Русский театр конца XIX, начала XX века
Вернуться к списку рефератов
Для театра 19 века были характерны громкие, полные страсти монологи, эффектные положения, подготавливающие театральные уходы, то есть эффектно завершив свою сцену актер подчеркнуто театрально удалялся вызывая рукоплескание зала. За театральными чувствами исчезали сложные жизненные переживания и раздумья. Вместо сложных реалистических характеров накапливались трафаретные сценические роли. Чиновники, управляющие «императорскими» театрами, упорно стремились превратить их в места легкого развлечения.
Два великих события в театральной жизни знаменуют собой конец 19
века – рождение драматургии Антона Павловича Чехова и создание
Художественного театра. В первой же пьесе Чехова «Иванов»
обнаружились новые черты: отсутствие деления персонажей на
героев и злодеев, неспешный ритм действия при огромной
внутренней напряженности.
В 1895 году Чеховым была написана
большая пьеса «Чайка». Однако спектакль, поставленный по этой
пьесе Александрийским театром провалился. Драматургия требовала
новых сценических принципов: Чехов не мог прозвучать на сцене
без режиссуры. Новаторское произведение было оценено
драматургом, театральным педагогом Немировичем-Данченко. Который
вместе с актером режиссером Станиславским создали новый
Художественный театр. Подлинное рождение Художественного театра
состоялось в октябре 1898 года при осуществлении постановки
чеховского «Царь Федор Иоаннович». На сцене увидели не актеров,
играющих в «публику», а подлинных живых людей, говорящих между
собой самым обыкновенным, не приподнятым тоном, словно у себя
дома. Людей свободно двигающихся и даже поворачивающихся спиной
к зрителю (что казалось особо дерзким). Душевность и простота
игры, естественность полутонов и пауз трогали всех правдивостью.
Причем даже те, кто играл выходные и бессловесные роли, не были
манекенами, а создавали свой маленький художественный образ.
В 1902 году на средства крупнейшего российского мецената С. Т. Морозова было выстроено известное в Москве здание Художественного театра. Станиславский признал, что «главным начинателем и создателем общественно-политической жизни» их театра был Максим Горький. В спектаклях его пьес «Трое», «Мещане», «На дне» была показана тяжелая доля рабочих и «низов общества», их права, призыв к революционной перестройке. Спектакли проходили при переполненных залах.
Дальнейший вклад в сценическую постановку горьковской драматургии связан с именем близкой революционным кругам Веры Федоровны Комиссаржевской. Изнывая от казенщины, которая душила императорскую сцену, она покинула ее и создала В Петербурге свой театр. В 1904 году здесь состоялась премьера «Дачники». Пьесы Горького стали ведущими в репертуаре театра Комиссаржевской.
В начале 20 века появился новый театральный жанр. В 1908 году в
Петербурге В. А. Казанским был открыт первый в России театр
одноактных пьес. Театр на Литейном был третьим театром
антрепренера (после «Невского фарса» и Модерна»). Афиша театра
пестрила страшными названиями: «Смерть в объятиях», «На
могильной плите» и так далее. Критики писали, что в театре
занимались антихудожественным, раздражительным делом. Зрители
валили валом. У Литейного театра был предшественник — парижский
театр «сильных ощущений», во главе которого стоял создатель и
автор пьес Андре де Лорд. Ему русский театр подражал от
репертуара до специфических средств воздействия на публику. Но
дух русской жизни не напоминал атмосферу парижских обывателей.
Влечение к ужасному, отталкивающему захватывало различные слои
российской публики. Через два месяца интерес к театру увял.
Главная причина в том, что театр ужасов не мог состязаться с
ужасами русской современности.
В конце 19 и в начале 20 века страсть к роскошным постановкам,
начисто лишенным художественных идей характерна для стиля
предреволюционных Большого и Мариинского театров. Первоклассные
по своему художественному составу коллективы ряда оперных
театров лишь в сложной и напряженной борьбе отвоевывали свои
творческие достижения. Одним из создателей объединения «Мир
искусства» С. П. Дягилевым были организованы Русские сезоны в
Париже – выступления артистов русского балета в 1909-1911годах.
