Изобразительное искусство 20 века в россии

Содержание

Искусство России 20 века и его виды

«Чистое» искусство, провозглашающее ценности, не зависящие от общественных и исторических проблем и веяний, – прекрасное, но нереальное явление.

Невозможно творить в отрыве от повседневности, не обращая внимание на господствующие в обществе идеи – формальные и неформальные. Искусство России 20 века подверглось влиянию мощных изменений общественного строя, неведомых никакой другой стране.

Начало века, поиск новых идей

100 лет XX века для всей цивилизации были эпохой невиданных потрясений. Уже к концу XX столетия научно-технический прогресс сжал время и пространство для всей планеты, общественные конфликты в ограниченном регионе перерастали быть потрясениями планетного масштаба. Культура и искусство России 20 века, как и вся общественная деятельность Европы и Америки, имеет временную привязанность к самым важным событиям новейшей истории.

Магия цифр, обозначающих начало отсчета нового века, всегда порождает ожидание перемен, надежду на наступление нового, счастливого времени. Девятнадцатый век, создавший всемирную славу русской культуре, уходил в прошлое, оставляя традиции, которые не могли исчезнуть в одночасье.

«Мир искусства» – так называлось объединение художников, возникшее в 1898 году и просуществовавшее с перерывами до 1924 года, без которого нельзя представить изобразительное искусство в первой четверти 20 века в России. У «мирискусстников» не было одного, общего выработанного стиля – живописцы, графики, скульпторы шли каждый своим путём, имея согласие во взглядах на цели искусства и роли его в обществе. Многие черты этого взгляда выразил гений Михаила Врубеля. Формальным ядром, основой объединения были Л. С. Бакст, М. В. Добужинский, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова-Лебедева, К. А. Сомов. В разное время в нем принимали участие Я. Билибин, А. Я. Головин, И. Э. Грабарь, К. А. Коровин, Б. М. Кустодиев, Н. К. Рерих, В. А. Серов и другие мастера.

Все они признавали главенство профессионализма в искусстве, огромную роль творческой свободы и независимости художника от общественных догматов, не отрицая при этом ценности искусства в жизни человека, протестуя против косности академизма с одной стороны и излишней политизации живописи у передвижников – с другой. Критикуемый сторонниками традиций «Мир искусства» не мог вписаться и в бурный процесс рождения «пролетарской» живописи, но оказал огромное влияние на всё изобразительное искусство 20-века в России – и на тех, кто работал в СССР, и на тех, кто оказался в эмиграции.

Модерн

Последние десятилетия девятнадцатого века стали периодом зарождения нового стиля, который оставил след в творчестве мастеров изобразительного искусства и архитектуры. Он имел свои особенности в отдельных регионах Европы, где он даже назывался по-разному. В Бельгии и Франции закрепилось наименование «ар нуво», в Германии – «югендстиль», в Австрии – «сецессион». Известны другие названия, связанные с наиболее известными художниками этого стиля или фирмами, производившими подобного направления мебель, ювелирные украшения и другие изделия: стиль муша, стиль Гимар – во Франции, либерти в Италии, в США – стиль тиффани и т. д. Искусство России 20 века, архитектура в особенности, знают его как стиль модерн.

Модерн стал после долгого периода стилевого безвременья одним из самых выразительных и визуально оформившихся художественных течений. Свойственный ему растительный, плавный характер линий насыщенного декора в сочетании с геометрически простыми и выразительными формами больших объемов привлекали свежестью и новизной художников и архитекторов.

Фёдор Осипович Шехтель (1859-1926) – звезда русского архитектурного модерна. Его талант придал национальные черты космополитическому по сути стилю, шедевры Шехтеля – Ярославский вокзал, особняк Рябушинского – это творения именно русского зодчего, и в общем, и в мелочах.

Дореволюционный авангард

Процесс поиска новых форм искусства, и больше – его новой сути – был актуален для искусства всей Европы и Америки. Искусство России 20 века содержит несколько по-настоящему революционных периодов, когда творчество нескольких реформаторов указывало новые направления развития художественной мысли. Одним из самых ярких и впечатляющих стало межреволюционное время с 1905 по 1917 год. Особенности авангардного искусства в России были вызваны кризисом общественной жизни России после трагедий русско-японской войны и революции 1905 года.

Возникшие в это время многочисленные авангардные течения и творческие объединения имели сходные порождающие причины и похожие цели художественного поиска. Оказавшие мощное влияние на основные виды искусства 20 века в России футуристы и кубофутуристы, «Бубновый валет» и «Голубая роза», Кандинский и супрематизм Малевича разными способами искали новые миры, выражали кризис старого искусства, потерявшего связь с реальностью, предваряли наступление эпохи глобальных потрясений.

Среди новых идей, рожденных авангардистами, была мысль о синтезе искусств. Театральное искусство России 20 века содержит такие страницы, как знаменитый спектакль – манифест нового искусства «Победа над солнцем» (1913). Он был результатом общего творчества поэтов-футуристов А. Кручёных, М. Матюшина, В. Хлебникова, а художественное оформление выполнил Казимир Малевич.

Обогатившие своими исканиями искусство России 20 века художники П. Кончаловский, К. Петров-Водкин, И. Машков, Н. Гончарова, Марк Шагал стали авторами полотен, получивших мировое признание. А началось это признание еще в десятые годы XX века, в эпоху рождения авангардной живописи новейшей истории.

Формирование советского искусства

После Октябрьской революции Россия получила возможность открыть всему миру новые горизонты в общественной жизни, в том числе и в искусстве. И поначалу были созданы условия, когда неизмеримо выросла ценность каждой одаренной личности, на первый план выдвинулись генераторы новых творческих идей.

Как трактует то время история искусств? 20 век, Россия, бурные двадцатые годы – это невиданно активная художественная жизнь многочисленных творческих объединений, среди которых выделяются:

— УНОВИС – «Утвердители нового искусства» (Малевич, Шагал, Лисицкий, Лепорская, Стерлигов). Основанное на базе художественной школы Витебска, это объединение было апологетом художественного авангарда, предлагало искать для искусства новые темы и формы.

— «Четыре искусства» – течение в русле «Мира искусства» Основная цель – показать огромные выразительные возможности архитектуры, скульптуры, графики и живописи. Декларировалась необходимость высокого профессионализма и творческой свободы. Виднейшие представители: архитектор А. В. Щусев, график В. А. Фаворский, скульптор В. И. Мухина, живописцы К. С. Петров-Водкин, А. П. Остроумова-Лебедева и др.

— «ОСТ», «Общество художников-станковистов». Считало главным показать приметы наступления новой мирной жизни, строительство современной молодой страны средствами передовой экспрессивной, но простой и ясной стилистики. Лидеры: Д. Штернберг, А. Дейнека, Ю. Пименов, П. Вильямс.

— «Круг художников» (Ленинград). Следование официальному курсу, выработка «стиля эпохи». Активные члены группы: А. Самохвалов, А. Пахомов, В. Пакулин.

— АХРР – «Ассоциация художников революционной России» – объединение, ставшее основой созданного впоследствии Союза Художников СССР, активный проводник направлений идеологического руководства художественным процессом, орудие партийной пропаганды, наследники передвижников. Во главе стояли И. И. Бродский, А. М. Герасимов, М. Б. Греков, Б. В. Иогансон.

Конструктивизм

В программах самых престижных учебных заведений, готовящих архитекторов, неизменно присутствует изучение темы «Русский конструктивизм — архитектурный авангард 20-х годов». Большое значение она имеет для понимания строительного искусства, очень актуальными для любого времени являются идеи, провозглашенные лидерами того направления. Сохранившиеся постройки Константина Мельникова (жилой дом архитектора в Кривоарбатском переулке, клуб Русакова на Стромынке, гараж на Новорязанской улице и др.), братьев Весниных, Моисея Гинзбурга (Дом Наркомфина на Новинском бульваре) и других звезд русского архитектурного дела – золотой фонд отечественного зодчества.

Функционализм, отказ от ненужного украшательства, эстетика конструкции здания, гармония создаваемой среды обитания – эти идеи стали основой решения новых задач, поставленных перед молодыми архитекторами, художниками и специалистами той области, которая стала называться промышленным дизайном. Им предстояло строить массовое жилище для новых городов, рабочие клубы для всестороннего развития личности, создавать объекты для труда и отдыха нового человека. Удивительные достижения авангарда двадцатых годов нельзя обойти, изучая искусство России 20 века. Архитектура Европы и Америки всего последующего времени во многом основана на них. Печально, что эти прогрессивные идеи оказались меньше всего востребованы на родине, и наибольшим достижением советской архитектуры многими считается «сталинский ампир».

Искусство эпохи тоталитаризма

В 1932 году вышло Постановление ЦК ВКП (б) о работе творческих объединений. Бурная эпоха разнообразных течений и направлений закончилась под действием набравшей мощь государственной машины, управляемой идеологическим аппаратом, в котором крепла единоличная власть. На долгие годы искусство России 20 века, как и многое в жизни страны, стало зависеть от мнения одного человека – Иосифа Сталина.

Творческие союзы стали средством подчинения художественной мысли единым идеологическим стандартам. Наступила эпоха социалистического реализма в живописи. Постепенно любые отступления от официального курса стали объявляться преступными, несогласные попадали под реальные репрессии. Обвинения в отходе от линии партии стали методом решения творческих дискуссий. Прогрессивность этого очень сомнительна. Как развивалось бы, например, театральное искусство России 20 века, если бы не пал жертвой репрессий великий реформатор сцены Всеволод Мейерхольд?

