели вскрытие, чтобы улучшить свои знания по этому вопросу. Они взяли свое прозвище от профессии своего отца, который на самом деле продавал птицу (pollaio означает «курятник» на итальянском языке). Первые занятия Антонио ювелирному делу и металлообработке принадлежали либо его отцу, либо Андреа дель Кастаньо: последний, вероятно, учил его также живописи. Гробница Папы Иннокентия VIII, вторая папская гробница Поллайоло Некоторые картины Поллайоло демонстрируют сильную жестокость, характеристики которой можно изучить на картине Святого Себастьяна, написанной в 1473–1475 годах для капеллы Пуччи СС. Аннунциата Флорентийская. Однако, напротив, его женские портреты демонстрируют спокойствие и пристальное внимание к деталям моды, что было нормой в портретной живописи конца 15 века. Геркулес бьет гидру. Антонио дель Поллайоло достиг величайших успехов как скульптор и мастер по металлу.Точное описание его работ вызывает сомнения, так как его брат Пьеро многое сделал в сотрудничестве с ним. Он создал только одну сохранившуюся гравюру, «Битву обнаженных мужчин», но как по размеру, так и по сложности она подняла итальянский эстамп на новый уровень и остается одним из самых известных гравюр эпохи Возрождения. Мученичество святого Себастьяна составлено симметрично, чтобы рассказать историю, взятую из «Золотой легенды» о святом Себастьяне, который был приговорен к смертной казни после того, как был обнаружен христианином.Его привязали к столбу и стреляли из стрел. Здесь шесть лучников имеют три основные позы, повернутые в пространстве и наблюдаемые под разными углами. Это помогает создать трехмерную твердость каждой фигуры, и вместе они определяют пространство переднего плана. Искусство в Тоскане | Антонио дель Поллайуоло и Пьеро дель Поллайуоло | Мученичество святого Себастьяна Мученичество Святого Себастьяна , 1473-75, Национальная галерея, Лондон Андреа Мантенья, Санкт-Себастьян , гр.1480, Лувр, Париж, Святой Себастьян изображен на трех картинах итальянского мастера раннего Возрождения Андреа Мантенья. Падуанский художник жил в период частых эпидемий; Себастьяна считали защитником от чумы, поскольку его прострелили стрелы, и считалось, что чума распространилась по воздуху. Некоторые из великих имен эпохи Возрождения, связанных с картинами Святого Себастьяна, включают Тициана, Тинторетто, дель Сарто, Мантенья и дель Кастаньо (Targat, 1979 5-25).Примечательно, что фигура Себастьяна была одной из немногих форм полуобнаженной натуры, разрешенных в раннехристианском искусстве. Мученичество святого Себастьяна было постоянной темой в творчестве Мантеньи, потому что оно сочетало религиозный сюжет с возможностью нарисовать спортивное обнаженное тело мужчины. Кроме того, во время своего длительного пребывания в Мантуе Мантенья жил недалеко от церкви Сан-Себастьяно, посвященной святому Себастьяну. Мантенья родился около 1431 года недалеко от Виченцы, Италия. Когда ему было около 10 лет, его усыновил Франческо Скварчоне, учитель рисования из Падуи.Мастерство Мантенья как художника быстро развивалось, и в возрасте 17 лет он основал свою собственную мастерскую, заявив, что больше не позволит Squarcione получать прибыль, используя его талант. В то время в Падуе был большой интерес к сбору и изучению римских древностей. Мантенья знал многих ученых и антикваров, принимавших участие в этой работе, и его знания о культуре Древнего Рима очевидны в его искусстве. Мантенья оставался в Падуе до 1459 года, когда Людовико Гонзага убедил его переехать в Мантую.