В состав труппы вошли М. М. Фокин, А. П. Павлова, В. Ф.
Неженский и другие. Фокин был балетмейстером и Художественным
руководителем. Оформляли спектакли известные художники А. Бенуа,
Н. Рерих. Были показаны спектакли «Сильфиды» (музыка Шопена),
Половецкие пляски из оперы «Князь Игорь» Бородина, «Жар-птица» и
«Петрушка» (музыка Стравинского) и так далее. Выступления были
триумфом русского хореографического искусства. Артисты доказали,
что классический балет может быть современным, волновать
зрителя. Лучшими постановками Фокина были «Петрушка»,
«Жар-птица», «Шехерезада», «Умирающий лебедь», в которых музыка
живопись и хореография были едины.
Русское театральное искусство в начале XX века
М. Н. Ермолова. Портрет работы В. А. Серова (фрагмент). 1905 год.
В русском театре конца ХIХ—начала XX в. наряду с упадком реакционного искусства происходит мощный подъем демократического направления, связанный с нарастанием революционного движения.
Царское правительство, стараясь изолировать театр от передовой общественной мысли, поощряло заполнение репертуара императорских театров «модными» буржуазными пьесами и ремесленнической драматургией. Малый театр в Москве, Александринский в Петербурге спасало в сущности лишь высокое мастерство актеров. Лучшие из них, обогащая традиции старшего поколения, вносили в театральное искусство новые прогрессивные черты. Революционное звучание приобретает героико-романтическое творчество великой русской актрисы М. Н. Ермоловой. Тесную связь с общественными настроениями сохраняет проникновенное искусство других корифеев Малого театра — Г. Н. Федотовой, А. П. Ленского, М.П. и О.О. Садовских, А. И. Южина, а также выдающихся актеров Александринского театра — В. Н. Давыдова, М. Г. Савиной, К. А. Варламова и др.
Неудовлетворенность направлением и деятельностью казенной сцены, желание очистить от рутины и обновить театральное искусство вызвали к жизни Московский Художественный театр, созданный в 1898 г.
К. С. Станиславским и В. И. Немировичем-Дацченко. Рожденный в бурный период кануна первой русской революции, этот театр быстро завоевал любовь демократических кругов. Его основатели, творчески применяя свои эстетические и этические идеи, вводили в актерское искусство, в режиссуру и постановочное мастерство новаторские принципы углубленно-психлогического раскрытия образа, сценического ансамбля, идейно-художественной целостности спектакля.
А. П. Чехов читает Чайку артистам Художественного театра. Фотография 1898 год.
Стремясь дать ответ на животрепещущие проблемы современности, Московский Художественный театр обращается к драматургии А. П. Чехова, М. Горького, Г. Ибсена. В спектаклях «Чайка» (1898 г.), «Дядя Ваня» (1899 г.), «Три сестры» (1901 г.), «Вишневый сад» (1904 г.) зрители увидели призыв к преодолению обывательщины, веру в ценность человека, тоску по лучшей жизни.
Особенно важное значение имела постановка пьесы Горького «На дне» (1902 г.), пробудившая чувство высокого гуманизма и гневный протест против вопиющих несправедливостей буржуазного строя.
Большой общественный отклик получили постановки ибсеновских пьес «Доктор Штокман» (1900 г.) и «Бранд» (1906 г.).
В эти же годы расцветает беспокойный, страстный талант выдающейся актрисы В. Ф. Комиссаржевской. Раскрывая в ряде созданных ею образов трагедию женщины, порабощенной буржуазным обществом, Комиссаржевская призывала своим творчеством к борьбе со всем, что калечит душу человека и препятствует его счастью. Покинув тесные стены казенного Александринского театра, она незадолго до революции 1905 г. создала в Петербурге свой теагр, сделавшийся одним из центров общественной жизни. Представления в театре Комиссаржевской пьес Горького «Дачники» (1904 г.) и «Дети солнца» (1905 г.) превращались в политические демонстрации. Горячо сочувствуя революционным кругам, Комиссаржевская не раз оказывала материальную и другую помощь большевистским организациям.