Природа художественного таланта сложна и необъяснима. Образы вождей воплощались с великим мастерством и искренним чувством. Никакие самые жестокие репрессии не могли помешать появлению истинно талантливых художников, для которых главным было самовыражение вне зависимости от идеологических рамок.

В архитектуре наступило время «сталинского ампира». Поиски авангардистов сменил возврат к проверенным канонам. Могущество коммунистической идеологии олицетворялось в эффектных образцах переработанного неоклассицизма – сталинских «высотках».

Искусство военного периода

В истории нашей страны есть время, ставшее величайшей трагедией и этапом невиданного духовного подъема. Искусство России 20-21 века получило одну из главных тем, позволявших выразить величие русского народного характера, глубину чувств, которые могут овладеть отдельным человеком и огромными массами во время исторических потрясений.

Великая Отечественная война с первых дней нашла выражение в зрительных образах удивительной силы. Плакат И. Тоидзе «Родина-мать зовет!» поднимал на защиту страны лучше всяких командиров, а «Оборона Севастополя» Дейнеки потрясает любого человека вне зависимости от идей, которые он разделяет. Так же впечатляет Седьмая симфония Дмитрия Шостаковича, а музыкальное искусство России 20 века не меньше других видов творчества отдало дань теме войны с фашизмом.

Оттепель

После Великой Победы следующим мощнейшим историческим фактором влияния на общественную жизнь в СССР стала смерть Сталина (март 1953) и XX съезд КПСС, поднявший вопрос о разоблачении культа личности. На какое-то время для художников, как и для всего общества, повеяло свободой творчества и новыми идеями. Поколение «шестидесятников» – явление очень специфическое, оно оставило о себе память как о коротком вдохе свежего воздуха, сделанном перед тем как погрузиться опять на десятилетия в болото размеренного, расписанного, регламентированного существования.

Первые опыты художественного авангарда «второй волны» – работы Э. Белютина, Ю. Соостера, В. Янкилевского, Б. Жутовского и др. – на выставке, приуроченной к 30-летию Московского отделения Союза Художников, были жестко осуждены лично новым лидером страны Н. Хрущёвым. Партия опять стала объяснять народу, какое искусство ему нужно, а художникам – как надо писать.

Архитектуре было предписано бороться с излишествами, что справедливо объяснялось экономическими трудностями послевоенного времени, наступало время массового домостроения, время «хрущевок», которые несколько сняли остроту жилищного вопроса, но изуродовали облик многих городов.

Искусство «развитого социализма»

Во многом искусство России второй половины 20 века во многом представляет собой историю противостояния художественной личности и господствующей идеологии. Но даже в атмосфере идейного регламентирования каждого кусочка духовного пространства многие художники находили способы немного видоизменять предписанный метод социалистического реализма.

Так, настоящим примером для молодых были мастера, сформировавшие свои убеждения еще в двадцатые годы: Н. Ромадин, М. Сарьян, А. Пластов и другие. Картина бывшего члена художественного объединения «ОСТ» Ю. Пименова «Свадьба на завтрашней улице», написанная в 1962 году, стала символом надежд общества на обновление.

Еще одним ярким явлением в советской живописи того времени стало формирование «сурового стиля». Таким термином обозначали творчество Г. Коржова, П. Оссовского, братьев Смолиных, П. Никонова и др. На их картинах, написанных в разных жанрах (бытовом, историческом), появился герой, который не нуждался в указаниях, занятый понятным и нужным делом. Он изображался без лишних деталей и колористических изысков, емко и выразительно.

Особое значение имеет творчество такого мастера, как Виктор Попков. Гражданское звучание его полотен содержит редкий для советского искусства общегуманистический, почти религиозный посыл, а живописная манера имеет корни времен итальянского Возрождения.

Нонконформизм

Официальное господство «соцреализма» заставляло неформальных художников искать свой путь к зрителю или прибегать к эмиграции. Уехали М. Шемякин, И. Кабаков, О. Рабин, Э. Неизвестный и многие другие. Это были деятели искусства 20 века России, которые являлись носителями духовных ценностей, рожденных авангардом начала века, и вернувшихся на родину после краха коммунистической идеологии.

А во времена её господства появилась внутренняя эмиграция, породившая популярный мотив сумасшедшего, вечно пьяного художника, обитателя психушек, гонимого властями и руководством творческих союзов, но высоко ценимого независимыми западными экспертами. Типичным носителем такого образа был А. Зверев – легендарная личность для Москвы эпохи развитого социализма.

Полистилистика и плюрализм

Освободившись от государственного диктата советского времени, изобразительное искусство 20 века в России вошло в общемировой процесс как его неразделимая часть, обладающая общими с ним свойствами и тенденциями. Многие формы творчества, привычные для Запада долгое время, были быстро освоены и отечественными художниками. Слова «перфоманс», «видеоинсталляция» и т. п. стали привычными и в нашей речи, а в ряду самых значительных современных мастеров, имеющих мировую славу, – художники диаметральных по направлениям взглядов: З. Церетели, А. Шилов, Т. Назаренко, М. Кишев, А. Бурганов и многие другие.

Бурная, непредсказуемая новейшая история страны, занявшей шестую часть земной суши, смотрит в свое зеркало – искусство России 20 века – и отражается в нем тысячами незабываемых образов…

fb.ru

Русское искусство 20 века

В развитии русской художественной культуры XX столетия чётко выделяются два периода — от начала века до 30-х гг. и 30—80-е гг. Первые два десятилетия XX в. — время расцвета русского искусства, особенно живописи и архитектуры. Стиль модерн, сложившийся в России в последней трети XIX в., глубоко изменил сознание мастеров, выдвинув на первый план проблему создания новых форм и выразительных средств. Художественная жизнь стала захватывающе интересной: одна за другой следовали выставки, вызывавшие, как правило, бурные дискуссии в прессе, издавались разнообразные журналы. Основные течения европейского искусства — фовизм, кубизм, футуризм и другие — получили в России блестящее развитие. Почти все они пришли на российскую почву с некоторым опозданием, поэтому художники сочетали черты разных стилей, создавая собственные, совершенно новые и уникальные варианты. В свою очередь и русское искусство нашло серьёзных ценителей на Западе. Европейские и отечественные мастера словно заново открыли друг друга, ощутив себя при этом единым творческим целым.

Поиски новых образов привели к более глубокому изучению национальных корней и традиций. Художники-примитивисты включили в сферу «высокого» искусства сложный и парадоксальный мир городского фольклора, обратились к народной и бытовой культуре — лубку, вывескам и афишам. Именно в первые десятилетия XX в. было заново открыто древнерусское наследие, особенно иконопись. Изобразительный язык русских икон во многом повлиял на отношение к цвету, пространству и ритмической организации холста. В начале 10-х гг. возникли первые произведения абстрактного, или беспредметного, искусства, т. е. работы, в которых не было даже намёка на изображение реального мира. Их композиция представляла собой игру линий, цветовых пятен и геометрических конструкций, не связанных конкретным содержанием.

Революция в октябре 1917 г., приведшая к власти коммунистов, изменила направление развития русского искусства. В первой половине 20-х гг. художники ещё продолжали эксперименты и поиски, создавали новые группы и объединения. Однако во второй половине десятилетия художественная жизнь начала испытывать всё нарастающее идеологическое и административное давление государства. Многие мастера были вынуждены уехать за границу, а оставшиеся подверглись травле в печати, лишились возможности выставляться, некоторые были арестованы. Основной удар приняли на себя те, кто тяготел к абстрактным формам изобразительного искусства.

Государственная идеология выдвинула в качестве главного художественного метода так называемый социалистический реализм — очередной вариант академического искусства, призванный воспитывать людей в духе коммунистической морали. В 1932 г. специальным правительственным указом были запрещены все независимые художественные объединения и

создана государственная система творческих союзов — Союз художников СССР, Союз архитекторов СССР и т. п. Наступила эпоха тоталитаризма, когда любые формы культуры, не укладывавшиеся в нормы соцреализма, могли существовать только в нелегальных условиях (волна «подпольного авангарда» особенно мощной была в 60—70-х гг.). Ситуация стала постепенно меняться только во второй половине 80-х гг.

studfiles.net

Изобразительное искусство начало 20 века

Поиск Лекций

Античное искусство

(от лат. antiquus — древний) — искусство античной эпохи; искусство Древней Греции, а также тех стран и народов древнего мира, культура которых развивалась под определяющим влиянием древнегреческой культурной традиции: искусство эллинистических государств, Рима и этрусков.

Понятие «античное искусство» появилось в эпоху Возрождения, когда прекрасные творения Древней Греции и Древнего Рима принято было считать образцовыми, классическими для всей европейской культуры.

Единство античного искусства обусловлено общностью эстетического идеала. Образ идеально прекрасного и гармонически развитого человека-гражданина, доблестного воина и преданного патриота, в котором красота атлетически тренированного тела сочетается с нравственной чистотой и духовным богатством, нашел свое воплощение в скульптуре, живописи и прикладном искусстве. Греческие мастера изучали строение человеческого тела, соразмерность его пропорций, пластику движений, особенно во время знаменитых Олимпийских игр. Художники добивались реалистически правдивого изображения человека в греческой вазописи (чернофигурная и краснофигурная роспись) и скульптуре, которая обрела пластическую свободу и жизненную убедительность.

Неоценимый вклад в мировое искусство внесли древнегреческие архитекторы. Они создали строгий и величественный тип храма прямоугольной формы, окруженного со всех сторон колоннами и строгую, логически обоснованную систему соотношений между несущими и несомыми частями здания.

На смену классическим традициям с конца IV в. до н. э. приходит более сложное миропонимание, обостряется интерес к раскрытию внутреннего мира человека, передачи могучей энергии, динамики образа, его правдивости (скульптуры Скопаса, Праксителя, Леохара, Лисиппа). Как следствие в искусстве этого времени отмечается увлечение многофигурными композициями и колоссальными размерами статуй.

