Русский портрет XIX века | Старый Петербург

В истории русского искусства XIX век занимает особое место. Согласитесь, какими бы крупными ни были достижения художников предыдущих и последующих эпох, именно XIX век с полным на то основанием можно назвать золотым веком русского искусства. Интересно, что и на мировом антикварном рынке живопись художников этого периода пользуется особым спросом. XVIII и первая половина XIX веков были временем доминирования портретной живописи в русском искусстве. Не удивительно, что русский портрет 18-19 веков является ядром многих музейных собраний. Возможно, поэтому в частных коллекциях антикварная живопись этой эпохи встречается не часто. Но в любом правиле бывают исключения. 32-ой московский антикварный салон, прошедший в марте 2012 года, предложил специальную экспозицию «Живописный и акварельный портрет в России XVIII – первой половины XIX века» из коллекции старинных картин В. Н. Набокова-Алексеева.

Пожалуй, рассматривая выставку портретов, становится особенно очевидно, что в русской портретной живописи нашли отражение все поиски, эксперименты и достижения трех крупнейших стилей искусства XIX века: романтизма, реализма и раннего модерна. Такой антиквариат в Санкт-Петербурге до сих пор можно встретить в салонах и галереях.

Великие имена русской живописи

Наиболее полно черты русского романтического портрета были выражены в творчестве Ореста Кипренского. К числу известных мастеров портретного жанра первой половины 19 века принадлежат также Карл Брюллов, Василий Тропинин, Александр Варнек. Разницу в творческой манере романтиков Кипренского и Тропинина можно особенно остро ощутить, сравнив портреты А. С. Пушкина, их примерно в одно и то же время писали оба художника. Искусствовед А. Сидоров подчеркивал «знаменательную противоположность» этих портретов. Тропинин изобразил интимного, «расстегнутого» Пушкина. Современники отмечали удивительное сходство портрета с внешностью поэта, который изображен в домашней одежде и обстановке.

Внимание и уважение к личной жизни, к неповторимой индивидуальности, так важное для представителей стиля романтизм, нашло свое отражение в тропининском портрете. Кипренский создал более обобщенный и торжественный образ, в котором чувствуется и внутренняя динамика, и осознание значимости для общества гения поэта. Руки Пушкина у Кипренского перекрещены «по-наполеоновски» на груди, через плечо эффектно переброшен шотландский клетчатый плащ, что сразу вызывает ассоциации с Байроном. Сравнивая портреты Тропинина и Кипренского, невольно вспоминается традиционное деление творчества романтиков на «героическое» и «лирическое» направления. Реалистическое направление в русском старинном портрете связано, прежде всего, с творчеством художников-передвижников. Даже в Санкт-Петербурге антиквариат такой величины — большая редкость.

Старинные картины: почерк русских мастеров

Портреты кисти Ильи Репина, Василия Перова, Николая Ге, Ивана Крамского, Николая Ярошенко вошли в сокровищницу мирового искусства. Героями старинной живописи становятся не только представители аристократических кругов, а и творческая интеллигенция, ученые, писатели, люди из народа. Создается портрет-тип, его герои — не только конкретные известные или неизвестные личности, но и носители определенных качеств, социальных характеристик. На грани между реализмом и новыми поисками выразительных средств, характерных для модерна, находится портретная живопись Валентина Серова. Его можно назвать одним из лучших портретистов конца 19 века. Современники отмечали характерную для его творчества любовь к человеку, аналитичность, психологизм. Он был одновременно и тонким лириком, и суровым публицистом, и новатором, и традиционалистом. Известно, что заказывать ему портреты одновременно страстно хотели и боялись. Боялись острого, проницательного взгляда художника, случалось, что в портретах кисти Серова становились заметны тщательно скрываемые не самые лучшие черты характеров портретируемых. И в то же время Валентин Серов — автор, пожалуй, самых светлых, тонких и лирических 

антикварных портретов конца 19 века — знаменитые старинные картины «Девочка с персиками», «Девушка, освещенная солнцем». Хотя, по времени создания портретов 19 века их можно назвать старинной живописью , сила таланта художников такова, что героев этих портретов мы воспринимаем, как своих современников с близкими нам стремлениями, чувствами и мыслями. Возможно, именно поэтому антиквариат 19 века пользуется такой популярностью. Кстати, дорого продать или купить антикварную живопись в Петербурге можно в нашем антикварном салоне.

Портреты повседневности. Реализм в русской живописи XIX века — VATNIKSTAN

Реа­лизм про­ник в рус­ское искус­ство из Фран­ции во вто­рой поло­вине XIX века. Раз­ви­тию это­го сти­ля во мно­гом поспо­соб­ство­вал бунт сту­ден­тов Ака­де­мии Худо­жеств. 14 луч­ших выпуск­ни­ков отка­за­лись писать кар­ти­ны на задан­ную тему для кон­кур­са, про­во­див­ше­го­ся к сто­ле­тию Ака­де­мии худо­жеств. Они потре­бо­ва­ли предо­ста­вить им сво­бод­ный выбор сюже­та. Но тре­бо­ва­ние уче­ни­ков откло­ни­ли, и они отчис­ли­лись из Ака­де­мии.

Петер­бург­ские бун­та­ри объ­еди­ни­лись со сво­и­ми идей­ны­ми дру­зья­ми из Моск­вы, орга­ни­зо­вав «Това­ри­ще­ство пере­движ­ных худо­же­ствен­ных выста­вок». Имен­но с бун­та про­тив ака­де­ми­че­ских усто­ев нача­лась эпо­ха реа­лиз­ма в рус­ском искусстве.

Важ­ней­шим собы­ти­ем того вре­ме­ни ста­ла отме­на кре­пост­но­го пра­ва в 1861 году. Рефор­ма взбу­до­ра­жи­ла умы твор­че­ских людей, заста­вив их обра­тить серьёз­ное вни­ма­ние на про­бле­мы бед­ных людей.

Бур­ла­ки на Вол­ге. Илья Репин. 1870—1873 гг. Холст, масло

Худож­ни­кам не толь­ко ста­ла инте­рес­на жизнь про­стых рабо­тяг — они нача­ли вос­при­ни­мать своё твор­че­ство как один из спо­со­бов изме­нить мир, повли­ять на обста­нов­ку в стране. То есть искус­ство во вто­рой поло­вине XIX века ста­но­вит­ся пред­ме­том не толь­ко созер­ца­ния, но и осмыс­ле­ния. Оно не столь­ко погру­жа­ло в иде­а­ли­сти­че­ский мир, сколь­ко стре­ми­лось отра­зить про­бле­мы реаль­ной жиз­ни. Рас­смот­рим, что ново­го при­внёс реа­лизм в оте­че­ствен­ную живо­пись и как масте­ра ожи­ви­ли тра­ди­ци­он­ные жанры.

---

Жанровая живопись: повседневные сюжеты с социальным подтекстом

В отли­чие от Гол­лан­дии, где худож­ни­ки актив­но писа­ли быто­вые сцен­ки ещё в XVI веке, в Рос­сии жан­ро­вая живо­пись заро­ди­лась бук­валь­но два сто­ле­тия назад. Изоб­ра­же­ние буд­нич­ной жиз­ни совер­шен­но не инте­ре­со­ва­ло ни зри­те­лей, ни твор­цов вплоть до XIX века. Худож­ни­ки-роман­ти­ки, напри­мер, Орест Кипрен­ский и Карл Брюл­лов, немно­го рабо­та­ли над отоб­ра­же­ни­ем повсе­днев­но­сти, но пред­по­чи­та­ли исполь­зо­вать для подоб­но­го жан­ра «малые» фор­мы изоб­ра­зи­тель­но­го искус­ства: дела­ли быст­рые зари­сов­ки, этю­ды каран­да­шом, сан­ги­ной или углём, не при­бе­гая к живо­пи­си. На быто­вые сце­ны худож­ни­ки не были гото­вы тра­тить мно­го вре­ме­ни и сил, поэто­му отвле­ка­лись на них в пере­ры­вах меж­ду рабо­той над серьёз­ны­ми произведениями.

Во вто­рой поло­вине XIX сто­ле­тия вос­при­я­тие повсе­днев­ной дей­стви­тель­но­сти серьёз­но изме­ня­ет­ся. Искус­ство теперь долж­но не толь­ко при­но­сить эсте­ти­че­ское удовольствие.

Рас­смот­рим про­из­ве­де­ние одно­го из зна­ме­ни­тей­ших худож­ни­ков-реа­ли­стов — Васи­лия Гри­го­рье­ви­ча Перо­ва. В 1871 году худож­ник создал полот­но «Дедуш­ка и вну­чек», кото­рое явля­ет­ся отлич­ным при­ме­ром быто­во­го жанра.

Дедуш­ка и вну­чек. Васи­лий Перов. 1871 год. Холст, масло

На кар­тине мы видим убо­гую ком­нат­ку, посре­ди кото­рой сидит пожи­лой муж­чи­на, заня­тый воло­са­ми малень­ко­го вну­ка. Сам факт того, что Перов создал боль­шое живо­пис­ное полот­но на столь неза­мыс­ло­ва­тый сюжет, гово­рит о том, что худож­ни­ков ста­ла инте­ре­со­вать тема обы­ден­ной жиз­ни про­стых людей. Васи­лий Гри­го­рье­вич уде­ля­ет огром­ное вни­ма­ние дета­лям — изоб­ра­жён­ная ком­на­та запол­не­на пред­ме­та­ми быта бед­ня­ков. Здесь неза­тей­ли­вая гли­ня­ная посу­да и гру­бая дере­вян­ная мебель, а рва­ная одеж­да сушит­ся на верёв­ке. Но ком­на­та зава­ле­на веща­ми не пото­му, что у этих людей их мно­го. Нет, про­сто дом настоль­ко малень­кий и тес­ный, что даже самые необ­хо­ди­мые пред­ме­ты при­хо­дит­ся нава­ли­вать друг на друга.

Сце­на неве­ро­ят­но про­ста: дедуш­ка вычё­сы­ва­ет вшей у сво­е­го вну­ка. Каза­лось бы, что может быть здесь инте­рес­но­го и глу­бо­ко­го ? Но при вни­ма­тель­ном взгля­де ста­но­вит­ся понят­но, сколь­ко люб­ви и силы худож­ник вло­жил в сво­их геро­ев. Дедуш­ка, жизнь кото­ро­го навер­ня­ка обре­ме­не­на мно­же­ством забот и труд­но­стей, смог выкро­ить вре­мя на маль­чиш­ку. При­чём он зани­ма­ет­ся воло­са­ми внуч­ка не вскользь, меж­ду делом, а с глу­бо­кой вни­ма­тель­но­стью и серьёз­но­стью. А маль­чон­ка в это вре­мя меч­та­тель­ным взгля­дом смот­рит куда-то вдаль. Ему не очень-то по душе сто­ять спо­кой­но. Тем не менее он не пере­чит деду и стой­ко тер­пит, пока тот закон­чит заня­тие. Любо­вью и теп­лом про­ни­зан дан­ный быто­вой сюжет.

Мож­но пред­по­ло­жить, что не толь­ко сен­ти­мен­таль­ная состав­ля­ю­щая игра­ет важ­ную роль в этой жан­ро­вой сцене. Ста­рое поко­ле­ние кре­стьян дво­я­ко вос­при­ня­ло отме­ну кре­пост­но­го пра­ва. При­вык­шие к опре­де­лён­но­му укла­ду, пожи­лые люди были не гото­вы к сво­бо­де и боя­лись её. Но юное поко­ле­ние име­ло все шан­сы на луч­шую жизнь, было гото­во идти впе­рёд. Имен­но этот кон­траст поко­ле­ний отра­жён на кар­тине: дедуш­ка — оли­це­тво­ре­ние все­го ста­ро­го поко­ле­ния кре­стьян — спо­кой­но сидит в сво­ём убо­гом доме, в то вре­мя как маль­чон­ка с меч­та­тель­ной полу­улыб­кой сме­ло смот­рит впе­рёд, слов­но загля­ды­вая в свет­лое будущее.

---

Эволюция портретной живописи

Порт­ре­там вто­рой поло­ви­ны XIX века при­су­ща очень важ­ная чер­та — ощу­ще­ние момен­та, вырван­но­го из реаль­ной жиз­ни человека.

