Русская музыка 19 века — периоды, стили, жанры, школы

Русскую музыку 19 века принято делить на два периода: до появления великого композитора М.И. Глинки, то есть, примерно до 1830-1840 годов, и после.

• До – эпоха раннего романтизма, или «до – глинкинская»,
• после в русской музыке наступает классический период.

Русская музыки 19 века  — «до – глинкинская» эпоха

В начале века в русской музыке царило смешение двух стилей – классицизма и романтизма. В первой половине 19 столетия произошли такие масштабные для России события, как Отечественная война, восстание декабристов; в обществе распространялись идеи Великой Французской революции, произошедшей незадолго до этого. Все это не могло не отразиться на культуре страны. В литературе появляются М.Ю. Лермонтов, В.Ф. Одоевский, в живописи – О.А.Кипренский и К.П. Брюллов. В музыкальной культуре России 19 века также слышны отголоски романтизма, который по-настоящему захлестнет страну с приходом М.И. Глинки.

Основные жанры и направления

Самыми популярными течениями в русской музыке 19 века были:

1. «городская» песня. Окончательно сформировывается к 19 веку. Чаще всего такие песни рождались из простой гитарной импровизации безымянных любителей на стихи поэтов (например, «Вечерний звон», «Чем тебя я огорчила»).
2. запись и обработка народных напевов. В конце 18 века В.Трутовский выпустил сборник русских народных песен. Ими заинтересовались практически все жители столицы, после чего стало появляться множество музыкальных произведений в народном стиле («Вьется ласточка сизокрылая»).
3. камерно-вокальная музыка с примесью русского фольклора, исполняемая на музыкальных домашних вечерах. Под влиянием романтизма появляется русский романс (особенно популярны были романсы А.А. Алябьева («Соловей») и А.Е. Варламова («Ах, ты, время-времечко», «Вдоль по улице метелица метёт»)) и созданный на его основе цыганский романс, в котором не требовался профессиональный вокальный голос и замысловатый аккомпанемент (например: «Твои глаза зелёные»).

Также был ещё жив такой музыкальный жанр, как водевиль – легкая пьеса с куплетами. В музыкальной культуре России «до-глинского» периода были особенно популярны водевили:

• А.А. Шаховского («Любовное зелье», «Беглец от своей невесты»)
•  Ф.В. Булгарина («Разговор в царстве мёртвых», «Похождения Митрофанушки на Луне»),

однако каждый молодой дворянин считал своим долгом сочинить хотя бы раз в своей жизни водевильную пьеску для бенефиса какого-нибудь актера.

В театрах исполнялись преимущественно итальянские и французские оперы. В русской опере преобладали былинные мотивы; однако уже было заметно влияние романтизма (А.Н. Верстовский, например, часто использовал в своих произведениях романтические сюжеты – обращение к эпохальному прошлому).

Начало классического периода русской музыки — М.И. Глинка

С появлением Михаила Ивановича Глинки, основоположника композиторской школы в России, в русской музыке 19 века начался настоящий подъем. Его музыкальные произведения пропитаны народными мотивами, в них присутствует тот самый Пушкинский «русский дух». Кроме великолепных вокальных произведений и симфоний, композитор создал две оперы (одни из самых выдающихся за всю историю музыки): «Жизнь за царя» (1836) и «Руслан и Людмила»(1842). Оба этих произведения пронизаны сильнейшим патриотическим и русским началом, ведь М.И. Глинка сам сказал:

«В музыке должны присутствовать интонации и даже целиком мелодии народной музыки той национальности, к которой принадлежит автор».

Так, в опере «Жизнь за царя» в образе простого крестьянина Ивана Сусанина М.И. Глинка показал всю силу и мощь русского народа. Самое главное новаторство оперы заключалось в том, что главным героем музыкального произведения стал мужик, крепостной. Неудивительно, что великосветское общество невысоко оценило оперу, однако многие классики литературы (например, Н.В. Гоголь, А.С. Пушкин) были её настоящими поклонниками.

В эпической сказке с яркими романтическими мотивами «Руслан и Людмила» Глинка ещё дальше отошел от традиций французских и итальянских опер, поэтому и это музыкальное произведение не было встречено с восторгом. Тем не менее, именно после этих произведения русская музыка была признана во всем мире, а М.И. Глинка по праву признан основоположником музыкальной классики в России.

Русская музыка второй половины 19 века

Во второй половине 19 века музыка становится более доступной для разных слоев населения.

• Открываются Московское и Петербургское отделения Императорского русского музыкального общества, постоянно проводящие доступные всем музыкальные собрания,
• В Петербурге создается бесплатная музыкальная школа,
• Основываются консерватории – вначале в столицах (возглавляли их братья Рубинштейны), а концу века и в других городах.

Становятся популярными новые музыкальные жанры – симфонические циклы, симфонии (первая симфония (фа-мажор) была создана А.Г. Рубинштейном в 1859, но она не получила широкой популярности; более известна его симфония номер 2 до-мажор под названием «Океан». Настоящего расцвета в русской музыке этот жанр достиг в творчестве Римского-Корсакова и Чайковского).

Композиторские школы 19 века в России 

Также в стране в 19 веке формируются две крупнейшие композиторские школы:

•  Первая – Новая русская школа в Петербурге, позже В.В. Стасов назовет её «Могучая Кучка».

В нее входили М.А. Балакирев, А.П. Бородин, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков и Ц.А. Кюи. Главным своим наставником и учителем они видели М.И. Глинку, а главной целью – воплощение национального начала в своих музыкальных произведениях. В то время очень сильны были революционные идеи; вся интеллигенция размышляла над проблемами крестьян, сами же крестьяне устраивали бунты и восстания. На этом фоне и появилась «Могучая кучка» с её идеями национального, духовного, народного богатства. Тщательно собирая русский фольклор, они старались передать в операх всю силу народного духа.

• Вторая – московская школа;

возглавлял её П.И. Чайковский, и в нее входили А.А. Алябьев, С.И. Танеев, А.Е Варламов и другие.

Если петербургская композиторская школа стояла за эпичность в музыке, то московской школе русских композиторов были более свойственны лирические произведения. Например, природа, пейзаж у П.И. Чайковского всегда изображен через призму человеческих чувств, у композиторов «кучкистов» природа, скорее, сильный, полноправный герой, не имеющий ничего общего с человеком. Таких различий много, однако, самое главное – они относились к разным временным эпохам.

• Московская школа представляла эпоху уходящую, «век минувший»,
• Петербургская же (или «новая русская», как её называли) заключала в себе все, что было свойственно «веку нынешнему».

Антагонизм этих двух школ повлиял на творчество не только их приверженцев, но и тех композиторов, которые не причисляли себя ни к той, ни к другой школе.

Исполнительское искусство 19 века

Что касается исполнительского искусства, в России очень многое поменялось в течение этого периода. До него распространено было лишь любительское домашнее музицирование (об этом уже говорилось выше), к началу же 20 века музыкальные произведения стали исполняться в огромных залах оперных театров, стали формироваться отечественные школы игры и пения и открываться высшие учебные заведения.

Музыкальные инструменты

Одно из главных изобретений 19 века – механизм вентилей для духовых инструментов, с помощью которого возможности духовых музыкальных инструментов стали гораздо шире; появились новые инструменты – например, туба и флейта-пикколо. Кроме того, то пианино, на котором мы играем сегодня, было изобретено в то же время в Америке и сразу же приобрело небывалую популярность и в России.

Подведем итог.

В русской музыкальной культуре 19 века произошел настоящий подъем, сформировалась национальная музыкальная школа, и отечественных композиторов признал и начал уважать весь мир.

По этой же теме  мы приготовили кроссворд

Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость — поделитесь

velikayakultura.ru

Русская музыка XIX века

$XIX$ век называют «золотым веком» русской культуры. Это период мощного расцвета всех аспектов духовной культурной составляющей. Это касается и музыки. Традиции музыкальной культуры сложились уже к концу $XVIII$ века, а в следующем столетии выдающиеся композиторы стали основоположниками многих новых направлений и жанров. «Золотой век» в музыке связан с именами:

• А. Алябьева,
• М. Глинки,
• А. Даргомыжского,
• П. Чайковского,
• С. Рубинштейна,
• М. Мусоргского,
• А. Бородина,
• Н. Римского-Корсакова.

Традиционно принято говорить о русской музыке первой и второй половины $XIX$ века.

Музыка первой половины XIX века

Считается, что именно в этот период в России сформировалась национальная музыкальная школа. И первое имя в этой связи – А. Алябьев, «Соловей» которого известен всему миру. Не менее знаменит и его «Вечерний звон», «Зимняя дорога», «Я вас любил».

Музыкальные произведения композитора – это огромный вклад в музыкальную культуру России в, так называемой, доглинковской эпохи.