Три последних столетия существования греческой цивилизации называют эпохой эллинизма.

Наследником художественной культуры эллинской цивилизации стал Древний Рим, который прошел за восемь столетий в результате успешных завоеваний исторический путь от маленького города до столицы огромного государства — могущественной Римской империи. Римляне высоко оценили науку, литературу, театр, архитектуру и скульптуру Древней Греции и внесли свой вклад в дальнейшее развитие художественной культуры древнего мира.

Особого внимания заслуживает искусство римского скульптурного портрета, отличающегося точной характеристикой и жизненным правдоподобием образов. Власть римских императоров прославляли многочисленные монументы, поставленные в их честь, триумфальные арки, сооруженные в честь их побед. Античное искусство сильнейшим образом повлияло на развитие искусства последующих эпох; трудно переоценить его значение для развития западной цивилизации (см. барокко, классицизм, ампир).

Изобразительное искусство начало 20 века

Изобразительное искусство начала 20 века во многом было основано на достижениях русской и европейской

живописи конца 19 века. В 1898 году группа художников (А. Н. Бенуа, В. Ф. Нувель, Д. В. Философов) организовала объединение «Мир искусства». За пять лет существования «Мира искусства» в него входили почти все выдающиеся художники начала 20 века: К. А. Сомов, Л. С. Бакст, Е. Е. Лансере, М. А. Врубель, Н. К. Рерих и многие другие. Объединение сыграло очень важную роль в дальнейшем развитии русской живописи.
Главным идеологом «Мира искусства» был А. Н. Бенуа, а организацией выставок и изданием журнала с одноименным названием (1899-1905) занимался С. П. Дягилев, известный меценат и организатор «Русских сезонов» в Париже. В 1906 году при непосредственном участии С. П. Дягилева в Париже открылась выставка «Два века русской живописи и скульптуры». Главное место было уделено картинам русских художников 18 – начала 20 веков. Это была первая крупная выставка
русского изобразительного искусства в Европе, и она произвела сильное впечатление, не меньшее, чем русский балет и опера, — настоящий триумф!
«Мирискусники» изображали только красивую сторону жизни, не принимая во внимание социальные проблемы и революционные веяния времени. Наиболее яркими представителями объединения были А. Н. Бенуа и К. А. Сомов. А. Н. Бенуа искал вдохновение в прошлых эпохах, когда красота и изящество ценились превыше всего, – в искусстве Франции 17-18 веков и России 18 – первой четверти 19 века. Он тщательно и с большой любовью изображал величественные памятники архитектуры и искусства прошлого, воспроизводил мельчайшие детали (серия «Последние прогулки ЛюдовикаXIV», 1897-1898; «Парад при Петре I», 1907). К. А. Сомов был мастером романтичного пейзажа и галантных сцен. Он изображал героев давно минувших дней – дам в кринолинах и напудренных париках, кавалеров в кружевах и атласе («Прогулка после дождя», 1896; «Вечер», 1902; «Осмеянный поцелуй», 1908; «Спящая молодая женщина», 1909). В 1903-1905 годах «Мир искусства» распался и вместе с московской группой «36 художников» вошел в новое объединение «Союз русских художников». Одной из задач «Союза» была организация выставок в Москве и Петербурге. В 1910 году группа петербургских художников уходит из «Союза» и восстанавливает на время «Мир искусства». Оставшиеся в объединении художники выступают против авангарда и развивают русский импрессионизм. «Союз» тоже просуществовал недолго, его последняя выставка состоялась в 1922-1923 годах.
В 1900-1910 годах в русском изобразительном искусстве появляется множество течений: кубизм, кубофутуризм, супрематизм, экспрессионизм, лучизм. Представители каждого из этих течений объединяются в группы, разрабатывают собственные уставы, в которых описывают свои взгляды на изобразительное

искусство. Общим для всех этих направлений является отказ от традиционного искусства, поиск новых форм художественной выразительности.
Представители кубизма изображали мир посредством разных сочетаний геометрических фигур, которые лишь отдаленно напоминали предмет. Кубисты как будто раскладывали окружающий мир на простые формы, а потом складывали их в том же порядке, но получившаяся картинка оказывалась искаженным отражением действительности. Кубофутуризм представлял геометрические формы в движении, показывал нестабильность предметов во времени и пространстве. Ярким представителем обоих течений являлся К. С. Малевич.
К. С. Малевич последовательно изучал все современные ему направления живописи. В разные периоды жизни он увлекался народно-крестьянской темой, пейзажем в духе импрессионизма, писал портреты в классическом стиле, но мировую славу ему принесли картины в стиле кубофутуризма и супрематизма. Знаменитый «Черный квадрат» (1914) считается вершиной творчества К. С. Малевича. Он символизирует отказ от изобразительности и предметности в искусстве. Черный квадрат перекрывает любое изображение, но на его месте творец способен построить новый мир. Супрематизм К. С. Малевича пережил три этапа развития: черный, цветной и белый. Для первого этапа характерно изображение черных фигур на белом фоне, для второго – цветных фигур на белом фоне. Третий этап стал логическим завершением беспредметного искусства. В 1918 году К. С. Малевич выставил картины, на которых были изображены белые формы на белом фоне.

Еще одной яркой фигурой в русском изобразительном искусстве начала 20 века был В. В. Кандинский. Он является одним из основоположников русского авангарда. В начале творческого пути он создавал яркие пейзажи в стиле импрессионизма («Синий всадник») и картины, стилизованные под народный лубок («Песня Волги», 1906; «Пестрая жизнь», 1907). Однако уже с середины 10-х годов 20 века он пишет экспрессивно-абстрактные («Смутное», «Сумеречное», 1917) и декоративно-беспредметные («Москва. Красная площадь», «Москва II», 1916) картины.
Революция 1917 года многое изменила не только в общественной жизни, но и в изобразительном искусстве. Художники-авангардисты с воодушевлением приняли общественные изменения и добровольно помогали новой власти «строить будущее». В 1921 году была организована рабочая группа конструктивистов. В нее входили К. К. Медунецкий, А. М. Родченко, В.Ф. Степанова, В. А. и Г. А. Стенберги. Главной задачей конструктивистов стало революционное преобразование жизни и поиск новых принципов конструирования жизненной среды.

Рекомендуемые страницы:

Поиск по сайту

poisk-ru.ru

Русское изобразительное искусство XX века

Реалистическое направление в искусстве к концу XIX века стало сдавать свои позиции. На рубеже веков стал господствовать стиль модерн. Ему свойственны витиеватые линии, биоморфные мотивы, использование новых материалов и технологий.

В живописи проявляется декоративная условность, ковровая орнаментальность, четкие, будто скульптурные образы.

Ярким представителем стиля модерн был М. А. Врубель (1856–1910), чье искусство выступало под девизом «декоративно все». «Демон» — определяющий образ в творчестве Врубеля. В его образе нет стремления к победе собственных сомнений, а лишь уныние и безнадежность. Кисти Врубеля принадлежат многие портреты, один из них — предприниматель и мецентат Мамонтов. Сказочност ь и потусторонность художник выразил в своих произведениях «Пан», «Царевна Лебедь» и других мифических образах.

Врубель использовал в своем творчестве разные техники, порой смешивая жанры и виды искусства. Он занимался также скульптурой и рисунком. Участвовал в монументальных росписях храма Спаса на Крови в Санкт-Петербурге.

Идея «чистого искусства» породило появление журнала «Мир искусства». Этот журнал стал центром художественной жизни в предреволюционный период.

Художники, объединившиеся вокруг «Мира искусства» побуждали к изучению истории России, пробуждали интерес к художникам XVIII века, развивали музейную деятельность. Они способствовали развитию иллюстрации (И. Я. Билибин (1876–1942), К. А. Сомов (1869-1939)) и театрально-декорационного искусства (Л. С. Бакст (1866–1924) , Н. К. Рерих (1874–1947)) А. Н. Бенуа (1870–1960) — основоположник «Мира искусства», художник, и критик. Свое творчество посвятил стремлению к прошлому, ретроспективе. Множество его работ изображают Версаль, его архитектурное убранство. Бенуа создает акварельную серию Последние прогулки Людовика XIV, иллюстрации к «Пиковой даме», и «Медному всаднику» А. С.Пушкина. В своем творчестве К. А. Сомов (1869–1939) как и Бенуа воспевал XVIII век. Его образы скульптурные и маскарадные, он не искал в них индивидуальности и психологизма. Работы М. В. Добужинского (1875–1957) посвящены современности, человеку и городу XX века: «Человек в очках» — одно из известных его произведений. А. Я. Головин (1863–1930), художник, близкий по взглядам к мирискуссникам, работал в жанре портрета и театральной декорации. «Шаляпин в роли Олоферна» — синтетический образ, соединяющий портрет артиста и героя театра. 3. Е. Серебрякова (1885–1967) — создала серию детских и женских портретов, отличающихся ясностью цветовых решений, изящностью и поэтичностью («За туалетом. Автопортрет»), ню («В бане»), крестьянских образов и пейзажей. Занималась монументальной живописью: неосуществленные эскизы фресок Казанского вокзала. Эмигрировав во Францию и путешествуя по миру, создала цикл марокканских картин. Многие художественные деятели рубежа эпох собрались вокруг купца и мецената С. И. Мамонтова, организовав так называемый «Мамонтовский кружок». В мамонтовской усадьбе Абрамцево работали многие именитые художники: братья Васнецовы, Репин,Левитан, Коровин, Врубель, и т. д., а также известные скульпторы, актеры и музыканты. Были организованы гончарные мастерские, поддерживалось воссоздание народных промыслов, изучение фольклора. Целью Мамонтовского кружка был синтез народного творчества, воспринимавшегося романтически-трогательно, и современного искусства.

