Что особенного в искусстве Возрождения и как отличить его от других похожих течений — Нож
Когда мы говорим об итальянском Возрождении, то перед глазами встают растиражированные образы: «Рождение Венеры», псевдоантичные статуи и легион однотипных Мадонн. Но если проанализировать очень разное творчество художников XV века, времени, называемого Возрождением, то очевидно, что работ, которые можно назвать произведениями нового, ренессансного искусства, — очень мало, и формируются они вокруг идеи рационального подхода в искусстве.
Творцы «научного» Возрождения пытались отразить в своих работах фейерверк новых открытий, доступ к античным знаниям и торжество гуманизма, им было важно показать разнообразие реального мира, а не просто красиво изобразить узоры и вензеля или вылить на картину полведра золотой краски.
Мы попробуем провести границу между картинами, похожими на возрождение, и тем Возрождением, в котором наука и искусство действительно стали единым целым.
***
Точкой отсчета Возрождения можно считать начало XV века, когда итальянские художники открыли для себя центр перспективы и впервые попытались изобразить пространство таким образом, чтобы у него была единая точка схождения на линии горизонта, а предметы уменьшались по мере удаления от переднего плана.
Сначала очень немногие мастера разглядели потенциал в работе с центром перспективы, но затем поняли его главное преимущество: он прямо сообщался с миром зрителя, который теперь мог воспринимать картину как часть реального мира.Так произведения приобретали трехмерность, а задний фон переставал напоминать декорацию.
Но даже после этого открытия многие художники не стали применять его на практике, предпочитая старые методы. Частично в этом была виновата обычная консервативность, но главной причиной были заказчики.
Клиентам из знатных семей была ближе привычная и понятная готика с золотыми красками, помпезностью и таинственностью, они ценили сложный символизм и богатые рамы.
Такая клиентура не давала художникам с новаторскими идеями развернуться в полную силу. Именно поэтому рациональные принципы не применялись повсеместно, а сосуществовали со старой доброй готикой, лишь вобрав в себя новый репертуар модных сюжетов.
Как отличить ВозрождениеПериод того, что принято считать Ренессансом, растянулся почти на два века, поэтому работы и стили художников были более чем разнообразными. Но мы попробуем составить небольшую шпаргалку в стиле «Моне — пятна, Мане — люди» и выделить основные признаки художников рационального искусства.
Перспектива и естественное освещение✅
Да, это ВозрождениеРеволюцию в живописи начал флорентиец Томмазо Мазаччо на заре XV века. Он одним из первых внимательно подошел к изучению перспективы и расположению фигур на картине.
Мазаччо стал активно использовать точку перспективы и таким образом радикально поменял восприятие картины зрителем. На его полотнах задний фон становится трехмерным, а свет идет из одного источника, что подчеркивает естественность происходящего.
Несомненным авторитетом и экспериментатором периода Возрождения был Леонардо да Винчи. Его «Мадонну в скалах» можно считать вершиной применения научного метода в искусстве. Уникальная работа с источниками света выделяет руки и лица персонажей на фоне сумрачных скал. Центром перспективы здесь становится голова Мадонны.
«Мадонна в скалах», 1483–1486. ИсточникВ отличие от многочисленных предшественников художник старается сделать фон максимально интересным для изучения, взгляд зрителя не перестает блуждать между очертаниями отвесных скал и разнообразием флоры. Благодаря особой технике сфумато, которая позволила изобразить воздух вокруг фигур, пейзаж кажется одновременно фантазийным и реалистичным.
В других своих работах Леонардо демонстрирует результаты бесконечных упражнений в области изучения законов движения, атмосферы, поведения дыма и гидравлики.
❌
Нет, это не ВозрождениеЕще одним мастером эпохи Возрождения по умолчанию считается Сандро Боттичелли.
В «Благовещении Честелло» художник работает с перспективой, но линии не сходятся в одну точку. Боттичелли не интересует игра света и тени, поэтому пейзаж за стеной не уходит в глубину картины, а смахивает на нарисованный гобелен.
«Благовещение Честелло», 1489. ИсточникТо же самое происходит на одной из самых известных его картин «Весна». Хотя фон на полотне вполне реалистичен, у него нет глубины и перспективы, а фигуры как бы приподняты над землей. Схожесть с гобеленом отсылает нас к готической традиции.
«Весна», 1482. ИсточникПоложение фигур в пространстве и пропорции✅
Да, это ВозрождениеИногда рациональное искусство выдают пропорции персонажей картины и их положение в пространстве.
В отличие от царившей в то время готики фигуры на полотнах Мазаччо приобретали характер, выражения их лиц резко отличались друг от друга, а пропорции соответствовали человеческим.
Кстати говоря, Мазаччо впервые придумал изображать персонажей твердо стоящими на земле; у его предшественников они обычно стояли на цыпочках или висели в пространстве.
«Святая Троица», около 1426. ИсточникРафаэль проанализировал накопленные знания предшественников и использовал их в своей работе «Мадонна в зелени», задействуя солнечный свет, природные цвета, правильные пропорции и ясность изображения. Его персонажи крепко стоят на ногах, а цвета картины яркие и насыщенные. Кроме того, в фигурах прослеживается тщательная работа с анатомией, которая позволяет персонажам картины выглядеть естественно.