В период реакции, наступившей после поражения революции 1905—1907 гг., в русском театре усиливаются символистские направления, начинается поход против реализма.
В.Ф. Комиссаржевская. Портрет работы Е. П. Зарудной-Кавос
Приглашенный в 1908 г. в Александринский театр талантливый, но проникнутый противоречивыми настроениями режиссер В. Э. Мейерхольд возглавил течение так называемого театрального традиционизма. Мейерхольд и его сторонники провозглашали возврат к традициям тех эпох, когда, по их мнению, на сцене господствовали «чистая театральность» и «обнаженное актерское мастерство», свободные от влияния драматургии. В духе традиционализма Мейерхольд поставил в Александринском театре несколько празднично-зрелищных спектаклей: «Дон Жуан» Мольера (1910 г.), «Маскарад» М. Ю. Лермонтова (1917 г.) и др. Одно время под влияние символистов подпала и В. Ф. Комиссаржевская. Правда, она вскоре отошла от принципов «условного» театра, проводившихся Мейерхольдом, и порвала с ним, однако дальнейшие ее поиски идейного, общественно значимого репертуара оказались в тех условиях неосуществимыми.
Обстановка реакции повлияла и на Московский Художественный театр, где ставились символистские, проникнутые пессимизмом пьесы.
Русское актерское мастерство продолжало неуклонно совершенствоваться. В Московском Художественном театре закладываются основы системы Станиславского, направленной на глубокое раскрытие психологии образа — «жизни человеческого духа». Здесь формируются неповторимые творческие индивидуальности, крупнейшие мастера сценического искусства — И. М. Москвин, В. И. Качалов, Л. М. Леонидов, О. Л. Книппер-Чехова, М. П. Лилина и многие другие. Для актеров этой школы характерны искусство жить в образе на сцене, яркая художественная выразительность, широта творческого диапазона, высокая общая и сценическая культура.
Русский балет прочно занял первое место в мире и оказывает большое влияние на хореографическое искусство многих стран. Выдающихся успехов достигают балетмейстеры А. А. Горский и М. М. Фокин, артисты балета А. П. Павлова, Е. В. Гельцер, Т. П. Карсавина, В. Ф. Нижинский и др. Их гастроли на сценах крупнейших иностранных театров становятся триумфом русского балетного искусства.
Л.
В. Собинов в роли Ленского в опере П. И. Чайковского: Евгений Онегин. Фотография 1900 года.
На огромную высоту поднялось в России также оперное исполнительское искусство. В петербургском и московском оперных театрах выступали замечательные певцы — Ф. И. Шаляпин, Л. В. Собинов, А. В. Нежданова, И. В. Ершов, создавшие исключительно яркие и глубокие образы. Крупную роль в подъеме общего художественного уровня оперного исполнительства сыграла дирижерская работа С. В. Рахманинова в московском Большом театре (1904—1906 гг.).
Большое значение для пропаганды русского театрального искусства имели организованные за границей историком искусства С. П. Дягилевым так называемые Русские сезоны — в Париже (1907—1914 гг.) и Лондоне (1912—1914 гг.). В этих постановках участвовали лучшие русские певцы (Ф. Шаляпин, Д. Смирнов) и балетные артисты (А. Павлова, В. Нижинский). К оформлению спектаклей были привлечены видные художники.
Ф. И. Шаляпин в роли Бориса Годунова в опере М. П. Мусоргского: Борис Годунов.
Фотография 1905 года.
В годы первой мировой войны некоторые русские театры отдали дань шовинистическим и декадентским влияниям. Модной темой буржуазной драматургии становится адюльтер. Отвечая вкусам пресытившихся нуворишей, появляются на свет, как грибы после дождя, десятки театриков «легких жанров», культивирующих бульварно-порнографическую драматургию.
Однако лучшая часть театральной общественности развивала прогрессивные, демократические традиции и вместе со всей передовой интеллигенцией стремилась приблизить искусство к духовным запросам народных масс. Возникшие в разное время во многих городах и селах России народные театры постепенно становились действенным средством приобщения трудящихся к достижениям театральной культуры.