М. Глинка считается основоположником русской классической музыки. Он стоит у истоков двух направлений – музыкальной народной драмы и сказочно-эпической оперы. Он считал, что музыка создается народом, а композитору выступают лишь в качестве аранжировщиков. Мелодика его произведений была истинно русской, выражающей чаяния народа. Главным действующим лицом его оперы «Жизнь за царя», или «Иван Сусанин» впервые стал крестьянин-патриот. Сценами из жизни Древней Руси и восточными сказками богата опера «Руслан и Людмила». М. Глинка писал много романсов на стихи таких выдающихся поэтов, как В. Жуковский, М. Лермонтов, Е. Баратынский.

В этом же ключе творил и А. Даргомыжский, который усилил в русской музыке реализм. Ему принадлежит первая народно-бытовая музыкальная опера-драма «Русалка». В ней композитор создал образ мельника – маленького человека, к которому невозможно не испытывать сочувствие. В своих романсах и песнях Даргомыжский передавал сложные душевные противоречия, отражал социальные проблемы русского общества.

Замечание 1

К середине $XIX$ века в музыке полностью оформились русский традиции реализма. В мире все больше осознавали значение русской культуры, а ее музыкальные образы усваивались мировой культурой.

Музыка второй половины XIX века

Этот период считается мощным расцветом музыкальной русской культуры. Подъем происходит на фоне обострившихся социальных противоречий, приведших к реформам и, как следствие, к большой общественной активности.

В это время открывается первая русская консерватория в Петербурге, директором которой становится А. Рубинштейн. А через четыре года уже в Москве также начинает свою работу консерватория под руководством брата Антона Рубинштейна Николая.

Первые их выпускники, среди которых был П. Чайковский, стали гордостью страны и прославили ее. В этот период особое место принадлежит объединению известных композиторов, которое называлась «Могучей кучкой» или «Новой русской школой». Основателем ее был Балакирев, кроме него сюда входило еще четыре композитора: Кюи, Мусоргский, Бородин и Римский-Корсаков.

Их эстетические позиции сформировались под влиянием В. Стасова, известного русского музыкального и художественного критика. Они считали себя последователями великого М. Глинки и в своих творениях продолжали музыкальные традиции классической музыки, которые были заложены Глинкой и Даргомыжским.

Замечание 2

Композиторы «Могучей кучки» развивали русскую национальную музыку и считали своей основной задачей правдивое отражение в музыке жизни народа, которое было бы понятно массовому слушателю.

spravochnick.ru

Русская музыка в XIX веке

М. И. Глинка. Литография Бореля.

Девятнадцатый век — блестящая пора в истории русской музыки.

Под воздействием событий Отечественной воины 1812 г. широкое отражение получила героико-патриотическая тема, воплощенная в творчестве С. А. Дегтярева — автора первой русской оратории «Минин и Пожарский», Д. Н. Кашина, С. И. Давыдова, И. А. Козловского. На основе народных мелодий вырастает богатая и многообразная песенная лирика, глубоко выразившая мир чувств простого человека. Создаются «русские песни» в народном духе, бытовые романсы, баллады.

В проникновенных романсах А. А. Алябьева (1787—1851), задушевных лирических песнях А. Е. Варламова (18С1—1848) и A. Л. Гурилева (1803—1858), обаятельных национально-романтических операх А. Н. Верстовского (1799—1862) — автора знаменитой «Аскольдовой могилы» — нашли выход яркие, прогрессивные стремления русского искусства. Но только Глинке удалось ввести русскую музыку в круг мировых явлений, возвысив ее до уровня передовых идей своего времени.

Творчество Михаила Ивановича Глинки (1804—1857) — великолепное начало классического периода русской музыки. Историческая заслуга Глинки заключается прежде всего в глубоком понимании задач народности и реализма. В своем искусстве он выразил коренные черты русского национального характера, лучшие стремления, думы и чаяния своего народа. Творчески усвоив передовые достижения западноевропейской культуры, он сумел стать великим национальным художником, певцом своей родины. Народная песня явилась для него не только творческим материалом, но и основой музыкального мышления, определившей характерные черты классического «глинкинского» стиля. Сущность эстетики Глинки выражена в его известных словах: «Создает музыку народ, а мы, художники, только ее аранжируем».

Уже первая опера Глинки «Иван Сусанин» (1836 г.) была явлением крупного мирового значения. Знаменательны слова современника Глинки В. Ф. Одоевского: «С этою оперой рождается новая стихия в искусстве и начинается в его истории новый период — период русской музыки». В «Иване Сусанине» Глинка создал высокую патриотическую трагедию, равной которой не знала оперная сцена. В самом понимании исторического сюжета проявилась глубокая прогрессивность воззрений композитора: главная роль в опере принадлежит народу — защитнику своей родины, творцу ее исторических судеб. Широкое изображение жизни народа, идея неразрывного единства «судьбы человеческой и судьбы народной» — все это делает оперу Глинки первым классическим образцом подлинно исторической драмы не только в русской, но и в мировой музыке. Чувство глубокого патриотизма находит высшее выражение в гениальном хоре «Славься», увенчивающем оперу торжественным гимном ликования.

Явление Христа народу. Александр Иванов. 1837-1857 годы.

Глубоко национальная по музыкальному складу и языку опера «Иван Сусанин» отличается подлинно симфонической цельностью. Яркое воплощение в ней получает конфликт двух борющихся сил: русского народа и иноземных завоевателей. На протяжении всей оперы композитор противопоставляет широкое развитие русских песенных тем блестящей, остроколоритной музыке польского танца — характеристике польских рыцарей. Столкновение этих двух начал насыщает музыку динамичностью, драматизмом.

Иной художественный строй лег в основу оперы «Руслан и Людмила» (1842 г.) — монументальной оперы сказочно-эпического склада. Взяв сюжет пушкинской поэмы, Глинка углубляет в «Руслане» черты былинного повествования. Во всем величии встают здесь картины седой старины, образы богатырской героики. Действие течет спокойно, неторопливо, подобно эпическому сказу.

Драматургическую основу оперы составляет контраст между былинными, эпическими образами Киевской Руси и миром волшебной, сказочной фантастики. В обрисовке таинственных, сказочных чудес черноморова царства проявилось неисчерпаемое богатство фантазии художника, его изумительное мастерство колорита. Впервые во всем многообразии предстал у Глинки красочный мир Востока — предвосхищение восточных сцен Бородина и Римского-Корсакова. «Руслан и Людмила» — высшее выражение пушкинского начала в искусстве Глинки. Светлая, солнечная музыка «Руслана» проникнута пафосом утверждения жизни, подлинно пушкинским оптимизмом.

Две оперы Глинки — историческая драма и опера-сказка — определили дальнейший путь русской оперной классики. Велико также значение глинкинского симфонизма. Его оркестровая фантазия «Камаринская», две испанские увертюры на темы народных песен, лирический «Вальс-фантазия» послужили основой русской симфонической школы XIX в.

Глинка ярко проявил себя и в области камерной лирики. Его романсам присущи типичные черты его стиля: пластичность и ясность широкой, распевной мелодии, законченность и стройность композиции. В своем стремлении к художественному совершенству формы Глинка сближается с Пушкиным. Поэтическая мысль находит у него неповторимо прекрасное, стройное, ясное выражение. Подобно Пушкину, Глинка может быть назван «поэтом действительности» (Белинский). В русское музыкальное искусство он внес высокое, подлинно реалистическое содержание, огромную силу художественного обобщения.

Традиции Глинки продолжил его младший современник Александр Сергеевич Даргомыжский (1813—1869). Ученик и друг Глинки, он следовал его заветам народности и жизненной правды. Но в то время как искусство Глинки складывалось целиком в сфере пушкинских влияний, Даргомыжский принадлежит как художник уже более поздней эпохе. Творчество Даргомыжского отразило новые, вызревавшие в переломный период 40—50-х годов тенденции критического реализма. Огромное значение приобретает у композитора тема социального неравенства и бесправия. Рисует ли он драму простой крестьянской девушки в опере «Русалка» или трагическую гибель солдата в «Старом капрале», — всюду он выступает как чуткий художник-гуманист, стремящийся приблизить свое искусство к запросам демократических слоев русского общества.

В романсах Даргомыжского выразилось стремление приблизить музыку к живой человеческой речи. «Хочу, чтобы звук прямо выражал слово, хочу правды» — таков творческий девиз Даргомыжского. Лучшие черты его глубоко своеобразной лирики свойственны романсам-монологам на слова Лермонтова, с их настроением тягостного и скорбного раздумья. Острая обличительная тема поставлена в драматической песне «Старый капрал» и в метких сатирических зарисовках «Червяк», «Титулярный советник». В этих произведениях композитор идет по пути превращения романса в драматическую сцену.