Скульптура конца XIX — начала XX века

Скульптура также как и живопись претерпевала изменения. Благодаря влия нию новых течений, скульпторы старались воплотить новые образы и идеи в своих работах. Монументальная скульптура была уже не так популярна, тогда как портрет и декоративная пластика активно развивались.

Памятник Александру III скульптора П. П. Трубецкого — значительная монументальная работа начала века. Образ полон величественности и русской силы, композиция выстроена четко и размеренно.

Также Трубецкой был автором многих портретов и жанровых сцен («Мать и дитя», «Дети», «Портрет Ф. И. Шаляпина» и др.).

На рубеже веков появляются новые материалы, не знакомые доныне классической скульптуре. Это дерево, керамика, фарфор. В скульптуре начинают использовать различные цвета.

М. Врубель активно занимался скульптурой и декоративной пластикой, создавая такие произведения как «Демон», «Египтянка», «Царь Берендей» и др. А. С. Голубкина (1864–1927), ученица О. Родена, создает ряд образов, наполненных индивидуальностью, психологизмом и социальным окрасом: «Старость», «Материнство», «Портрет Карла Маркса». Ее скульптуры воссоздают видных деятелей, пролетариев, портреты частных лиц, а манера исполнения насыщена динамизмом, экспрессией. Голубкина максимально использует фактуру материала для передачи эмоционального настроя. С. Т. Коненков (1884–1981) крупнейший скульптурный мастер реализма. Он создавал образы рабочих и крестьян, одна из первых его работ «Камнебоец». Многие его работы посвященны былинам и эпосу («Старичок-полевичок», «Жар-Птица», «Стрибог»), античной мифологии («Кора», «Атланты», «Ника»).

В начале ХХ века набирает силу русский авангард. Он объединяет в себе течения в искусстве, возникшие как протест традиционному, это переломный момент в истории русской культуры. В ХХ веке помимо технического прогресса, происходит множество глобальных событий, изменивших мир и взгляды человечества.

Началом авангардистского искусства принято считать объединение «Голубая роза», созданное в 1907 году. Абстракционизм — одно из направлений авангарда. Проявился в отказе от реалистичного изображения действительности. Задача абстракционизма — создать впечатление и различные ассоциации у зрителя путем необычных сочетаний форм и цвета. Основоположниками были В. В. Кандинский ( 1866–1944) («Незнакомому голосу», «Фуга», «Ущелье» ), К. С. Малевич (1879–1935), в последствии ставший основателем супрематизма, Н. С. Гончарова (1881–1962) и М. Ф. Ларионов (1881–1964) («Танцовщица в движении»), в будущем создатели лучизма. Кандинский выразил свое понимание живописи в работе «О духовности в искусстве» (1911). Кубизм — близкое к абстракционизму течение, которое своей целью ставило изображение реальности с помощью пересекающихся линий и условных геометрических фигур. Основоположником кубизма считают Пабло Пикассо. В России кубизм просуществовал недолго, преобразуясь в кубофутуризм, которому свойственны раздробленность предметов на части, энергия. Каждая стадия движение изображается отдельно. Русскими художниками, работавшими в этом направлении, были Д. Д. Бурлюк(1982–1967), К. С. Малевич, Н. С. Гончарова, О. В. Розанова (1886–1918) и другие. «Черный квадрат» К. Малевича был представленный на выставке «Ноль-десять» стал точной отсчета существования супрематизма, стиля к которому обратились многие кубофутуристы. Супрематизм — происходит от латинского suprem — высший, то есть доминирование цвета над формой и содержанием произведения. Живопись этого направления выражалась сочетанием разных цветовых плоскостей и простых геометрических форм. Основы и особенности нового течения К. Малевич описывает в своей работе «От кубизма и футуризма к супрематизму». Конструктивизм как направление сложился в 20-х годах, однако началом его принято считать работы В. Е. Татлина (1885–1953), автора Башни III Интернационала и серии рельефов и контррельефов. Они были созданы под влиянием кубизма, однако уже имели индивидуальные признаки. Они были далеки от реальности, не имели себе ничего подобного и были сделаны из геометрических форм.

Конструктивизму свойственны строгость, сдержанность, геометризм и монументальность.

М. З. Шагал (1887–1985), в отличие от многих художников, не отказывается от фигуративной живописи, однако сочетает ее с авангардными течениями: экспрессионизмом, кубизмом, сюрреализмом ипримитивизмом. Его известные работы «Над городом», «Прогулка», «Летящая деревня» отличаются фантастичностью, яркостью, лаконизмом и поэтичностью. П. Н. Филонов (1883–1941) — автор теории «органической формы»: все детали картины должны взаимодействовать друг с другом, одна органически вливается в другую. Он также не отказывается от традиционной живописи, но испытывает влияние экспрессионизма и кубофутуризма, его образы геометричны. «Цветы мирового расцвета», «Симфония Шостаковича», «Человек в мире» — работы в которых автор изображает временные процессы: рост, развитие, угасание, звук. В революционный период и во время гражданской войны массовое агитационное искусство стало особенно востребовано. Мастера плаката ориентировались на русскую журнальную графику и лубок, создавая лаконичные, броские и условные работы. В жанре плаката работали А. П. Апсит, П. Моор («Ты записался добровольцем?»), В. Н. Дени и др. Серия сатирических плакатов «Окна РОСТА» — важное место в истории развития советского плаката. Особую роль сыграли работы художника М. М. Черемных и поэта В. В. Маяковского, который был автором не только подписей, но и рисунков. Революционный настрой непосредственно повлиял на живопись и графику. Художник К. Юонизобразил революцию в космическом масштабе в работе «Новая планета». Отражение революционной действительности в глазах художников можно наблюдать в произведениях К. С. Петрова-Водкина«Смерть комиссара», «1918 год в Петрограде» и Н. Куприянова «Броневики». В 1922 году была создана Ассоциация художников революционной России. Одним из выдающихся представителей был Исаак Бродский, создавший «канонические» произведения: «Ленин в Смольном» и «Выступление Ленина на Путиловском заводе».

Советская скульптура 1918–1934 годов

«О памятниках республики» — Ленинский декрет 1918 года, оглашающий план агитации народных масс с помощью монументальной скульптуры, посвященной деятелям революции и культуры (план «Монументальной пропаганды»). Скульпторы за короткое время должны были создать массу произведений из дешевых и доступных материалов.

Татлин создает в 1920 году башню III Интернационала, символизирующую новое искусство, революционные стремления.

Иван Шардр создает серию скульптур людей соцтруда: «Рабочий», «Крестьянин», «Красноармеец», а также памятник Горькому для площади Белорусского вокзала.

В 20-х годах появляются работы В. Мухиной: проект «Освобожденный труд», «Крестьянка», «Рабочий и колхозница» — скульптурная группа, принесшая славу художнице. Открытие Всесоюзной сельскохозяйственной выставки в Москве — решительный шаг в развитии скульптуры Советского союза. В скульптурном оформлении участвовал также С. Т. Коненков. Кроме того он создавал скульптуры, реализуя план «Монументальной пропаганды»: барельеф «Павшим в борьбе за мир и братство народов», «Степан Разин».

Социалистический реализм

На I Всесоюзном съезде советских писателей в 1934 году были сформулированы основные правила нового метода литературы и искусства — соцреализма. Это был жесткий идеологический контроль и пропаганда, призванные восхвалять героев социалистического труда, революционеров, рабочих, крестьян. Сюжет художественного произведения обязан был отразить революционную действительность, стремление к светлому будущему, и материалистические взгляды. Картина Б. Иогансона «Допрос коммунистов» четко передает все принципы соцреализма: значительные эмоции, цельные образы и монументальные формы. «Сталин и Ворошилов в Кремле» — известная работа художника соцреалиста С. Герасимова. А. Дейнека пишет работы на темы возведения новой архитектуры, спорта и авиации: «Будущие летчики», «На стройке новых цехов», «В Донбассе». Работает над мозаиками станции метро «Маяковская» (Москва). Знаменитая «Новая Москва» Ю. Пименова — символ новой жизни, радости перемен: реконструкции Москвы и непривычной роли женщины.

Великая Отечественная война

Великая Отечественная война значительно повлияла на развитие искусства. Как и в революционный период, главным жанром изобразительного искусства был плакат. Над плакатами работали мастера прошлого, а также молодые художники, прославившиеся такими известными плакатами как «Родина-мать зовет!», «За Родину!», «Воин Красной армии, спаси!». Советские художники ведут живописную хронологию войны: А. Дейнека работает над картинами военной темы: «Оборона Севастополя», «Окраина Москвы. Ноябрь 1941 года», С. Герасимов создает «Мать партизана». К. Юон «Парад на Красной площади 7 ноября 1941 года». Также появляются произведения, восхваляющие героев прошлого: П. Корин «Александр Невский», А. Бубнов «Утро на Куликовом поле».

Скульптура Великой Отечественной Войны

Скульпторы работали, создавая вдохновляющие на борьбу с врагом образы. Такие скульпторы как Н. Томский, И. Першудчев, В. Мухина создают ряд портретов воинов и героических личностей.

В годы войны не было возможности возводить памятники, однако делались важные проекты, которые осуществляли в будущем: Памятник Михаилу Ефремову, «Воин-освободитель» и др.

Послевоенный период

В послевоенный период в изобразительном искусстве становится востребованным исторический и революционный жанры.

В 1950 году создается масштабная работа Иогансона «Ленин на III съезде Комсомола». Возникает интерес к бытовому жанру, например, картина А. Лактионова «Письмо с фронта».