В декабре 1915 — январе 1916 годов в Москве состоялся Всероссийский съезд деятелей народного театра. Он показал назревшую необходимость сделать театральное искусство достоянием трудового народа и невозможность осуществления этого в условиях царской России.
Русское театральное искусство в начале XX века
К рубежу новейшей истории процесс идейного размежевания в русском театре, как и в других областях искусства, достиг значительной зрелости. На всех деятелей культуры оказали глубокое воздействие крутые перемены, порожденные мировой войной и революционными событиями 1917 года. Связь между общественно-политической позицией художников и их творчеством становилась все более определенной. В сознании лучших представителей культуры соединялись гуманистические и реалистические традиции прошлого с великими идеями освобождения человечества от капиталистического гнета и колониального рабства, идеями социалистического преобразования мира.
1900-е годы: кино и театр | Encyclopedia.com
буря
просмотров обновлено
Первое десятилетие двадцатого века было одним из последних десятилетий, когда развлечения все еще были в основном локальными и некоммерческими. Кино было еще в зачаточном состоянии.
Бродвей еще не приобрел репутацию центра серьезного и популярного театра. Большинство американцев развлекались в небольших местных театрах, в водевилях и — во все большем числе городов — в никелодионах на витринах магазинов. Хотя более богатые американцы в больших городах могли посещать серьезные профессиональные представления оперы и классических пьес, таких как произведения Шекспира, большинству американцев нравились более грубые и менее изысканные блюда. В 1900-х годов, кино и театр в стиле двадцать первого века — отточенных постановок, которыми массы могут наслаждаться в самых разных местах — просто не существовало.
Самым популярным развлечением десятилетия был водевиль. Основой водевильного шоу было разнообразие: каждое шоу состояло из девяти-двенадцати номеров с комедиями, трюками, драматическими пародиями и пением. Актёры водевиля гастролировали из города в город, и лучшие и самые известные сделали некоторых исполнителей звёздами. Влияние водевиля на более поздние формы популярной культуры, особенно на радио и телевидение, было огромным, поскольку многие исполнители водевилей стали первыми звездами радио и телевидения.
Другой популярной формой живого развлечения было шоу менестрелей, форма варьете, в котором исполнители часто представляли стереотипные и расистские олицетворения афроамериканцев. Многие белые исполнители исполняли менестрели «блэкфейс» (MIN-strul-see), что означало, что они наносили макияж, чтобы выглядеть черными, но шоу менестрелей также давали афроамериканцам редкую возможность появиться на сцене. Баффало Билл Коди (1846–1819 гг.)17), а его «Шоу Дикого Запада» представляло собой еще одну форму развлечения, варьете, предназначенное для драматизации мифического американского Запада.
Кино было в зачаточном состоянии в начале десятилетия, но вскоре оно добилось больших успехов. Технологические ограничения позволяли фильмам длиться всего около тридцати секунд, что ограничивало способность фильма рассказывать историю, и в них не было звука. Таким образом, ранние фильмы были новинкой, и их часто показывали вместе с живыми выступлениями, например, в водевилях. Создание немого кино 9Однако 0013 Великое ограбление поезда в 1903 году произвело революцию в отрасли.
В фильме продолжительностью около двенадцати минут рассказывается драматическая история об ограблении поезда, взволновавшая зрителей по всей стране. В течение десятилетия все больше и больше американцев стали смотреть короткометражные фильмы в никелодеонах, по сути, в кинотеатрах с витринами, вход на которые брал небольшую плату. К 1908 году было подсчитано, что каждую неделю продавалось восемьдесят миллионов билетов на никелодеон. К 1910-м годам появление более опытных режиссеров и известных «кинозвезд» сделало кино одним из самых популярных видов развлечения.