«Мадонна в зелени» , 1506. Источник❌
Нет, это не ВозрождениеЕсли снова говорить о Боттичелли, то персонажи на его полотнах выписаны скорее в средневековой традиции. В «Мистическом Рождестве», как и в средневековых картинах, пространство поделено на зоны, в каждой из которых разворачивается определенный сюжет. Верхняя часть канонично написана на золотом фоне.
Положение фигур в пространстве нечетко, некоторые из них как будто висят в воздухе, хотя по идее должны крепко стоять на земле (обратите внимание на лошадь). Пропорции фигур тоже пострадали: Мадонна кажется гораздо выше остальных героев картины.
«Мистическое Рождество», 1500–1501. ИсточникГлавная героиня «Аллегории силы» тоже далека от реализма. Ее тело удлинено, маленькая голова резко контрастирует с огромными ступнями, а сама она изображена перед троном, причем довольно трудно сказать, сидит она или стоит.
«Аллегория силы», 1470. ИсточникПодобно Боттичелли, многие художники того периода знали о рациональном течении в искусстве и достижениях своих коллег, но не проявляли к ним никакого интереса. Они скорее обращались к прошлому, продолжая традиции Средневековья и ностальгируя по прежним техникам. Некоторые из них изобретали собственные методы, но основные элементы всё равно брались из готики.
Яркими чертами таких полотен был золотой фон, неопределенное положение фигур в пространстве, их структурная непроработанность и «уровневая» система элементов картины, когда один сюжет располагался над другим.
Иногда художники проявляли необычайную изобретательность, которая, однако, шла вразрез с убеждениями основоположников рационального Возрождения. На картине «Св. Иоанн Креститель в пустыне» мы видим проработанный пейзаж, но он явно фантазийный, не имеющий связи с реальностью. Кроме того, он выписан неестественно вертикально, а фигура святого представлена дважды — так средневековые живописцы показывали движение персонажа.
Джованни ди Паоло, «Св. Иоанн Креститель в пустыне», 1454. ИсточникГеометрия✅
Да, это ВозрождениеОдним из важнейших принципов рационального Возрождения стал принцип геометрии, который был взят из архитектуры и применялся во всех видах искусства.
Заядлым любителем геометрии и светотени был Пьеро делла Франческа, знаменитый экспериментатор и новатор эпохи Возрождения (кстати, его работами можно вживую насладиться в Эрмитаже до 10 марта 2019 года).
Его интерес к геометрии не случаен — он увлекался математикой в целом и даже написал два трактата.
В своей поздней работе «Алтарь Монтефельтро» он первым решился изобразить Мадонну в интерьере церкви, запечатлев современную ему архитектуру. Элементы интерьера выписаны с особой тщательностью, контраст света и тени выделяет изящность деталей и симметричность помещения.
Любопытно изображение мужчины в доспехах — это непосредственный заказчик картины, герцог де Монтефельтро. Хотя он и преклоняется перед Мадонной, его фигура искусственно не уменьшена, как это бывало в готике, и не менее материальна, чем фигуры святых.
Вся композиция заключена в полукруг, подчеркивая интимность и исключительность происходящего. Особенное восхищение вызывает яйцо под потолком, поскольку оно расположено аккурат над спящим младенцем. Подобная точность потребовала немалых ухищрений и геометрических вычислений.
«Алтарь Монтефельтро», 1472. ИсточникДругим знаменитым поклонником геометрии в живописи был Леонардо да Винчи. В своей незавершенной работе «Поклонение волхвов» он применяет принцип геометрической расстановки персонажей.
Даже в незавершенном виде у каждого персонажа есть своя эмоция и выражение лица, что резко контрастирует с привычными готическими правилами. Наконец, каждая фигура запечатлена в определенной позе — Леонардо кропотливо изучал анатомию, поэтому смог добиться редкой в то время точности позиций человеческого тела в пространстве.
«Поклонение волхвов», 1481. Источник❌
Нет, это не ВозрождениеДля контраста можно взглянуть на работы современника Леонардо — Нероччо де Ланди. К примеру, картина «Мадонна с младенцем и двумя святыми» разительно расходится с работами Да Винчи и Микеланджело, особенно в области геометричности.
Художник даже не пытается создать видимость перспективы, поэтому пол на картине резко переходит в золотой фон. Хотя эта работа написана около 1490 года, по технике исполнения и замыслу она отстает от своих современников на целое столетие.
«Мадонна с младенцем и двумя святыми», ок. 1490. Источник***
Расцвет Возрождения пришелся на конец XV века, и именно в это время создавались самые известные произведения этого периода, хотя продлился он всего около сорока лет. Признанными мастерами Ренессанса стали Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти и Микеланджело Буонарроти.
Леонардо стремился создавать изображения без искажения пространства, задействуя знания в области оптики и аналитические наблюдения. Микеланджело сконцентрировался на особенностях анатомического строения и геометрии, а Рафаэль стал экспертом в области цвета.
Все трое стремились к простоте, к отсутствию дополнительных украшений. Период их творчества стал апогеем Возрождения, его высшей точкой, когда художники старались максимально отойти от предшествующей готики и связать искусство с наукой. Кроме того, искусства впервые начали взаимодействовать между собой: художники задействовали в своих картинах архитектурные и скульптурные приемы (идеи пространства, структуры и геометрических форм).