В нача­ле сто­ле­тия худож­ни­ки-роман­ти­ки стре­ми­лись к реа­ли­стич­но­му изоб­ра­же­нию моде­лей, напри­мер, опи­сы­ва­ли физи­че­ские недо­стат­ки внеш­но­сти, пыта­лись пере­дать внут­рен­нее состо­я­ние чело­ве­ка. Тем не менее на порт­ре­тах эпо­хи роман­тиз­ма мы видим людей, застыв­ших в акку­рат­ной позе, всем сво­им суще­ством демон­стри­ро­вав­ших, что в дан­ный момент они пози­ру­ют худож­ни­ку. Одним из самых выда­ю­щих­ся масте­ров того вре­ме­ни был Орест Ада­мо­вич Кипрен­ский. На его порт­ре­тах моде­ли сидят (изред­ка сто­ят) и смот­рят на зри­те­ля или в сто­ро­ну впол­обо­ро­та. Их позы все­гда стро­ги. При взгля­де на порт­ре­ты Кипрен­ско­го сра­зу воз­ни­ка­ет ощу­ще­ние, что чело­век на несколь­ко часов замер в позе, при­ду­ман­ной живописцем.

Порт­рет А. Ф. Шиш­ма­рё­ва. Орест Кипрен­ский. 1826 год. Холст, масло

Рас­смот­рим кар­ти­ну худож­ни­ка-реа­ли­ста Ильи Ефи­мо­ви­ча Репи­на «Порт­рет Гар­ши­на», создан­ную в 1884 году. Писа­тель сидит за сто­лом, зава­лен­ным кипа­ми бумаг и книг.

Порт­рет В. М. Гар­ши­на. Илья Репин. 1884 г. Холст, масло

Гар­шин слег­ка ссу­ту­лен, его руки с лок­тя­ми лежат на сто­ле — эту позу слож­но назвать эсте­ти­че­ски при­вле­ка­тель­ной. Тело писа­те­ля повёр­ну­то к сто­лу, в сто­ро­ну зри­те­ля направ­ле­на лишь голо­ва. Этот нема­ло­важ­ный момент даёт понять, что муж­чи­на чита­ет кни­гу, а не пози­ру­ет худож­ни­ку. Воз­ни­ка­ет ощу­ще­ние, буд­то он лишь на мгно­ве­ние отвлёк­ся от дела, что­бы взгля­нуть на нас. Воло­сы Гар­ши­на рас­трё­па­ны, он одет в непри­ме­ча­тель­ную чёр­ную руба­ху. Глав­ное для Репи­на — пока­зать гла­за писа­те­ля, в кото­рых чита­ет­ся его инте­рес­ная глу­бо­кая нату­ра. Мы видим не чело­ве­ка, кото­рый зака­зал порт­рет худож­ни­ку и тща­тель­но под­го­то­вил­ся, что­бы иде­аль­но выгля­деть на кар­тине. Нет, мы видим жизнь муж­чи­ны, кото­ро­го худож­ник захо­тел запе­чат­леть таким, какой он есть, за его насто­я­щи­ми повсе­днев­ны­ми делами.

Весь­ма реа­ли­стич­ны жен­ские порт­ре­ты вто­рой поло­ви­ны XIX сто­ле­тия. Худож­ни­ки про­дол­жа­ли вос­пе­вать кра­со­ту, изя­ще­ство и гра­ци­оз­ность сво­их моде­лей. В то же вре­мя худож­ни­ки стре­ми­лись изоб­ра­зить геро­и­ню в есте­ствен­ных для неё усло­ви­ях. Напри­мер, Репин в 1882 году запе­чат­лел жену Веру, уснув­шую в кресле.

Порт­рет Веры Репи­ной. Илья Репин. 1882 год. Холст, масло

На кар­тине перед нами — кра­си­вая девуш­ка в ярком пла­тье, кото­рая уто­ми­лась и засну­ла в крес­ле. Поза её изящ­на и сво­бод­на. Подоб­ная жиз­нен­ность и непри­нуж­дён­ность нача­ли про­ни­кать в гра­фи­че­ские рабо­ты масте­ров ещё в эпо­ху роман­тиз­ма. В 1809 году Орест Кипрен­ский создал каран­да­шом и мелом рису­нок «Мать с ребён­ком», на кото­ром изоб­ра­же­на жен­щи­на, удоб­но рас­ки­нув­ша­я­ся в кресле.

Мать с ребён­ком. Орест Кипрен­ский. 1809 г. Бума­га, ита­льян­ский каран­даш, мел

Её одеж­да выгля­дит слег­ка неряш­ли­во, при­чёс­ка рас­трё­па­на. Одна­ко, слож­но пред­ста­вить, что­бы в нача­ле XIX века появил­ся подоб­ный живо­пис­ный портрет.

Поми­мо это­го, в порт­ре­тах эпо­хи реа­лиз­ма отра­зил­ся инте­рес худож­ни­ков к про­стым людям. Роман­ти­ки пер­вой поло­ви­ны XIX века стре­ми­лись отоб­ра­зить иде­а­ли­сти­че­ское вос­при­я­тие дей­стви­тель­но­сти даже тогда, когда реша­лись на изоб­ра­же­ние низ­ших сосло­вий. Возь­мём для при­ме­ра зна­ме­ни­тую «Кру­жев­ни­цу» Васи­лия Тро­пи­ни­на, напи­сан­ную в 1823 году.

Кру­жев­ни­ца. Васи­лий Тро­пи­нин. 1823 год. Холст, масло

Перед нами сидит мило­вид­ная, заня­тая руко­де­ли­ем девуш­ка. Её лицо спо­кой­но, взгляд не выра­жа­ет глу­бо­ких пере­жи­ва­ний. Созда­ёт­ся ощу­ще­ние, что рабо­та, кото­рую она выпол­ня­ет, лег­ка и про­ста. Целью худож­ни­ка было пока­зать её кра­со­ту и гра­ци­оз­ность. Эта кар­ти­на не застав­ля­ет заду­мать­ся о труд­но­сти жиз­ни девуш­ки, не напол­ня­ет серд­це сочув­стви­ем к ней.

Совер­шен­но дру­гие чув­ства вызы­ва­ют кар­ти­ны про­сто­лю­ди­нов, напи­сан­ные худож­ни­ка­ми-реа­ли­ста­ми. Напри­мер, в 1871 году Иван Нико­ла­е­вич Крам­ской создал полот­но «Мужи­чок с клюкой».

Мужи­чок с клю­кой. Иван Крам­ской. 1871 год. Холст, масло

Сгорб­лен­ная поза муж­чи­ны крас­но­ре­чи­во даёт понять, что он изну­рён и изму­чен. Одеж­да его потрё­па­на и гряз­на. Важ­ная деталь на кар­тине — клю­ка, кото­рую герой креп­ко дер­жит дву­мя рука­ми, слов­но она всё, что у него есть. Мы не зна­ем навер­ня­ка, чем он зани­ма­ет­ся. Но зна­ем точ­но, что муж­чи­на про­жил непро­стую жизнь, и труд его был не из лёг­ких. При этом кар­ти­на про­ник­ну­та доб­рым и тёп­лым отно­ше­ни­ем худож­ни­ка к сво­е­му герою. Крам­ской кро­пот­ли­во изоб­ра­зил лицо муж­чи­ны, во взгля­де кото­ро­го нет ни зло­бы, ни оби­ды. В его гла­зах чита­ет­ся лишь уста­лость и муд­рость. Живо­пи­сец не стре­мил­ся пока­зать иде­а­ли­стич­ный образ кре­стья­ни­на. Наобо­рот, он запе­чат­лел про­сто­го чело­ве­ка в обыч­ной жизни.

Реа­ли­стич­ное искус­ство в Рос­сии не слу­чай­но назы­ва­ют «демо­кра­ти­че­ским реа­лиз­мом». Ведь имен­но во вто­рой поло­вине XIX сто­ле­тия худож­ни­ки про­ник­лись инте­ре­сом, сочув­стви­ем и теп­ло­той к про­стым людям. Сво­им твор­че­ством они стре­ми­лись вызвать у зри­те­лей не толь­ко состра­да­ние к тяго­там бед­ных людей, но и заро­дить в их серд­цах любовь к ним.

В отли­чие от пред­ше­ствен­ни­ков худож­ни­ки-реа­ли­сты пере­ста­ли вос­при­ни­мать искус­ство, как эта­лон того, к чему насто­я­щая жизнь долж­на стре­мить­ся. Наобо­рот, образ­цом для под­ра­жа­ния ста­ла реаль­ность, кото­рую масте­ра запе­чат­ле­ва­ли во всех красках.

Охот­ни­ки на при­ва­ле. Васи­лий Перов. 1871 год. Холст, масло

В пер­вой поло­вине XIX века худож­ни­ки посте­пен­но ухо­дят от чрез­мер­ной иде­а­ли­за­ции обра­зов. Поза моло­до­го садов­ни­ка с одно­имён­ной кар­ти­ны Кипрен­ско­го недву­смыс­лен­но гово­рит об измож­дён­но­сти героя.

Моло­дой садов­ник. Орест Кипрен­ский. 1817 год. Холст, масло

Малень­кая дев­чуш­ка на кар­тине Брюл­ло­ва «Всад­ни­ца» совер­шен­но не обра­ща­ет вни­ма­ния на зри­те­ля. Она с дет­ской непо­сред­ствен­но­стью любу­ет­ся гра­ци­оз­но­стью девуш­ки на коне. А Алек­сандр Оси­по­вич Орлов­ский на авто­порт­ре­те и вовсе пред­ста­ёт перед зри­те­лем с рас­трё­пан­ным и с оза­бо­чен­но-хму­рым выра­же­ни­ем лица.

Всад­ни­ца. Карл Брюл­лов. 1832 год. Холст, масло

При этом худож­ни­ки-роман­ти­ки и сен­ти­мен­та­ли­сты стре­ми­лись при­укра­сить реаль­ную жизнь. Жен­щи­ны на порт­ре­тах отра­жа­ют иде­ал кра­со­ты того вре­ме­ни — мелан­хо­лич­ные, задум­чи­вые, утон­чён­ные. Муж­чи­ны — сплошь герои или муд­рые мыс­ли­те­ли. Таким обра­зом, искус­ство в нача­ле века созда­ва­ло обра­зы, кото­рые ста­но­ви­лись сво­е­го рода иде­а­ла­ми, образ­ца­ми, эта­ло­на­ми. Жизнь хоте­ла под­ра­жать этим иде­а­лам, стре­ми­лась быть хоть сколь­ко-нибудь похо­жей на них.

Ситу­а­ция кар­ди­наль­но изме­ни­лась в 1860‑е годы — теперь окру­жа­ю­щая дей­стви­тель­ность ста­ла эта­ло­ном для худож­ни­ков. Очень точ­но реа­лизм в рус­ском искус­стве опи­сал Юрий Лотман:

«… жизнь высту­па­ет как область моде­ли­ру­ю­щей актив­но­сти — она созда­ёт образ­цы, кото­рым искус­ство подражает».

---

Читай­те так­же наш мате­ри­ал «Пер­вая выстав­ка передвижников».

Живопись XVIII-XIX вв.

В Сергиево-Посадском музее находится небольшая, но достаточно интересная коллекция живописи, которая состоит из произведений XVIII – начала XX века, а также живописные работы сергиевопосадских художников XX — XXI веков. Состав коллекции неоднороден; в лучшей части ее прекрасные образцы портретной живописи XVIII века, различные по художественным методам и принципам портреты XIX века, редкие аллегории, пейзажные этюды XIX века, значительная часть работ современных художников – произведения с иконографией Троице-Сергиевой лавры и города, пейзажи, натюрморты и портреты.

В музее есть полотна и неизвестных живописцев. Часть произведений создана художниками, игравшими незначительную роль в развитии русской живописи ХVIII и XIX веков; часть произведений позволяет говорить о живописной мастерской Троице-Сергиева монастыря, существовавшей с ХVIII века и закончившей свою деятельность в начале XX столетия. Коллекция живописи конца XIX-XXI вв., являющаяся логическим продолжением и завершением собраний изобразительного искусства Древней Руси и Нового времени, даёт прекрасную возможность проследить развитие художественных традиций Сергиева Посада за всё предшествующее столетие.

