Живопись в 16 веке на руси: Живопись в России в XVI веке

Содержание

Живопись в России в XVI веке

Золотое чеканное с чернью блюдо Ивана IV

Подъём русской национальной культуры нашёл своё выражение в творчестве крупнейшего русского живописца второй половины XV — начала XVI в.— Дионисия. Уже в ранний период своего творчества, в 60—80-х годах XV в., Дионисий создал ряд замечательных фресок в Боровском Пафнутьевом и Иосифо-Волоколамском монастырях и в Успенском соборе в Москве.

Однако вершиной его творчества являются хорошо сохранившиеся до наших дней росписи храма Рождества Богородицы в Белозерском Ферапонтовой монастыре, исполненные Дионисием вместе с сыновьями в 1500—1502 гг. Поразительна прежде всего гармонически уравновешенная композиция фресок, придающая им спокойно-величавый характер. Гибкие, стройные фигуры кажутся лёгкими и одухотворёнными, а нежная гамма светлых и ликующих красок, бирюзовых, сиреневых и т. п., выразительно передаёт радостное мироощущение художника. Конкретность в изображении фигур и окружающей их обстановки предвосхищала появление светского начала, получившего своё развитие в живописи XVI—XVII вв.

Прошедший хорошую школу под руководством Дионисия его сын Феодосий в начале XVI в. занял ведущее место в русской живописи. Под его руководством была исполнена стенопись кремлёвского Благовещенского собора, которая изображала преемственность власти московских князей от киевских, а через них от византийского императора Константина. Крупнейшие (и наиболее хорошо сохранившиеся) композиции этого собора отличаются необычайной смелостью и яркостью изображения. Они принадлежали самому Феодосию. Ряд фресок был написан его братом Владимиром.

В середине XVI в. было создано много замечательных произведений русской монументальной живописи. К их числу, например, принадлежат фрески Покровской церкви Александровой слободы с торжественными и стройными фигурами князей Владимира, Бориса и Глеба. Наиболее крупным произведением монументальной живописи этого периода были фрески Золотой палаты Кремлёвского дворца. Созданные в 1547—1552 гг., они на основных сюжетах «Сказания о князьях Владимирских» должны были символически выразить величие царской власти и христианской церкви.

Со взятием Казани связано создание в 50-х годах ХVI в. грандиозной иконы «Церковь воинствующая». Эта икона, близкая по живописной манере к историческим батальным картинам, изображает торжественное возвращение русских воинов-победителей из объятого пламенем города. По замыслу художника, икона должна была изобразить триумф Ивана Грозного, а в его лице всего православного самодержавия над неверными. Хотя икона имела церковное содержание, в характеристике изображаемых лиц звучат и светские мотивы.

Введение светского элемента в церковную живопись не было единичным явлением. Так, в знаменитой «Четырёхчастной» иконе, созданной в середине XVI в., помимо лиц, причисленных к лику «святых», изображались цари, князья, рядовые священнослужители и даже представители простого народа, т. е. люди, которые «живы суще». Элементы реализма, проникавшие в живопись, находились в противоречии со старыми, привычными канонами и вызывали протесты со стороны поборников старины. К числу их принадлежал дьяк Висковатый, которого смущало, например, что в росписи Золотой палаты рядом со Спасом «написана жёнка, спустя рукава, кабы пляшет». Этот вопрос обсуждался на соборе 1554 г., который вопреки мнению Висковатого признал допустимым в живописи не только каноническое, но и «бытийное» письмо, т. е. исторические сюжеты, а также притчи, допускавшие художественный вымысел. Уступки новому, признанные собором, не переходили, однако, пределов, приемлемых для церкви и «богоустановленного» самодержавия.

Областью живописного творчества, более отвечавшей потребностям демократических слоёв русского общества, являлась миниатюра. В ней начиная с XVI в., помимо религиозных тем, получили распространение исторические и бытовые сюжеты. Таковы например, миниатюры жития Сергия Радонежского, где изображены работы по постройке зданий, земледельческие занятия крестьян, хозяйственная деятельность монастыря, школьные занятия и т. п., а также миниатюры «Лицевого летописного свода».