Как случился кризис РенессансаК 1509 году Леонардо, Рафаэль и Микеланджело покинули Флоренцию, оставив после себя целый пласт нового направления, которому рвались подражать художники двух школ. Главой первой школы был Фра Бартоломео, талантливый живописец. Будучи монахом, он выбирал для своих картин религиозные сюжеты, но не забывал о принципах Леонардо и Рафаэля: геометрическом расположении фигур, естественных источниках света и оптических эффектах.
Он не стремился имитировать стиль мастеров, но демонстрировал глубокое понимание принципов их работы.
Его произведения отличались аккуратностью и яркими цветами. В 1510 году Фра Бартоломео пишет «Мадонну с младенцем и Святого Иоанна», где чувствуется его крепкая связь с принципами натурализма. Он смешивает техники Рафаэля и Леонардо, но основной особенностью становятся цвета, одновременно бледные и яркие, которые как бы подсвечивают не только фигуры, но и окружающий их пейзаж. Действующие лица образуют геометрическую композицию, они прописаны уверенно и четко. Граница неба очень естественно теряется на горизонте, движения главных героев плавны, а дерево на заднем плане представляет собой удачный композиционный элемент.
Эта работу можно считать гармоничным представителем позднего Ренессанса.
«Мадонна с младенцем и Святой Иоанн», 1510. ИсточникГлава другой мастерской, Андреа дель Сарто, живо интересовался техниками цветопередачи. В своей работе «Мадонна с гарпиями» он демонстрирует детальную работу с цветом и светом, благодаря которой фигуры как бы сливаются с интерьером и неразделимы визуально.
Но эта картина уже напоминает бронзовый идеал, она уже не дышит и не способна вдохновлять других.
К 1517 году Высокое Возрождение исчерпало себя и довольно быстро угасло в тех же мастерских, где оно предположительно должно было найти своих последователей.
Высокое Возрождение идеализировали, вознесли на пьедестал и стали бездумно копировать, позабыв о первоначальных принципах. Картины превратились в образцы, и места для дальнейшего развития не предвиделось.Следующее поколение художников качнуло маятник в обратную сторону: их привлекал принцип преувеличения и дисгармонии.
Что такое маньеризмСтоит только взглянуть на работу Россо Фьорентино «Святое семейство», которая была написана в 1520 году, чтобы понять, что время Ренессанса закончилось. Приверженность к золотым краскам, диспропорциональности персонажей и отсутствию внятного заднего фона явно напоминают о готическом каноне, но в то же время становятся элементами нового течения.
Молодые художники перешли от изучения природных явлений к намеренной искусственности. Пейзажи свелись к минимуму, фигуры вновь начали удлиняться и терять пропорции, а центр перспективы и архитектурное понятие пространства были выброшены на свалку.
Мастера, которые продвигали новое течение — маньеризм, — предлагали свой вариант развития искусства. Полотна перестали перекликаться с реальностью; зрителю предлагали разгадывать символы, а не наслаждаться правильностью геометрии или проработанностью перспективы.Непропорциональные фигуры на картинах никак не соотносились друг с другом, свет вновь начал исходить из разных точек.
Рациональный Ренессанс — это не отдельный период, а скорее маленькая группа художников, предлагающая новый подход в искусстве, авангардисты XV века.
Новое движение требовало от художников не только таланта, но и рационального подхода и упорства, знания текущего интеллектуального дискурса и подготовки в математике и геометрии.
Вместо того чтобы бесконечно подражать картинам с яркими рамами, золотыми красками, нимбами, символами и непропорциональными фигурами, мастера принялись изучать законы природы, анатомии и пропорций, а вместо тускло освещенных помещений художники обратились к естественному свету.
Результатом их трудов стало тесное взаимодействие искусства и навыков наблюдения, восприятия, измерения, описания и оптики и в конечном счете новое рациональное и научное искусство, которое в полном смысле можно назвать искусством Ренессанса.
Венеция Ренессанса: Тициан, Тинторетто, Веронезе
Выставка «Венеция Ренессанса» будет идти в Пушкинском музее до конца августа. В экспозиции — 23 полотна Тициана, Веронезе и Тинторетто, главных венецианских художников Ренессанса.
Их ценят за разное, но вместе эти художники, жившие в одно время, сформировали лицо венецианской живописи — и одновременно совершили несколько революционных открытий, на которые ориентировалось все последующее искусство.
Кто такие Тициан, Тинторетто и Веронезе?
Автопотрет, Тициан, музей Прадо
Это итальянские художники, которые жили в Венеции в XVI веке. Тициан был одним из самых знаменитых художников своего времени, Тинторето — его учеником, а Веронезе — протеже.
Все трое жили и работали в период Ренессанса. Как и другие художники той эпохи, эти трое писали картины на библейские и мифологические сюжеты и портреты современников.
Как и многие выдающиеся художники, эти трое конкурировали друг с другом. Итогом соперничества стал расцвет венецианской школы эпохи высокого и позднего Ренессанса.
Что за Ренессанс и почему «высокий»?
Ренессанс (или Возрождение) — общее название эпохи возрождения искусства после нескольких сотен лет средневековых запретов на многие художественные образы и приемы.