Активно развивается графика, создается множество иллюстраций к художественным произведениям.

Скульпторы после войны призваны создавать монументальные образы героев войны и Героев социалистического труда: Н. Томский «Памятник Черняховскому», Ю. Микенас «Памятник 1200 гвардейцам». Создаются памятники историческим деятелям, деятелям искусства и культуры: П. И. Чайковскому работы В. Мухиной, Юрию Долгорукому скульптора С. Орлова, А. С. Пушкину руки М. Аникушина.

На местах боевых действий и концлагерях появляются мемориальные комплексы, такие как «Мамаев курган» в Сталинграде, «Мать-родина» на Пискаревском кладбище и др.

Изобразительное искусство в период развитого социализма (1960–1980 гг.) ознаменовалось появлением сурового стиля в живописи. В суровом стиле проявилось стремление к досталинским художественным образцам 1920-х годов, желание покончить с официальностью и парадностью. «Наши будни», «Геологи» — известные работы П. Никонова, выдающегося художника этого направления.

Братья Смолины в полотне «Стачка» передают силу толпы, делая ее единым целым.

На рубеже 1960–1970 годов помимо официального искусства развивались новые художественные течения и поиски, которые приводили порой к отсутствию самого объекта искусства, так появились перформансы и хеппенинги.

В 1974 году бульдозеры смели выставку нонконформистов (противостоящих общественному мнению) в Москве, что привело к эмиграции многих известных художников.

Приход к власти М.С. Горбачева снял всяческие табу, искусство более не подлежало контролю государства. Стали проходить персональные выставки запретных ранее художников: Малевича,Филонова. Музеи открывали свои запасники, знакомя публику с произведениями, скрытыми еще в 30-е годы. Обретение художественной свободы способствовало образованию художественных группировок и ряду известных галерей: «Риджина», Галерея М. Гельмана, L-Галерея, «Айдан», XL. Значительные фигуры современной художественной жизни: И. Кабаков — художник, иллюстратор, теоретик, Э. Булатов — один из основоположников соц-арта, а также Сотрудничество «Ко́мар и Мелами́д», Д. Пригов (1940–2007) — писатель, художник и скульптор.

Начиная с 2000 года искусство встает на коммерческие рельсы, возникают новые галереи: Stella Art Gallery, RuArts, проходят многочисленные аукционы. В 2003 году происходит знаковое событие: Разгром выставки «Осторожно, религия!» в Сахаровском центре, что дало повод к спорам и нападкам между официальной позицией и современным искусством.

mhkromanova.jimdo.com

Русское изобразительное искусство XX века

Поиск Лекций

Начало XX в. оказалось переломным для живописи, которая с молниеносной быстротой, не только догнав, но и во многом опередив основные европейские художественные школы, совершила переход от старых принципов аналитического реализма к новейшим системам художественного мышления. Начало модернизму положили декадентство (фр. decadence (от лат. decadencia) — разложение, упадок) и символизм. Культура модернизма (от фр. moderne — новейший, современный), философско-эстетического движения в литературе и искусстве XX в., отразила кризис прежнего типа мировосприятия, кризис эстетики, которая по сравнению с новейшей стала именоваться классической. В изобразительном искусстве модерн проявил себя символизмом образов, пристрастием к иносказаниям (в живописи), текучестью форм, динамичностью композиций, особой выразительностью силуэта (в скульптуре).

В России символистское направление было представлено ярко и разнообразно не только художниками, но и поэтами, появилось чисто русское направление в поэзии символизма — акмеизм. По аналогии с пушкинским «золотым веком» этот период расцвета русской поэзии и искусства получил название «серебряный век».

Представители этого направления в искусстве сосредоточивали свое внимание на художественном выражении «вещей в себе» и идей посредством символов, причем эти вещи и идеи мыслились как нечто, находящееся за пределами чувственного восприятия человека. Они стремились с помощью символов прорваться сквозь видимую реальность к «скрытым реальностям», сверхвременной идеальной сущности мира, его «нетленной красоте». Своим искусством они выражали тоску по духовной свободе, трагическое предчувствие мировых социально-исторических сдвигов, недоверие к вековым культурным и духовным ценностям как к объединяющему началу всех людей Земли.

Важную роль культурного центра в начале XX в. играло творческое объединение поэтов-символистов и художников «Мир искусства» (1898-1924), созданное в Санкт-Петербурге А.Н. Бенуа и СП. Дягилевым. Деятельность этого объединения, протекавшая под лозунгом «искусство для искусства», дала толчок дальнейшему развитию художественной журналистики, выставочной деятельности, станковой живописи, декоративному и прикладному искусству, художественной критике. Живописи и графике «Мира искусства» присущи утонченная декоративность, стилизация, изящная орнаментальность. Заслугой «Мира искусства» было также создание новой книжной графики, эстампа, театральной декорации. На смену намеренно предметной, практической живописи передвижников, где каждый жест, шаг, поворот социально заострены, направлены против чего-то и в защиту чего-то, приходит беспредметная живопись мирискусников, ориентированная на решение внутренних живописных, а не внешних социальных проблем.

Члены объединения были желанными участниками ведущих европейских выставок. В выставочной деятельности объединения «Мир искусства» активное участие принимали выдающиеся художники XX столетия: А. П. Остроумова-Лебедева, М.В. Добужинский, А.Я. Головин, Л.С. Бакст, Е.Е. Лансере, К.А. Сомов, И.Я. Билибин, Н.К. Рерих, Б.М. Кустодиев, З.Е. Серебрякова, СВ. Чехонин, Д.И. Митрохин и другие. С редакцией журнала «Мир искусства» сотрудничали философы Д.М. Мережковский, В.В. Розанов, Л.И. Шестов. С мирискусниками были связаны дружескими и деловыми отношениями многие знаменитые поэты начала XX в. — A.A. Блок, Андрей Белый (Б.Н. Бугаев), М.А. Кузмин, Ф.К. Сологуб, В.Я. Брюсов, К.Д. Бальмонт. Поддерживались контакты с деятелями театра, композиторами, хореографами К.С. Станиславским, М.Ф. Стравинским, М.М. Фокиным, В.Ф. Нижинским.

Ориентация на традиции национальной художественной культуры XVIII — начала XIX в. должна была, по мнению мирискусников, способствовать возрождению русского искусства. Художники объединения увлекались немецкой романтической литературой, модернистской живописью англичан, импрессионизмом французов.

Вдохновитель и организатор «Мира искусства», художник, историк искусства и критик А.Н. Бенуа (1870-1960) создал стиль романтического историзма, передавая в журнальных и книжных иллюстрациях дух прошедших эпох. В искусствоведческих трудах Бенуа впервые обосновал самобытные черты русской национальной художественной традиции на фоне других европейских школ. Монументальным вкладом в мировое искусствознание стала его четырехтомная «История живописи всех времен и народов» (1917). Ученый и художник, он активно боролся против безвкусицы и варварского отношения к памятникам истории и искусства, выступал против русского авангарда, участвовал в музейной работе (в 1918 г. возглавил картинную галерею Эрмитажа). В 1926 г., разочаровавшись в революции, Бенуа обосновался в Париже.

Один из ярчайших представителей «Мира искусства» Л.С. Бакст (1866-1924) прославился как декоратор знаменитых «Русских сезонов» в Париже. Он стилизовал в своих работах античные и восточные мотивы, создавая утонченно-декоративное фантастическое зрелище. Руке Бакста принадлежало оформление «античных» спектаклей в Александрийском театре. В 1909-1914 гг. Бакст оформил двенадцать спектаклей «Русских балетов» СП. Дягилева.

После 1915 г. Москва становится столицей новаторского искусства. С 1916 по 1921 г. именно здесь формируются авангардные тенденции в живописи. Набирает силу объединение «Бубновый валет» (П.П. Кончаловский, A.B. Куприн, P.P. Фальк, A.B. Лентулов, H.A. Удальцова и другие) и кружок «Супремус» (К.В. Малевич, О.В. Розанова, И.В. Клюн, Л.С. Попова). В Москве и Петербурге то и дело возникают новые направления, кружки и общества, появляются новые имена, концепции и подходы. Революция 1917 г. заставила живописцев перенести новаторские эксперименты из замкнутого пространства мастерских на открытые площадки городских улиц. Открываются художественные вузы, в Москве создаются Институт художественной культуры (Инхук) и Высшие художественно-технические мастерские (Вхутемас).

На рубеже XIX-XX вв. русское искусство, до тех пор ходившее в учениках, вливается в общее русло западноевропейских художественных исканий. Выставочные залы России распахивают двери для новых творений европейского искусства: импрессионизма, символизма, фовизма, кубизма. В начале XX в. в Москве открываются огромные галереи и частные коллекции современной живописи. Теперь уже для того, чтобы познакомиться с творчеством Пикассо и Матисса, приходится ехать в Россию, а не только в Лондон, Париж или Мадрид.

Русские еще продолжают осваивать французский фовизм, а вот немецкий экспрессионизм, в котором русская составляющая (В.В. Кандинский, А.Г. Явленский, М.В. Веревкина — ядро мюнхенской группы «Синий всадник») играла ведущую роль, удивить их ничем не может. Постепенно моду в России начали задавать два европейских художественных течения — французский кубизм и итальянский футуризм. Однако у нас кубизм приобрел специфическое «абстрактное» звучание.

В частности, последовательным кубофутуристом был один из основателей объединения «Бубновый валет» A.B. Лентулов (1882-1943). Художник разработал самобытный тип футуристического панно, трактующего мир как калейдоскоп динамических красок и форм («Победный бой», 1914). Его феерически-праздничные, как бы рассыпающиеся или, напротив, возникающие из красочной стихии образы старинной московской церковной архитектуры («Василий Блаженный», 1913; «Звон» («Колокольня «Иван Великий»»), 1915 и др.) создают впечатление бравурно-оптимистического звучания.