В последней четверти XVI в. в Москве возникло новое направление русской живописи, получившее благодаря покровительству со стороны Строгановых наименование строгановской школы. Работы мастеров этой школы отличались от произведений монументальной живописи тончайшей миниатюрной техникой, тщательным исполнением мелких деталей. Отвечая вкусам и запросам феодальной верхушки, художники строгановской школы стремились к внешней красивости, изысканности и утончённости фигур, изяществу отделанных золотой штриховкой изображений. Вместе с тем, особенно в произведениях крупнейших представителей этой школы Прокопия Чирина, Истомы и Никифора Савиных и др., заметно стремление к предельной выразительности и повествовательности. Большое внимание к бытовым деталям свидетельствует о проникновении черт реализма, который получает своё дальнейшее развитие в XVII в.

Русская живопись 16 века [России]

Живописные работы

Роспись собора Смоленской Богома­тери

Около 1530 г. была выполнена роспись собора Смоленской Богома­тери Новодевичьего монастыря. Главная тема росписи — прославле­ние Божией Матери, даровавшей победу русскому воинству. Включая в общую композицию многочисленные изображения местных святых, почитаемых в различных областях, художники наглядно выражали идею собирания русских земель вокруг Москвы. Всё это напоминало о мемориальном значении собора — памятника присоединению Смо­ленска.

Церковь воинствующая

Вытеснение личного, авторского начала и развитие официально-госу­дарственного, назидательного подхода к искусству ярко проявились и в самой известной иконе XVI столетия — «Церковь воинствующая». Она является живописным памятником взятию Казани. На огром­ном, вытянутом по горизонтали на четыре метра пространстве иконы представлено шествие русского воинства во главе с царём Иваном IV. В небесах парят ангелы, а во главе процессии скачет на крылатом коне предводитель небесного воинства архистратиг Михаил. В симво­лическом «параде» участвуют не только живые, но и давно умершие персонажи — князья Владимир Святой, Борис и Глеб, Владимир Мо­номах, Александр Невский и Дмитрий Донской. Цель многолюдного шествия — поклонение Божией Матери, сидящей на престоле с Мла­денцем Христом на руках. А вдалеке, на самом краю иконы, изобра­жён охваченный огнём город — покорённая Казань.

Русские иконописцы

Дионисий

В XVI в. развитие русской живописи связывается с именем Дио­нисия (ок. 1440 — после 1502). Он создал фрески Успенского собора Московского Кремля и церкви Рождества Бого­родицы в Ферапонтовом монастыре. Творчество Дионисия оказало влияние на живопись всего XVI в. Парадному, праздничному, торжественному искусству Дионисия стали подражать во многих горо­дах России. Основными сюжетами в живописи того времени оста­вались сюжеты из Библии и Евангелия, лики святых. Однако в отличие от Рублёва, в работах Дионисия прослеживается стремле­ние к внешней красоте, пышности.

Мастерская Дионисия начала изготавливать ико­ны с клеймами, т. е. иконы, обрамлённые со всех че­тырёх сторон небольшими изображениями главных событий жизни святого.

Школы живописи

В конце XVI в. возникают две оригинальные шко­лы живописи — «годуновская» и «строгановская».

Годуновская школа

Художники «годуновской школы» (работавшие по заказам семейства Годуновых) стремились возродить традиции раннего периода русской живописи. Они подра­жали стилю Дионисия, копировали произведения Андрея Рублёва. Однако даже хорошая копия всегда уступает оригиналу. Годуновские мастера не умели передать «душу» древней живописи — ощу­щение внутреннего трепета художника перед величием божества.