Вместо скорбных иконописных ликов художники стали изображать живых и настоящих людей (часто обнаженных), дополнять библейские сценки, смелее работать с цветом.
Высокий Ренессанс — вершина развития искусства эпохи Ренессанса —продолжался около 40 лет, когда его сменил поздний Ренессанс. Разделение Ренессанса на этапы условно.
Венецианское Возрождение отличалось смелостью, независимостью и меньшей оглядкой на традиции. Яркие краски, праздничная атмосфера, проработка деталей — это все про венецианцев.
Почему Тициана называют главным художником Венеции эпохи Ренессанса?
Три главных имени Ренессанса — это Леонардо, Рафаэль и Микеланджело. Тициан восхищался их работами, но смог найти собственный стиль — и полностью перепридумать его за свою долгую жизнь.
Тициан совершил революцию в технике живописи. До него художники сначала намечали черновые контуры фигур, а затем заполняли их цветом. Тициан стал сразу наносить краску на холст. От этого фигуры становятся более размытыми и нечеткими, зато приобретают большую эмоциональность — эффект, который спустя несколько столетий использовали импрессионисты в полную силу.
Кроме того, Тициан одним из первых стал работать масляными красками, а не темперой. Вместо идеально гладкой поверхности он получил фактурный объем картин, мазки стали выпуклые и добавили новое измерение картинам — этого открытия при жизни Тициана оценить еще никто не смог.
Наконец, Тициан — про торжество деталей, предельно реалистичное изображение мехов, жемчугов и прочего предметного мира. Женщины Тициана — «настоящие женщины», не в меру обнаженные, с привлекательной пышной женской плотью, без стеснения, с румяными щеками и рыжими волосами. Причем в поздних картинах Тициана взгляды, позы и выражения лиц становятся более важны, чем их окружение, обстановка и фон.
Венера с органистом, Тициан, Берлинская картинная галерея старых мастеров
Чем хороши картины Веронезе?
Веронезе — один из учеников и протеже Тициана. Веронезе — это праздник, роскошь и щедрые бытовые детали.
Библейские сцены в исполнении Веронезе были понятны даже простому обывателю, потому что он добавлял повседневные мелочи, сценки и живые детали, которые сглаживали пафосность сюжета.
Играющие дети, смена блюд, домашние животные, беспорядок на столах, — создают ощущение репортажности, как будто художник сделал случайное фото в случайный момент.
У своего учителя и покровителя, Тициана, Веронезе взял смелость в работе с цветом и светом, и это добавляет его полотнам, фрескам и плафонам еще больше яркости и праздничности.
Пир в доме Симона Фарисея, Веронезе, Пинакотека Брера, Милан
На что смотреть в картинах Тинторетто?
Тинторетто сосредоточен на психологии и драматургии. Главная мысль, черта или сюжетная линия важнее техники и живописности.
В этом заключался их главный спор с Тицианом. Для Тициана живописность полотна была главным критерием, он — мастер цвета и света. Тинторетто считал технику второстепенной и стремился произвести эмоциональное впечатление за счёт силы замысла и глубины сюжета.
Тинторетто первым стал изображать толпу людей как единый образ, одного героя. До этого художники стремились наделить всех участников действия собственным образом и переживаниями, поэтому толпа на картинах Рафаэля и Леонардо — это совокупность отдельных личностей.
Чудо Святого Марка, Тинторетто, Галерея Академии, Венеция
Итак, зачем вообще стоит идти на эту выставку?
На выставке будут собраны 23 картины трех выдающихся художников Ренессанса из итальянских и российских коллекций и собраний. Чтобы увидеть эти шедевры вне специально организованной выставки, нам пришлось бы побывать в 2 странах, 11 городах и 16 музеях, потратить в десятки раз больше времени и денег.
Увидеть эти картины вместе стоит хотя бы ради того, чтобы понять и почувствовать жажду жизни, любовь к людям, чувство прекрасного, — которые были свойственны художникам Ренессанса.
Трое художников обогатили живопись новыми приемами и идеями. Работа маслом, отказ от контура, яркий цвет и игра света, выразительная фактура каждого мазка, нестандартная композиция, страсть к деталям, работа с группой людей как с одним персонажем, — эти приемы мы видим и у классиков, и у импрессионистов, и даже у модернистов.
Если хочется глубже погрузиться в тему, а также разобрать основные картины выставки и путь каждого художника, приходите на лекцию Алины Аксёновой — за два часа экскурсовод ГМИИ имени Пушкина научит смотреть на творчество венецианцев:
Искусство эпохи Возрождения | Определение, характеристики, стиль, примеры и факты
Джотто: Плач
Смотреть все СМИ
- Ключевые люди:
- Франсуа Клуэ Чарльз Бордес Мастер Флемаль Джейкоб Буркхардт Джорджо Вазари
- Похожие темы:
- эпоха Возрождения Архитектура эпохи Возрождения Раннее Возрождение Возрождение эпохи Возрождения Позднее Возрождение
Просмотреть весь связанный контент →
Популярные вопросы
Каковы характеристики искусства эпохи Возрождения и чем оно отличается от искусства Средневековья?
Искусство эпохи Возрождения характеризуется постепенным переходом от абстрактных форм средневековья к изобразительным формам 15 века.