  Высшим достижением русской художественной культуры в XVIII и XIX вв. стал портрет. В нем воплотились поиски места и значения человека в окружающем мире, внимание к человеческой личности, новое понимание этической, гражданской и нравственной ценности человека и его внутреннего состояния. К произведениям петровского времени относится портрет царицы Прасковьи Федоровны Салтыковой (1664—1723), жены царя Иоанна Алексеевича, приписываемый кисти известного художника первой трети XVIII в. Ивана Никитича Никитина (ок. 1680— ок. 1742).

Галерея Лавры создавалась разными художниками, как столичными, так и лаврскими. В коллекции музея находится портрет царя Иоанна Алексеевича, который является погрудной копией большого портрета, созданного в конце ХVII века, находившегося в Романовской галереи Зимнего дворца. Возможно, образцом для портрета была гравюра, созданная Филиппо Джорджио Маттарнови. Многие десятилетия своей творческой жизни с Троицкой обителью и ее деятелями был связан крупнейший русский художник XVIII в. Алексей Петрович Антропов (1716— 1795). В период между 1744 и 1751 гг. он трудился над парадным портретом императрицы Елизаветы Петровны, который писал для Царских чертогов по заказу Синода. В 1762 г. им написаны для Лавры коронационные портреты Петра III и Екатерины II, а в 1770—80-е годы — троицкого архимандрита и Московского митрополита Платона Левшина.

Среди портретов венценосных особ больше всего в коллекции музея изображений Екатерины II. Это объясняется особо теплыми отношениями, существовавшими между ней и митрополитом Платоном. Он был возведен императрицей в высший духовный сан и поставлен ею законоучителем к наследнику. Среди них — превосходный по живописи, цельный и стилистически выдержанный портрет юной великой княгини Екатерины Алексеевны, будущей императрицы Екатерины II. Позже, после коронации отдельные детали были переписаны: на голове появилась корона, вместо красной ленты – голубая, андреевская, цветок замене на жезл. Для галереи Архимандричьего дома Троице-Сергиевой лавры был создан ( предположительно художником Л.К. Пфандцельтом) и портрет Петра Федоровича (1728-1762), будущего императора Петра III.

Парадный портрет великого князя Павла Петровича в рост, на котором великий князь изображен в адмиральском мундире, приписывается В.Эриксену и создавался в 60-е годы ХVIII века. Портрет был подарен законоучителю наследника митрополиту Платону Левшину и украшал приемный зал его Вифанской резиденции. Есть ещё один портрет великого князя Павла Петровича, который предположительно выполнен известным живописцем Жан-Луи Вуалем, датируется концом ХVIII века.  В коллекции музея находится интересный овальный портрет императрицы Екатерины II середины XVIII в., приписываемый кисти В.Боровиковского.

В монастырском собрании находилось значительное количество портретов настоятелей Троице-Сергиевой Лавры и других священнослужителей, большая часть которых была передана в РПЦ. В музейной коллекции сохранилось лишь несколько портретов митрополита Платона, а также архимандритов Гедеона Криновского, Лаврентия Хоцятовского, Августина Виноградского и др. Почти все они написаны неизвестными художниками с разной степенью мастерства. Типичным парадным портретом из собрания Троице-Сергиевой лавры является портрет митрополита Платона, изображённого одетым в дорогие одежды и роскошную митру вклада Елизаветы Петровны 1744 года. На груди Платона две панагии, одна из которых лаврская бриллиантовая, а вторая подарена Платону в 1775 году Екатериной II и Потёмкиным.

  
С лаврской коллекцией связана и одна из самых ранних работ ученика А. П. Антропова Петра Дрожжина, начавшего свой творческий путь, видимо, в Троице-Сергиевой лавре, где он учился у лаврского живописца П. Казановича. Портрет архимандрита Лаврентия Хоцятовского написан в 1765 году, когда Дрождин был учеником Антропова. Следует отметить портрет архимандрита Троице-Сергиевой лавры Гедеона Криновского, созданного в мастерской ТСЛ между 1770-1775 гг.

Портреты членов царской фамилии продолжают появляться в Троице-Сергиевой лавре и в XIX веке. Нередко они являются профессионально выполненными копиями русских художников с оригиналов иностранных живописцев. Среди них можно отметить два небольших портрета с изображениями императоров: Александра I в стиле французского живописца Жерара и Николая I в стиле немецкого художника Крюгера

В начале XIX века был написан двойной портрет императора Александра I с императрицей Елизаветой Алексеевной, аллегорически отражающий события войны 1812г . Эта картина носит условное название «Мир Европы». Вероятно, образы подсказаны гравюрами С.Кардели и А.Афанасьева «Александр I освобождает Францию и восстанавливает мир в Европе» или «Мир Европы». Аллегория решена в портретной форме четы русских императора и императрицы с масличной ветвью в руках и комментирующей надписью рядом с изображением.

Среди музейной коллекции XVIII в., где, в основном, находятся портреты, выделяется картина Ф.М.Матвеева «Итальянский пейзаж», написанная в Риме на рубеже XVIII-XIX вв. В качестве пенсионера Академии Художеств, получившего большую золотую медаль, он отправился в Италию в 1779 году, но так и не смог вернуться на родину. Современники, знавшие Матвеева в Риме, высоко ценили его творчество, считая его лучшим пейзажистом своего времени.

Кисти популярного в России в середине XIX века немецкого художника Карла Лаша принадлежит портрет Льва Арнольди, написанный в несколько романтическом духе. Для портрета характерны профессионализм письма, достоверность изображения, умение понравиться заказчику, что свойственно манере Карла Лаша. 

На рубеже XVIII-XIX вв. все большее значение приобретает камерный портрет. Они нередко украшали интерьеры дворянских усадеб и купеческих домов. К их числу можно отнести два портрета: неизвестной в чепце и косынке и неизвестного с орденом св. Владимира и крестом св.Анны, стилистически относящиеся к концу ХVIII века. Они поступили в музей, скорее всего, во время работы комиссии по охране лавры, и их происхождение, возможно, связано с обследованием окрестных усадеб.

Некоторые портреты XIX века связаны с именами малоизвестных или неизвестных художников. Интересным произведением является портрет неизвестной в белом чепце. Он датируется 30 -ми годами XIX века, когда были модны платья с широкими рукавами — жиго и воздушные косынки. Портрет привлекает гармонией светлого образа миловидной женщины и изысканного колористического решения всех деталей одежды.

Уровень отдельных произведений позволяет отнести их к группе так называемой «второй культуры», то есть культуры разночинной городской или сельской среды. Эти портреты обычно выполнялись непрофессиональными живописцами, чье искусство отвечало вкусам растущего купеческого сословия. В нашей коллекции к группе городского «бытового» или так называемого «примитивного» портрета относятся изображения Сергиевского почтмейстера и его жены. Название портретов условно и дано в связи с тем, что в руке мужчина держит письмо.

Следующая группа полотен объединяет живописные произведения, в основу сюжетов которых положены исторические события. Исторический жанр являлся главным в иерархии жанров Академии Художеств. В его лучших образцах художники выразили идеалы своего времени, наполнив композиции героическим, романтическим и мелодраматическим содержанием. В музейном собрании два полотна иллюстрируют историю Троице-Сергиева монастыря начала XVII в.: эскиз к картине С. Д. Милорадовича (1852-1943) «Осада Троице-Сергиева монастыря» 1894 года и картина М.И. Скотти (1814-1861) «Дионисий Зобниновский вручает патриотическую грамоту» 1851 г. Дионисий Зобниновский, архимандрит ТСЛ, вручает патриотическую грамоту с призывом к горожанам идти на помощь к Москве, воину, который принимает свиток от Дионисия.

К историческому жанру относится портрет «Николай I в Серапионовой палатке Троице-Сергиевой Лавры», написанный троицким мастером, свидетельствует о посещении Лавры императором в 1834 году.

Около двадцати произведений составляют группу памятников, основой сюжета которых является христианская или светская аллегория. Большинство из них выполнены, по-видимому, в мастерской Троице-Сергиева монастыря. Наиболее ранним произведением является картина «Моление Гедеона», которая датируется серединой ХVIII века и связана с заказом архимандрита лавры Гедеона Криновского. Сложная аллегория заложена и в сюжете картины «Восхваление дел Екатерины II», созданной скорее всего в самом конце ХVIII или начале XIX века. Аллегория восхваляет не только государственные, просветительские, но и духовные дела императрицы.

К символико-религиозной теме принадлежит картина В.Л.Боровиковского «Сон Боровиковского», написанная в 1824 году незадолго до смерти. Последний период художника отмечен мистическими религиозными настроениями, выливавшиеся в формы видений, которые художник стремился определить и обозначить и средствами своего искусства.

В коллекции музея находятся единичные полотна и этюды известных русских художников конца XIX и начала ХХ столетия. Жемчужиной собрания является картина И.К.Айвазовского «Прибой». Созданная в последние годы творчества (на ней стоит авторская дата «1895» год), она свидетельствует о колористическом даре выдающегося мариниста, фантастической способности передавать цветовые и световые нюансы морской глади и морского воздуха.

Среди этюдов выделяется небольшой этюд А.К. Саврасова 1880-х гг. с изображением любимого художником переходного состояния природы – начала весны. Пейзаж отличается простотой мотива, который подчеркивает его замечательные живописные качества. Его колорит построен на сочетании многочисленных оттенков серого цвета, прекрасно передающих рыхлый подтаявший снег, прозрачный весенний воздух, дымку облаков.

Эмоциональное восприятие природы характерно и для небольшого лиричного пейзажа Г.Ф. Ярцева «Пруд в имении Трубецких «Ахтырка», написанного в 1896 г. Ученик В.Д. Поленова, экспонент Товарищества Передвижных выставок, Г.Ф. Ярцев был активным представителем молодого поколения художников, старавшихся обновить передвижничество в конце 80-х — начале 90-х годов XIX века.

Живописная коллекция XVIII-XIX вв. представляет небольшой, но достаточно полный комплекс произведений, необходимых для понимания сложных путей развития русского искусства. Многие из них – работы неизвестных или малоизвестных художников, чье творчество составляет тот фон, на котором могли появиться выдающиеся мастера. Работы И. Никитина, А. Антропова, Ф. Матвеева, И. Айвазовского, А. Саврасова усиливают ценность коллекции.

Русская живопись 19 века. Русские художники 19 века.

Русская художественная культура истоки которой начинались с классицизма приобретший мощное народное звучание, как высокий классицизм, который отражался в живописи 19 века, постепенно переходил от романтизма к реализму в русском изобразительном искусстве. Современниками того времени особенно ценилось направление русских художников в котором преобладал исторический жанр с акцентом национальной тематики.

 

Но в тоже время в искусстве исторического направления не ощущалось особых изменений по сравнению с мастерами второй половины 18 века и от самого начала истории русского портрета. Часто в своих произведениях многие мастера посвящали подлинным героям древней Руси, подвиги которых воодушевляли к написанию исторических полотен. Русские живописцы того времени утвердили собственный принцип описания портрета, картин, выработав свои направления в изображении человека, природы, свидетельствующий о совершенно самостоятельной образной концепции.

 

Русские художники в своих картинах отражали различные идеалы национального подъема, постепенно отказываясь от строгих принципов классицизма, навязанных академическими устоями. 19 век ознаменован высоким расцветом русской живописи, в котором живописцы России оставили для потомков неизгладимый след в истории отечественного изобразительного искусства, проникнутое духом всестороннего отражения жизни народа.

 

Крупнейшие исследователи русской живописи 19 века в целом, отмечают выдающуюся роль в высоком расцвете творчества великих русских мастеров и изобразительного искусства. Уникальные произведения созданные отечественными мастерами на всегда обогатили русскую культуру .

Знаменитые художники 19 века

---

Орест Адамович Кипренский (1782-1836) Великолепно и тонко прописанные портреты Кипренского принесли ему славу и истинное признание среди современников. Его работы Автопортрет, А. Р. Томилова, И. В. Кусова, А. И. Корсакова 1808 г. Портрет мальчика Челищева, Голицина А. М. 1809 г. Портрет Дениса Давыдова, 1819 г. Девочка с венком из мака, самый удачный 1827 г. портрет А. С. Пушкина и др. В его портретах отражается красота волнения, утонченный внутренний мир образов и состояния души. Современники сравнивали его работы с жанрами лирической поэзии, стихотворным посвящением друзьям.