Не менее восторженный прием встретил в России итальянский футуризм, с пренебрежением отвергнутый в Париже и Мюнхене. Движение, получившее в России наименование «футуризм» (от лат. futurum — будущее), было богаче и многообразнее того, что было представлено итальянским футуризмом. Не обремененные традициями кубизма и футуризма, как Франция и Италия, русские безудержно экспериментировали, добившись такого синтеза, который оказался не по силам даже парижанам. Русский синтез был прежде всего концептуальным. Он явился результатом творчества многочисленных группировок художников, объединившихся в петербургской ассоциации «Союз молодежи».

Поляризация художественных сил в начале XX в., полемика множества художественных группировок активизировали выставочную и издательскую (в области искусства) деятельность.

Первые эксперименты русских художников в абстрактном искусстве относятся к 90-м гг. XIX в., одним из первых манифестов которого явилась книга М.Ф. Ларионова «Лучизм» (1913), а подлинными теоретиками и практиками стали В.В. Кандинский (1866-1944) и К.С. Малевич (1878-1935). В то же время творчество К.С. Петрова-Водкина, декларировавшего преемственную связь с древнерусской иконописью, свидетельствовало о жизненности традиции («Купание красного коня», 1912).

Исключительно важное место в развитии абстрактной живописи принадлежит гениальному русскому художнику, поэту и теоретику искусства В.В. Кандинскому (1866-1944). Кандинский происходил из разбогатевшей семьи нерчинских купцов, потомков каторжан. Как это было принято в среде крупной московской буржуазии, Кандинский изучал право и экономику в Московском университете, но юридическая карьера не привлекала его. В 1889 г. он едет с этнографической экспедицией в Вологодскую губернию, где знакомится с древнерусской иконописью и народным творчеством. Другим важным событием в его художественном становлении явилась картина «Стог сена» Клода Моне, глядя на которую Кандинский, в те годы студент юридического факультета Московского университета, почувствовал, что «в этой картине нет предмета». С этого момента предмет потерял для Кандинского прежнюю значимость. Постепенно живопись вытеснила юриспруденцию: в 1896 г. он отказывается от должности профессора Дерптского (Тартуского) университета.

В начале 1900-х гг. Кандинский много путешествовал по Европе и Северной Африке, но постоянным местожительством избрал Мюнхен (1902-1908). В 1910 г. создал первое абстрактное произведение — хаотичное размещение красочных пятен и линий, ничего не изображающих и не обозначающих, и написал трактат, озаглавленный «О духовном в искусстве». С этого момента в искусстве XX столетия стало развиваться новое направление, получившее название абстрактного. Кандинский полагал, что нарождается новая эра в развитии человечества, возникает раса людей будущего. Для них будет ценен мир внутреннего и духовного. В 1911 г. вместе с Францем Марком Кандинский создает знаменитое объединение «Синий всадник». Художники организуют выставки, налаживают издание альманаха. Период с 1909 по 1914 г. был самым интенсивным: Кандинский написал около двухсот картин, которые группировались по трем циклам: «импровизации», «композиции», «впечатления», нередко имеющие порядковые номера и подзаголовки.

С началом войны 1914 г. Кандинский, российский подданный, вынужден был покинуть Германию. Возвратившись в Москву, он активно включается в художественную жизнь: участвует в создании Музея живописной культуры (всего он участвовал в создании 22 провинциальных музеев), преподает в университете и Вхутемасе. В 1920 г. Кандинский выступает инициатором Инхука.

Одной из центральных фигур русского авангарда был В.Е. Татлин (1885-1953), считающийся основоположником конструктивизма, течения, которое до 1921 г. официально признавалось властями в качестве ведущего направления революционного искусства. Он прожил интересную, насыщенную жизнь. В конце 1900-х — начале 1910-х гг. художник сблизился с отечественными авангардистами, прежде всего с М.Ф. Ларионовым и Н.С. Гончаровой, поэтами Велимиром Хлебниковым, А.Е. Крученых, среди которых достаточно быстро выдвинулся на одно из первых мест. После Октябрьской революции Татлин энергично включился в общественно-художественную жизнь: в 1917 г. был председателем «молодой фракции» в профессиональном союзе художников-живописцев, с 1918 г. — председателем Московской художественной коллегии Наркомпроса, инициатором создания музеев нового типа («музеев художественной культуры»), председателем Объединения левых течений в искусстве (1921 -1925), руководил Отделом материальной культуры Гинхука (1923-1925) в Петрограде.

Сущность конструктивизма составляла идея практичного, утилитарного использования абстрактного искусства. Татлин и конструктивисты прославились одним из самых грандиозных сооружений начала XX в. — памятником III Коммунистическому интернационалу (1919-1920). Спиральная башня высотой 400 м включала в себя куб, пирамиду и цилиндр, предназначавшиеся для размещения залов конгрессов, различных учреждений и радиостанции, которая должна была распространять информационные сообщения через громкоговорители. «Башня Татлина», превосходившая в полтора раза по высоте Эйфелеву башню, была задумана как административный и агитационно-пропагандистский центр Коминтерна — организации, готовившей человечество к мировой революции. Конструкция из металлических балок и четырех вращающихся с разными скоростями прозрачных объемов должна была вмещать исполнительные, законодательные и пропагандистские учреждения Коминтерна. Применение технологически новых материалов и абстрактные формы, полностью лишенные какого-либо привкуса традиций, наглядно отражали дух революции. Сам Татлин считал свое творение высшей точкой синтеза разных искусств.

Другой выдающейся фигурой конструктивизма являлся Эль Лисицкий (псевдоним Л.М. Лисицкого) (1890-1941), известный как талантливый российский график, иллюстратор, типограф, архитектор, фотограф, теоретик и архитектурный критик, один из создателей нового вида искусства — дизайна. Интереснейший период его творчества связан с Витебском, который в 1919-1921 гг. был чуть ли не художественной меккой всей России. Достаточно сказать, что здесь жили и трудились Марк Шагал, возглавлявший Народное художественное училище, Казимир Малевич, основавший группу УНОВИС, и Эль Лисицкий, руководивший мастерской у Шагала и вместе с Малевичем оформивший юбилейные празднества витебского Комитета по борьбе с безработицей (1919). В Витебске Лисицкий изобрел и развил собственный вариант трехмерных супрематических композиций, названных им «проуны» (проекты утверждения нового). Проуны, по мысли автора, синтезировали методы супрематизма и конструктивизма, служа «пересадочной станцией от живописи к архитектуре». Они сыграли роль проектной стадии для создания дизайнерских разработок: из проунов впоследствии выросли прославленные проекты «горизонтальных небоскребов», театральные макеты, декоративно-пространственные установки, проекты павильонов и выставочных интерьеров, новые принципы фотографии и фотомонтажа, плакатный, книжный, мебельный дизайн.

Лисицкий участвовал в общеевропейском движении конструктивизма, реализовав свои установки на коммуникативную роль дизайна как интернационального языка, понятного вне форм словесного общения.

Конструктивизм оказался чрезвычайно плодовитым не столько в фундаментальной, сколько в прикладной сфере искусства. От него берут начало два культурных начинания XX в. — дизайн и производственное искусство, которое считается ветвью или направлением дизайна. Первое получило мировое признание, второе осталось на уровне «домашней заготовки «.

Одной из ключевых фигур в искусстве XX в. является гениальный русский живописец, график, книжный иллюстратор, теоретик искусства П.Н. Филонов (1881 -1941), создатель самостоятельного направления русского авангарда — так называемого аналитического искусства. Вступление в 1910 г. в «Союз молодежи» и сближение с членами группы «Гилея» (В.В. Хлебников, В.В. Маяковский, В.В. Каменский, А.Е. Крученых, братья Бурлюки и др.) оказало влияние на становление Филонова, вскоре превратившегося в одного из самых заметных живописцев русского авангарда. В 1916-1918 гг. он воевал на фронте, а в 1920-х гг. создал цикл работ, посвященных гражданской войне, революции, петроградскому пролетариату, стал организатором Гинхука в Петрограде.

Филонов называл себя художником-исследователем, понимая процесс создания картины как процесс исследования каждого микроэлемента его структуры. Основой своего аналитического метода он объявил «принцип сделанности»: кропотливая проработанность каждого квадратного миллиметра живописной поверхности служила условием создания даже большой картины. Большие холсты писались маленькой кистью. Каждый мазок означал «единицу действий», требующую предельного творческого напряжения. Филоновский метод предполагал, что зритель должен принять не только то, что художник видит в мире, но и то, что знает о нем. Филонов утверждал, что художественная картина должна выражать кроме формы и цвета целый мир видимых и невидимых явлений, известных и тайных свойств, имеющих бесчисленные предикаты. Работы Филонова («Формула мирового расцвета», 1916; «Формула космоса», 1919; «Запад и Восток», 1913 и др.) переданы его сестрой в дар Государственному Русскому музею.

Одним из крупнейших представителей сюрреализма был М.З. Шагал (1887-1985). Он родился в Витебске, но в 1922 г. эмигрировал за рубеж. В предреволюционные витебские и петроградские времена были созданы эпические картины из цикла «Любовники», жанровые, портретные, пейзажные композиции. В 1920-1930-е гг. Шагал путешествовал по многим странам мира, подружился с П. Пикассо, А. Матиссом, Ж. Руо, П. Боннаром, П. Элюаром и др. Его второй родиной стала Франция.