Боулинг, битники и расклешенные брюки: поп-культура Америки 20-го века
Еще из encyclopedia.com
Водевиль , водевиль, сборник разрозненных выступлений (комиков, жонглеров и танцоров), предназначенный в основном для семейной аудитории , возникла в 1880-х годах и быстро… Выставка , КИНОВЫСТАВКА И ТЕАТРАЛЬНОЕ ВЛАДЕНИЕ
ВЫСТАВКА И КЛАССИКА
ГОЛЛИВУДСКАЯ СИСТЕМА
ВЫСТАВКА КИНО ПОСЛЕ ТЕЛЕВИДЕНИЯ
ПРОГРАММА ФИЛЬМА
СПЕЦИАЛИЗИРОВАННАЯ ПРОГР… Документальный фильм , НАЧАЛО
ДЕПРЕССИЯ И ВОЕННЫЕ ГОДЫ
НАБЛЮДАТЕЛЬНЫЙ ДОКУМЕНТАЛЬНЫЙ ФИЛЬМ
ПРАВДА ИЛИ СМЕТЬ: ТЕОРЕТИЧЕСКИЕ И ЭТИЧЕСКИЕ СООБРАЖЕНИЯ
ДАЛЬНЕЙШЕЕ ЧТЕНИЕ
Документальный фильм об… Роб Райнер , Национальность: американец.
Об этой статье
Обновлено Облизости Encyclopedia.com Содержание Печать статьи
Вы также можете как
Близлежащие термины
1900S: Коммерция
1900S: на A Glance
18O: 16O
18o: 16.163 70003. Игры
1894 Подоходный налог и Закон о тарифах Уилсона-Гормана
1878-1899: Мировые события: избранные события за пределами США
1878-1899: Искусство: темы в новостях
1878–1899: Искусство: публикации
1878–1899: Искусство: обзор
1878–1899: Искусство: создатели заголовков
1878–1899: Искусство: хронология
908001 19:1878-1899: Спорт и отдых: Темы в новостях
1878-1899: Спорт и отдых: Публикации
1878-1899: Спорт и отдых: Обзор
1878-1899: Спорт и отдых: Headline Makers
-1899: Спорт и отдых: Хронология1878-1899: Спорт и отдых
1878-1899: Наука и медицина: Темы в новостях
1878-1899: Наука и медицина: Публикации
1878-1899: Наука и медицина : Обзор
1878-1899: Наука и медицина: Хронология
1878-1899: Наука и медицина
1878-1899: Религия: Темы в новостях
1900-е: Еда и напитки
7 90
1900 -е годы: музыка
1900 -х годов: культура печати
1900 -е годы: спорт и игры
1900 -е годы: рождение американского века
1900 -е годы: способ, которым мы жили
1900–1990
1902 Нобелевская премия по литературе, презентация, речь
1903, Нобелевская премия по литературе, презентация, речь
1904, Нобелевская премия по литературе, презентация, речь
1905 Нобелевская премия по литературной презентации Речь
1906 Нобелевская премия по литературной презентации речь
1907 Нобелевская премия по литературной презентации речь
1908 Нобелевская премия в литературе презентация речь
1909 Нобелевская премия в литературе Презентация
1910 Нобелевская премия в литературе в литературе в литературе в литературе в литературе в литературе Презентационная речь
1910-е: бурное десятилетие
1910-е: краткий обзор
1910-е: коммерция
1910-е: Мода
1910-е: Кино и театр
1910-е: Еда и напитки
1910-е: Печатная культура
1910-е: Спорт и игры
Театр | Определение, история, стили и факты
Teatro Farnese
Смотреть все СМИ
- Ключевые люди:
- сэр Джон Ванбру Альдо Росси Клод-Николя Леду Анж-Жак Габриэль Марсель Брейер
- Похожие темы:
- театральный дизайн планетарий амфитеатр шоубот авансцена
Просмотреть весь связанный контент →
театр , также пишется как театр , в архитектуре, здании или пространстве, в котором представление может быть представлено перед публикой.
Слово происходит от греческого theatron , «место наблюдения». В театре обычно есть сцена, где происходит само представление. С древних времен эволюция дизайна театров определялась в значительной степени физическими потребностями зрителей, чтобы видеть и слышать исполнителей, а также меняющимся характером представляемой деятельности.