---

Сильвестр Щедрин (1791-1830)Мастер русского пейзажного романтизма и лирического осмысления природы. На более сорока его картинах Щедрин изобразил виды Соренто. Среди них заметны картины Окрестности Сорренто. Вечер, Новый Рим «Замок святого ангела», Набережная Мерджеллина в Неаполе, Большая гавань на острове Капри и др.

Полностью отдавшись романтике пейзажа и природной среде восприятия, Щедрин как бы восполняет своими картинами, упавший интерес его соплеменников того времени к пейзажу. Щедрин познал рассвет своего творчества и признания.

---

Василий Андреевич Тропинин(1776-1857) Замечательный русский портретист, выходец из крепостных крестьян. Его знаменитые работы картины: Кружевница, также Портрет Пушкина А. С., гравера Е.О. Скотникова, Старик — нищий, отличающаяся легким колоритом Портрет сына, 1826 г. Пряха, Золотошвейка, данные работы особо привлекли внимание современников. 1846 г. Тропинин разработал свой самостоятельный образный стиль портрета, характеризующий специфический московский жанр написания. В то время Тропинин стал центральной фигурой московского бомонда.

---

Венецианов Алексей Гаврилович  (1780-1847) Родоначальник крестьянского бытового жанра, Его знаменитые портрет Жница, картина > Жнецы, Девушка в платке, На пашне Весна, Крестьянка с васильками, Захарка и другие. Особо можно подчеркнуть о картине Гумно, которая обратила на себя внимание императора Александра 1, его тронули яркие образы крестьян, правдиво переданные автором. Он любил простых людей находя в этом определенную лирику, это отразилось в его картинах показывающие нелегкий крестьянский быт. самые лучшие его работы были созданы в 20-е годы.

---

Карл Павлович Брюллов (1799-1852) Мастер исторических полотен, Последний день Помпеи в суматохе обреченные жители разбегаются от неистовства вулкана Везувия. Картина произвела ошеломляющее впечатлении на его современников. Он мастерски пишет светские картины, Всадница и портреты применяя в яркие колористические моменты в композиции картины, Графиня Ю. П. Самойлова. Его картины и портреты сложены из контрастов света и тени. . Под влиянием традиционного академического классицизма, Карл Брюллов наделял свои картины исторической достоверностью, романтическим духом и психологической правдой.

---

Александр Андреевич Иванов (1806-1858) Великолепный мастер исторического жанра. Около двух десятков лет Иванов трудился над своей главной картиной Явление Христа народу, подчеркивая свое страстное желание изобразить пришествию на землю Иисуса Христа. На начальном этапе это картины Аполлон, Гиацинт и Кипарис 1831—1833 г, Явление Христа Марии Магдалине после воскресения 1835 г. За свою недолгую жизнь Иванов создал множество работ, для каждой картины пишет множество этюдов пейзажей, портретов. Иванов необычайного ума человек, всегда стремился показать в своих произведениях стихию народных движений.

---

Федотов Павел Андреевич (1815-1852) Мастер сатирического направления, положивший начало критического реализма в бытовом жанре. Свежий кавалер 1847 и Разборчивая невеста 1847 г., Сватовство майора 1848 г. Его творчество начинал еще со студенческих зарисовок 1837 г. типа Прогулка. Федотов как ни кто другой показал в своих работах темные стороны русской действительности, по-гоголевски высмеивая человеческие пороки и недостатки. Своими картинами Федотов один из первых разрушил академический уклад, открыв новое направление искусстве России.

---

 Иван Константинович Айвазовский 1817-1900 Замечательный маринист, его насыщенные романтизмом знаменитые полотна: Черное море, Среди волн, Неаполитанская ночь, Ночь. Голубая волна , Море. Коктебельская бухта, Лунная ночь. Купальня в Феодосии и Чесменский бой , Буря на море ночью, очень популярная картина Девятый вал, Радуга, Штиль , Всемирный потоп др. Иван Айвазовский создал множество полотен, отражая в них мягкие тона побережья, качающиеся на морских волнах корабли, различные эффекты морской воды и пены, величественные образы бушующего моря в шторм с кораблекрушениями.

 

Живопись второй половины XIX – ХХ вв.

Собрание НГХМ

Живопись второй половины XIX века представлена двумя основными направлениями художественной жизни того времени – академическим и передвижническим. Большинство крупных произведений мастеров академической школы было подарено Императорской Академией художеств или непосредственно авторами в период создания и вскоре после открытия музея. Среди них первый в музейном собрании экспонат – полотно Николая Кошелева «Погребение Христа», подаренное автором вместе с пейзажами, этюдами и эскизами на исторические, библейские, евангельские темы, в том числе сделанными для росписей интерьеров храма Христа Спасителя в Москве. В числе первых поступлений были и такие произведения, как «Последние минуты Дмитрия Самозванца» Карла Венига, «Иаков узнает одежду Иосифа» Александра Новоскольцева и многие другие. Характерными образцами академической живописи являются также картины Константина Маковского, Генриха Семирадского, Павла Сведомского и других.

Генрих Семирадский. Талисман. 

Искусство передвижников представлено произведениями ведущих художников Товарищества – Василия Перова, Ильи Репина, Ивана Крамского, Алексея Саврасова, Ивана Шишкина, Василия Поленова, Виктора Васнецова, Владимира Маковского, Николая Ярошенко и др.

Илья Репин. Мужичок из робких. 1877

Один из наиболее значительных разделов коллекции – живопись конца XIX-начала XX века. Она дает достаточно полное представление как о творчестве отдельных художников – Исаака Левитана, Валентина Серова, Константина Коровина, Зинаиды Серебряковой, так и о наиболее известных объединениях рубежа веков, к которым относятся «Мир искусства», «Союз русских художников», «Голубая роза», «Бубновый валет».

Евгений Лансере. Императрица Елизавета Петровна в Царском Селе. 1905

Особую значимость имеют монографические коллекции произведений Николая Рериха и Бориса Кустодиева, основная часть которых была подарена Максимом Горьким.

Николай Рерих. Красные кони. 1925

Борис Кустодиев. Русская Венера. 1925-1926

В начале 1920-х годов в собрание музея поступила коллекция живописных работ мастеров русского авангарда. В ее составе «Косарь» Казимира Малевича, «Импровизация 4» Василия Кандинского, «Кацапская Венера» Михаила Ларионова, картины Натальи Гончаровой, Александра Родченко, Ольги Розановой, Любови Поповой, Александра Шевченко и др.

Наталья Гончарова. Белки. 1910

Раздел живописи ХХ века включает полотна нескольких поколений советских художников – от Василия Бакшеева, Федора Богородского, Александра Дейнеки, Георгия Нисского, Аркадия Пластова, Владимира Стожарова до современных живописцев последнего десятилетия. Это наиболее динамичная часть музейного собрания, пополняющаяся новыми произведениями.

Николай Терпсихоров. Окно в мир. 1928

ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 15. Русский портрет. XIX век. (1).

«Верить можно только тем портретам,
На которых почти не видно модели,
Зато очень хорошо виден Художник.»
   Оскар Уайльд.
Первая половина 19 века в жизни русского общества была драматической вначале, но и романтической позже. События войны 1812 года, поражения русской армии и захват территорий Наполеоном в начале века, победоносное шествие по Европе и всплеск национального самосознания стали основой для последующего зарождения и становления интереса к познанию конкретного человека в важные для него моменты жизни, к его внутреннему миру и переживаниям. Немного раньше эти тенденции проявились в Европе и породили искусство романтизма, который в России приобрел свою особенность: в начале века он был героическим, связанным с интересом к национальной культуре и истории, к отечественным талантам.  А это привело к выдающимся достижениям в портретной живописи, которая непосредственно связывала художника и с обществом, и с выдающимися современниками.
Одним из самых известных художников-портретистов того времени был Орест Кипренский (1782-1836), в искусстве которого даже одного периода отразились как черты классицизма, так и романтизма.

Кипренский прожил бурную жизнь, в которой было все: незаконнорожденность от крепостной матери, придуманная фамилия, обучение с 6 лет в училище при Академии художеств под руководством Левицкого, обвинение в мошенничестве при представлении 22-летним художником портрета приемного отца в Италии (там сначала посчитали эту работу неизвестным шедевром Рубенса или Рембрандта).

Он был необыкновенно красив, и безумен в страсти, обладал бешеным темпераментом и впечатлительностью, пережил взлет славы в Италии и России (где его называли «русским Ван Дейком»). А затем все пошло под откос: слухи об убийстве своей натурщицы, принятие католичества и ненужный брак, пьянство, нищета и смерть вдали от родины.

На его надгробии в Риме выведено: «В память Ореста Кипренского, самого знаменитого среди русских художников». (Подробнее с его биографией можно познакомиться тут: http://art19.info/kiprenskiy/biography.html)
У другого выдающегося живописца того времени, Алексея Венецианова (1780-1847) основное место в творчестве занимало изображение труда и быта крестьян, несколько идеализированное и приглаженное.

Начинал свой путь в искусстве Венецианов с уроков рисования, которые давал ему его «дядька» (гувернер), способный рисовальщик. В то время, как мы помним, главным жанром был портрет, и молодой самоучка, написав портрет матери, решил посвятить себя живописи, уехал в Петербург и работал чертежником в почтовом ведомстве.

Счастливый случай сделал его учеником Боровиковского, постепенно он приобрел некоторую известность и смог полностью посвятить себя живописи. Вскоре после женитьбы Венецианов покупает небольшое имение и полностью погружается в новое для русской живописи направление — портреты и жанровые сцены из крестьянского быта. Тогда же он открыл в себе второе призвание – учить способных крестьянских детишек живописи, а некоторых, бывших крепостными, даже сам выкупал. Он вырастил более 70 способных учеников в своей «Школе Венецианова».

«Ранний поэтический реализм Венецианова, ставший столь необходимым этапом в развитии русской живописи, окрасил и его портретное творчество, обогатив тем самым весь русский портрет этого периода.»
(http://www.artprojekt.ru/gallery/russian/60.html)  Последние годы жизни были тяжелыми: жена умерла от холеры, средств не хватало, дочери не смогли выйти замуж, многие ученики предали его идеалы и писали неправдоподобные счастливые сценки крестьянской жизни и приукрашенные портреты. Погиб художник нелепо и страшно: лошади в повозке понесли, а его руки запутались в поводьях и несколько километров его выброшенное из повозки тело неслось вслед за ней по камням. (Подробную биографию художника можно прочитать тут: http://art19.info/venetsianov/biography.html)
У еще одного выдающегося художника первой половины 19 века Александра Иванова (1806-1858)

портрет, как правило, не был главным в творчестве, он был вспомогательным этюдом для создания исторического или историко-религиозного большого полотна. Помните целый зал портретов разной величины и этюдов в Третьяковской галерее, написанных художником для главной картины его жизни – «Явление Христа народу»? Некоторые искусствоведы считают, что этюды перевесили ценность самой картины, получившейся огромной (5,4 м x 7,5 м), внушающей уважение, писавшейся в течение 20 лет, но не трогающей душу, на мой взгляд. Зато каждый этюд к ней можно считать законченной картиной, посмотрите на эту голову, ведь это же портрет Гоголя, только с бородой и длинными кудрявыми волосами.

С 25 лет и почти до конца жизни художник прожил в Италии, практически в нищете и иногда даже голодая, так и не создав семьи, хотя была у него и большая любовь к прекрасной итальянке Виттории Кальдони, которая предпочла его друга, художника Лапченко. (Об этом интересно написано тут: http://nearyou.ru/ivanov/0vittoria.html.

Ему не везло с женщинами. Около восьми лет он жил с какой-то Терезой (о ней есть упоминание в его переписке), она вечно устраивала ему сцены и не раз обворовывала. Была еще одна женщина, в которую он был влюблен, графиня Апраксина, но ее отдали замуж за другого. Вернувшись в Россию, Иванов через месяц заражается холерой и умирает.
Особое место в портретной живописи занимает творчество другого русского художника, который часто вводил в свои портретные картины жанровые детали. Речь идет о Павле Федотове (1815-1852),

кадровом военном, гвардейском капитане, оставившем службу и посвятившим себя искусству по приказу Николая I, узнавшего о больших способностях «рисующего офицера». И рисовать он начинал как баталист, его привлекали сцены масштабных битв, а еще карикатуры и шаржи на своих товарищей по кадетскому корпусу. Оставить военную службу Федотов собирался и до приказа царя, к этому его призывал и баснописец Крылов, видевший его работы и советовавший ему «обличать скверность русской жизни и тем самым способствовать ее улучшению». Все вы знаете его знаменитые жанровые сцены, пользовавшиеся большим интересом зрителя, но и в портрете он проявил себя незаурядным художником, наблюдательным и откровенным.