Строгановская школа

К концу XVI в. в живописи появилось новое художе­ственное направление — строгановская школа. Создателями строгановской школы были богатые купцы-солепро­мышленники Строгановы. Они помогали развитию этого направления своими заказами. В строгановской школе ценились техническое ма­стерство и тщательность исполнения, она отличалась ювелирной тонкостью прора­ботки деталей, широким использованием золота и серебра. Приме­ром может служить небольшая икона «Никита-воин», написанная «строгановским» мастером Прокопием Чириным. Её можно долго рассматривать вблизи, любуясь совершенством техники письма.

Прикладное искусство

В XVI веке в России широко было развито прикладное искусство художественное изготовление вещей, тканей, игру­шек, украшений. В Новгороде было более двухсот мастеров серебряных дел. В Пскове имелось 140 ла­вок на торгу, где продавали серебряные изделия. Искусные ремесленники занимались резьбой по кости. Русские мастера использовали тра­диционные узоры и мотивы восточного орнамента (гончарные и чеканные сосу­ды, крупные декоративные пуговицы из золота и серебра с филигранными узо­рами).

Книжная миниатю­ра

Особой областью древнерусской живописи была книжная ми­ниатюра. Во времена Ивана IV она получила большое распро­странение. Книжная ми­ниатюра была яркой, красочной. Ими сплошь украшались страницы книг, таких как «Житие Сергия Радонежского», «Ли­цевой летописный свод».

Уже самые первые русские рукописные книги (Остромиро­во Евангелие, Изборник Святослава) имели красочные миниатюры, сложные заставки и причудливые заглавные буквы — инициалы. Они украшали книгу, облегчали восприятие текста, настраивали читателя на благочестивый лад.

Ли­цевой летописный свод

Высшим достижением древнерусской книжной миниатюры стал многотомный Лицевой ле­тописный свод, созданный придворными художниками Ивана Гроз­ного. Он насчитывает в общей сложности около 16 тыс. миниатюр. Здесь вся русская история в картинках. Рисунки выполнены пером и слегка подцвечены акварельными красками.

Житие Сергия Радонежского

Другой выдающийся образец книжного искусства второй поло­вины XVI в. — иллюстрированное «Житие Сергия Радонежского». Его миниатюры отличаются красочностью и одухотворённостью. Они представляют различные моменты из жизни святого, дают цен­ный материал для изучения монастырского быта той эпохи. Материал с сайта http://wikiwhat.ru

Художественное ремесло

Больших успехов достигли в XVI в. художественные ремёсла — резьба по дереву и камню, ювелирное дело, лицевое шитьё, отливка колоколов. В Успенском соборе Мо­сковского Кремля до сих пор находится «царское место» (1551) — своего рода трон, деревянные стенки которого украшены резными композициями на тему происхождения власти московских госуда­рей. Его верхняя часть представляет собой ажурный деревянный шатёр с тончайшей резьбой.

Худо­жественное шитье

В XVI в. широко было распространено худо­жественное шитье (вышивание). Им за­нимались девушки и замужние женщины, в том числе и в царской семье.

Талант русских мастериц ярко проявился в искусстве лицевого шитья (в отличие от орнаментального шитья оно изображало лики святых). Тончайшими золотыми, серебряными и шёлковыми нитя­ми они вышивали композиции, общие контуры которых намечали иконописцы. Драгоценные нити накладывались на ткань только с одной стороны и прикреплялись к основе едва заметными стежка­ми шёлка. Это была очень кропотливая работа. На создание одно­го произведения уходили многие месяцы. Некоторые знатные осо­бы — царица Анастасия Романова, удельная княгиня Ефросинья Старицкая, царевна Ксения Годунова — устраивали собственные мастерские шитья.

Картинки (фото, рисунки)

  • Дионисий. Богоматерь Одигитрия. 1502 г.
  • Дионисий. Дмитрий Прилуцкий в житии
  • Потир. XVI в.
  • Сторона хоругви. Шёлковая ткань, золотые, серебряные и шёлковые нити. XVI в.
Вопросы к этой статье:
  • Почему в XVI в. исчезают многие местные школы живописи?

  • Как связаны политиче­ская история XVI в. и развитие живопи­си?