Он проработал на семью Гонзага до конца своей жизни. Для них Мантенья создал одни из своих величайших картин. В одной известной работе, названной Camera degli Sposi (свадебная палата), он нарисовал стены и потолок небольшой внутренней комнаты, превратив ее в павильон под открытым небом. Раскрашенный купол на потолке открывается на раскрашенное небо, на которое раскрашенные мужчины и женщины смотрят сверху вниз. Комнаты, создающие подобную иллюзию, стали очень популярными в эпоху барокко 1600-х годов Почти наверняка Федерико I Гонзага, преемник Людовико, построил собор Святого Себастьяна (Париж, Лувр).Картина, написанная в начале 1480-х годов, вероятно, предназначалась как запрестольный образ для Sainte-Chapelle в Aigueperse в Оверни (где она висела до Французской революции), где Кьяра Гонзага, дочь Федерико, поселилась после замужества в 1481 году. Идеализированная фигура святого противопоставлена ​​фрагменту храма, написанному с виртуозным чувством фактуры как резного, так и битого камня. Мантенья сопоставил настоящую ногу святого с фрагментом ступни статуи, играя на образцовой теме, демонстрируя многогранность живописи.Пейзажный фон близок к фону сцены встречи в Camera Picta, что подтверждает хронологическую близость работ. Франческо Гонзага, преемник Федерико, также высоко оценил способности Мантенья, предоставив ему землю в 1492 году в знак признания его живописных работ для семьи. ‘Вазари должен был написать, что Мантенья «всегда утверждал, что хорошие античные статуи совершеннее и красивее, чем что-либо в природе. Он считал, что мастера древности соединили в одной фигуре те совершенства, которые редко встречаются в одном человеке. таким образом создавались единичные фигуры непревзойденной красоты.«Независимо от того, делал ли когда-либо Мантенья такое бескомпромиссное заявление о вере в идеализацию, эти слова имеют отношение к его святому Себастьяну. Тело молодого святого выглядит так, как будто оно было вырезано из необычайно твердого и безупречного мрамора. Коринфская колонна (с скользящей иллюзией уравнения Витрувия между архитектурными и телесными пропорциями). Однако на этом, как и на многих других религиозных картинах пятнадцатого века, языческий мир символически изображен в руинах. Фрагменты статуй и рельефов лежат на земле. здание (основанное на арке Септимия Севера в Риме) имеет трещины и трещины.Однако очевидное противоречие является существенным для смысла картины — христианство, олицетворяемое святым, преобладает над всеми человеческими недугами и бедствиями. Святой Себастьян был покровителем больных, и его ходатайство было вызвано особенно во время чумы, вспышки которой (вероятно, бубонной) случались примерно каждые 15 лет в Венеции на протяжении всего столетия ». [18] Андреа Мантенья, Санкт-Себастьян , гр.1480, Лувр, Париж Андреа Мантенья, St Sebastian , (фрагмент), c. 1480, Лувр, Париж В алтаре Сан-Лука, также известном как Полиптих Сан-Лука, находится полиптиховое панно с 12 фигурами, каждая из которых находится в его или ее собственной арке. Семь фигур в верхнем ряду обрамляют центральную фигуру Иисуса Христа (в том числе Святого Себастьяна). Пятеро под флангом Святого Луки. Поклонение святому Себастьяну, защитнику от чумы, было широко распространено в 15 веке.