Иногда он мог полгорода пройти за каким-нибудь приглянувшимся ему типом, чтобы лучше рассмотреть его в движении, а потом изобразить в одной из задуманных сценок. Жил он вместе со своим денщиком очень скромно, иногда даже бедствовал, но помогал семье – отцу и сестрам.

Конец его короткой жизни был страшен – он умер в психбольнице, в отделении для буйнопомешанных от плеврита, хоронил его только его верный денщик, друзей даже не оповестили. (Подробную биографию можно посмотреть тут: http://art19.info/fedotov/biography.html ).
Блестящий живописец, великолепный портретист, талантливый монументалист, прекрасный акварелист, классик и романтик – все эти эпитеты не являются преувеличением, когда мы говорим об этом художнике.

Сам бог велел ему стать художником, сподобив родиться в семье художника и преподавателя Академии художеств Санкт-Петербурга Павла Брюлло. Уже в 10-летнем возрасте он поступил в Академию и удивлял преподавателей своим талантом и техникой, легкостью письма и работоспособностью. В 1822 году, добавив к своей фамилии «в» в конце, Брюллов вместе с братом отправился в турне по Европе по заданию «Общества поощрения художников». Его работы, написанные в Италии, имели большой успех и получили похвалу самого Николая I. Он пишет по заказам большое количество портретов, используя разнообразные художественные приемы и стили от барокко до реализма, вводя бытовые детали и предметы обстановки.

Вернувшись на родину уже известным художником, он становится востребованным в высшем свете портретистом, многие вельможи, политические деятели, литераторы почитают за честь иметь свой портрет кисти Брюллова.

В 1847 году после сильной простуды у Брюллова обострился ревматизм и ухудшилась работа еще с детства больного сердца, он семь месяцев по настоянию врачей, пролежал в постели, но продолжал работать.

По требованию тех же врачей в 1849 году Брюллов переезжает на остров Мадейра, затем в небольшое местечко под Римом, пишет несколько портретов, но это уже дается ему с трудом, и в 1852 году художник умирает, оставив в мастерской множество незаконченных работ и набросков. (Полностью биографию можно прочитать тут: (http://art19.info/brullov/biography.html).
Мы постепенно подошли к середине 19 века, когда в русском искусстве вообще, и в живописи в частности, назрели большие перемены, связанные с изменениями обстановки в стране и настроений в обществе. «Рождалось национальное реалистическое искусство, ставившее своей задачей отражение жизни общества и народа…» (http://art19.info/russkaja-zhivopis/articles.html). Хотя я и не люблю подобных определений, так как считаю их надуманными, придерживаюсь мнения, что живопись (и вообще искусство) не обязаны «ставить перед собой задачи» что-либо отражать, но тут не место для этого разговора.
Одним из первых российских художников, кто почувствовал и сумел передать потребность общества в переменах, призвал его к прозрению, обратил его внимание на жизнь народа, «обличая», как выражаются критики, несправедливость и угнетение, был Василий Перов (1834-1882).

Фамилия его сначала была прозвищем, данным ему учителем грамматики за хорошее «владение пером», закрепившаяся позже, как единственная. Он был незаконнорожденным сыном барона Криденера, который воспитывал его в своей семье. Перов в основном известен своими жанровыми картинами, некоторые из которых носят явный обличительный характер (например «Тройка», знакомая многим еще по советскому учебнику «Родной речи»), но нас интересуют портреты, многие из которых считаются шедеврами жанра.

«Портрет этот не только лучший портрет Перова, но и один из лучших портретов русской школы вообще. В нем все сильные стороны художника налицо: характер, сила выражения, огромный рельеф». Так охарактеризовал эту работу Иван Крамской. Перов пишет целую серию портретов русских литераторов и музыкантов, среди них великолепные портреты Тургенева, Рубинштейна, Островского.

Художник Нестеров замечательно сказал о его портретах того периода: «…Выраженные такими старомодными красками, простоватым рисунком, портреты Перова будут жить долго и из моды не выйдут так же, как портреты Луки Кранаха и античные скульптурные портреты».
Творчество последних лет его недолгой жизни считается не очень удачным, да и сама жизнь складывалась трагически: смерть жены, потеря двух старших детей, заражение чахоткой. Долгая тяжелая и неизлечимая по тем временам болезнь обострилась тифом и воспалением легких, художник умер в 48 лет и похоронен на кладбище Донского монастыря. (Подробнее тут: http://www.art-portrets.ru/vasiliy-perov.html )
Одним из самых ярких художников того времени, пробовавшим свои силы и в бытовом, и в историческом жанрах, но прославившийся главным образом благодаря портретам современников, был Иван Крамской (1837-1887).

Вся его жизнь – сплошное противоречие: он был академиком и одновременно борцом с академизмом, был горячим поклонником Чернышевского, но писал портреты членов царской семьи. Прославившись виртуозным написанием портретов, художник, однако, считал для себя этот вид живописи обузой, обязанностью, «ненастоящим искусством», дающим возможность содержать семью, но отвлекающим от того, чем он хотел бы заниматься – «поиском цели человеческого существования и решением социально-политических проблем средствами живописи».

И нам, потомкам, повезло, что для поддержания уровня жизни семьи художнику приходилось принимать заказы на большое количество портретов, благодаря чему мы имеем возможность видеть лица многих выдающихся людей того времени.

Со своей будущей женой Крамской познакомился, когда ему было 22 года, она была содержанкой одного малоизвестного художника, и когда тот уехал заграницу, стала женой Крамского, родила ему 6 детей, из которых в живых остались двое, была ему помощницей и опорой не только в быту, но и в деятельности руководимой мужем «Артели художников».

Последние годы жизни художника были омрачены бесконечной погоней за заработком, вынужденной, надоевшей ему работой над портретами на заказ, невыполнимостью желания посвятить себя другим сюжетам, плохое здоровье и сердечные боли, которые он пытался глушить морфием. Он умер, не дожив до 50 лет, во время работы над очередным, последним портретом (врача Раухфуса) от разрыва аневризмы аорты, помочь ему было невозможно.
И еще об одном живописце французского происхождения и необычной зигзагообразной судьбы, Николае Ге (Gay) (1831-1894),

начинавшего свое творчество с евангельских сюжетов, прославившегося сначала картинами на исторические темы, принимавшего вместе с  Мясоедовым активное участие в создании Товарищества передвижных выставок, уехавшего в глушь заниматься хозяйством, подружившегося со Львом Толстым и оставившего нам портреты многих своих великих современников. Интересный факт биографии: Ге познакомился в Италии с Герценом,

написал его великолепный портрет, а доставить его в Россию смог только под видом пророка Моисея, так как Герцен жил в изгнании и портрет «этого бунтаря» мог быть уничтожен жандармами на границе. С 1880-х годов Ге становится не только последователем Льва Толстого, но и его другом,

переживает духовное возрождение, заявляет о том, что жить надобно только честным трудом, а «искусством нельзя торговать». В конце жизни художника занимала тема последних дней Христа. Он говорил: ««Я сотрясу все их мозги страданием Христа». Но его новая манера, предвосхищавшая появление экспрессионизма, не была принята публикой и критикой. Скоропостижная смерть в 63 года прервала его поиски новых выразительных средств, современники не поняли какой «грандиозный прорыв совершил художник 19 века к мучительной эстетике следующего столетия.» (Анна Вчерашняя. https://artchive.ru/artists/121~Nikolaj_Nikolaevich_Ge)
Продолжение следует. А пока можете посмотреть музыкальный видеоролик к теме, в котором 93 репродукции и звучат фортепианные пьесы Василия Калинникова в исполнении Виктора Рябчикова. Время просмотра – почти 9 минут.

Ссылки: 1. http://art19.info/
         2. http://www.artprojekt.ru/gallery/russian/55.html
          3. http://stud24.ru/history/russkij-portret-pervoj-poloviny-xix/90020-273807-page1.html
           4. http://stud24.ru/history/russkij-portret-pervoj-poloviny-xix/90020-273807-page1.html.

Русская живопись первой половины 19 века

Русская живопись первой половины 19 века – уже абсолютно самобытное национальное явление. Прошел период заимствований и имитации у западноевропейских школ; русская культура обрела свой голос и воплощение, став при этом неотъемлемой частью глобальных мировых процессов. В русской живописи первой половины 19 века воплотились романтические идеалы эпохи национального подъёма. Постепенно, отвергнув строгие, не допускающие отступлений принципы классицизма, художники открыли многообразие и неповторимость окружающего мира. Это отразилось в уже привычных жанрах: портрете и пейзаже, и дало толчок к рождению бытового жанра, который оказался в центре внимания мастеров второй половины 19 столетия. Оставаясь формально в рамках классицистического метода, придерживаясь специфического табеля о рангах в живописи, в котором первенство оставалось за историческим жанром, в русской живописи первой половины 19 века проявляются романтические идеи и темы: сложная, противоречивая личность человека, поиск правдоподобности, персональности. Отсюда такой всплеск и небывалый расцвет искусства портрета, невероятный психологизм образов, созданных О. Кипренским, В. Тропининым. В русской живописи первой половины 19  века отразились и национальные идеи, присущие умонастроению русского общества после победы в войне 1812 г. – появляется темя крестьянства, русской деревни, поэтизация среднерусского пейзажа в творчестве А. Венецианова, В. Сороки и др. Наконец, исторический жанр обретает новое воплощение, новые формы и новое прочтение в величайшем и уникальном произведении А. Иванова «Явление Христа народу», в котором каждый типаж, каждый мотив были взяты и синтезированы художником из натуры. Таким образом, все, что зритель видит на картине А. Иванова произошло и происходит как бы на самом деле, в реальном времени и пространстве. И здесь уже намечен явный выход к реализму второй половины 19 века

Купить русскую живопись первой половины 19 века

Русская живопись первой половины 19 века из коллекции антикварного магазина представлена интересными образцами, такими как портреты, пейзажи и жанровые композиции. Покупая у нас живописные произведения первой половины 19 века, вы можете быть уверены в подлинности и качестве приобретаемых произведений. Ведь произведения этого периода имеют уже исключительно коллекционное значение. Всесторонняя атрибуция в ведущих НИИ и музеях, работа с источниками и каталогами, химико-технологический анализ обязательно проводятся на большинство произведений этого периода

Оценить и продать русскую живопись первой половины 19 века

Если Вы хотите оценить и/или продать русскую живопись, графику, декоративно-прикладное искусство первой половины 19 века, воспользуйтесь нашей услугой бесплатная оценка антиквариата онлайн. Мы принимаем на комиссию и осуществляем прямой выкуп произведений русского искусства

Каталог русской живописи до 1917 года

глаз — зеркало души — Повествовательная портретная живопись Вероники Винтерс

В этом сообщении в блоге я хотел бы познакомить вас с некоторыми из моих любимых русских портретов XVIII и XIX веков, которые я полюбил в детстве. Эти портретные картины оказали значительное влияние на мою эстетику и желание изучить традиционные техники масляной живописи в зрелом возрасте. Некоторые из этих картин представляют собой столкновение классических идеалов с романтизмом, что очевидно в выборе художником сюжета и цветовой гаммы.

Искусство стало источником вдохновения в начале моей жизни. Многие картины маслом были напечатаны в учебниках для государственных школ. Русское искусство занимало последние страницы в тех учебниках, которые печатались в цвете и на плотной бумаге, в отличие от остального материала (Советский Союз 80-х годов). Помимо одного художественного класса в начальной школе, в то время у нас не было искусства как предмета, поэтому эти цветные репродукции и коллекция художественных книг моих родителей стали моим первым знакомством с русским искусством.

Илья Репин (1844-1930)

Илья Репин — один из самых известных русских художников своего поколения.Превосходный художник-фигуралист, он один из моих любимых за свои моральные взгляды и социальную цель, которые он воплощал в своем искусстве. На его портретах изображены самые разные персонажи, обладающие огромной художественной силой и вдумчивостью.

Илья Репин, Портрет Гаршина, 35 × 27, 1884 год, Метрополитен-музей

Этот портрет — один из нескольких портретов русских художников и интеллектуалов, созданных Репиным после его возвращения из аспирантуры во Франции. Художник умолял Академию разрешить ему вернуться домой, чтобы он смог поработать над национальной тематикой в ​​своей картине.