  • По каким признакам можно раз­личить иконы и фрески XV и XVI вв.?

Русская живопись 16 века [России]

Живописные работы

Роспись собора Смоленской Богома­тери

Около 1530 г. была выполнена роспись собора Смоленской Богома­тери Новодевичьего монастыря. Главная тема росписи — прославле­ние Божией Матери, даровавшей победу русскому воинству. Включая в общую композицию многочисленные изображения местных святых, почитаемых в различных областях, художники наглядно выражали идею собирания русских земель вокруг Москвы. Всё это напоминало о мемориальном значении собора — памятника присоединению Смо­ленска.

Церковь воинствующая

Вытеснение личного, авторского начала и развитие официально-госу­дарственного, назидательного подхода к искусству ярко проявились и в самой известной иконе XVI столетия — «Церковь воинствующая». Она является живописным памятником взятию Казани. На огром­ном, вытянутом по горизонтали на четыре метра пространстве иконы представлено шествие русского воинства во главе с царём Иваном IV. В небесах парят ангелы, а во главе процессии скачет на крылатом коне предводитель небесного воинства архистратиг Михаил. В симво­лическом «параде» участвуют не только живые, но и давно умершие персонажи — князья Владимир Святой, Борис и Глеб, Владимир Мо­номах, Александр Невский и Дмитрий Донской. Цель многолюдного шествия — поклонение Божией Матери, сидящей на престоле с Мла­денцем Христом на руках. А вдалеке, на самом краю иконы, изобра­жён охваченный огнём город — покорённая Казань.

Русские иконописцы

Дионисий

В XVI в. развитие русской живописи связывается с именем Дио­нисия (ок. 1440 — после 1502). Он создал фрески Успенского собора Московского Кремля и церкви Рождества Бого­родицы в Ферапонтовом монастыре. Творчество Дионисия оказало влияние на живопись всего XVI в. Парадному, праздничному, торжественному искусству Дионисия стали подражать во многих горо­дах России. Основными сюжетами в живописи того времени оста­вались сюжеты из Библии и Евангелия, лики святых. Однако в отличие от Рублёва, в работах Дионисия прослеживается стремле­ние к внешней красоте, пышности.

Мастерская Дионисия начала изготавливать ико­ны с клеймами, т. е. иконы, обрамлённые со всех че­тырёх сторон небольшими изображениями главных событий жизни святого.

Школы живописи

В конце XVI в. возникают две оригинальные шко­лы живописи — «годуновская» и «строгановская».

Годуновская школа

Художники «годуновской школы» (работавшие по заказам семейства Годуновых) стремились возродить традиции раннего периода русской живописи. Они подра­жали стилю Дионисия, копировали произведения Андрея Рублёва. Однако даже хорошая копия всегда уступает оригиналу. Годуновские мастера не умели передать «душу» древней живописи — ощу­щение внутреннего трепета художника перед величием божества.

Строгановская школа

К концу XVI в. в живописи появилось новое художе­ственное направление — строгановская школа. Создателями строгановской школы были богатые купцы-солепро­мышленники Строгановы. Они помогали развитию этого направления своими заказами. В строгановской школе ценились техническое ма­стерство и тщательность исполнения, она отличалась ювелирной тонкостью прора­ботки деталей, широким использованием золота и серебра. Приме­ром может служить небольшая икона «Никита-воин», написанная «строгановским» мастером

Прокопием Чириным. Её можно долго рассматривать вблизи, любуясь совершенством техники письма.

Прикладное искусство

В XVI веке в России широко было развито прикладное искусство художественное изготовление вещей, тканей, игру­шек, украшений. В Новгороде было более двухсот мастеров серебряных дел. В Пскове имелось 140 ла­вок на торгу, где продавали серебряные изделия. Искусные ремесленники занимались резьбой по кости. Русские мастера использовали тра­диционные узоры и мотивы восточного орнамента (гончарные и чеканные сосу­ды, крупные декоративные пуговицы из золота и серебра с филигранными узо­рами).