Мантенья порвал с традиционной иконографией, введя отсылки к древности. Воодушевленный своим учителем Скварчоне и своими контактами в гуманистических кругах Падуа, он страстно окунулся в новое открытие античности. Тем не менее, его точные археологические ссылки никоим образом не умаляют его изобретательности, о чем свидетельствует композитный капитал колонны и причудливая архитектура в ландшафте. Смешение архитектурных стилей выражает преемственность между античным и христианским миром, тема, которая дорога гуманистам.Тем не менее, это по-прежнему религиозное произведение: скульптурная ступня у ног святого символизирует победу христианства над язычеством посредством жертвоприношения, а изрешеченное стрелами тело, хотя и обработано в античном стиле, остается верным иконографическим традициям. Искусство Мантеньи и его отношение к классической древности послужили образцом для других художников, среди которых были Джованни Беллини в Венеции и Альбрехт Дюрер в Германии. Поместив Богородицу и святых на алтаре Сан Зенона в единое пространство, неразрывно связанное с его рамой, Мантенья ввел новые принципы иллюзионизма в картины sacra convertazione (т.э., картины Мадонны с младенцем и святыми). Искусство в Тоскане | Андреа Мантенья, Мученичество святого Себастьяна Андреа Мантенья, Полиптих Святого Луки (фрагмент, Святой Сабастиан), Милан, Пинакотека Брера Альбрехт Дюрер, Святой Себастьян у колонны Альбрехт Дюрер (1471-1528), Святой Себастьян, привязанный к колонне, гравюра , около 1499 года, на бумажной бумаге Святой Себастьян у колонны — гравюра немецкого художника Альбрехта Дюрера (1471–1528), выполненная в 1500 году, из его серии «Жития святых». Дюрер задумал произведение, чтобы представить как идеализированное видение красоты 15-го века, так и дань уважения классической скульптуре. Согласно легенде, святой Себастьян был замучен римским императором Диоклетианом за христианскую веру. К 16 веку художники использовали христианские сказки как предлог для изображения гуманистического обнаженного тела. Четыре стрелы, пронзающие тело Себастьяна, символизируют ранение безупречного тела. Поза святого перекликается с распятием, и, как и спаситель, святой Себастьян воскрес из мертвых, хотя в его случае, чтобы наказать тех, кто преследовал христиан за их веру. Гравюра является одним из первых примеров использования контрапоста в западном искусстве и одним из первых изображений гармонического баланса между противостоящими силами (в данном случае между стрелами и телом). Дюрер столкнулся с такими концепциями во время своих путешествий по северной Италии, где он также нашел вдохновение в гармоническом контрасте, который он передает между обрученной ногой Святого Себастьяна и его свободной ногой. Итальянское вдохновение ‘Дюрер объединил североевропейский реализм с инновациями итальянского искусства и скульптуры.Он посетил Италию дважды в течение своей жизни, с 1494-51 и снова с 1505-07, где он впитал в себя шедевры итальянского Возрождения. Италия также оказала глубокое влияние на то, как Дюрер видел свое место в обществе как художника. Воодушевленный итальянским взглядом на художника как на ученого и джентльмена, он раздвинул границы своего предмета, находя все более эрудированные темы и мотивы. Он поднял эстамп из ремесла до искусства, а ремесленника — до статуса художника. Такой подход и его собственные амбиции обеспечили ему успех; он стал придворным художником двух последовательных императоров Священной Римской империи, Максимилиана I и Карла V.'[19] Альбрехт Дюрер, Святой Себастьян у колонны