Вот отрывок из Метрополитена об этой картине. «Русский писатель Всеволод Гаршин специализировался на рассказах, отражающих его пацифистские убеждения, любовь к прекрасному и отвращение ко злу. В начале 1880-х он подружился с Репиным, ведущим прогрессивным художником, разделявшим его озабоченность политическими и социальными проблемами современности. Через четыре года после его создания Гаршин, израненный самоубийствами отца и брата и собственным психическим заболеванием, бросился с лестницы и умер.”Http://www.metmuseum.org/art/collection/search/437442)

Владимир Боровиковский (1757-1826)

Владимир Боровиковский, Портрет Марии Лопухиной, 1797, 72 × 53 см, Государственная Третьяковская галерея, Москва

Картина, созданная в конце XVIII века, отражает настроения эпохи, когда человек является частью природы. Художница соединяет модель с естественным, но декоративным пейзажем позади нее, где русский пейзаж становится более заметным, чем это было раньше в русской живописи.В этой масляной картине гармонично сочетаются цвета. Голубой цвет крошечных васильков на заднем плане отражается в ее красивом синем поясе, а золото ржи смешивается с ее украшениями и золотыми акцентами на поясе. Цвет тускло-розовой шали, обвивающей ее фигуру, подобен тихим розам, цветущим рядом с ней. В ее белом платье сходные тона сочетаются с парочкой деревьев, повторяющей диагональ фигуры.

В остальном стандартный диагональный трехчетвертный вид женщины изображает красоту юной княгини Лопухиной (1779–1803), принадлежавшей к русской царской семье Толстого и умершей от туберкулеза в возрасте двадцати с небольшим лет.Ее мастерски раскрашенное лицо демонстрирует красивую сдержанность. Мягкие переходы между теплыми и прохладными тонами, светло-розовые оттенки на щеках, зеленоватые тени, завораживающая глубина глаз и нежные розовые оттенки рта — все дышит жизнью. Мне нравится этот портрет за его спокойствие, элегантную уверенность и мастерский баланс цвета и формы.

Боровиковский создал множество портретов после работы в армии, а затем и после окончания Академии в Санкт-Петербурге.Он получил известность среди императорского двора, включая Екатерину II.

Карл Брюллов (1799-1852)

Карл Брюллов, Последний день Помпеи, 183 x 256 дюймов, 1830-33

Карл Брюллов был последним великим классическим портретистом в России XIX века. Получив образование в Академии в Санкт-Петербурге, художник испытал влияние классических идеалов Рима. Королевский художник Брюллов обладал огромным набором навыков, которые он продемонстрировал в своем самом известном историческом произведении под названием «Последний день Помпеи, 1830–1833 годы», которое принесло ему широкую известность по всей Европе.Реализм и идеализм, классические и неоклассические идеалы сталкиваются на огромном полотне, изображающем людей в действии, спасая свою жизнь во время извержения Везувия. Получив высшие награды в Академии, Карл Брюллов выиграл золотую медаль для поездки в Италию. Погруженный в классические традиции живописи, художник провел три года, изучая каждую фигуру Последнего дня Помпеи, выполнив многочисленные рисунки. В каждой фигуре, строении и лошадях есть движение и равновесие.Каждый элемент расписан с большой детализацией и мастерством формы.

Русский художник также написал множество картин, изображающих королевскую семью, а также идеализированные итальянские темы с беззаботными женщинами, выполняющими обычные задачи, такие как сбор винограда или стирка одежды. Хотя эти картины были написаны мастерски, им не хватало видения и отражения некоторых важных социальных изменений, происходящих в стране. Эти изменения вскоре были расписаны передвижниками.

Фрагмент из «Последнего дня Помпеи»

Фрагмент из «Последнего дня Помпеи»

Карл Брюллов, Портрет княгини Елизаветы Салтыковой, 1841 год, Государственный Русский музей в Санкт-Петербурге.

Николай Пимоненко (1862-1912)

Николай Пимоненко, Святочное гадание, деталь, 1888 г.

В этой картине столь смелое использование цвета! Мощный единый источник света освещает двух крестьянских девушек, гадающих. По старинной традиции девушки помещали плавильный воск в чашку с холодной водой, чтобы запечатлеть «застывший» профиль будущего мужа. Здесь они смотрят на стену, отлитую из расплавленного воска, пытаясь понять, кто это за человек. Мне нравится, насколько естественна и свежа манера письма, и как яркие цвета гармонируют, создавая праздничное настроение.

Иван Крамской (1837-1887)

Иван Крамской, лидер движения передвижников, был одним из самых сильных портретистов своего поколения. Как и другие художники движения, он верил в общественный долг и служение людям своим искусством. Он интересовался живописью на национальные темы, но Крамской был еще и прекрасным портретистом. В 1869 году он выставил свои портреты в Академии, за что получил звание академика. На одном из его знаменитых произведений изображена женщина, которая могла быть порядочной или нет, но выражение ее лица завораживает.Богато расписана каждая фактура: перья, шелк, мех, бархат. Светло-желтый свет окутывает далекие постройки и описывает контуры фигуры. Художница наносит тот же цвет на перо шляпы и ее лицо, чтобы тщательно согласовать картину.

Иван Крамской, Незнакомец, 1883 г., Государственная Третьяковская галерея, Москва Крамской, лесник, 1874 г. (84 × 62 см или 33 × 24,5 дюйма), Государственная Третьяковская галерея, Москва

Взгляд этого мужика просто приковывает внимание! В его загадочных глазах обитают трагедия, беспокойство и скрытая сила.Художник показывает особый тип человека, который не любит селиться и терпеть издевательства над лесом со стороны мужчин. Или, возможно, картина о бедных деревенских жителях, которые устали от бесконечных страданий и готовятся к восстанию против своих богатых хозяев.

Иван Крамской портрет. дочери художника Софии 1882

Этот портрет был написан в конце 19 века, когда произошел переход от классического искусства к современному. Художник изображает свою дочь менее сдержанно, с расплывчатыми мазками и яркими тенями, демонстрируя классическое мастерство анатомии и техник масляной живописи.Ее вдумчивое лицо не обладает классической идеализацией, но выражает внутреннюю силу и глубину характера, которых так трудно достичь в живописи. Сдержанная позиция ее рук и рта изображает очень молодую женщину, погруженную в мысли. Воспитанная отцом, София также стала профессиональным художником. Она получила признание за свои художественные способности, но после революции у нее была очень сложная жизнь.

Иван Николаевич Крамской, Портрет Ивана Шишкина

Иван Шишкин был великим пейзажистом, позировавшим для этого мастерского портрета Крамского.Фон и поза настолько просты, что все наше внимание сосредоточено на лице художника, в котором столько человечности и жизни, что невозможно описать красками.

Василий Тропинин (1776-1857)

Василий Тропинин происходил из семьи крепостных и получил свободу только в возрасте 47 лет. Он часто изображал сцены обычной крестьянской жизни, в которых женщины выполняли тяжелую или кропотливую работу. Эти картины имеют веселое настроение, воспевают обычную домашнюю жизнь.

Тропинин, кружевница, 1823 г., Государственная Третьяковская галерея, Москва

Я люблю эту картину, потому что она показывает старинную русскую традицию кружевоплетения, чему я научился в подростковом возрасте, взяв уроки год. Симпатичная крестьянская девушка создает замысловатый узор из множества шпулек и тонких ниток. Увлеченная своей задачей, она быстро смотрит на зрителя только для того, чтобы вернуться к своей работе. Мне нравится мягкость ее лица и легкий намек на мягкую и добрую улыбку.

Чтобы прочитать о русской жанровой живописи, нажмите на картинку ниже.

Русские художники и жанровое искусство XIX века: передвижники

Русские портреты на НПГ — это откровение

До середины XIX века в меценатстве в России доминировала петербургская аристократия, отдававшая предпочтение западноевропейской живописи, но эта ситуация начала меняться при Александре II. У Павла Третьякова (1832–98) было всего шесть полотен, когда он впервые заявил о своем намерении создать национальную галерею русского искусства в 1860 году.Это было замечательное стремление только что разбогатевшего, но скромного московского торговца текстилем, которому еще не исполнилось 30 лет, но это также было начало замечательного десятилетия, ознаменовавшегося крупными политическими реформами, быстрой индустриализацией, открытием нескольких прогрессивных культурных учреждений, и появление нового поколения блестящих писателей, музыкантов, актеров и художников, приверженных выражению отчетливо русской культурной самобытности.

Свидетельством быстро приобретенной художественной проницательности и дальновидности Третьякова является то, что к началу 1870-х годов он не только покупал работы у тех художников, которые отходили от ограничений Императорской академии, но и поручали им написать первые портреты. ведущих деятелей культуры России.Позже к ним добавились и последующие приобретения, сделанные как до, так и после смерти Третьякова в 1898 году. 26 портретов, которые были тщательно отобраны для этой выставки, были созданы между 1867 и 1914 годами, и большинство из них никогда раньше не бывали в Великобритании. Мы знаем шедевры русского авангарда, но большая часть творчества их непосредственных предков незаслуженно игнорировалась. Поздравляем Розалинду Блейксли и Национальную портретную галерею с открытием первой с 2004 года выставки русских художников XIX века в национальном музее Великобритании.Для многих посетителей это будет откровением.

Федор Достоевский (1872), Василий Перов. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Третьяков изначально сгруппировал все свои портреты вместе, чтобы сформировать «галерею в галерее», и выставка дает редкую возможность получить представление о том влиянии, которое они должны были произвести до того, как были рассредоточены по коллекции. Это интенсивный и волнующий опыт, как вхождение в мир русского реалистического романа XIX века одного из авторов, изображенного на холстах перед нами.Сила психологического проникновения, которую проявляют такие художники, как Василий Перов, Иван Крамской и Илья Репин, более чем соответствует яркой прозе писателей, которых они увековечили. Третьяков испытывал сильную симпатию к творчеству Достоевского, и особенно успешным оказался портрет писателя, сидящего в глубокой сосредоточенности, созданный Перовым 1872 года (единственный завершенный за всю его жизнь). Вероятно, это один из самых известных портретов на выставке, который не соответствует своим небольшим размерам, чтобы обеспечить чудесным образом сбалансированное и широкое освещение русской живописи конца XIX века.

Не все поручения Третьякова преуспели. В некоторых случаях между художником и субъектом явно отсутствовало взаимопонимание, как это видно из портрета Тургенева 1874 года Репина, который Третьяков заказал после того, как был недоволен более ранним изображением Перова 1872 года. Некоторые писатели наотрез отказывались писать свой портрет. Первоначально так было с Гончаровым, а также с Толстым, отчасти из-за его аристократического снобизма. Если и сожалеть об этой выставке, так это о том, что Толстой не представлен замечательным портретом 1873 года, который Крамскому наконец удалось написать и который Третьяков заказал вместе с портретами Достоевского и Тургенева.В этой картине Толстой выступает лицом к лицу со зрителем. Здесь представлен портрет, выполненный в 1884 году Николаем Ге, который стал одним из первых помощников Толстого после того, как он отказался от профессионального писателя. Приверженность Ге новообретенным аскетическим идеалам Толстого объясняет его иконоборческий образ Толстого, одетого в черное, сидящего на корточках над письменным столом, не показывая глаз, решение, которое некоторые в то время находили шокирующим.

Лев Толстой (1884), Николай Ге.Государственная Третьяковская галерея, Москва

Третьякова привлекали демократически настроенные художники, не принадлежащие к истеблишменту, и он также был демократичен в своих заказах. Соответственно, он искал разных артистов на разных этапах их карьеры, и эта стратегия принесла неоднозначные результаты. Иосиф Браз, молодой выпускник Академии художеств, сделал две попытки нарисовать Чехова, который скрывался от всеобщего внимания, оставался неуловимым и не любил ни одну из версий, но мы обязаны столь же малоизвестному Николаю Кузнецову за убедительность. Портрет Чайковского он закончил за несколько месяцев до его смерти в 1893 году.Портреты композиторов на этой выставке были хорошо отобраны и включают в себя репинские портреты 1881 года высокопрофессионального Антона Рубинштейна (более известного некоторым как пианист) и его антипода Модеста Мусоргского, последний — настоящий шедевр, завершенный в больнице, где композитор через несколько дней умрет от алкоголизма.