Сюжеты выросли в основном из библейских сцен и теперь включают портреты, эпизоды из классической религии и события из современной жизни. Человеческие фигуры часто изображаются в динамических позах, демонстрируя выражение лица, используя жесты и взаимодействуя друг с другом. Они не плоские, а предполагают массу, и они часто занимают реалистичный пейзаж, а не стоят на золотом фоне, как это делают некоторые фигуры в искусстве Средневековья. Искусство эпохи Возрождения из Северной Европы подчеркивало точность деталей как средство достижения реалистичности работы.
Средневековье
Узнайте больше о Средневековье, эпохе, предшествовавшей Ренессансу.Когда и где началось и закончилось искусство эпохи Возрождения?
Характерные черты искусства эпохи Возрождения, особенно натурализма, можно найти в европейском искусстве 13-го века, но они не доминировали до 15-го века. Кульминацией Возрождения ученые традиционно называют рубеж 16 в., когда, прежде всего в Италии, такие художники, как Микеланджело, Леонардо да Винчи, Рафаэль, создавали не только реалистическое, но и сложное искусство.
Около 1520 года Ренессанс уступил место маньеризму, в котором чувство драмы пронизывало реалистическое искусство.
Маньеризм
Узнайте больше о маньеризме, художественном движении, последовавшем за Высоким Возрождением.Как гуманизм и религия повлияли на искусство эпохи Возрождения?
Интерес к гуманизму, философии, подчеркивающей индивидуальность и человеческую способность к самореализации через разум, превратил художника эпохи Возрождения из анонимного мастера в личность, занимающуюся интеллектуальным поиском. Художники вводили в свои работы новые сюжеты, отражающие растущее внимание к личности, включая портреты, сцены современной жизни и исторические повествования. Хотя культура эпохи Возрождения становилась все более светской, религия по-прежнему играла важную роль в повседневной жизни, особенно в Италии, где находилась резиденция католицизма. Большая часть искусства эпохи Возрождения изображала сцены из Библии или была заказана церковью.
Упор на натурализм, однако, размещал такие фигуры, как Христос и Мадонна, не на пышном золотом фоне, как в средние века, а в пейзажах из обозримого мира.
гуманизм
Узнайте больше о гуманизме, учении, повлиявшем на культуру эпохи Возрождения.Что сделало ренессансное искусство революционным?
События эпохи Возрождения изменили ход искусства, и это продолжает находить отклик. Интерес к гуманизму превратил художника из анонимного мастера в человека, занимающегося интеллектуальным поиском, что позволило некоторым из них стать первыми художниками-знаменитостями. Растущий коммерческий класс предлагал художникам новых покровителей, которым требовались новые сюжеты, особенно портреты и сцены из современной жизни. Более того, научные наблюдения и классические исследования способствовали созданию некоторых из самых реалистичных изображений человеческой фигуры в истории искусства. Фигуры имеют точную анатомию, естественны благодаря классической схеме контрапоста и имеют ощущение массы, достижение, которое стало легче благодаря гибкости масляной краски, среды, которая набирала популярность.
Они также занимают правдоподобное пространство — достижение, основанное на развитии линейной перспективы и атмосферной перспективы, иллюзионистских приемов, позволяющих передать глубину на двухмерной поверхности.
Ренессанс
Узнайте больше о научных и художественных достижениях эпохи Возрождения.Какие известные произведения искусства эпохи Возрождения вам известны?
Два самых известных произведения искусства в истории были написаны в эпоху Возрождения: Мона Лиза (ок. 1503–1519) и Тайная вечеря (ок. 1495–1498), оба выполнены Леонардо да Винчи, которые проявляют интерес не только к реалистичному изображению человеческой фигуры, но и к приданию ей характера посредством выражения, жеста и позы. Другие известные произведения искусства включают скульптуру Микеланджело из Давид (1501–04) и его картины для Сикстинской капеллы (потолок, 1508–1512; Страшный суд , 1536–41), в которых художник довел точное изображение анатомии человека до крайности с помощью сложных элегантных поз.
. Афинская школа Рафаэля (ок. 1508–1511 гг.) прославляет интеллектуалов, заполняя глубокий зал, искусно выполненный с использованием недавно систематизированной линейной перспективы, известными западными мыслителями. Давид Донателло (начало 15 века) напоминает классическую скульптуру благодаря использованию контрапоста, в котором фигура естественно стоит с весом на одной ноге. Альбрехт Дюрер иллюстрирует интерес Северной Европы к мельчайшим деталям в своих Автопортрет (1500), а Тициана Венера Урбинская (1538) иллюстрирует интерес венецианцев к изображению мягкого света и ярких цветов.
10 известных произведений Леонардо да Винчи
Узнайте больше о самых известных произведениях Леонардо да Винчи. Искусство эпохи Возрождения , живопись, скульптура, архитектура, музыка и литература, созданные в 14, 15 и 16 веках в Европе под совместным влиянием повышенного понимания природы, возрождения классического обучения и более индивидуалистического взгляда человека.