Книжная миниатю­ра

Особой областью древнерусской живописи была книжная ми­ниатюра. Во времена Ивана IV она получила большое распро­странение. Книжная ми­ниатюра была яркой, красочной. Ими сплошь украшались страницы книг, таких как «Житие Сергия Радонежского», «Ли­цевой летописный свод».

Уже самые первые русские рукописные книги (Остромиро­во Евангелие, Изборник Святослава) имели красочные миниатюры, сложные заставки и причудливые заглавные буквы — инициалы. Они украшали книгу, облегчали восприятие текста, настраивали читателя на благочестивый лад.

Ли­цевой летописный свод

Высшим достижением древнерусской книжной миниатюры стал многотомный Лицевой ле­тописный свод, созданный придворными художниками Ивана Гроз­ного. Он насчитывает в общей сложности около 16 тыс. миниатюр. Здесь вся русская история в картинках. Рисунки выполнены пером и слегка подцвечены акварельными красками.

Житие Сергия Радонежского

Другой выдающийся образец книжного искусства второй поло­вины XVI в. — иллюстрированное «Житие Сергия Радонежского». Его миниатюры отличаются красочностью и одухотворённостью. Они представляют различные моменты из жизни святого, дают цен­ный материал для изучения монастырского быта той эпохи. Материал с сайта http://wikiwhat.ru

Художественное ремесло

Больших успехов достигли в XVI в. художественные ремёсла — резьба по дереву и камню, ювелирное дело, лицевое шитьё, отливка колоколов. В Успенском соборе Мо­сковского Кремля до сих пор находится «царское место» (1551) — своего рода трон, деревянные стенки которого украшены резными композициями на тему происхождения власти московских госуда­рей. Его верхняя часть представляет собой ажурный деревянный шатёр с тончайшей резьбой.

Худо­жественное шитье

В XVI в. широко было распространено худо­жественное шитье (вышивание). Им за­нимались девушки и замужние женщины, в том числе и в царской семье.

Талант русских мастериц ярко проявился в искусстве лицевого шитья (в отличие от орнаментального шитья оно изображало лики святых). Тончайшими золотыми, серебряными и шёлковыми нитя­ми они вышивали композиции, общие контуры которых намечали иконописцы. Драгоценные нити накладывались на ткань только с одной стороны и прикреплялись к основе едва заметными стежка­ми шёлка. Это была очень кропотливая работа. На создание одно­го произведения уходили многие месяцы. Некоторые знатные осо­бы — царица Анастасия Романова, удельная княгиня Ефросинья Старицкая, царевна Ксения Годунова — устраивали собственные мастерские шитья.

Картинки (фото, рисунки)

  • Дионисий. Богоматерь Одигитрия. 1502 г.
  • Дионисий. Дмитрий Прилуцкий в житии
  • Потир. XVI в.
  • Сторона хоругви. Шёлковая ткань, золотые, серебряные и шёлковые нити. XVI в.
Вопросы к этой статье:
  • Почему в XVI в. исчезают многие местные школы живописи?

  • Как связаны политиче­ская история XVI в. и развитие живопи­си?

  • По каким признакам можно раз­личить иконы и фрески XV и XVI вв.?

Русская живопись 16 века [России]

Живописные работы

Роспись собора Смоленской Богома­тери

Около 1530 г. была выполнена роспись собора Смоленской Богома­тери Новодевичьего монастыря. Главная тема росписи — прославле­ние Божией Матери, даровавшей победу русскому воинству. Включая в общую композицию многочисленные изображения местных святых, почитаемых в различных областях, художники наглядно выражали идею собирания русских земель вокруг Москвы. Всё это напоминало о мемориальном значении собора — памятника присоединению Смо­ленска.