Модест Мусоргский (1881), Илья Репин. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Вполне уместно, что выставка начинается с портрета Репина 1901 года самого Третьякова, который несколько неловко стоит среди своей коллекции, скрестив руки на груди.Как человек, который старательно избегал огласки, Третьяков никогда не заказывал портрет самого себя. Крамскому удалось написать его в 1876 году только потому, что он три месяца лежал дома с подагрой. Репин, который также находился в близких отношениях со своим покровителем, наконец получил разрешение после частых уговоров в 1883 году и, с помощью посмертной маски, использовал эту картину как основу портрета, который он написал через три года после смерти Третьякова на кладбище. просьба попечителей Галереи, которые к тому времени хранили более 2000 произведений искусства.

Не менее уместно, что выставка завершается портретом Серова 1910 года, изображающего гораздо более молодого московского купца Ивана Морозова, который Третьяковская галерея приобрела после революции. Тяжелое телосложение и пристальный взгляд Морозова наводят на мысль о сильной личности, которая полностью отличается от скромной сдержанности, которую проецирует высокая, тонкая фигура и опущенный взгляд Третьякова. Он изображен на фоне нового Матисса, который он только что купил в Париже, художником, который оставался неоднозначным в отношении французского авангарда — подходящим для человека, который был ярким коллекционером с сильной жаждой приключений, когда дело касалось искусства. но он также сохранил большой долг перед своим старшим современником Павлом Третьяковым.

Павел Третьяков (1901), Илья Репин. Государственная Третьяковская галерея, Москва

«Россия и искусство: эпоха Толстого и Чайковского» находится в Национальной портретной галерее в Лондоне до 26 июня.

Из майского номера Apollo: превью и подпишитесь здесь.

Русская живопись — история и великие русские художники

Храмовая роспись

Византийская живописная традиция проникла в Россию вместе с христианством и храмовой архитектурой: церкви украшали мозаикой и росписью.Храмовая роспись отличалась духовностью и строгой каноничностью. Выразительные образы были необходимы, чтобы выразить идею духовности над плотью. Еще одним нововведением стали иконы (греч. Eikon — изображение), изображающие Иисуса Христа, Богородицу и святых. Иконы заменили деревянных идолов, символизирующих языческих богов.

Расцвет русской живописи пришелся на 14-15 вв. Это был период иконописи, связанный с именами величайших мастеров: Феофана Грека, Андрея Рублева и Дионисия.

Западная художественная школа

После того, как Петр I открыл двери в Европу, Россия испытала влияние западных художественных школ. Русские живописцы освоили технические достижения мастеров вестерна: использовали и новые материалы (холст, масляные краски, мрамор). Искусство живописи получило невиданное разнообразие образов и сюжетов. Видимо, наиболее интересным направлением декоративно-прикладного искусства была портретная живопись. Пейзаж должен был последовать позже. В начале ХХ века это были не просто изображения природы, а живопись, передающая тончайшие движения человеческой души посредством образов природы.Крупнейшими пейзажистами России были А. Саврасов и И. Шишкин. Реалистическую живопись 19 века представляли Илья Репин и Василий Суриков.

Русский модернизм

Начало ХХ века — время становления русского модернизма с его огромным разнообразием направлений и стилей: фовизм, футуризм, кубизм, супрематизм и др. Модернизм характеризовался отрицанием традиционных искусств. Новое направление считало себя авангардом в авангарде.Наиболее яркими представителями авангарда были отец абстрактного искусства Василий Кандинский, Марк Шагал, основоположник супрематизма — художественного направления — Казимира Малевича, доведшего до логического завершения идею беспредметной абстрактной живописи. Самое известное произведение Малевича — «Черный квадрат» (1913) было идеологическим манифестом супрематизма.

Достижения русских художественных школ признаны повсеместно. Картины русских художников прошлого века и наших современников, произведения скульпторов, великолепные образцы русского прикладного искусства отмечены всеми крупнейшими музеями мира.

ИСПОЛНИТЕЛЕЙ ПОРТРЕТА

Иван Николаевич Крамской, один из лучших художников-портретистов, известных в России, родился 8 июня 1837 года в Острогожске Воронежской губернии. Он был одним из крупнейших авторов живописи в России в XIX веке. Он создал портреты известных актеров и актрис, авторов, художников, политиков, профессионалов и членов королевской семьи, сохранив их образы для потомков. Среди его самых известных картин — «Портрет неизвестной», «Христос в пустыне» и «Портрет Льва Толстого».”

Крамской был связан с движениями гуманистов и реалистов в России и был очень плодовитым художником и опытным рисовальщиком. Как художник он был современником Ильи Репина, а также Николая Ярошенко, Василия Петрова и Николая Гая.

Ранние годы

Способность Крамского к искусству проявилась рано, и рисованию он научился сам, когда был маленьким ребенком. Он устроился учеником иконописца в возрасте 15 лет. Его работодатель научил его принципам и элементам перспективы и живописи.В России иконописцы обычно получали заказы от церкви, и их работы использовались для духовных целей, а не для искусства в буквальном смысле. В то время иконопись представлялась по-другому. Принципы естественной перспективы не принимались во внимание. Фигуры были плоскими; их глаза были миндалевидной формы; их рты маленькие, а носы тонкие и длинные. На самом деле это был сознательный стиль, следовавший традициям византийского искусства с принципами перевернутой перспективы.В результате появились картины, в которых объекты заднего плана стали больше, чем фигуры на переднем плане. Он также делал акцент на важных фигурах, которые были созданы больше, чем меньшие. В иконах преобладали символические цвета, симметрия, изящество и простота.

Художественное образование и живопись

Крамскому было уже 20 лет, когда он получил художественное образование в Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге. Академия строго придерживалась традиционных ценностей.Он выбрал принципы неоклассической живописи и отправил самых многообещающих студентов изучать стили барокко и ренессанса во Францию ​​и Италию. В Академии также была большая коллекция работ нескольких мастеров, которые использовались в художественных классах. Крамского не устраивали ограничения школы, тормозившие его творческое развитие. Он возглавил группу из 14 студентов, и вместе они восстали против сотрудников Академии и устроили собственные передвижные выставки.

Его первые картины примерно в 1860-х годах были в основном монохромными и не очень большими.Его портреты в этот период показали влияние фотографии, которая в то время становилась популярной. Крамской преподавал рисунок с 1863 по 1868 год в Обществе поощрения художников. Среди его учеников были Илья Репин и Николай Ярошенко.

Портрет

Николай Крамской был плодовитым художником и регулярно получал заказы от Павла Третьякова, мецената русского искусства, который позже основал Третьяковскую галерею. Он был одним из меценатов, собравших немало величайших акварелей, офортов, этюдов и портретов Крамского.Он также собрал произведения Валентина Серова, Исаака Левитана, Василия Сурикова, Ильи Репина и В.Г. Петрова, а также работы других выдающихся русских художников. Третьяков также поручил Крамскому портреты нескольких деятелей науки и культуры. Обладая незаурядными способностями Крамского в портретной живописи, он смог запечатлеть точное сходство всех своих натурщиков. Среди его персонажей — Лев Толстой, Илья Репин, Павел Третьяков, доктор Сергей Боткин, Василий Перов, Иван Шишкин и императрица Мария Федоровна.

В 1869 году, после своего первого путешествия по Европе, он организовал выставки с Обществом передвижных выставок. Общество хотело, чтобы публика увидела современную живопись России; помогите им развить страсть к искусству своей страны и помогите продавать произведения искусства.

Крамской еще работал, писал портрет доктора, когда он умер в возрасте 50 лет

Атрибуция фото:

Рекомендуемое и 1 ^st изображение Феивана Николаевича Крамского [общественное достояние], через Wikimedia Commons

2 ^nd изображение Ивана Николаевича Крамского [общественное достояние или общественное достояние], через Wikimedia Commons

Валентин Серов, российский мастер портрета | DailyArt Magazine

Валентин Серов (1865–1911), ученик Ильи Репина, наследник лучших традиций русской реалистической школы.С самого начала своей творческой деятельности он выступает как принципиальный новатор и остается им до конца своей жизни. Серов известен своими изысканными портретами личностей из Belle Epoche.

Валентин Серов, Автопортрет , 1880-е годы, частное собрание. Wikimedia Commons.

Художник-революционер

Валентин Серов был человеком немногословным, серьезным, сдержанным и очень принципиальным. Революционные события 1905 года глубоко потрясли его.В результате он отказался от звания академика, потому что главой Академии художеств был великий князь Владимир, отдавший приказ стрелять в безоружных демонстрантов. Он также жертвовал деньги и рисунки в фонд помощи революционерам.

Прежде всего, Серов был очень требовательным человеком. Несмотря на то, что он был очень известен и хвален, его всегда преследовало недовольство собственной работой. Если ему казалось, что портрет впадает в банальность, Серов называл его «портретом портрета».

«Каждый портрет для меня как болезнь».

Валентин Серов, письма, 1985. Virtualrm.

Портрет последнего российского императора

Валентин Серов, Портрет Николая II , 1900, Третьяковская галерея, Москва, Россия.

В 1900 году Серов завершил домашний портрет Николая II. Он написал портрет всего за два сеанса. Сначала работа шла плохо, и живописец не мог сделать удачный эскиз. Затем Николай в повседневной одежде, уставший, сел за стол — Валентин Серов ухватился за этот редкий момент.Он сразу создал копию картины, потому что императрице портрет не понравился; она была в комнате во время сеансов и давала художнику советы. В какой-то момент Серов предложил Александре Федоровне самой закончить картину. Она ушла, а художник продолжил работать.

Европейский или русский?

В 1887 году Серов уже был признан мастером живописи благодаря картине Девушка с персиками . Этот шедевр был написан, когда ему было всего 22 года.В это время русское искусство эволюционировало от критического реализма к поэтическому реализму. Таким образом, Валентин Серов освободился от негативного отражения событий и обратился к счастью и красоте как основным темам в своем творчестве.

В этом произведении показаны молодость, весна и жизненная сила. Девушка с персиками кажется наполненной радостной световой анимацией, которая просвечивает в облике изображенной девушки. Натурщик — Вера Мамонтова, дочь российского купца (и мецената) Саввы Мамонтова.Ей тогда было 11 лет, и энергичному ребенку было очень тяжело позировать! В результате над портретом требовалось два месяца работы каждый день.

Валентин Серов, Девушка с персиками , 1887, Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Вместе с Константином Коровиным Серов представляет художников русских импрессионистов. В картинах Серова легко прослеживаются черты, характерные для искусства импрессионизма, вроде фрагментарно изображенных предметов. Серов был очень европейским художником по своему стилю, хотя в направлении своих художественных поисков он был вполне русским.

Валентин Серов, Девушка, освещенная солнцем. Портрет М. Симоновича , 1888, Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Серов и его творческие души

В 1890-е годы Серов в основном изображал писателей, актеров и художников. Конечно, казалось, что творческие личности его заинтриговали (разве не все мы, дорогие читатели?).

Валентин Серов, Портрет писателя Максима Горького , 1905, Мемориальный музей Максима Горького, Москва, Россия. Wikimedia Commons.

Творческие личности представлены в творчестве Серова романтическими, одинокими гениями.Русский писатель Максим Горький изображен взглядом очаровательной мысли, всегда готовым удивляться. Кажется, что он с кем-то разговаривает — и этот кто-то, скорее всего, и есть время или сама история. В композиции своего портрета Серов использовал позу одной из скульптур Микеланджело.

Валентин Серов, Портрет Марии Ермоловой , 1905, Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Актриса Мария Ермовола изображена полностью, стоит прямо, вид сбоку.Портрет погружен в атмосферу тишины. Как и лицо Максима Горького, лицо Ермоловой словно светится внутренним светом.

В это же время Серов создавал великолепные парадные портреты. Об одном из них, Портрет княгини Ольги Орловой , читайте здесь!

Серовский образ изображения

Валентин Серов, Портрет Генриетты Гиршман , 1907, Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Еще один впечатляющий портрет — Генриетта Гришем.Серов всегда тщательно выбирал позу и антураж. Что означает движение руки Гиршмана? Неважно, захочет ли она снять меховое боа или уйти. Важно, чтобы этим жестом красивая, богатая дама защищала себя как недоступное украшение, одновременно показывая свою красивую, хрупкую руку. В картине нет пошлости и кричащего образа. Однако ее изысканный и гордый жест и лицо сразу дают понять, что эта женщина принадлежит к элите.