Ученые больше не верят, что эпоха Возрождения ознаменовала резкий разрыв со средневековыми ценностями, о чем свидетельствует французское слово 9.0059 ренессанс буквально «возрождение». Скорее, исторические источники предполагают, что интерес к природе, гуманитарное образование и индивидуализм уже присутствовали в период позднего средневековья и стали доминирующими в Италии 15-го и 16-го веков одновременно с социальными и экономическими изменениями, такими как секуляризация повседневной жизни, рост рациональной кредитно-денежной экономики и резко возросшей социальной мобильности.
В Италии собственно Ренессансу предшествовал важный «проторенессанс» в конце 13 и начале 14 веков, который черпал вдохновение во францисканском радикализме. Святой Франциск отверг формальную схоластику преобладающего христианского богословия и пошел среди бедняков, восхваляя красоту и духовную ценность природы. Его пример вдохновлял итальянских художников и поэтов радоваться окружающему миру. Самый известный художник периода проторенессанса Джотто ди Бондоне (1266/67 или 1276–1337) открывает новый живописный стиль, основанный на ясной, простой структуре и большой психологической проницательности, а не на плоской, линейной декоративности и иерархичности.
композиции его предшественников и современников, таких как флорентийский художник Чимабуэ и сиенские художники Дуччо и Симоне Мартини. Великий поэт Данте жил примерно в то же время, что и Джотто, и его поэзия демонстрирует такую же заботу о внутреннем опыте, тонких оттенках и вариациях человеческой природы. Хотя его Божественная комедия принадлежит Средневековью по своему замыслу и идеям, по своему субъективному духу и силе выразительности устремлены к эпохе Возрождения. Петрарка и Джованни Боккаччо также принадлежат к этому периоду проторенессанса, как благодаря их обширным исследованиям латинской литературы, так и благодаря их трудам на местном языке. К сожалению, страшная чума 1348 года и последовавшие за ней гражданские войны заглушили как возрождение гуманистических исследований, так и растущий интерес к индивидуализму и натурализму, проявившийся в творчестве Джотто и Данте. Дух Возрождения не проявлялся снова до начала 15 века.
Еще из Британники
Ренессанс: Художественное развитие и появление Флоренции
В 1401 году во Флоренции был проведен конкурс на получение награды за бронзовые двери для баптистерия Сан-Джованни.
Потерпев поражение от ювелира и художника Лоренцо Гиберти, Филиппо Брунеллески и Донателло уехали в Рим, где погрузились в изучение античной архитектуры и скульптуры. Когда они вернулись во Флоренцию и начали применять свои знания на практике, рационализированное искусство древнего мира возродилось. Основоположником живописи эпохи Возрождения был Мазаччо (1404–1428). Интеллектуальность его концепций, монументальность его композиций и высокая степень натурализма в его произведениях делают Мазаччо центральной фигурой в живописи эпохи Возрождения. Последующее поколение художников — Пьеро делла Франческа, Поллайоло и Андреа дель Верроккьо — продолжили исследования линейной и воздушной перспективы и анатомии, развивая стиль научного натурализма.
Ситуация во Флоренции была исключительно благоприятной для искусства. Гражданская гордость флорентийцев нашла выражение в статуях святых покровителей, заказанных Гиберти и Донателло для ниш в ратуше зернового рынка, известной как Ор-Сан-Микеле, и в самом большом куполе, построенном со времен античности, воздвигнутом Брунеллески на Флорентийском соборе.
Затраты на строительство и отделку дворцов, церквей и монастырей брали на себя богатые купеческие семьи.
Главными среди них были Медичи, правившие Флоренцией с 1434 г., когда было избрано первое правительство Медичи, до 149 г.2, когда умер Лоренцо Медичи. Во время своего господства Медичи субсидировали практически весь спектр гуманистической и художественной деятельности, связанной с эпохой Возрождения. Козимо (1389–1464), разбогатевший на доходах от торговли в качестве папского банкира, был ученым, который основал неоплатоническую академию и собрал обширную библиотеку. Он собрал вокруг себя выдающихся писателей и ученых-классиков своего времени, в том числе Марсилио Фичино, неоплатоника, наставника Лоренцо Медичи, внука Козимо. Лоренцо (1449 г.–92) стал центром группы художников, поэтов, ученых и музыкантов, веривших в неоплатонический идеал мистического единения с Богом через созерцание красоты. Менее натуралистичная и более изысканная, чем преобладающий дух первой половины кватроченто, эта эстетическая философия была разъяснена Джованни Пико делла Мирандола, воплощена в живописи Сандро Боттичелли и выражена в поэзии самим Лоренцо.
Лоренцо также сотрудничал с органистом и хормейстером Флорентийского собора Генрихом Исааком в сочинении живой светской хоровой музыки, которая предвосхитила мадригал, характерную форму Высокого Возрождения.
Медичи торговали во всех крупных городах Европы, а один из самых известных шедевров искусства Северного Возрождения, Алтарь Портинари работы Гуго ван дер Гуса ( ок. 1476; Уффици, Флоренция) был заказан их агент Томмазо Портинари. Вместо того, чтобы рисовать обычной темперой того периода, работа написана полупрозрачной масляной глазурью, которая дает блестящий цвет, похожий на драгоценный камень, и глянцевую поверхность. Художники раннего Северного Возрождения были больше озабочены подробным воспроизведением предметов и их символическим значением, чем изучением научной перспективы и анатомии даже после того, как эти достижения стали широко известны. С другой стороны, художники Центральной Италии начали использовать технику масляной живописи вскоре после того, как алтарь Портинари был привезен во Флоренцию в 1476 году.