Происхождение театрального пространства
Цивилизации Средиземноморского бассейна в целом, Дальнего Востока, Северной Европы и Западного полушария до путешествий Христофора Колумба во второй половине 15 века оставили свидетельства построек, связь которых с религиозно-обрядовой деятельностью связывает их с театром. Исследования в области антропологии предполагают, что их предшественниками были круги у костра, вокруг которых собирались члены первобытной общины для участия в племенных обрядах. Карнак в Древнем Египте, Персеполис в Персии и Кносс на Крите — все они представляют собой примеры архитектурных сооружений, намеренно церемониальных по замыслу, размеров и конфигурации, подходящих для большой аудитории.
Они использовались как места собраний, в которых жреческая каста пыталась общаться со сверхъестественными силами.
Не до конца понятен переход от ритуала, предполагающего массовое участие, к чему-то близкому к драме, в которой проводится четкое различие между активными участниками и пассивными наблюдателями. В конце концов, однако, жреческая каста и исполнитель стали физически отделены от зрителей. Так возник театр как место.
События в Древней Греции
Визуальные и пространственные аспекты
В самый ранний период театра в Древней Греции, когда поэт Феспис, которому приписывают изобретение трагедии и первый актер, прибыл в Афины в 534 г. до н. э. его труппа на повозках, представления давались на агоре (то есть на рыночной площади) с деревянными трибунами для сидения зрителей; в 498 трибуны рухнули, несколько зрителей погибли. Подробные литературные отчеты о театре и декорациях в Древней Греции можно найти в De architectura libri decem римского писателя I века до н.
э. Витрувия и в Ономастиконе 2 века н. Поллукс. Однако, поскольку эти трактаты появились через несколько сотен лет после классического театра, точность их описаний вызывает сомнения.
Мало что осталось от театров, в которых ставились самые ранние пьесы, но основные детали были реконструированы на основе архитектурных свидетельств Театра Диониса в Афинах, который несколько раз перестраивался с момента его постройки из камня политиком Ликургом на южный склон Акрополя около 330 г. до н.э. Центром театра было оригинальное место для танцев, плоское круглое пространство, в котором находился алтарь Диониса, называемый оркестром. В центре стояла площадка со ступеньками (
Театральные представления, еще не совсем свободные от религиозного элемента, были обращены ко всему сообществу, и посещение их было практически обязательным.
Таким образом, первой заботой строителей театра того времени было обеспечение достаточного места для большой аудитории. Вначале вход был бесплатным; позже, когда взималась плата, бедным гражданам давали входные деньги. Судя по размерам театров, кажется разумным предположить, что актеры выступали на возвышении (вероятно, называемом 9-й платформой).0162 logeion , или «место для выступлений»), чтобы быть более видимым и слышимым, а хор оставался в оркестре. В более поздние времена здесь была высокая сцена с мраморным фризом внизу и коротким лестничным пролетом от оркестра. Великий эллинистический театр в Эпидавре имел то, что, как полагают, было высоким двухуровневым сценическим залом.
Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас
В самых ранних постановках не было фонового здания. Актеры одеты в skēnē (от которого происходит слово «сцена»), который тогда был небольшой палаткой, и хор и актеры вошли вместе с главного входа, parodos .
Самые ранние объекты, такие как алтари и камни, могли быть установлены на краю террасы. Первой дошедшей до нас драмой, для которой требовалось большое здание, была трилогия Эсхила « Орестея », впервые поставленная в 458 г. до н. Среди историков возникли разногласия относительно того, был ли skēnē установлен внутри сегмента оркестра или за его пределами. skēnē в своем более позднем развитии, вероятно, представлял собой длинное простое здание слева от террасы оркестра.
В первый период греческой драматургии основным элементом постановки был хор, размер которого, по-видимому, значительно варьировался. В « просителях » Эсхила было 50 членов хора, но в других его пьесах их было только 12, а Софокл призвал 15. Размер хора стал меньше в V веке, поскольку ритуальный элемент драмы уменьшился. . Поскольку количество актеров увеличивалось по мере сокращения хора, а сюжеты драм усложнялись, возникла необходимость в дублировании ролей. На полностью открытой сцене такие замены затягивались, и интрига драмы рассеялась.