. [1] Патронаж | В Римско-католической церкви Себастьяна увековечивают необязательным мемориалом 20 января.В церкви Греции праздник Себастьяна — 18 декабря. Как защитник от бубонной чумы, Себастьян раньше был одним из Четырнадцати Святых Помощников. Однако связь мученического выстрела со стрелами с чумой не является интуитивной. В греко-римском мифе Аполлон, бог-лучник, избавляет от эпидемий; фигура Себастьяна христианизирует это фольклорное объединение. Летописец Павел Диакон сообщает, что в 680 году Рим был освобожден им от бушующей эпидемии. Себастьян, как и Святой Георгий, принадлежал к классу воинственных мучеников и солдатских святых раннехристианской церкви, чьи культы зародились в 4 веке и достигли высшей точки в конце средневековья, в 14 и 15 веках, как на Востоке. и Запад. Детали их мартирологов могут вызвать некоторый скептицизм у современных читателей, но обнаруживаются определенные закономерности, раскрывающие христианские взгляды. Таким святым была атлета Кристи и «хранитель небес».В католицизме Себастьян является покровителем спортсменов, а также покровителем лучников. Себастьян — покровитель и покровитель города Корми на Мальте и покровитель Казерты, Петилии Поликастро в Италии, Мелилли на Сицилии, Сан-Себастьяне, а также Пальма-де-Майорка в Испании. Он также является покровителем Рио-де-Жанейро, Бразилия. Неформально, в традиции афро-бразильской синкретической религии Умбанда, Себастьян часто ассоциируется с оксосси, особенно в самом штате Рио-де-Жанейро. Он также является покровителем колледжа, названного в его честь в Маниле, который находится рядом с приходом Сан-Себастьян. Себастьян — покровитель епархии Баколод, Западный Негрос, Филиппины. В своих Воспоминаниях 1906 года Карл Шурц вспоминает ежегодное театрализованное представление о стрельбе по птицам в рейнском городке Либлар, которое спонсировалось Обществом Святого Себастьяна, клубом снайперов и их спонсоров, к которому принадлежал почти каждый взрослый член города [18]. ] Пьетро Перуджино, ул.Себастьян и части фигуры Св. Рокко и Св. Петра [18] Хью Хонор и Джон Флеминг: Всемирная история искусства , стр. 342-43 [19] Альбрехт Дюрер | Insight | Christie’s | www.christies.com/ «До Дюрера гравюры (в основном гравюры на дереве) были довольно грубыми по дизайну и исполнению. По сути, они должны были быть религиозными талисманами, защищающими владельца от несчастий, а не произведениями искусства в нашем понимании. Дюрер полностью переосмыслил, на что способна эта техника.Он создавал большие сложные изображения, полные жизни и движения, и устанавливал их в реалистичных условиях. Он был революционером и в коммерческом плане. Можно сказать, что он зарабатывал себе на жизнь как художник в том смысле, который мы признаем сегодня. До него художники или ремесленники работали в основном по заказу. Дюрер был гораздо более активным, создавая произведения искусства, которые, как он думал, понравятся покупателям, а не просто выполнять чьи-то заказы. Благодаря этому он смог сохранить свои печатные формы, что давало ему возможность контролировать размер и качество изданий.Думаю, его монограмму можно рассматривать как один из первых логотипов, узнаваемых всеми, как образованными, так и необразованными. Дюрер владел не одной, а двумя техниками гравюры. Он научился гравюру у своего отца, успешного немецкого ювелира. Это требовало большого технического мастерства, чтобы вырезать линии на полированной металлической поверхности, обычно из меди, которая была мягкой и удобной в работе, с помощью инструмента, напоминающего скальпель, называемого резцом. Краска была нанесена с помощью валика, пластина была вытерта и изображение напечатано на бумаге.Второй техникой была гравюра на дереве, в которой Дюрер наносил рисунок на поверхность деревянного бруска. Фон срезали острым ножом или зубилом, оставляя дизайн гордо стоящим. Хотя маловероятно, что он сам разрезал блоки, он точно знал, как они будут печататься, и мог дать точные инструкции для принтеров ». Nürnberg, Verlag Hans Carl. Дюрер в Дублине: гравюры и ксилографии Альбрехта Дюрера.Библиотека Честера Битти, 1983. Курт, доктор Вилли. Полное собрание гравюр Альбрехта Дюрера. Нью-Йорк: Arden Book Co, 1935. Эта статья включает материалы из статей Википедии Святой Себастьян, Святой Себастьян (Мантенья), Святой Себастьян у Колонны (Дюрер), опубликованных под лицензией GNU Free Documentation License. Викискладе есть медиафайлы, связанные со Святым Себастьяном. Podere Santa Pia — это тихое место для отдыха, идеально подходящее для отдыха и наслаждения великолепием холмов Мареммы, которые возвышаются над южной Тосканой. Podere Santa Pia расположен в самом сердце Валле д’Омброне, откуда можно легко добраться до некоторых из самых красивых достопримечательностей Тосканы, таких как Монтальчино, Пиенца, Монтепульчано и Сан-Квирико д’Орча, известных своим художественным наследием. производство вина, оливкового масла и гастрономические традиции. Это идеальное место, чтобы провести расслабляющий отдых в созерцании природы, с возможностью дегустации самых типичных блюд тосканской кухни и ее лучших вин. Это земля, где производятся вина категории DOC Монтекукко и Брунелло.Таким образом, окружающая местность является идеальным местом для необычного винного тура с посещением небольших ферм, производящих вино и отличное оливковое масло первого холодного отжима. Дома для отпуска в Тоскане | Podere Santa Pia Podere Santa Pia Podere Santa Pia, сад Маремма и Монтекристо Вилла Ла Пьетра, недалеко от Флоренции Санта-Кроче, Флоренция San Miniato al Monte, Флоренция Palazzo Medici Riccardi, Флоренция Piazza della Santissima Annunziata во Флоренции Флоренция, Дуомо