0003
Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подписаться сейчас
Искусство Высокого Возрождения, процветавшее около 35 лет, с начала 1490-х до 1527 года, когда Рим был разграблен имперскими войсками, вращается вокруг трех выдающихся личностей: Леонардо да Винчи (1452–1519), Микеланджело (1475–1564). ) и Рафаэль (1483–1520). Каждый из трех олицетворяет важный аспект того периода: Леонардо был высшим человеком эпохи Возрождения, одиноким гением, которому не была чужда ни одна область знаний; Микеланджело излучал творческую силу, задумывая обширные проекты, которые черпали вдохновение в человеческом теле как в окончательном средстве эмоционального выражения; Рафаэль создавал произведения, в совершенстве выражавшие дух классики — гармоничные, красивые и безмятежные.
Хотя в свое время Леонардо был признан великим художником, его неустанные исследования анатомии, природы полета и структуры растительного и животного мира оставляли ему мало времени для рисования.
Его слава основана в основном на нескольких завершенных картинах; среди них Мона Лиза (1503–05, Лувр), Богородица в скалах (1483–86, Лувр) и сильно обветшавшая фреска Тайная вечеря (1495–98; восстановлена в 1978–99). ; Санта-Мария-делле-Грацие, Милан).
Ранние скульптуры Микеланджело, такие как Pietà (1499; Собор Святого Петра, Рим) и Давид (1501–04; Академия, Флоренция), раскрывают захватывающую дух технику в сочетании со склонностью нарушать правила анатомия и пропорции на службе большей выразительной силы. Хотя Микеланджело сначала считал себя скульптором, его самой известной работой является гигантская потолочная фреска Сикстинской капеллы в Ватикане, Рим. Он был завершен за четыре года, с 1508 по 1512 год, и представляет собой невероятно сложную, но философски единую композицию, в которой традиционное христианское богословие сочетается с неоплатонической мыслью.
Величайшая работа Рафаэля, Афинская школа (1508–1511 гг.
), была написана в Ватикане в то же время, когда Микеланджело работал над Сикстинской капеллой. В этой большой фреске Рафаэль объединяет представителей аристотелевской и платоновской школ мысли. Вместо плотной, бурлящей поверхности шедевра Микеланджело Рафаэль помещает свои группы спокойно беседующих философов и художников в обширный двор с уходящим вдаль сводом. Первоначально Рафаэль находился под влиянием Леонардо, и он включил пирамидальную композицию и прекрасно смоделированные лица Дева в скалах во многих его собственных картинах Мадонны. Однако он отличался от Леонардо своей потрясающей продуктивностью, уравновешенным темпераментом и предпочтением классической гармонии и ясности.
Создателем архитектуры Высокого Возрождения был Донато Браманте (1444–1514), который приехал в Рим в 1499 году, когда ему было 55 лет. Его первый римский шедевр, Темпьетто (1502 г.) в Сан-Пьетро-ин-Монторио, представляет собой централизованное купольное сооружение. что напоминает классическую храмовую архитектуру.
Папа Юлий II (годы правления 1503–1513 гг.) выбрал Браманте папским архитектором, и вместе они разработали план замены старого собора Святого Петра IV века новой церковью гигантских размеров. Однако проект не был завершен до тех пор, пока не умер Браманте.
Гуманистические исследования продолжались при могущественных папах Высокого Возрождения Юлии II и Льве X, равно как и развитие полифонической музыки. Сикстинский хор, выступавший на богослужениях во время богослужений Папы, собирал музыкантов и певцов со всей Италии и Северной Европы. Среди самых известных композиторов, которые стали членами, были Жоскен де Пре ( ок. 1450–1521) и Джованни Пьерлуиджи да Палестрина ( ок. 1525–94).
Ренессанс как единый исторический период закончился с падением Рима в 1527 году. Напряжение между христианской верой и классическим гуманизмом привело к маньеризму во второй половине 16 века. Однако великие произведения искусства, вдохновленные духом Возрождения, продолжали создаваться в северной Италии и в северной Европе.
По-видимому, не затронутые кризисом маньеризма, северные итальянские художники, такие как Корреджо (1494–1534) и Тициан (1488/90–1576), продолжали прославлять Венеру и Деву Марию без явного конфликта. Масляная среда, введенная в северную Италию Антонелло да Мессиной и быстро принятая венецианскими художниками, которые не могли использовать фреску из-за влажного климата, казалась особенно подходящей для сангвинической, любящей удовольствия культуры Венеции. Череда блестящих художников — Джованни Беллини, Джорджоне, Тициана, Тинторетто и Паоло Веронезе — разработали лирический венецианский стиль живописи, в котором сочетались языческие сюжеты, чувственное обращение с цветом и поверхностью краски и любовь к экстравагантным декорациям. Ближе по духу к более интеллектуальным флорентийцам кватроченто был немецкий художник Альбрехт Дюрер (1471–1528), экспериментировавший с оптикой, усердно изучавший природу и распространивший свой мощный синтез ренессанса и северной готики в западном мире посредством его гравюры и ксилографии.