Центральное произведение Даргомыжского — опера «Русалка» (1855 г.) — положило начало новому жанру психологической драмы в русской музыке. Композитор сосредоточил внимание на социальных моментах пушкинского текста, создав замечательные по своему реализму и глубине характеристики образы страдающих, обездоленных людей из народа — Наташи и ее отца мельника. В музыкальном языке оперы с ее широким развитием драматически-выразительного речитатива и в драматических сценах проявились присущие Даргомыжскому мастерство и чуткость в передаче душевных переживаний.

Новаторские искания Даргомыжского находят свое наибольшее выражение в его последней опере «Каменный гость» на сюжет драмы Пушкина. Сохранив целиком весь пушкинский текст, композитор строит оперу на основе сплошного речитатива, без разделения на законченные части, и подчиняет вокальные партии принципам речевой выразительности, гибкого интонирования стиха. Даргомыжский сознательно отказывается от традиционных форм оперы — ансамблей и арий, превращает ее в психологическую музыкальную драму. Русская опера не пошла по пути «Каменного гостя». Однако новаторские принципы Даргомыжского сыграли важную роль, обогатив оперную музыку новыми средствами гибкого, выразительного речитатива.

В 60-х годах русская музыка вступает в полосу своей зрелости и всестороннего расцвета. В новых исторических условиях пореформенной России наступает подъем музыкально-общественной жизни. Усилиями выдающихся музыкантов-просветителей — М. А. Балакирева, А. Г. и Н. Г. Рубинштейнов — создаются музыкальные организации нового типа, первые русские консерватории. В трудах крупнейших ученых-искусствоведов В. В. Стасова и А. Н. Серова закладываются прочные основы классического русского музыкознания.

Идейно-художественные принципы глинкинской школы находят плодотворное развитие в творчестве великих композиторов нового поколения: Чайковского, Мусоргского, Бородина, Римского-Корсакова. Их деятельность, начавшаяся в 60-х годах, ознаменовала высший подъем русской музыки, кульминацию ее исторического пути уже в следующий период.

www.history-at-russia.ru

Русская музыка на протяжении XIX века

В XIX в. русская музыка, еще не имевшая прочных традиций, отразила общие тенденции развития всего искусства, и, вобрав в себя песенные традиции многих народов России, дала толчок к появлению в конце века композиторов мировой величины.

В начале века, под воздействием событий Отечест­венной войны 1812 г., широкое развитие получила героика-патриотическая тема, воплощенная в творчестве С.А. Дегтярева — автора первой русской оратории «Минин и Пожарский», Д.Н. Кашина, СИ. Давыдова, И.А. Козловского — автора первого российского гимна «Гром победы!»

На основе народных мелодий русского, украинского и белорусского народов вырастает богатая и многообразная песенная лирика, глубоко выразившая мир чувств простого человека (романсы А. А. Алябьева, лирические песни А. Е. Варламова и А. Л. Гурилева, романтические оперы А. Н. Верстовского).

Наиболее известным композитором первой половины XIX в., творчество которого вывело русскую музыку в круг явлений мирового значения, стал Михаил Глинка (1804 — 1857). В своем искусстве он выразил коренные черты национального характера русского человека, который, несмотря на любые невзгоды и угнетения, остается патриотом еврей родины.

Уже первая опера Глинки «Жизнь за царя» («Иван Сусанин», 1836 г.) стала явлением в культурной жизни не только России, но и Европы. Глинка создал высокую патриотическую трагедию, равной которой не знала оперная сцена. Другой оперой — «Руслан и Людмила» (1842 г.) — композитор продолжает темы героизации русской старины, однако уже на сказочно-эпическом, былинном материале. Историческая драма и опера сказка Глинки определили дальнейший путь русской оперной классики. Велико также значение симфонизма Глинки. Его оркестровая фантазия «Камаринская», две испанские увертюры на темы народных песен, лирический «Вальс-файтазия» послужили основой русской симфонической школы XIX в.

Глинка ярко проявил себя и в области камерной лирики. Романсам Глинки присущи типичные черты его стиля: пластичность и ясность широкой, распевной мелодии, законченность и стройность композиции. Композитор обращается к лирике Пушкина, и поэтическая мысль находит у него неповторимо прекрасное, стройное, ясное выражение пушкинской строфы.

Александр Даргомыжский (1813 — 1869) продолжил традиции Глинки. Творчество Даргомыжского отразило новые, вызревавшие в переломный период 40 — 50-х годов тенденции во всем искусстве. Огромное значение приобретает у композитора тема социального неравенства и бесправия. Рисует ли он драму простой крестьянской девушки в опере «Русалка» или трагическую гибель солдата в «Старом капрале» — всюду он выступает как чуткий художник-гуманист, стремящийся приблизить свое искусство к запросам демократических слоев русского общества.

Опера Даргомыжского «Русалка» (1855 г.) положила начало новому жанру психологической драмы в русской музыке. Композитор создал замечательные по своей глубине образы страдающих, обездоленных людей из народа — Наташи и ее отца мельника. В музыкальном языке оперы с ее широким развитием драматически выразительного речитатива и в драматических сценах проявились присущие Даргомыжскому мастерство и чуткость в передаче душевных переживаний.

Новаторские искания Даргомыжского находят свое наибольшее выражение в его последней опере «Каменный гость» на сюжет драмы Пушкина. Сохранив целиком весь пушкинский текст, композитор строит оперу на основе сплошного речитатива, без разделения на законченные части, и подчиняет вокальные партии принципам речевой выразительности, гибкого интонирования стиха. Даргомыжский сознательно отказывается от традиционных форм оперы — ансамблей и арий, превращает ее в психологическую музыкальную драму.

Новый подъем музыкально-общественной жизни в России наступает в 60-е годы. М. А. Балакиревым, А.Г. и Н. Г. Рубинштейнами создаются музыкальные организации нового типа, первые в России консерватории. В трудах крупнейших ученых-искусствоведов В. В. Стасова и А. Н. Серова закладываются прочные основы классического музыкознания. Все это предопределило подъем русской музыки уже в следующий период, который осуществили такие выдающиеся композиторы, как Чайковский, Мусоргский, Бородин и Римский-Корсаков.

histerl.ru

Русская музыка начала XIX века

В начале XIX века открыли первую русскую концертную организацию – филармоническое общество. Но тогда основная концертная жизнь была сосредоточена в русских светских салонах. В те времена пользовался популярностью салон поэта Дельвига, частыми посетителями которого были Глинка, Грибоедов, Пушки и другие. Также хорошо развивалось большое количество крепостных театров и оркестров.

XIX был ознаменован сплетением нескольких направлений искусства:

—       сентиментализм,

—       романтизм,

—       классицизм.

—

Все эти стили были соединены в творчестве А. С. Пушкина. Он стал наиболее влиятельным поэтом первой половины XIX века.

Опера и романс были двумя главными жанрами музыкального искусства начала XIX века.

Удивляет разнообразие жанровых форм оперы:

1.     Комическая с элементами серьёзности. Такой можно по праву назвать прекрасную оперу «Иван Сусанин», написанную композитором Катерино Кавос, итальянца по происхождению. В ней присутствуют разговорные диалоги. Финалом является счастливая развязка.

2.     Сказочно-фантастическая. Первой такой оперой стала «Леста – днепровская русалка» Кавоса и Давыдова. В основу легли русские народные песни. Ещё одним примером этой жанровой формы является опера «Русалка» Даргомыжского.

3.     Романтическая опера. Особенно в этом жанре прославились работы Верстовского: «Вадим», «Пан Твардовский» и написанная на древнерусский сюжет «Аскольдова могила».

Вторым по популярности жанром начала XIX века стал романс. В нём накопилась выразительность и яркая эмоциональность.  Романсы писались на стихи поэтов-современников и профессионалами, и любителями.

У русского бытового романса имеются устойчивые черты. К примеру, он мог быть написан с разложенным аккомпанементом в жанре «элегия». Такой романс является философским размышлением.

«Русская песня» – это ещё одна разновидность романсов. Возникла она сначала в поэзии, которой присуща определённая лексика, близкая к народной речи. Подобные романсы были более просты в музыкальном плане, чем другие.

Ритмы как болеро, так и мазурки, полонеза, вальса широко использовались композиторами романсов. Самыми авторами романсов были: Титов, Жилин, Гурилев, Алябьев, Варламов. Формы романсов простые – куплетные. Это «Соловей» Алябьева, «Белеет парус одинокий» (в ритме полонеза) Варламова, «Домик-крошечка» Гурилёва.

 

 

msneg.ru

Урок №14. Русская музыка XIX века. – MMTeacher

Владимир — Июл 20th, 2014

 Цель: Познакомить учащихся творчеством композиторов второй половины XIX века.

Задачи: Воспитать интерес учащихся к жизни и творчеству композиторов второй половины XIX века, «Могучей кучке». Организовать учебный процесс свой труд качественно и с наименьшими затратами достичь поставленную цель.