Драма и преданность в Риме в стиле барокко — Музей искусств Джорджии при Университете Джорджии

В Риме сошлись многие школы живописи, но художники были особенно восприимчивы к стилистической революции Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610).Караваджо работал всего около 15 лет и создал около 70 картин, немногие из которых находятся в американских коллекциях. Тем не менее, он остается одной из самых влиятельных фигур в западном искусстве. Работы на этой выставке, все из Музея и Галереи Университета Боба Джонса, посвящены тому, как он сформировал итальянское барокко и вдохновил многочисленных последователей.

Караваджо поселился в столице около 1595 года. В то время Папа Климент VIII (1592–1605) продвигал строительство новых церквей и восстановление старых как символов процветающей католической веры.За выполнение этой амбициозной программы соревновались около 2000 художников. Фирменный стиль Караваджо заключался в резком контрасте света и темноты, энергичном моделировании, голом фоне, тревожном реализме, использовании живых моделей и драматическом чувстве постановки. Его религиозные картины подчеркивали эмоциональное состояние фигур и вдохновляли на самоанализ. Его светские сочинения музыкантов, шулеров и гадалок более театральны и игривы.

Питер Пауль Рубенс
(р.Зиген, 1577; d. Антверпен, 1640 г.)
«Христос на кресте», ок. 1610
Масло, панель
Музей и галерея Университета Боба Джонса, Гринвилл, Южная Каролина

Рубенс был в Италии с 1600 по 1608 год. Связался ли он с Караваджо, неизвестно, но у него была возможность изучить работы итальянского мастера. Он возглавил кампанию по приобретению Мадонны Розария Караваджо для церкви Святого Павла в Антверпене. Рубенс написал эту картину после возвращения во Фландрию, но она выдает его итальянский опыт.Яркий свет, падающий на тело Христа, ослепительно-белый цвет набедренной повязки и удлиненное страдающее тело — все это передает драму человечности и жертвы Иисуса. Эта панель, вероятно, была образцом для изучения и копирования учениками Рубенса.

Trophime Bigot
(род. Арль, 1579; ум. Авиньон, 1650 г.)
«Святой Себастьян, за которым ухаживает святая Ирен», без даты.
Холст, масло
Музей и галерея Университета Боба Джонса, Гринвилл, Южная Каролина

Биго был в Риме в 1620-х годах и покинул его к 1634 году.Он часто изображал один и тот же сюжет, и эта картина является одной из четырех версий. Влияние Караваджо проявляется в сжатой рамке действия и представлении отдельных фигур, выполняющих определенную задачу. Святая Ирина нежно снимает стрелы с тела святого Себастьяна, поза которого напоминает сошествие Христа с креста. Драматический свет позволяет зрителю увидеть слабые капли крови. Святой Себастьян, которого в средние века призывали против чумы, был одним из самых живописных святых до 17 века.

Орацио Джентилески (или студия)
(р. Пиза, 1563; ум. Лондон, 1639)
«Мученики святые Валериано, святые Тибурцио и святая Сесилия», ок. 1620 — 21
Холст, масло
Музей и галерея Университета Боба Джонса, Гринвилл, Южная Каролина

Орацио Джентилески переехал в Рим подростком. Он подружился с Караваджо около 1600 года, но их отношения подверглись испытанию, когда художник Джованни Бальоне подал на них в суд за клевету.Работы Джентилески выражают внимательное наблюдение за композициями Караваджо и пристрастие к тем же темам. В этом эпизоде ​​из жизни святой Сесилии Валериано обращается в христианство, увидев, как ангел протягивает его жене цветочный венок чистоты. Тибурцио, брат Валериано, наблюдает за происходящим прямо с порога, и он тоже обращается в свою веру. Яркие цвета и роскошные ткани подчеркивают детализацию Джентилески. Резкие диагонали направляют взгляд зрителя через холст.

Джованни Ланфранко
(род. Парма, 1582; ​​ум. Рим, 1647)
«Святая Цецилия», ок. 1620 — 21
Холст, масло
Музей и галерея Университета Боба Джонса, Гринвилл, Южная Каролина

Джованни Ланфранко прибыл в Рим в начале 1600-х годов. Он преуспел в живописи фресковой живописи, но оставил конкурентную художественную сцену столицы и перебрался в Неаполь, где работал более десяти лет. Этот образ покровителя музыки подчеркивает величие католической веры и главенство церкви.Глядя в небеса, Сесилия передает свое божественное вдохновение во время игры.