До конца своих дней Шагал называл себя «русским художником», подчеркивая родовую общность с российской традицией, включавшей в себя и иконопись, и творчество Врубеля, и произведения безымянных вывесочников, и живопись крайне левых. Действие в необычных шагаловских полотнах развертывалось по особым законам, где были сплавлены прошлое и будущее, фантасмагория и быт, мистика и реальность. Визионерская (сновидческая) сущность произведений, сопряженная с фигуративным началом, с глубинным «человеческим измерением», сделала Шагала предтечей таких направлений, как экспрессионизм и сюрреализм. Обыденную действительность на его холстах освящали и одухотворяли вечно живые мифы, великие темы круговорота бытия — рождение, свадьба, смерть.

В послереволюционный период в России произошел раскол на так называемых левых и правых художников. Объяснялось это тем, что с победой Октябрьской революции советская власть сразу приступила к осуществлению новой культурной политики. Под этим подразумевалось создание невиданного в истории — пролетарского — типа культуры, опирающегося на самую революционную и передовую, как тогда считали, идеологию марксизма, воспитание нового типа человека, распространение всеобщей грамотности и просвещения, создание монументальных художественных произведений, воспевающих трудовые подвиги простых людей, и т.д. Как мыслилось, пролетарская культура должна была прийти на смену дворянской и буржуазной культурам. Художники-авангардисты (Кандинский, Малевич, Шагал, Татлин и др.), которые и в предреволюционное время декларировали новые принципы в искусстве, восприняли преобразования с энтузиазмом и стали именовать свое творчество «левым искусством». Однако со временем они и другие деятели искусств, в том числе такие яркие художники, как М.Ф. Ларионов, Н.С. Гончарова, М.В. Добужинский, В.М. Кустодиев, З.Е. Серебрякова, разочаровавшись в советской власти, покинули Россию. С эмиграцией творческой интеллигенции закончился «серебряный век» русского искусства и русской литературы.

Другой лагерь, который можно назвать «правым», являл собой сообщество политически ангажированных художников, стоявших на твердых принципах социалистического реализма. «Правый» лагерь был неоднороден, и в нем просматриваются по крайней мере два направления. Первое направление воскрешало традиции передвижников XIX в. и группировалось вокруг созданной в 1922 г. «Ассоциации художников революционной России» (АХРР), члены которой (И.И. Бродский, A.M. Герасимов, М.Б. Греков, Б.В. Иогансон, Е.А. Кацман, Г.Г. Ряжский) видели свою задачу в том, чтобы в художественной форме отобразить триумфальное шествие по стране советской власти. Повседневная счастливая жизнь крестьян и рабочих, подвиги бойцов Красной армии, забота партии и правительства о простых людях становятся темами «героического реализма». Один из самых крупных художников АХРР И.И. Бродский (1883-1939) создает галерею портретов Ленина и цикл историко-революционных картин, в том числе знаменитое полотно «Расстрел 26 бакинских комиссаров» (1925). Специализируются на героических портретах и другие ахрровцы: A.M. Герасимов («Ленин на трибуне», 1930), СВ. Малютин (портрет Фурманова, 1922), H.A. Андреев (портрет Сталина, 1922), Б.В. Иогаисон («Допрос коммунистов», 1933). Групповые образы героев революции создают М.Б. Греков («Тачанка», 1925), К.С. Петров-Водкин («Смерть комиссара», 1928), A.A. Дейнека («Оборона Петрограда», 1928). Второе направление социалистического реализма связано с воспеванием красоты родины. Например, К.Ф. Юон создавал жизнерадостные пленэрные пейзажи, И.И. Машков, в прошлом один из создателей «Бубнового валета», пишет экспрессивные красочные пейзажи и натюрморты, А.Е. Архипов специализировался на лирических пейзажах и изображениях жизнерадостных крестьянок.

Произведения 1930-х гг. посвящены прославлению либо счастливой деревни после коллективизации (СВ. Герасимов «Колхозный праздник», 1937) и доблести и силы армии (С.А. Чуйков «На границе», 1938), либо руководителей партии, среди которых ведущее место занимает Сталин.

АХРР, поддерживаемая властями, вела беспощадную борьбу против многочисленных авангардистских течений, и многим художникам в конечном итоге пришлось уйти в подполье, эмигрировать, пойти под суд. В идеологическое противостояние вслед за философами и партийными функционерами стали втягиваться и деятели культуры. Так, объединение НОЖ (Новое общество живописцев) во главе с Г. Г. Ряжским провозглашает создание новой живописи, основанной на традиции. Общество художников «Бытие» (П.П. Кончаловский, A.B. Куприн и др.) подчеркивает материалистическое видение мира и важность сюжета.

Устранение с художественной сцены авангардистских направлений завершилось 23 апреля 1932 г., когда ЦК ВКП(б) издал постановление «О перестройке литературно-художественных организаций», которое привело к созданию единых творческих союзов. Отныне официальное использование термина «социалистический реализм» и теоретическая формулировка его положений, разработанная М. Горьким, открывают новый период: художники должны служить не идеям «чистого искусства», а идеалам коммунистической партии и способствовать построению социализма.

Ухудшение художественной атмосферы в стране стало ощущаться сразу после смерти Ленина в 1924 г., в эти годы усиливается партийный контроль, газета «Правда» отводит свои страницы под выступления против «абстрактных измышлений, вдохновленных мелкой буржуазией». ЦК партии большевиков призывает художников создавать реалистическое искусство революционной пропаганды, доступное массам.

Резкой критике подвергается творчество К. Малевича, а самого художника неоднократно арестовывают. В результате после тяжелой болезни выдающийся новатор XX в. умирает. В те же 1920-х гг. подверглись идеологической травле П. Филонов и группа его учеников «Мастера аналитического искусства» (МАИ). К 1924 г. перестают существовать Музей живописной культуры, Инхук. Один за другим следуют удары по советскому авангардизму. В. Кандинский и Эль Лисицкий вынуждены были уехать из России и поселиться в Германии. В 1930-е гг. начинают шельмовать как «формалистическое» творчество В. Татлина. Потеряв почву для существования в России, беспредметное искусство обращается к западной аудитории. Его традиции наследуют уже европейские художники.

С началом Великой Отечественной войны перед изобразительным искусством встает новая задача — использовать силу искусства как оружие против врага. Поэтому на первое место в графике (как и в годы революции) выдвинулся плакат. В первые два года войны в нем преобладало драматическое звучание. Уже 22 июня появился плакат Кукрыниксов «Беспощадно разгромим и уничтожим врага!». Всем известен плакат И. Тондзе «Родина-мать зовет» (1941). После перелома в войне меняется настроение и образный строй: оптимизмом и народным юмором проникнут плакат Л. Голованова «Дойдем до Берлина!» (1944).

В годы войны появились значительные произведения станковой графики: быстрые, документально-точные фронтовые зарисовки, портретные рисунки бойцов, партизан, моряков, санитарок, пейзажи войны, а также серии графических листов на одну тему (например, графическая серия Д. Шмаринова «Не забудем, не простим!», 1942).

После войны основной темой стал мирный труд. Классикой советского искусства стали жизнерадостные по цвету, полнозвучные живописные произведения А. Пластова «Сенокос» (1945), Т.Н. Яблонской «Хлеб» (1949), A.A. Мыльникова «На мирных полях» (1953), «Ужин тракториста» (1951). В пейзажном жанре образ земли, исковерканной войной, сменяется изображением природы, находящейся в гармонии с человеком (С.А. Чуйков «Утро», 1947). Эпическое начало характерно для творчества М. Сарьяна. Развивается и портрет. В этом жанре работают П. Корин, И. Грабарь, М. Сарьян.

В 1940-1950-х гг. в связи с восстановлением разрушенных городов и новым строительством интенсивно развивается монументально-декоративное искусство. Монументальная живопись находит применение в украшении общественных зданий, постепенно она проникает в небольшие помещения кафе, клубов, детских садов. Ведущими мастерами в этой сфере изобразительного искусства были А. Дейнека, В. Фаворский, П. Корин. П. Корин создавал также мозаики для московского метрополитена.

В 1950-е гг. активно развивается эстамп — печатная станковая графика в разных техниках: ксилографии, линогравюры, литографии, офорта. Эстамп этого периода разнообразен по тематике — это трудовые будни, портрет, пейзаж, натюрморт, бытовые, жанровые сцены.

На рубеже 1950-1960-х гг. художественная жизнь активизируется. В 1957 г. состоялся Первый Всесоюзный съезд советских художников, на котором были подведены итоги прошедшего и определены пути дальнейшего развития советского искусства. В этом же году состоялась Всесоюзная художественная выставка, экспозиция которой была построена по республикам.

Идут поиски новых выразительных средств в каждом из видов изобразительного искусства. Художники разрабатывают новый, так называемый суровый стиль (А. Каменский) — для воссоздания действительности без обычной для 1940-1950-х гг. парадности и бесконфликтности. Художники Н. Андронов, П. Никонов, В. Попков и другие обратились к сдержанной, обобщенной форме, композиции их картин лапидарны, рисунок жесток и лаконичен, цвет условен.

В 1970-1980-х гг. появляется новое поколение художников — О. Булгакова, Т. Назаренко, Н. Нестерова, А. Ситников и др. Они много размышляют о традиции, истории, красоте. Их живописная манера богата театральной зрелищностью, артистична, виртуозна. Возрастает роль монументально-декоративного искусства.

Отечественное искусство последних десятилетий чрезвычайно многообразно. С началом перестройки произошла легализация различных неформальных и «андеграундных» объединений.

Современное российское искусство развивается в многообразных, свободных формах и, таким образом, в настоящее время происходит переход от моностилизма к полистилизму.