Оборудование: учебник для средних классов ДМШ М. Шорникова, 3 год обучения.

Методы и приемы обучения:закрепить новый материал, дать домашнее задание.

 

Ход урока.

1. Организационный момент.

 

2. Опрос домашнего задания:

1. Расскажите, как изменяются на протяжении оперы образы Мельника, Князя и Наташи.

2. Какой образ занимает ведущее место в драматургии оперы?

3. Перечислите, какие подлинные народные мелодии использовал композитор в опере.

4. Расскажите строение второй картины третьего действия. Какая сцена является его кульминацией?

 

3. Объяснение нового материала.

Вторая половина XIX века —пора могучего расцвета русской музыкальной культуры. Вспомните, что происходило с русской музыкой до этого? В конце XVIII века в ней только начинала формироваться профессиональная композиторская школа. Затем, в первой половине XIX века, русская классическая школа во главе со своим основоположником утвердила свое значение за пределами России. Теперь же, во второй половине столетия, она стала одной из ведущих музыкальных культур, утвердив себя как равноправное звено европейского музыкального искусства.

В этот период Россия подарила миру целую плеяду гениальных композиторов. Ими созданы истинные шедевры в самых различных жанрах. Среди них «Борис Годунов» Мусоргского, «Князь Игорь» Бородина, «Псковитянка» Римского-Корсакова, «Евгений Онегин», «Лебединое озеро» Чайковского, его гениальные симфонии, симфонии Бородина и многое другое.

Но главное, что отличало музыкальную жизнь России той поры, —ее демократизация. Музыка из придворных салонов и домашних кружков выходит на концертный простор. Появляются концертные организации, занимающиеся пропагандой музыкального искусства. В театры и концертные залы приходит новая публика: студенты, интеллигенция, мелкие служащие.

Когда появилось множество новых концертных залов и театров, перед нашей музыкальной культурой встала новая проблема. Нужны были певцы, инструменталисты, педагоги. Ведь в России до этого не существовало ни одного специального учебного заведения. Много сил и энергии отдал делу музыкального образования Антон Григорьевич Рубинштейн (1829 —1894)— великий пианист, композитор, дирижер. По его инициативе в 1859 году в Петербурге открылось Русское музыкальное общество (РМО) и музыкальные классы при нем. Рубинштейн сам стал во главе концертов РМО. Их значение огромно. Широкая слушательская аудитория знакомилась в них, причем часто — впервые, с произведениями Баха и Генделя, Бетховена, Мендельсона имногих других композиторов Европы. Вскоре отделения РМО появились вдругих городах России.

Музыкальные классы при РМО готовили новые кадры. А в 1862 году в Петербурге была открыта первая в России консерватория. Ее первым директором стал А. Рубинштейн. Вскоре, в 1866 году открылась Московская консерватория, которую возглавил брат А. Рубинштейна Николай Григорьевич. Обе они стали настоящим центром музыкального образования и просвещения. Из стен их вышли несколько поколений выдающихся русских музыкантов.

Почти тогда же была организована Бесплатная музыкальная школа. Ее основали глава нового музыкального направления М. А. Балакирев и замечательный хормейстер Г. Я. Ломакин. Своей целью эта школа ставила распространение музыкального образования среди широких кругов населения —студентов, ремесленников, служащих. Ее концерты были центром пропаганды произведений русских композиторов, к которым столичная аристократия привыкла относиться с некоторым пренебрежением. Здесь можно было услышать новинки-только что написанные сочинения молодых русских музыкантов. Впервые в концертах Бесплатной музыкальной школы прозвучали крупные произведения современных зарубежных композиторов —Берлиоза, Листа, Шумана.

Во всех отношениях музыкальная культура России переживала обновление. Начиналась поистине новая эра русской музыки. И это естественно,ведь изменения происходили в это время в общественной жизни, науке, эстетике, литературе, живописи России. Не осталась в стороне и музыка. И во многом это было связано с деятельностью композиторов, вошедших в«Могучую кучку».

Так называлось творческое содружество композиторов, возникшее на рубеже 50 —60-х годов. Оно было известно также под названием Балакиревский кружок, или Новая русская музыкальная школа, на Западе кружок называли «Пятеркой» по количеству входящих в него музыкантов. Название «Могучая кучка» дал содружеству В. В. Стасов. В одной статье он писал: «Сколько поэзии, чувства, таланта и умения есть у маленькой, но уже могучей кучки русских музыкантов».

Кружок складывался в течение нескольких лет (1856 —1862) вокруг Балакирева. Раньше других с Балакиревым сблизился военный инженер по профессии, композитор и музыкальный критик Цезарь Кюи.Это было в 1856 году. Спустя год к ним присоединился офицер Преображенского полка Модест Мусоргский. В ноябре 1961 года в содружество влился 17-летний выпускник Морского офицерского корпуса Николай Римский-Корсаков. Осенью 1862 года в доме профессора Боткина состоялось знакомство Балакирева с молодым ученым, профессором Медико-хирургической академии Александром Бородиным. С осени 1865 года после возвращения Римского-Корсакова из кругосветного путешествия собрания кружка стали проходить в полном составе.

Общепризнанным главой кружка был Балакирев. На это ему давали право огромный талант, творческая смелость, внутренняя сила и убежденность в отстаивании национально-самобытных путей развития русской музыки. На собраниях «Могучей кучки» молодые музыканты изучали лучшие произведения классического наследия и современной музыки. Причем эти встречи были не только школой их профессионального мастерства. Здесь складывались их эстетические взгляды. Кучкисты читали произведения мировой классической литературы, обсуждали политические, исторические события, изучали статьи русских критиков. Идеологом кружка был Стасов, его влияние на мировоззрение кучкистов огромно. Нередко он подсказывал им замыслы будущих творений: предложил Бородину написать оперу по «Слову о полку Игореве», подал Мусоргскому мысль о«Хованщине».

«Могучая кучка» никогда не была замкнутым кружком. Она была тесно связана со многими представителями русской культуры. Среди друзей и единомышленников балакиревцев —А.С. Даргомыжский, сестра Глинки Л.И. Шестакова, сестры А.Н. и Н. Н. Пургольд.Крепкие связи соединяли кружок с московскими музыкантами П.И. Чайковским и Н.Г. Рубинштейном.

Удивительно тесная дружеская атмосфера царила внутри «Могучей кучки». Члены кружка всегда были друг для друга надежной опорой, готовы были поделиться идеями, сюжетами, прийти на помощь. Например, Балакирев и Мусоргский подсказали Римскому-Корсакову сюжеты симфонии «Антар»и оперы «Псковитянка». Сборник алжирских мелодий, из которого композитор взял основные темы для симфонии, ему подарил Бородин. Мусоргский передал Римскому-Корсакову план музыкальной картины «Садко». А Римский-Корсаков после смерти своих друзей проделал титаническую работу по завершению или оркестровке опер Мусоргского «Хованщина», «Борис Годунов», «Женитьба», оперы Бородина «Князь Игорь».

Всех членов содружества объединяло стремление продолжить дело Глинки во славу и процветание отечественной музыки. Как и у Глинки, жизнь народа стала главной темой их творчества, объектом постоянного наблюдения, изучения. Они рисовали ее через события истории, через образы поэтических сказок и былин, через философские раздумья о судьбах родины и яркие картины быта, через образы русских людей разных сословий и времен. По словам Стасова, балакиревцы развернули перед слушателями «океан русских людей, жизни, характеров, отношений».

Члены «Могучей кучки» продолжили дело собирания народных русских песен, чьей красотой они восхищались. 40 русских народных песен собрал и обработал Балакирев, 100-Римский-Корсаков. Они не просто восхищались фольклором. Любовь к русской песне наложила отпечаток на стиль произведений самих композиторов, отличающийся национальным колоритом.

Пришло время, и балакиревцы стали зрелыми художниками. Каждый из них пошел своим путем, и кружок распался. Но никто не изменил идеалам «Могучей кучки» и не отрекся от товарищей. Идеи балакиревцев получили развитие в творчестве и просветительской деятельности композиторов нового поколения. Они оказали большое влияние и на развитие зарубежной музыки (в частности, французской).

Сейчас мы подведем итог, а затем познакомимся с жизнью и творчеством композиторов-кучкистов.

 

4. Обобщение урока:

1. Объясните, что такое «Могучая кучка»? Когда она сформировалась?

2. Назовите имена композиторов, вошедших в кружок.

3. Кто был главой содружества? Назовите также идейного вдохновителя кружка.

4. Что объединяло всех членов кружка?

5. Что в целом отличало русскую музыку второй половины XIXв?

6. Назовите имена музыкантов, с которыми связано начало развития русского профессионального музыкального образования.