Драматическое правдоподобие также портилось тем фактом, что боги и смертные, враги и друзья всегда входили с одного и того же направления. Добавление живописного фасада с тремя дверями более чем удвоило количество входов и дало драматургу больше свободы для развития драматического напряжения. Около 425 г. до н.0162 параскения . Зрители сидели на деревянных скамейках, расставленных веером, разделенных расходящимися проходами. Верхние ряды представляли собой скамьи из подвижных досок, поддерживаемых отдельными камнями, вкопанными в землю. Почетные места представляли собой каменные плиты с надписями, приписывавшими их жрецам.
Фоновая отделка первоначально состояла из временного деревянного каркаса, прислоненного к передней стене стоа и закрытого подвижными ширмами. Эти экраны были сделаны из высушенных шкур животных, окрашенных в красный цвет; только у Эсхила холсты в деревянных рамах украшались в соответствии с потребностями конкретной пьесы. Аристотель приписывает Софоклу изобретение живописи сцены, новшество, которое другие приписывают Эсхилу.
Примечательно, что Эсхил интересовался постановкой, и ему приписывают классический дизайн костюма. Простые греческие пейзажи можно было сравнить с пейзажами 20 века; импульс визуализировать и конкретизировать фон действия стал сильным. Нарисованные декорации, вероятно, впервые были использованы в производстве Орестея ; Примерно через 50 лет к деревянной конструкции сцены был добавлен второй этаж. Деревянная колоннада, или портик, proskēnion , располагалась перед нижним этажом здания. Эта колоннада, длинная и низкая, внешне напоминала дом, дворец или храм. Разрисованные экраны, установленные между колоннами proskēnion , указывали на место действия.
В начале декорации, вероятно, слегка менялись во время антрактов, отделяющих пьесы трилогии или тетралогии, или в ночь между двумя фестивальными днями. Ко второй половине V века смена сцены осуществлялась с помощью подвижных расписных ширм. Несколько таких экранов можно было поставить один за другим, так что при удалении первого появлялся тот, что находился сразу за ним.
Вскоре после появления фасада пьесы стали ставить перед храмом или дворцом. Для обозначения смены сцены были введены периакты . Это были вертикальные трехгранные призмы, каждая сторона которых была окрашена, чтобы представить разные местности, установленные заподлицо со стеной дворца или храма по обе стороны сцены. В отношении декораций было соблюдено несколько условностей; одно заключалось в том, что если поворачивали только правый периактос , то это указывало на другой населенный пункт в том же городе. Согласно другому соглашению, актеры, входящие справа, считались выходцами из города или гавани, а те, кто слева, — выходцами из деревни.
Постоянный фасад также использовался для сокрытия реквизитов сцены и оборудования. Свидетельства об использовании в V в. так называемой летательной машины mēchanē (лат. machina ) приводятся в комедиях Аристофана; персонаж его пьесы «Мир » возносится на небо на навозном жуке и обращается к сменщику сцены с просьбой не дать ему упасть.
mēchanē состоял из деррик-крана и крана. Во времена Еврипида оно традиционно использовалось для эпилога, после чего бог спустился с небес, чтобы разобраться с осложнениями в сюжете, условность, которая стала известна как deus ex machina («бог из машины»). Широкое использование летательных аппаратов засвидетельствовано поэтом Антифаном, который писал, что драматурги-трагики поднимали в воздух машину с такой же готовностью, как они шевелили пальцем, когда им нечего было сказать.
Колесная платформа или фургон под названием ekkyklēma использовалась для демонстрации результатов закулисных действий, таких как тела жертв убийств. ekkyklēma , как и periaktoi , были приспособлением для театра под открытым небом, в котором возможности создания реалистических иллюзий были сильно ограничены. Реалистичная картина внутренней сцены под крышей не могла быть показана, потому что крыша закрывала бы обзор тем, кто находится на верхних ярусах зрительного зала.