Авраам Янссенс
(Антверпен, ок. 1575–1632)
«Оплакивание мертвого Христа», ок. 1610 — 12
Холст, масло
Музей и галерея Университета Боба Джонса, Гринвилл, Южная Каролина

Авраам Янссенс был одним из многих фламандских художников, побывавших в Риме в конце 1590-х годов. По возвращении во Фландрию в 1602 году он добился значительных успехов в качестве исторического художника.Он продолжал продвигать манеру Караваджо, прежде чем перенять более модный рубенский стиль. На картинах этой сцены обычно изображена Дева Мария (слева), плачущая над своим мертвым сыном. Преувеличенные лица передают мрачное настроение. Выброшенный терновый венец, гвозди от Креста и Покров Вероники означают грядущее воскресение.

Саймон Вуэ
(Париж, 1590–1649)
«Саломея с головой Иоанна Крестителя», 1614–27
Холст, масло
Музей и галерея Университета Боба Джонса, Гринвилл, Южная Каролина

Симон Вуэ был в Риме к 1613 году, где изучал работы Караваджо и писал те же темы.Эта картина рассказывает историю Иоанна Крестителя, который был заключен в тюрьму за выступление против развода и повторного брака царя Ирода. Довольный и пьяный, Ирод пообещал дать дочери своей новой жены Саломеи все, что она пожелает. Убежденная матерью, она попросила голову святого на блюде. Элегантность и спокойствие Саломеи противоречат ужасающей природе ее просьбы и пугающе реалистичному изображению головы святой.

Щелкните и перетащите фотографию ниже, чтобы увидеть установленную выставку в 360 °.

Брошюру к выставке читайте здесь.

Посмотреть картины Караваджо можно здесь.

Святой Себастьян в сопровождении Святой Ирен и ее служанки

Святой Себастьян в сопровождении Святой Ирен и ее служанки был приобретен для коллекции в 1986 году на аукционе Sotheby’s, на котором она была внесена в каталог Теодора Ромбоутса. Эта атрибуция была сделана Леонардом Дж. Слаткесом, который датировал полотно периодом ромбаутов в Риме между 1616 и 1620 годами и упомянул возможность того, что это было первое изображение этого предмета северным последователем Караваджо.Гаскелл отверг атрибуцию Слаткеса на основании сравнения с другими работами Ромбоутса. После реставрации Гаскелл изучил полотно и предложил атрибуцию Дирку ван Бабурену, датируя полотно ранним этапом карьеры художника во время его пребывания в Италии. Гаскелл сравнил ее с одной из самых ранних известных работ художника, Погребение Христа 1617 года, написанной для часовни Пьета в церкви Сан-Пьетро-ин-Монторио в Риме. Он обратил внимание на сходство между расположением фигур в пространстве, способом нанесения ярко выраженных теней, построением краев складок драпировки и размещением второстепенных предметов.

Тот же предмет изображен на картине неизвестного художника, находящейся сейчас в Собрании сакрального искусства Университета Боба Джонса в Гринвилле, которая считается копией утерянной работы Ван Бабурена. Его композиция связана с одним из первых задокументированных произведений художника в Италии — картиной «Мученичество Святого Себастьяна» , написанной для церкви в Парме. Основываясь на этих элементах, Гаскелл предположил, что нынешнее полотно может быть связано с утерянной пармской картиной.

На картине изображен момент, когда святая Ирина, благотворительная вдова, пришла на службу к римскому центуриону после того, как в него выстрелили, и вытащила стрелу в его бок.Справа, тоже выходящая из темноты, стоит ее пожилая служанка, твердо поддерживающая святого. В правом нижнем углу холста находится насыпь доспехов Себастьяна. Бабурен точно изобразил этот популярный эпизод из жизни святого, вылепив и определив его композицию. Различные детали, такие как длинные мазки, использованные для изображения рук и ног святого, способ выделения носа и пальцев ног в красноватых тонах и манера рисования волос в больших прядях, поразительно типичны для стиля Ван Бабурена. Гаскелл.

В 17, ^и годах картина, по-видимому, находилась в генуэзской коллекции Джакомо Филиппо Каррега, и тогда она была описана как работа Караваджо.