7. Когда в России были открыты первые консерватории?

 

Д/з:. Шорникова, стр. 128-136.

mmteacher.ru

Русская музыка первой половины XIX века

ТОП 10:

В первой половине XIX века начинается расцвет рус­ской классической музыки. Творчество Глинки и Дарго­мыжского открывает период стремительного взлета нацио­нального музыкального искусства до вершин мировой куль­туры. Развитие музыки было частью общего процесса — подъема всего русского искусства в знаменательный пери­од исторического развития Российского государства. Отече­ственная война 1812 года и восстание декабристов в 1825 году вызвали мощный взрыв патриотических чувств, подъем духовных сил нации. «Двенадцатый год, — писал Белин­ский, — потрясши всю Россию из конца в конец, пробудил ее спящие силы и открыл в ней новые, дотоле неизвестные источники сил…» Именно в этот период происходит формирование рус­ской классической литературы, музыки и живописи. Веду­щая роль принадлежала литературе. Знаком эпохи стало творчество Пушкина, которое было подготовлено произведе­ниями Жуковского, Карамзина, Батюшкова, Крылова. Пуш­кин явился создателем русского литературного языка, опре­делив тем самым дальнейший путь развития националь­ной литературы. В одно время с Пушкиным сочиняют свои произведения Грибоедов, Рылеев, Вяземский, Дельвиг, Язы­ков, Баратынский; позднее начинается творческая жизнь Лермонтова, Гоголя, Кольцова, Белинского. К середине века появится новое поколение писателей — Достоевский, Тол­стой, Некрасов, Тургенев, Гончаров и другие. Первая половина XIX века положила начало и русской классической живописи (картины Кипренского, Тропинина, Венецианова, Щедрина, Брюллова, Иванова, Федотова) и скульптуры (Клодт и другие), архитектуры (Воронихин, За­харов, Бове, Жилярди, Росси). Русское искусство первых десятилетий XIX века испы­тало на себе сильное воздействие нового европейского худо­жественного направления — романтизма. «Романтизм — вот первое слово, огласившее пушкинский период», — пи­сал Белинский. Характерные для него независимость твор­чества художника и внимание к внутреннему миру челове­ка, интерес к жизни родного народа, его истории, песням, сказ­кам и легендам, мятежность духа и свободолюбие, страст­ность и смелость высказывания, восторженная приподня­тость находят воплощение в произведениях этого времени. Через романтизм, его повышенную эмоциональность и субъективность русское искусство шло к утверждению прин­ципов художественного реализма. Музыкальная жизнь России с начала XIX века начина­ет приобретать новые черты. Важными музыкальными цент­рами становятся лицеи, пансионы, университеты, а также литературно-художественные кружки. В этих кружках объе­динялись любители искусства, писатели, артисты, художни­ки, музыканты. Здесь исполнялись новые произведения, об­суждались оперные спектакли и концерты. Такие собрания устраивались в Петербурге в домах Дельвига, Одоевского, графа Михаила Виельгорского, в Москве — у Грибоедова, княгини Зинаиды Волконской. Оживляется концертная жизнь: в 1802 году в Петер­бурге создается первая русская концертная организация — «Филармоническое общество», которое устраивало публич­ные симфонические концерты. Концерты камерной музы­ки проходят в частных домах, дворянских и благородных собраниях и различных учебных заведениях, в них участву­ют как русские, так и иностранные музыканты. Значитель­ную роль продолжают играть хоры и симфонические орке­стры крепостных музыкантов, которые существовали во мно­гих дворянских усадьбах. Одним из излюбленных жанров симфонической музы­ки в это время стали программные увертюры к операм и драматическим спектаклям, которые сочиняли Козловский, Давыдов, Алябьев, Верстовский. В жанре музыкального те­атра также происходят заметные изменения. Любимая в XVIII веке бытовая комическая опера постепенно уступает место операм-сказкам («Князь-невидимка» и «Илья-бога­тырь» Кавоса, «Днепровская русалка» Давыдова) и роман­тическим операм («Аскольдова могила» Верстовского). Наряду с оперой широкое распространение получают воде­виль, музыка к драматическим спектаклям («трагедии на музыке»), а также балет, расцвет которого в России насту­пил с деятельностью великого французского балетмейстера Шарля Дидло. Успешное развитие этих жанров было неотделимо от формирования русских исполнительских школ в опере (Е. Сандунова, О. Петров, А. Петрова-Воробьева), балете (А. Ис­томина, Е. Колосова, А. Глушковский), драме (Е. Семенова, П. Мочалов, М. Щепкин). Повсеместное распространение получает бытовое домаш­нее музицирование. Любители музыки собирались по вече­рам, играли и пели под аккомпанемент гитары, арфы или фортепиано. В репертуаре были народные песни — кресть­янские, городские, солдатские. Их обработки делали многие композиторы, наиболее популярными были сборники Кашина и Рупина. Они исполнялись как сольные песни, дуэты и в виде инструментальных вариаций и ансамблей. В этой об­становке складывался и развивался любимый жанр эпо­хи — романс.   Романс и песня Романсовое творчество композиторов первой половины XIX века сложилось на основе народных крестьянских, го­родских и российских песен. Именно в романсе формирова­лись особенности русского музыкального языка, националь­ного музыкального стиля. Его развитие было тесно связано с расцветом русской поэзии в пушкинскую эпоху и творче­ством Жуковского, Вяземского, Баратынского, Дельвига, Ба­тюшкова, Языкова, самого Пушкина и других поэтов. На их стихи писали свои романсы О. Козловский, А. Жилин, бра­тья Титовы, Мих. Виельгорский, А.Верстовский, А. Алябьев, А.Варламов, А.Гурилёв, П. Булахов, М. Глинка, А. Дарго­мыжский. В их творчестве сложились основные жанры рус­ского романса. Это лирический романс — самый распро­страненный в это время; «русская песня», возникшая как подражание народной музыке; элегия — лирико-философское размышление; романтическая баллада, создателем ко­торой в России стал Верстовский; застольная песня, родив­шаяся из маршевых походных песен и воспевавшая свобо­ду, просвещение и патриотизм; лирические романсы о «даль­них странах», в которых возникали романтические образы Италии, Испании, Кавказа, Востока, а также романсы в танце­вальных ритмах (вальса, польки, мазурки, полонеза, болеро и других). Одновременно происходит формирование неповторимо своеобразного русского вокального стиля, в котором соеди­нились интонации и традиции народного пения с особенно­стями итальянской вокальной культуры бельканто, столь популярной в России. Каждый романс создает свой инди­видуальный, легко запоминающийся образ, затрагивая са­мые чувствительные струны в сердце слушателя. Задушев­ность русского романса — его особая черта, идущая от искренности сопереживания автора своему лирическому ге­рою, от свойств русской души.   А.А. Алябьев Судьба Александра Александровича Алябьева (1787— 1851) сложилась драматично, хотя первая половина его жиз­ни не предвещала тяжких испытаний. Он родился в То­больске; его отец занимал пост губернатора, считался чело­веком просвещенным и либеральным, был большим люби­телем музыки. Ребенок получил серьезное домашнее вос­питание, в которое обязательной частью входила игра на фортепиано. С переездом семьи в Москву Александр начал серьезно заниматься музыкой, и вскоре появляются его первые сочи­нения — романсы и фортепианные пьесы. В первые дни Отечественной войны 1812 года Алябьев добровольцем вступает в армию. Он сражался вместе с ле­гендарным поэтом-партизаном Денисом Давыдовым, был ранен, прошел со своим гусарским полком весь боевой путь до Парижа; за храбрость и боевые заслуги Алябьев был на­гражден орденами и медалью. По окончании войны он, продолжая военную службу, живет в Петербурге, а выйдя в отставку, поселяется в Моск­ве, где сближается с артистическим миром, общается с Гри­боедовым, Крыловым, Бестужевым-Марлинским, Одоевским, Верстовским, братьями Виельгорскими. Как пианист и пе­вец участвует в любительских концертах, сочиняет театраль­ную музыку (оперы, водевили), камерные инструментальные произведения, романсы, которые пользуются большим успе­хом у слушателей. Но эта яркая творческая жизнь была прервана роко­вым случаем. В 1825 году в доме Алябьева во время кар­точной игры произошла крупная ссора, после которой один из ее участников скоропостижно скончался. Алябьева арес­товали по подозрению в убийстве и после длительного су­дебного разбирательства, несмотря на недоказанность пре­ступления, приговорили к лишению всех прав, дворянского звания и к ссылке в Сибирь. Начались многолетние скитания Алябьева. Ссылка дли­лась более 15 лет; он жил в Тобольске, на Кавказе, в Орен­бурге, Коломне. Но, несмотря на тяжелые испытания и оди­ночество, композитор продолжает активную