«Многие хотели, чтобы честь нарисовал Серов, но многие боялись его всевидящего ока».

Ольга Серова, Воспоминания отца Валентина Александровича Серова, 1986. Virtualrm.

Валентин Серов, Ида Рубинштейн , 1910, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия.

Портрет танцовщицы Иды Рубинштейн — что-то необычное среди картин Серова. Художника явно вдохновил стиль модерн.Его Ида — современная, терпкая и графическая, которая идеально передает характер модели.

Есть еще!

Серов был мастером не только портретов, но и исторических сцен, театральных зарисовок и многого другого. Если вы хотите узнать больше об этом великом русском художнике, дайте нам знать!

Строка к выставке Валентина Серова в Третьяковской галерее в 2016 году, Москва, Россия. RG.

---

Подробнее о русском искусстве :

Если вы найдете радость и вдохновение в наших рассказах, ПОЖАЛУЙСТА, ПОДДЕРЖКА
DailyArt Magazine скромным пожертвованием.Мы любим историю искусства, и
мы хотим продолжать писать об этом.

Русское искусство XVIII — начала XX веков

Русское искусство занимает значительное место в фондах Национального художественного музея Республики Беларусь. Сегодня его коллекция, включающая произведения искусства 18-20 веков, насчитывает более трех с полутора тысячами единиц живописи, скульптуры, графики, декоративно-прикладного искусства. Целостность коллекции, высокое качество собранных в ней произведений позволяют проследить основные этапы развития русского искусства, познакомиться с творчеством многих известных русских художников, почувствовать художественную атмосферу времени, дух эпохи. .

(1)

В музее не так много произведений XVIII века. Но в совокупности они создают достаточно точное представление об эстетическом идеале и природе искусства того времени, о профессиональном уровне художников. Большой интерес представляет ранняя картина Антона Лосенко «Смерть Адониса» (1) , написанная в 1764 году во время его пребывания во Франции. Не так часто можно встретить произведения Ивана Вишнякова. Поэтому очень удачно, что одним из первых музеев-поступлений (1946 г.) является «Портрет Ивана Коцарева» (1757–1759).

Высокие достижения портретной живописи XVIII века связаны с именами Федора Рокотова (2) , Дмитрия Левицкого, Владимира Боровиковского. В собственных работах они обновили образ современника, раскрыли воспитательное представление о ценности человека, отразили настроение времени.

(2)

Произведения живописи, скульптуры и графики, выполненные в первой половине XIX века, позволяют познакомиться с творчеством многих русских художников того времени.Это полотна Алексея Венецианова, Максима Воробьева, Федора Бруни, Григория Чернецова, Павла Федотова и других. Среди нескольких картин великолепного художника Карла Брюллова , представленных в музее, «Портрет Матвея Виельгорского» (1828) (3) , написанный в Италии, имеет особое художественное выражение.

(3)

Полотна Василия Тропинина, хранящиеся в Национальном художественном музее Республики Беларусь, более разнообразны и во многом дополняют общее мнение о творчестве этого выдающегося художника — «Бандит» (Портрет М.Оболенский) (1840-е), «Портрет М. Бера с женой Н. Бер» (1850), «Портрет Л. Кожиной» (1834) и другие. В музее широко представлено искусство второй половины 19 века. В этой части сборников преобладают произведения мастеров, которые руководствовались принципом искусства критического реализма, демократических течений эпохи: Ивана Крамского, Василия Маковского, Кирилла Лемоха, Григория Мясоедова, Василия Максимова, Виктора Васнецова, Николая Ярошенко. , Леонид Соломаткин. В музее есть вариант-повтор 1875 года известной картины V Асилы Пукирева «Неравный брак» (1862) (4) , где можно заметить некоторые изменения с холста 1862 года, принадлежащего Государственная Третьяковская галерея.

Значительное место в разрезе второй половины XIX века занимают пейзажи Алексея Саврасова, Ивана Шишкина, Архипа Куинджи, Исаака Левитана, произведения Ильи Репина и Василия Сурикова.

(4)

Коллекция русского искусства конца 19 — начала 20 веков включает ряд первоклассных работ известных русских художников. Здесь представлены работы художников, стремящихся к обновлению живописно-пластического языка — участников различных художественных объединений рубежа веков, таких как «Мир искусства», «Альянс русских художников», «Голубая роза», «Бубновый валет» — Валентин Серов, Михаил Врубель, Константин Коровин, Абрама Архипов, Филипп Малявин, Исаак Бродский, Александр Головин, Николай Сапунов, Илья Машков, Борис Кустодиев, Зинаида Серебрякова и другие.

Искусство России ХХ века представляют такие известные мастера, как живописец Николай Касаткин, Петр Кончаловский, Георгий Ражский, Аркадий Пластов, Георгий Нинский и многие другие, которые в собственных работах показали широту и разнообразие русского языка. художественные поиски, особенности искусства 1930-1950-х годов, тенденции художественной жизни 1960-1980-х годов.

Коллекция скульптуры небольшая и не охватывает все этапы ее развития, но дает представление об основных характерных особенностях русской пластики и творческой деятельности ряда мастеров.Среди произведений 18 — первой половины 19 вв. — такие прекрасные работы, как «Портрет генерал-фельдмаршала П. РУМЯНЦЕВА-Задунайского» (мрамор, 1778 г.) Федота Шубина, «Генерация музыки» (мрамор, 1824-1830 гг.) Самуила Гальберга, «Бродячий скрипач» (бронза , 1840-е) Федора Толстого.

Секция скульптуры второй половины XIX века более полная и чистая. Рядом с работами художников академического направления — Николая Лаверецкого, Пармена Забелы и других — представлена ​​творческая деятельность мастеров, чье искусство свидетельствует о достижениях реализма русской художественной школы: Марка Антокольского, Евгения Лансере, Владимира Беклемишева. , Матвей Чижов и другие.Своеобразие русской пластики ХХ века представляют работы Паоло Трубецкого, Михаила Врубеля, Сергея Коненкова, Ивана Шадра, Василия Ватагина, Николая Андреева, Сары Лебедевой, Веры Мухиной и других. В небольшой коллекции рисунки и акварели можно выделить выполненные в технике итальянского карандаша «Портрет П. Желтухина» (1819 г.) Ореста Кипренского, «Портрет Р. Томилова» (1831 г.) Алексея Варнека, акварели Петра Соколова. , Александр Орловский, брат Александра и Альберта Бенуа, Аполлинарий Васнецов, рисунки Ивана Айвазовского, Ивана Шишкина, Валентина Серова, Алексея Степанова, гравюры Владимира Фаворского, Евгения Кибрика и другие.

Важное место в собрании музея занимает коллекция русского декоративно-прикладного искусства. Одним из первых значительных приобретений музея конца 1950-х годов стало собрание русского лака 19-20 веков. В нем представлены работы двух самых известных русских фабрик Лукутиных и Вишняковых, а также искусство Палеха. Это табакерки, коробочки, запонки, коробочки для бус, портсигары, компакты, тарелки, подносы, спичечные коробки, пепельницы.Самая ранняя работа в коллекции лака — бусина светло-зеленого цвета со сценой бегущей собаки (1818-1828). Не менее ценная часть коллекции русского лака — палехская миниатюра 1920-1930-х годов. В собрании музея представлено искусство ведущих художников Палеха, создателей этого ремесла — И. Голикова, И. Зубкова, И. Маркичева, В. Котухина, И. Вакурова, А. Дадыкина, Д. Буторина и других. .

Коллекция русского фарфора невелика.Он формировался постепенно и включает в себя произведения практически всех крупных и известных русских заводов 18-20 веков — Императорского фарфора, Гарднера, Попова, Батенина, Софронова, Терихова, Новых, Фомина, Миклашевского, братьев Корниловых, брата Кузнецова, Козлова, Иконников, художественные предприятия СОВЕТСКОГО СОЮЗА. Самый ранний памятник русского фарфорового производства в коллекции музея — тарелка с выпуклой золотой сеткой и пурпурными цветами из первого русского набора чиха, созданная мастером Императорского фарфорового завода для императрицы Елизаветы и получившая название «Собственная» ( 1750-е годы).Этот образец фарфора времен Д. Виноградова, изящный, фигурный, созвучный природе елизаветинского рококо.

Наборы чихи «Орден» относятся к наиболее интересным и самобытным памятникам искусства завода Гарднер. Они были заказаны Екатериной II в 1777–1778 годах. для приема на дворе кавалеров русских орденов. В нашей коллекции можно увидеть несколько предметов из «Андреевского», «Александровского», «Георгиевского» и «Владимирского» набора чихи. Высокий уровень техники и мастерства мастеров штукатурки, лепки, горелки и маляров Императорского фарфорового завода демонстрируют большие декоративные вазы с копиями картин середины XIX века из собрания Эрмитажа.Среди сюжетов второй половины 19 — начала 20 вв. Особняком стоят работы завода братьев Корниловых в САНКТ-ПЕТЕРБУРГЕ и завода братьев Кузнецовых. Помимо предметов декора и посуды в коллекции музея представлена ​​фарфоровая пластика.

Фарфор советского времени в коллекции музея представлен именами известных художников: Н. Данко, В. Кузнецов, Б. Кустодиев, С. Чехонина, А. Щекотихина-Потоцкая, Б. Воробьев, И. Ризнич, И.Фрих-Хар, Э. Чарушин, А. Воробьевский, В. Семенова, А. Ефимова, Шуляк, А. Бржезицкая, П. Леонов, продукция трех ведущих заводов России — Ломоносовского, Ленинградского, Дмитровского и Дулевского фарфоровых заводов.

Настоящий шедевр этой коллекции — фарфоровая пластика первых послереволюционных лет. Шахматы «Красное и белое», статуэтки «Партизаны», «Полицейская» Н. Данко, «Красногвардеец» В. Кузнецова прославлены революционным романтизмом.

Богатство коллекции русского искусства Национального художественного музея Республики Беларусь, собранная, в основном, благодаря неустанным усилиям Э.Аладова, директор музея с 1944 по 1977 год, дает возможность не только глубоко отображать русское искусство в постоянной экспозиции музея, но и формировать разные по содержанию и объему временные и передвижные выставки, выделенные по отдельным тематикам, жанрам, отдельным предметам. направления и художники.

Портрет России XIX века.

Брайан Хили, лектор одного из Art Society Эпплби на встречах в Вестморленде сказал, что его любовь к России возникла из его круизы по Балтийскому морю.Он явно был глубоко заинтересован и знала о России и ее искусстве, и интересовалась его аудитории от начала до конца.

До начала 19 века русская живопись состояла почти из полностью академических стилей и предметов, в которых преобладают запад, в частности Париж. Царь Николай 1с продвижение национальные тенденции начали смещать акцент в сторону большего дома выросли темы, например статус русского крестьянина.Тогда были освобождены крепостные, и к середине 19 века класс система и структура деревни, в которой преобладают землевладельцы и православной церкви, находились под критическим вниманием. Василий Перов, чей Пасхальное шествие в деревне с изображением пьяных священнослужителей и крестьян, взгляд на современную Россию считался настолько шокирующим, что за это его чуть не посадили в тюрьму.

Показан крестьянин с уздечкой справа, был написан Иваном Крамским в 1883 году.Крамской был одним из многие художники теперь рисуют картины меньшего размера, которые можно было бы легко перевезен к россиянам в деревню и показал реальную жизнь Фигурки крестьянином на картинке — Мина Моисеева, часто используется художником. Крамской считал создание собирательные образы простых людей как одного из самых важные задачи современного искусства.

Во второй половине века в центре внимания русской живописи изменились многие настроения и особенности русского пейзаж.Изменения произошли под эгидой Передвижники или передвижники. Странники были группа художников, специализирующихся на архетипических русских воззрениях, таких как сосновые леса, пшеничные поля и заливные луга.

Драматический Теперь в центре внимания оказался пейзаж, рассказывающий свою собственную историю. Художники такие как Саврасов и Левитан, Шишкин и Куинджи, показали свои любви к России-матушке в изображении ее лесов, заснеженных деревни, огромное небо и бесконечные горизонты.Из всех этих художников Исаак Левитан считается одним из тех, кто больше всех запечатлел характер русского пейзажа.