Рекомендуемые страницы:

Поиск по сайту

poisk-ru.ru

Изобразительное искусство России X-XX века.

Культура России. Изобразительное искусство. Период: X-XX века В истории русского изобразительного искусства четко различаются два периода, границу между которыми обозначили Петровские реформы. Различие это чрезвычайно глубоко и касается самих основ художественного восприятия мира и человека. В Древней Руси живопись возникла и развивалась в тесной связи с иконопочитанием, в основе которого лежит учение о Боговоплощении (в христианской традиции первой иконой был чудесно явленный убрус — прижизненное изображение лика Христа). Через икону православие утверждает себя как зримо-явственную истину. Иначе говоря, икона есть богословие, выраженное не словесно, а образно, «умозрение в красках» (Е.Трубецкой). Отсюда вытекает присущий только ей своеобразный художественный стиль. Чисто эстетическое переживание не играет самостоятельной роли. Цель иконописания — отразить (и вызвать) молитвенную собранность, умиротворенность в общении с Богом, что объясняет развитие в иконах особых художественных средств — обратной перспективы, наличия в пространстве иконы нескольких точек зрения, иерархической соподчиненности изображаемых объектов и т.д. Вместе с христианством русские мастера усвоили византийский художественный стиль и выработанную веками технику. В дальнейшем в русских княжествах складываются местные иконописные школы, со своими особенностями письма — новгородская, псковская, ярославская, тверская и т.д. Наивысшего расцвета русская средневековая живопись достигла в XIV-XV вв. в деятельности Феофана Грека и Андрея Рублева. Вершиной русского иконописания является «Троица» (1422-1427) А.Рублева, которую мастер создавал как символ духовного согласия и единения русских людей. Для икон и фресок московских живописцев XV – XVI вв. характерны мягкость письма и гармония красок. Их художественные приемы получили развитие в иконах и фресках Дионисия, привлекающих изяществом пропорций, праздничностью колорита, уравновешенностью композиций. С середины XVI в. иконопись подвергается влиянию западноевропейского изобразительного искусства. Развитая иконография икон придворной школы использует западноевропейские сюжетные схемы. Конец XVI – начало XVII веков ознаменовано развитием «строгановской школы» (которая, несмотря на название, также состояла в основном из придворных царски мастеров) отличающейся изысканностью цвета и внимательной проработкой деталей, тенденцией к некоторой декоративности и «красивости» живописи. Во второй половине XVII в. появляются иконы «фряжского письма» — с использованием элементов западноевропейской живописи: масляных красок, подобия светотеневой моделировки, большего правдоподобия в изображении людей и природы. Наиболее известный представитель этого направления — Симон Ушаков (XVII в.). К этому времени относятся и первые попытки светского портрета — т.н. парсуны. Пробуждение интереса к иконе, как к «великому, мировому искусству» (Е.Трубецкой), наблюдается с конца XIX в. — в связи с расчистками потемневших древних образцов и обнаружением их подлинного цветового строя. Художественные принципы иконописи творчески применяли как отдельные русские (В.Васнецов, М.Нестеров, К.Петров-Водкин) и зарубежные (А.Матисс) художники, так и целые направления и школы авангарда. Древнерусская скульптура существовала в виде декоративной резьбы по камню и дереву и была в большинстве случаев полихромной (т.е., как западноевроепская скульптура, расписывалась темперой или масляными красками). Пластическому воплощению подлежали в основном образы святых, главное внимание уделялось лику, а формы тела укрывались под одеждами, из-за чего фигуры выглядят плоскими. В XVIII — нач. XIX в. изобразительное искусство в России, следуя культурным запросам общества, проходит все главные этапы западного искусства: барокко, классицизм, романтизм. Ведущую роль играют приглашаемые в Россию иностранные живописцы и скульпторы, но уже при императрице Елизавете I появляются высокоодаренные отечественные мастера. С середины XVIII в. ведущим направлением в живописи становится академизм, для которого характерны строгость рисунка, следование в композиции определенным правилам, условность колорита, использование сюжетов из Библии, античной истории и мифологии. Однако наивысшим достижением этой эпохи можно считать не историческую живопись, а портрет (А.Аргунов, А.Антропов, Ф.Рокотов, Д.Левицкий, В.Боровиковский, О.Кипренский). Первым крупным русским мастером скульптурного портрета стал Ф.Шубин. Расцвет академической школы приходится на пер.пол. XIX в. Для полотен К.Брюллова характерны сплав академического классицизма с романтизмом, новизна сюжетов, театральная эффектность пластики и освещения, сложность композиции, блестящая виртуозность кисти. Первым вступив на путь свободного, самобытного творчества, он пробудил в публике живой интерес к искусству и поднял общественное значение художника. А.Иванов придал своей живописи характер жертвенного служения идее и сумел преодолеть многие шаблоны, свойственные академической технике. В дальнейшем лучшие традиции академизма нашли развитие в грандиозных исторических полотнах Г.Семирадского. В скульптуре традиции классицизма были поколеблены Н.Пименовым, чей «Парень, играющий в бабки» был оценен А.Пушкиным как рождение «народной скульптуры», и И.Мартосом — за счет придания их творениям черт современности. Своим путем в это время шел П.Федотов — блестящий дилетант, тонкий наблюдатель и остроумный сатирик, предвосхитивший дальнейшее направление русской жанровой живописи. Общественные устремления 1860-1870-х гг. пробуждают преимущественный интерес художников к темам из народной жизни. В 1872 г. в противовес Академии художеств создается Товарищество передвижных художественных выставок (И.Крамской, Г.Мясоедов, К.Савицкий, И.Прянишников, В.Маковский, И.Ярошенко, В.Перов и др.). В их творчестве бытовая живопись приобретает обличительный характер. Обращение к национальным темам привело к небывалому расцвету исторической и батальной живописи. Подлинные шедевры в этих жанрах создали В.Суриков, И.Репин, Н.Ге, В.Васнецов, В.Верещагин, Ф.Рубо. Естественность композиции, верность исторической правде сочетается в их работах с мастерским использованием всего арсенала художественных средств в трактовке образов и событий. Историческая тема мощно звучит и в скульптуре (П.Антокольский). В эти годы открываются первые национальные художественные галереи; произведения русских художников начинают регулярно появляться на международных выставках и в заграничных художественных салонах. Достигнув творческой самостоятельности, русская живопись с конца XIX в. двигается в общем русле европейского изобразительного искусства. Пейзаж вытесняет бытовую живопись. Стремление к передаче воздуха и света, работа на пленэре, характерные для импрессионизма, наблюдается и в творчестве Ф.Васильева, И.Левитана, В.Поленова, В.Серова, К.Коровина, А.Архипова. Символизм, неоклассицизм, модерн оказывает заметное влияние на А.Врубеля, художников из «Мира искусства» (А.Бенуа, Л.Бакст, Е.Лансере) и «Голубой розы» (С.Судейкин, Н.Крымов, В.Борисов-Мусатов). В 1910-е гг. зарождается русский авангард — как стремление перестроить основы искусства вплоть до отрицания самого искусства. Целый ряд художников и творческих объединений создают новые школы и направления, которые определяющим образом повлияли на развитие мирового изобразительного искусства — супрематизм (К.Малевич), «импровизационный» стиль и абстракционизм (В.Кандинский), лучизм (Ларионов) и др. Многие художники русского авангарда продолжали свою деятельность и в Советской России. В 1920-е гг. широкое распространение получил конструктивизм (В.Татлин), выдвинувший задачу конструирования материальной среды для создания логичных, функционально оправданных форм. Одновременно происходит изменение эстетических и социальных установок авангарда — теперь художники этого направления демонстрируют обращенность к жизни, стремление к ее переустройству средствами искусства (жизнестроительство). Скульптура в эти годы перестает отождествляться с пластичностью и все чаще направляется на выявление скульптурности машинных форм. Стирается контраст между пластичностью и геометризмом, что открывает невиданные прежде возможности перед промышленным дизайном. С 1930-х гг. растет идеологический нажим на художников авангарда. Все чаще слышатся обвинения в формализме и потакании эстетическим вкусам буржуазии. В 1937 г. программная статья в «Правде» причисляет всех художников этого направления к «пачкунам». Следование официальной художественной доктрине соцреализма нанесло большой ущерб творчеству многих художников. Однако в работах И.Грабаря, П.Корина, А.Дейнеки, М.Сарьяна, К.Юона, М.Грекова, А.Герасимова, А.Пластова удачно сочетается верность традициям реалистической живописи с достижениями модерна — в основном импрессионистов и Сезанна С 1960-х гг. наступает возрождение русского авангарда. Мировое признание получает искусство О.Целкова, В.Немухина, И.Шелковского, О.Рабина, А.Зверева, М.Шемякина, Л.Сокова, Э.Неизвестного. Одни из этих художников продолжали или восстанавливали принципы уже существующих школ и направлений, другие создавали новые — концептуализм (И.Кабаков) и соцарт (Комар, Меламид). «Разрешенная», но не официзная часть советского искусства в 1960-е гг. представлена работами мастеров «сурового стиля» (Т.Салахов, С. Попков). В 1970-1980-е гг. получило признание творчество советских художников — Р.Бичунаса, Р.Тордия, Д.Жилинского, Э.Штейнберга, М.Ромадина, М.Лейса, В.Калинина и др., убедительно доказавших, что в СССР существовала не только «пропаганда». Крах коммунизма в СССР снял искусственные культурные барьеры между Россией и остальным миром. Ныне российское искусство является желанным гостем практически в любом уголке земного шара. Это вселяет оптимизм, ибо культурные обмены — безошибочный барометр, показывающий состояние атмосферы мирового искусства.

Изобразительное искусство 20 века в россии – XX —