творческую де­ятельность. Еще находясь в тюрьме, он сочиняет романсы (в том числе знаменитого «Соловья»), а также инструменталь­ные пьесы, музыку к водевилям и балет «Волшебный бара­бан». В тобольской ссылке организует военный духовой оркестр и хор, дирижирует их выступлениями, пишет орке­стровую музыку и романсы; такие из них, как «Иртыш», «Зимняя дорога», «Вечерний звон», связаны с темой изгна­ния и стали лирической исповедью композитора. Во время поездки на Кавказ, разрешенной для лечения, Алябьев был пленен его природой, обычаями, музыкой. Он записывал грузинские, армянские, кабардинские, азербай­джанские народные мелодии, ритмы и интонации которых затем нашли свое отражение в произведениях разных жан­ров. Только в 1843 году Алябьев с большим трудом получа­ет разрешение жить в Москве, но под надзором полиции и «без права показываться на публике». Он ведет уединенный образ жизни, отдавая все время сочинению. Жизненные ис­пытания не сломили композитора. Его внимание привлека­ют стихи поэта-демократа Н. Огарева, посвященные темам и сюжетам из жизни простого народа. Появляются роман­сы «Кабак», «Изба», «Деревенский сторож», а также один из шедевров Алябьева — «Нищая» (стихи Беранже), в которых впервые зазвучала тема «маленького человека», тема соци­ального неравенства, предвосхищая произведения Даргомыж­ского и Мусоргского. Эти сочинения стали последними в жизни композитора. Творчество Алябьева разнообразно, оно включает в себя различные жанры — оперы, балет, водевили, произведения для оркестра, фортепианные пьесы, камерные ансамбли (трио, квартеты), хоровые сочинения. Но важнейшее место среди его сочинений занимают многочисленные романсы (свыше 150-ти). Одним из самых популярных является созданный в 1825 году на стихи Дельвига «Соловей».Романс принад­лежит к жанру «русской песни» и написан в куплетной форме с неторопливым запевом и быстрым припевом. Неж­ная проникновенная мелодия тесно связана с интонациями русских лирических песен, ей свойственна ладовая перемен­ность, идущая из народной музыки (ре минор — фа мажор, до мажор — ля минор). Ее плавные закругленные четырех­тактные фразы поддерживаются скромным «гитарным» аккомпанементом: Не спеша, с чувством В то же время яркие и стремительные фортепианные заключения куплетов ярко контрастируют с пластичной во­кальной кантиленой. Впоследствии выдающиеся исполнительницы романса — Аделина Патти, Генриетта Зонтаг, Полина Виардо, а также многие русские певицы — насыщали вокальную партию вир­туозными пассажами и каденциями. Популярности произ­ведения содействовали его фортепианные обработки — ва­риации Глинки и транскрипции Листа, а также скрипичная фантазия Анри Вьетана.   А.Е.Варламов Александр Егорович Варламов (1801—1848) родился в Москве в семье скромного чиновника. Страстное влечение мальчика к музыке и его одаренность проявились рано: подбирая по слуху народные песни, он сам научился играть на скрипке. Благодаря незаурядным способностям и кра­сивому голосу его в десять лет приняли певчим в петербург­скую Придворную певческую капеллу. Здесь Варламов за­нимался под руководством директора капеллы, выдающе­гося композитора Д. С. Бортнянского. Успехи в пении по­зволили ему вскоре стать солистом хора; он научился так­же играть на гитаре, фортепиано и виолончели. После обучения в капелле Варламов получает назначе­ние на службу в Голландию в качестве регента( Регент — руководитель и вокальный педагог хора певчих) русской посольской церкви в Гааге. Годы, проведенные за границей, оказали большое влияние на музыкальное развитие буду­щего композитора: он часто посещает оперу и концерты, сам выступает как певец и гитарист. По возвращении в Петербург Варламов сначала препо­дает в Театральной школе, а затем снова поступает в При­дворную певческую капеллу хористом и учителем пения. В 1827 году он знакомится с Глинкой; общение с ним име­ло огромное значение для творческих устремлений молодо­го музыканта. Первые романсы и церковные хоры Варламова относят­ся к концу 1820-х годов, но настоящий расцвет компози­торской деятельности начинается после переезда в 1&32 году в Москву, где он получил место капельмейстера, а затем «композитора музыки» императорских театров. Варламов быстро сблизился с московским артистическим миром, по­дружился с композиторами Гурилевым и Верстовским, пи­сателем М. Загоскиным, актерами М. Щепкиным и П. Мочаловым, поэтом-актером Н. Цыгановым, на чьи стихи он создал многие романсы. Всех их объединяли общие худо­жественные интересы и любовь к русской песне. Варламов сочиняет множество прославивших его вокаль­ных произведений — это «Ах ты, время, времечко», «Что это за сердце», «Горные вершины», «Вдоль по улице метелица метет», «На заре ты ее не буди», «Что мне жить и тужить», «Оседлаю коня» и другие. Среди них одним из самых зна­менитых стал «Красный сарафан» (стихи Н. Цыганова), который, по словам современника, «был певаем всеми со­словиями — и в гостиной вельможи, и в курной избе мужи­ка». По роду своей службы Варламов много пишет теат­ральной музыки к трагедиям, мелодрамам, балету, а также постоянно выступает в концертах как оркестровый и хоро­вой дирижер, так и певец. У него был небольшой, но краси­вый тенор, его пение отличалось великолепной вокальной техникой и необычайной задушевностью. В 1840 году Вар­ламов издает «Школу пения», которая стала первым в Рос­сии учебным пособием по вокальному искусству и сыграла важную роль в обучении многих русских певцов. Последние годы композитор провел в Петербурге, где его жизнь сложилась очень трудно. Широкая известность не помогла ему снова получить службу в капелле, и Варламов с семьей находился в трудном материальном положении. Его здоровье ухудшалось, и он скончался от чахотки в 1848 году. В историю русской музыки Варламов вошел как автор романсов и песен, создав около 200 произведений. В выборе стихов он обращался как к русским поэтам — Пушкину, Жуковскому, Дельвигу, Лермонтову, Плещееву, Фету, Коль­цову, так и к Гёте, Гейне, Беранже. Основными жанрами для композитора были «русская песня» и лирический романс. В его сочинениях, полных задушевности, соседствуют и за­думчивая мечтательность, и порывистая романтическая устремленность и приподнятость. Варламов одним из первых композиторов обратился к поэзии Лермонтова, которая была созвучна духовной атмо­сфере 1830—1840-х годов и передавала острую неудовле­творенность окружающей жизнью и «вольнолюбивые меч­ты» русских людей. В романсе «Белеет парус одинокий»композитор сумел отразить эти чувства и настроения. В его музыке слышны «жажда бури» лермонтовского героя, его непримиримость и непокорность. Широкая энергичная ме­лодия в начале куплета сразу достигает кульминации — звука соль, который является вершиной яркой выразитель­ной кантилены. Взволнованность чувства в романсе под­черкивается аккордовым сопровождением с чеканным рит­мом полонеза-болеро: Умеренно скоро   А.Л. Гурилёв Александр Львович Гурилев (1803—1858) родился в Москве в музыкальной семье. Его отец Л. С. Гурилев, извест­ный пианист, композитор и дирижер, был крепостным му­зыкантом графа В. Орлова. Мальчик начал заниматься му­зыкой под руководством отца, а затем брал уроки фортепи­ано и теории музыки у Дж. Филда и И. И. Геништы, которые преподавали в семье графа. С юности Гурилев играл на скрипке и альте в крепостном оркестре, который считался одним из лучших в начале XIX века. В 1831 году после смерти графа Орлова семья Гуриле­вых получила вольную. С этого времени начинается компо­зиторская деятельность Гурилева. Он много выступает так­же в концертах как пианист и преподает пение и форте­пиано. Большое влияние на формирование вокального стиля Гурилева оказала его дружба с Варламовым; их сблизила общая любовь к народной музыке и цыганскому пению. Вскоре сочинения композитора начинают завоевывать по­пулярность. Такие романсы, как «В минуту жизни трудную», «Вьется ласточка сизокрылая», «Домик-крошечка», «Разлу­ка», «Колокольчик», «Сарафанчик», «Грусть девушки», за­звучали ив светских гостиных, и в домах чиновников, куп­цов, мещан. Среди фортепианных произведений Гурилева наибольшей любовью пользовались танцевальные миниатю­ры и многочисленные вариации на темы известных роман­сов и арий из опер. Но, несмотря на признание, композитора постоянно пре­следовала нужда, хотя он ради заработка брался подчас за любую работу. Тяжелая судьба не пощадила Гурилева: в последние годы жизни он страдал тяжелым душевным за­болеванием. Скончался композитор в Москве в 1858 году. Вокальное творчество Гурилева включает в себя около 90 романсов и сборник «47 русских народных песен», обра­ботанных для голоса с фортепиано. Он, как и Варламов, пред­почитал жанр «русской песни» и лирический романс. Его музыке свойственны нежная элегичность, мечтательность и задушевная искренность высказывания. Песня «Колокольчик»(стихи И. Макарова) характерна для композитора своим задумчивым лирическим настроением, связанным с образами русской природы и дальней дороги, так широко воспетыми отечественной поэзией. Здесь проявилась одна из главных особенностей «русских песен» Гурилева — использование изящного вальсового ритма в сочетании с простой и сдержанной мелодией, ее тонкой щемящей интонацией: Повторяемость ритмической фигуры аккомпанемента изредка расцвечивается тонким звукоизобразительным штрихом — нежным стаккато октав в верхнем регистре. Романсы и песни Алябьева, Варламова, Гурилева оказа­ли большое влияние на творчество современников — Глин­ки и Даргомыжского. Позже традиции их лирики, внима­ние к внутреннему миру человека найдут свое продолжение в гениальных романсах Чайковского. Вопросы и задания 1.