Редакторы Британской энциклопедии Эта статья была недавно отредактирована и дополнена Адамом Августином.
4 самых известных художника эпохи Возрождения (и черепашки-ниндзя)
Между 14 и 17 веками по всей Европе прокатилось художественное, культурное и архитектурное пробуждение: Ренессанс. Заимствованное из французского слова «возрождение», этот период прославился своим искусством, которое включает в себя некоторые из самых знаковых произведений, когда-либо созданных человечеством.
Введение линейной перспективы действительно сильно изменило искусство эпохи Возрождения, позволив придать картинам и фрескам того периода новую эстетику. Но в целом эпоха стала свидетелем революции реализма , когда художники и скульпторы разрабатывали новые техники, чтобы сделать свои работы более реалистичными, чем когда-либо прежде .
Флэш-карточки «Реабилитация знаний» от Brainscape представляют собой очень эффективный ускоренный курс по наиболее важным художникам и концепциям эпохи Возрождения (не говоря уже о карточках культурной грамотности по десяткам других тем), которые необходимы для любого всестороннего образования, особенно если вы планируете при посещении художественной галереи или вечерней викторине в пабе.
Но в этом посте мы сосредоточимся на четырех самых известных итальянских художниках эпохи Возрождения , которых вы должны знать:
- Леонардо да Винчи (Леонардо ди сер Пьеро да Винчи)
- 9000 (Микеланджело ди Лодовико Буонарроти Симони)
- Рафаэль (Раффаэлло Санцио да Урбино)
- Донателло (Донато ди Никколо ди Бетто Барди)
Да, Мутантов-подростков назвали в их честь.
[Эй, если вы действительно заинтересованы в том, чтобы ускорить свои познания в искусстве, например, перед сдачей основного экзамена или поездкой в Европу, ознакомьтесь с коллекцией созданных пользователями карточек Brainscape по искусству и истории искусства.]
1 Леонардо да Винчи
Родился 15 апреля 1452 г., умер 2 мая 1519 г. (67 лет)
Художник эпохи Возрождения Леонардо да Винчи со своим знаменитым эскизом Витрувианский человек на заднем плане самый известный художник эпохи Возрождения, прославившийся своими шедеврами Мона Лиза и Тайная вечеря . Классический «человек эпохи Возрождения» да Винчи был не только художником, но и изобретателем, ученым, архитектором и инженером.Его новаторские методы включали наслоение красок, точное внимание к свету, тени и человеческим формам, а также детальный взгляд на выражение и жесты — последнее из которых привело к бесконечным предположениям о бесстрастном лице Моны Лизы .
2. Микеланджело
Родился 6 марта 1475 г., умер 18 февраля 1564 г. (88 лет)
Статуя Давида Микеланджело во Флоренции, Италия.Одним из современников да Винчи и, возможно, его претендентом на звание величайшего художника эпохи Возрождения был Микеланджело ди Лодовико Буонарроти Симони. Родившийся через 13 лет после да Винчи, Микеланджело пошел по его стопам как человек эпохи Возрождения. Он был опытным художником, поэтом, архитектором и инженером.
Самая известная работа Микеланджело, вероятно, скульптура, Давид , который был завершен в первые годы 16-го века. Почти 15-футовая скульптура изображает библейскую фигуру Давида из белого мрамора из карьера в Мизелье. Другие известные работы Микеланджело включают статую Piet à и потолок Сикстинской капеллы в Ватикане.
3. Рафаэль
Родился весной 1483 г., умер 6 апреля 1520 г. (37 лет)
Афинская школа Рафаэлло Санцио да УрбиноНаряду с да Винчи и Микеланджело Рафаэлло Санцио да Урбино, более известный как просто Рафаэль , известен как третий из великих мастеров Италии эпохи Возрождения. Он родился в 1483 году, и его работы оказали огромное влияние даже при его жизни.
Хотя Рафаэль дожил всего до 37 лет, он создал огромное количество работ, включая картины, фрески, гравюры и многое другое. Одной из его самых известных работ является Афинская школа, классический образец искусства и культуры эпохи Возрождения в целом, в котором часто упоминается римская и греческая древность.
4. Донателло
Родился ок. 1386, умер 13 декабря 1466 (приблизительно 80 лет)
Родившийся во Флоренции, Донато ди Никколо ди Бетто Барди, или Донателло, родом из периода, ныне известного как раннее Возрождение, и предшествовавшего другим упомянутым здесь. Донателло был скульптором и плодовитым мастером многих материалов, включая камень, бронзу, дерево, лепнину, глину и воск. Реализм, который он смог создать, ознаменовал собой резкий разрыв с жесткими, неестественными скульптурами, распространенными в средние века.
Одна из его самых известных работ, изображающая Святого Марка , была завершена в 1413 году для церкви во Флоренции, где ее можно увидеть и сегодня. Согласно легенде, Донателло изменил пропорции статуи, увеличив голову и плечи, чтобы компенсировать ее окончательное возвышенное положение.
Когда статуя была впервые обнаружена (на уровне земли), работодатели Донателло выразили протест, и скульптор согласился внести коррективы. Затем, по легенде, он выждал 15 дней, не внося никаких изменений (за это время статуя была поднята в окончательное положение).