Какие события оказали влияние на общественную и культурную жизнь России в первой половине XIX века? 2. Назовите композиторов, литераторов, живописцев, архитекторов и скульпторов этого времени. 3. Какие изменения произошли в музыкальной жизни России с на­чала XIX века? 4. Перечислите наиболее популярные музыкальные жанры этой эпо­хи. Каково было содержание домашнего музицирования? 5. Назовите жанры русского романса первой половины XIX века и их авторов — композиторов и поэтов. 6. Расскажите о жизни и творчестве Алябьева, Варламова, Гури­лева.   Михаил Иванович Глинка 1804 — 1857   Глинка — основоположник русской классической му­зыки и первый русский композитор мирового значения. Творчество Глинки завершило процесс формирования оте­чественной композиторской школы и вместе с тем откры­ло новые пути русской музыки, занявшей в XIX веке одно из ведущих мест в европейской культуре. В произведениях Глинки нашел свое яркое выражение подъем русской на­циональной культуры, порожденный событиями Отечествен­ной войны 1812 года. Подобно Пушкину Глинка создал прекрасное и гармоничное искусство, воспевающее красоту и радость жизни, торжество разума, добра и справедли­вости. В своем творчестве Глинка обращался к различным музыкальным жанрам — опере, романсу, симфоническим произведениям, камерным ансамблям, фортепианным пье­сам и другим сочинениям. Важнейшими качествами му­зыки Глинки были выразительность и пластичность мело­дий, тонкость гармонии и стройность формы, изящество ин­струментовки. Его музыкальный язык, впитав в себя свое­образные черты русской народной песни и итальянского бельканто, венской классической школы и романтического искусства, стал основой национального стиля русской клас­сической музыки. Биография Детство и юность.Глинка родился 20 мая (по старому стилю) 1804 года в селе Новоспасском Смоленской губер­нии. В имении родителей он был окружен любовью и забо­той, а его первые детские впечатления, связанные с русской природой, деревенским бытом и народной песней, повлия­ли на всю дальнейшую судьбу. «Живейшим поэтическим восторгом» наполняли его душу колокольные звоны и цер­ковное пение. Мальчик рано познакомился и с профессио­нальной музыкой, когда слушал домашние концерты не­большого оркестра крепостных музыкантов, принадле­жавшего его дяде, а зачастую и играл по слуху вместе с ни­ми. Много позднее композитор вспоминал в своих «Запис­ках »: «…Однажды играли квартет Крузеля(Б. Круселль — финский композитор и кларнетист-виртуоз, стар­ший современник Глинки) с кларнетом; эта музыка про­извела на меня непостижимое, новое и восхитительное впечатление — я оставался целый день потом в каком-то лихорадочном состоянии, был погружен в неизъяснимое, томительно-сладкое состояние и на другой день во время урока рисования был рассеян; в следующий урок рас­сеянность еще увеличилась, и учитель, заметя, что я рисовал уже слиш­ком небрежно, неоднократно журил меня и, наконец, однако ж, догадав­шись, в чем было дело, сказал мне однажды, что он замечает, что я все только думаю о музыке: что ж делать? — отвечал я, — музыка — душа моя/» В это же время Глинка начинает учиться игре на форте­пиано, а затем и на скрипке. Домашнее образование, типич­ное для дворянских семей в начале XIX века, включало в себя различные предметы; юный Глинка неплохо рисовал, страстно увлекался географией и путешествиями, изучал литературу, историю и иностранные языки (впоследствии он владел восемью языками). Неизгладимое впечатление оказали на мальчика собы­тия Отечественной войны 1812 года. На время наполеонов­ского нашествия семья Глинки была вынуждена покинуть имение и перебраться в Орёл. Но по возвращении домой услышанные им рассказы о героизме русских людей и под­вигах партизан Смоленщины остались в памяти на всю жизнь. Дом в селе Новоспаском, где родился Глинка С 1818 года Глинка продолжил свое образование в од­ном из лучших учебных заведений Петербурга — Благо­родном пансионе при Главном педагогическом институте. Пансион славился прогрессивно мыслящими преподавате­лями и передовыми учеными, среди которых выделялся сво­им смелым талантом и незаурядностью выдающийся рус­ский юрист А. П. Куницын — один из любимых учителей Пушкина. Гувернером Глинки в пансионе был В. К. Кю­хельбекер — лицейский друг Пушкина, поэт и будущий декабрист. Общение с ним способствовало развитию у Глинки чувства любви к народному искусству и интереса к поэзии. Тогда же Глинка познакомился и с Пушкиным, который часто навещал в пансионе Кюхельбекера и своего младшего брата Льва. Годы учения протекали в атмосфере пылких литератур­ных и политических споров с друзьями, что отражало тре­вожный дух времени. В Благородном пансионе, как и в Царскосельском лицее, сформировались личности будущих «бунтовщиков» — непосредственных участников трагиче­ских событий 14 декабря 1825 года. Во время пребывания в пансионе продолжалось разви­тие музыкального дарования Глинки. Он берет уроки игры на фортепиано и скрипке, а также теории музыки у лучших петербургских педагогов (в том числе несколько уроков фортепиано у Дж. Филда), постоянно посещает камерные и симфонические концерты, оперу и балет, принимает участие в любительских выступлениях и, наконец, делает первые шаги в сочинении. Ранний период творчества.Окончив пансион в 1822 году, Глинка некоторое время проводит в Новоспасском, где с до­машним оркестром дяди пробует свои силы как дирижер, постигая искусство оркестрового письма. Летом следующе­го года он совершает для лечения поездку на Кавказ, при­несшую много ярких впечатлений. Далее в течение несколь­ких лет Глинка живет в Петербурге. Прослужив недолгое время чиновником в канцелярии Совета путей сообщения, он вскоре подает в отставку, чтобы целиком посвятить себя главному и любимому занятию — музыке. Огромное значение для художественного формирования композитора имело его знакомство и постоянное общение с крупнейшими поэтами и писателями — Пушкиным, Дельвигом, Грибоедовым, Жуковским, Мицкевичем, Одоевским, а также с лучшими музыкантами того времени: Глинка часто встречается и музицирует с Варламовым, братьями Виельгорскими. Анна Петровна Керн, в доме которой часто бывал Глинка, расска­зывала в своих воспоминаниях об исполнительском искусстве композитора: «Глинка… поклонился своим выразительным, почтительным ма­нером и сел за рояль. Можно себе представить, но мудрено описать мое удивление и восторг, когда раздались чудные звуки блистатель­ной импровизации… У Глинки клавиши пели от прикосновения его маленькой ручки. Он так искусно владел инструментом, что до точ­ности мог выразить все, что хотел; невозможно было не понять того, что пели клавиши под его миниатюрными пальцами… В звуках им­провизации слышалась и народная мелодия, и свойственная только Глинке нежность, и игривая веселость, и задумчивое чувство. Мы слу­шали его, боясь пошевелиться, а по окончании оставались долго в чуд­ном забытьи. …Когда он, бывало, пел… романсы, то брал так сильно за душу, что делал с нами что хотел: мы и плакали и смеялись по воле его. У него был очень небольшой голос, но он умел ему придавать чрезвы­чайную выразительность и сопровождал таким аккомпанементом, что мы заслушивались. В его романсах слышалось и близкое искусное по­дражание звукам природы, и говор нежной страсти, и меланхолия, и грусть, и милое, неуловимое, необъяснимое, но понятное сердцу». Наряду с этим начинающий композитор много времени посвящает самостоятельному изучению оперной и симфо­нической литературы. После первых несовершенных опы­тов появляются такие яркие сочинения, как романсы «Не искушай» (слова Е. Баратынского), «Бедный певец» и «Не пой, красавица, при мне» (оба на слова Пушкина), соната для альта с фортепиано и другие инструментальные произведе­ния. Желая развить и усовершенствовать свое мастерство, Глинка в 1830 году уезжает за границу. Путь к мастерству.За четыре года Глинка посетил Ита­лию, Австрию и Германию. Будучи по натуре своей добрым, общительным и увлекающимся человеком, он легко сходился с людьми. В Италии Глинка сближается с такими корифея­ми итальянского оперного искусства, как Беллини и Дони­цетти, знакомится с Мендельсоном и Берлиозом. Жадно впитывая разнообразные впечатления, увлекаясь красотой итальянской романтической оперы, композитор пытливо и серьезно учится. В общении с первоклассными певцами он с упоением постигает на практике великое искусство бель­канто. В Италии Глинка продолжает много сочинять. Из-под его пера появляются произведения разных жанров: «Пате­тическое трио», секстет для фортепиано и струнных инстру­ментов, романсы «Венецианская ночь» и «Победитель», а также целый ряд фортепианных вариаций на темы по­пулярных итальянских опер. Но вскоре в душе композито­ра возникают иные стремления, о чем есть свидетельство в «Записках»: «Все написанные мною в угождение жителей Милана пьесы… убедили меня только в том, что я шел не своим путем и что я искренно не мог быть Итальянцем. Тоска по отчизне навела меня постепенно на мысль писать по-Русски». Выехав летом 1833 года из Италии, Глинка сначала по­сетил Вену, затем переехал в Берлин, где зимой 1833 – 1834 года совершенствовал свои знания под руководством извест­ного немецкого теоретика музыки Зигфрида Дена. Центральный период творчества.Весной 1834 года Глинка возвращается в Россию и приступает к осуществле­нию своего заветного замысла, возникшего еще за грани­цей, — созданию национальной оперы на отечественный сюжет. Этой оперой стал «Иван Сусанин», премьера кото­рой состоялась в Петербурге 27 ноября 1836 года. Музы­кальный писатель и критик В. Ф. Одоевский дал высокую оценку этому событию в русской музыке: «С оперою Глин­ки является то, чего давно ищут и не находят в Европе, — новая стихия в искусстве — и начинается в его истории новый период: период русской музыки. Такой подвиг, скажем, положа руку на сердце, есть дело не только таланта, но гения!» Успех окрылил композитора, и сразу после премьеры «Ивана Сусанина» он начинает работать над новой оперой «Руслан и Людмила». Поэму Пушкина Глинка узнал еще в юности и теперь горел желанием воплотить в музыке яр­кие сказочные образы. Композитор мечтал, что либретто напишет сам поэт, но судьба распорядилась иначе. Гибель Пушкина разрушила первоначальные планы Глинки, и со­здание оперы растянулось почти на шесть лет. Другие жиз­ненные обстоятельства также не благоприятствовали твор­ческому процессу. В 1837 году Николай I в качестве поощ­рения назначает Глинку на должность капельмейстера При­дворной певческой капеллы. Эта служба, сначала привлек­шая композитора своей творческой стороной, постепенно стала тяготить его многочисленными чиновничьими обязан­ностями, и он подает в отставку. Неудачной оказалась же­нитьба Глинки, закончившаяся бракоразводным процессом. Все эти события делали жизнь композитора все более труд­ной. Глинка разрывает прежние знакомства в светском об­ществе и ищет убежище в артистическом мире. Ближай­шим его другом становится известный писатель и драма­тург Н. Кукольник. В его доме Глинка общается с худож­никами, поэтами, журналистами и находит избавление от нападок и сплетен своих великосветских недоброжелателей.   Композитор и музыкальный критик А. Н. Серов в своих воспоми­наниях оставил выразительный портрет Глинки, относящийся к этому времени: «…Брюнет с бледно-смуглым, очень серьезным, задумчивым лицом, окаймленным узкими, черными, как смоль, бакенбардами; черный фрак застегнут доверху; белые перчатки; осанка чинная, горделивая… Как все истинные артисты, Глинка был темперамента, по преиму­ществу, нервного. Малейшее раздражение, тень чего-нибудь неприятного вдруг делали его совсем не в духе; среди общества, которое было не по нем, он, даже приневоливая себя, решительно не мог музицировать. На­против, в кругу людей, искренно любящих музыку, горячо ей сочувству­ющих… более далеких от условного, холодного этикета и пустой цере­монности великосветских гостиных, Глинка дышал свободно, свободно весь отдавался искусству, увлекал всех, потому что сам увлекался, и чем дальше, тем больше увлекался, потому что увлекал других». Вместе с тем в эти трудные годы, работая над «Русла­ном», композитор создает много других сочинений; среди них романсы на слова Пушкина «Я помню чудное мгнове­нье» и «Ночной зефир», вокальный цикл «Прощание с Пе­тербургом» и романс «Сомнение» (оба на слова Кукольни­ка), а также музыка к трагедии Кукольника «Князь Холмский», первый вариант (для фортепиано) «Вальса-фантазии». К этому же времени относится деятельность Глинки в качестве певца и вокального педагога: на его этюдах и упражне­ниях и при его участии постигали секреты мастерства пев­цы Д. Леонова, С. Гулак-Артемовский; его советами пользо­вались О. Петров и А. Петрова-Воробьева (первые исполни­тели ролей Сусанина и Вани). Наконец, была закончена опера «Руслан и Людмила» и 27 ноября 1842 года, ровно через шесть лет после премьеры «Ивана Сусанина», поставлена в Петербурге. Эта премьера принесла Глинке немало тяжелых переживаний. Импера­тор и его свита покинули зал до окончания представления, что определило «мнение» аристократической публики. В печати разгорелись жаркие споры вокруг новой оперы. Великолепным ответом недоброжелателям Глинки стала статья В. Ф. Одоевского и строки из нее: «О, верьте мне! На русской музыкальной почве вырос роскошный цветок — он ваша радость, ваша слава. Пусть черви силятся вползти на его стебель и запятнать его, — черви спадут на землю, а цветок останется. Берегите его: он цветок нежный и цветет лишь один раз в столетие». «Руслан и Людмила» — «большая волшебная опера» (по определению автора) — стала первой русской сказочно-эпической оперой. В ней причудливо переплелись разнооб­разные музыкальные образы — лирические и эпические, фантастические и восточные. Опера, проникнутая солнеч­ным оптимизмом, выражает вечные идеи победы добра над злом, верности долгу, торжества любви и благородства. Глинка, по словам ученого и критика Б. Асафьева, «на былинный лад распел пушкинскую поэму», в которой неторопливое, как в сказе, былине, развертывание событий построено на контрасте сменяющих друг друга красочных картин. Тра­диции «Руслана и Людмилы» Глинки были в дальнейшем разносторонне развиты русскими композиторами. Эпичность, картинность по-новому ожили в опере «Князь Игорь» и «Богатырской симфонии» Бородина, а сказочность нашла свое продолжение во многих произведениях Римского-Корсакова. Сценическая жизнь «Руслана и Людмилы» не была счаст­ливой. Оперу стали ставить все реже из-за резко возрастав­шего увлечения аристократической публики итальянской оперой, и через несколько лет она надолго исчезла из репер­туара. Поздний период жизни и творчества.В 1844 году Глинка уезжает в Париж, где проводит около года. Художественная жизнь французской столицы производит на него большое впечатление; он встречается с французскими композитора­ми Джакомо Мейербером, а также Гектором Берлиозом, ко­торый с успехом исполнил в своих концертах фрагменты из опер Глинки и напечатал хвалебную статью о русском композиторе. Глинка был горд приемом, оказанным ему в , Париже: «…Я первый русский композитор, который по­знакомил парижскую публику со своим именем и своими произведениями, написанными в России и для Рос­сии», — писал он в письме к матери. Весной 1845 года, специально выучив испанский язык, Глинка отправляется в Испанию. Там он пробыл два года: посещал многие города и области, изучал обычаи и культу­ру этой страны, записывал от народных певцов и гитарис­тов испанские мелодии, даже выучился народным танцам. Результатом поездки стали две симфонические увертюры: «Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде». Одновременно с ними в 1848 году появилась знаменитая «Камаринская» — оркестровая фантазия на темы двух русских песен. С этих произведений ведет свое начало русская симфоническая музыка. Последнее десятилетие Глинка жил попеременно то в России (Новоспасское, Петербург, Смоленск), то за границей (Варшава, Париж, Берлин). В эти годы зарождаются новые веяния в русском искусстве, связанные с расцветом, по оп­ределению В. Белинского, «натуральной» (реалистической) школы в литературе. Они пронизывают творчество Турге­нева, Достоевского, Островского, Салтыкова-Щедрина, Толстого и других писателей. Это течение не прошло мимо внимания композитора — оно определило направление его дальней­ших художественных поисков.   М.И.Глинка с сестрой Л.И.Шестаковой (1852 год) 

infopedia.su