Церковь воинствующая

Вытеснение личного, авторского начала и развитие официально-госу­дарственного, назидательного подхода к искусству ярко проявились и в самой известной иконе XVI столетия — «Церковь воинствующая». Она является живописным памятником взятию Казани. На огром­ном, вытянутом по горизонтали на четыре метра пространстве иконы представлено шествие русского воинства во главе с царём Иваном IV. В небесах парят ангелы, а во главе процессии скачет на крылатом коне предводитель небесного воинства архистратиг Михаил. В симво­лическом «параде» участвуют не только живые, но и давно умершие персонажи — князья Владимир Святой, Борис и Глеб, Владимир Мо­номах, Александр Невский и Дмитрий Донской. Цель многолюдного шествия — поклонение Божией Матери, сидящей на престоле с Мла­денцем Христом на руках. А вдалеке, на самом краю иконы, изобра­жён охваченный огнём город — покорённая Казань.

Русские иконописцы

Дионисий

В XVI в. развитие русской живописи связывается с именем Дио­нисия (ок. 1440 — после 1502). Он создал фрески Успенского собора Московского Кремля и церкви Рождества Бого­родицы в Ферапонтовом монастыре. Творчество Дионисия оказало влияние на живопись всего XVI в. Парадному, праздничному, торжественному искусству Дионисия стали подражать во многих горо­дах России. Основными сюжетами в живописи того времени оста­вались сюжеты из Библии и Евангелия, лики святых. Однако в отличие от Рублёва, в работах Дионисия прослеживается стремле­ние к внешней красоте, пышности.

Мастерская Дионисия начала изготавливать ико­ны с клеймами, т. е. иконы, обрамлённые со всех че­тырёх сторон небольшими изображениями главных событий жизни святого.

Школы живописи

В конце XVI в. возникают две оригинальные шко­лы живописи — «годуновская» и «строгановская».

Годуновская школа

Художники «годуновской школы» (работавшие по заказам семейства Годуновых) стремились возродить традиции раннего периода русской живописи. Они подра­жали стилю Дионисия, копировали произведения Андрея Рублёва. Однако даже хорошая копия всегда уступает оригиналу. Годуновские мастера не умели передать «душу» древней живописи — ощу­щение внутреннего трепета художника перед величием божества.

Строгановская школа

К концу XVI в. в живописи появилось новое художе­ственное направление — строгановская школа. Создателями строгановской школы были богатые купцы-солепро­мышленники Строгановы. Они помогали развитию этого направления своими заказами. В строгановской школе ценились техническое ма­стерство и тщательность исполнения, она отличалась ювелирной тонкостью прора­ботки деталей, широким использованием золота и серебра. Приме­ром может служить небольшая икона «Никита-воин», написанная «строгановским» мастером Прокопием Чириным. Её можно долго рассматривать вблизи, любуясь совершенством техники письма.

Прикладное искусство

В XVI веке в России широко было развито прикладное искусство художественное изготовление вещей, тканей, игру­шек, украшений. В Новгороде было более двухсот мастеров серебряных дел. В Пскове имелось 140 ла­вок на торгу, где продавали серебряные изделия. Искусные ремесленники занимались резьбой по кости. Русские мастера использовали тра­диционные узоры и мотивы восточного орнамента (гончарные и чеканные сосу­ды, крупные декоративные пуговицы из золота и серебра с филигранными узо­рами).

Книжная миниатю­ра

Особой областью древнерусской живописи была книжная ми­ниатюра. Во времена Ивана IV она получила большое распро­странение. Книжная ми­ниатюра была яркой, красочной. Ими сплошь украшались страницы книг, таких как «Житие Сергия Радонежского», «Ли­цевой летописный свод».

Уже самые первые русские рукописные книги (Остромиро­во Евангелие, Изборник Святослава) имели красочные миниатюры, сложные заставки и причудливые заглавные буквы — инициалы. Они украшали книгу, облегчали восприятие текста, настраивали читателя на благочестивый лад.

Ли­цевой летописный свод

Высшим достижением древнерусской книжной миниатюры стал многотомный Лицевой ле­тописный свод, созданный придворными художниками Ивана Гроз­ного. Он насчитывает в общей сложности около 16 тыс. миниатюр. Здесь вся русская история в картинках. Рисунки выполнены пером и слегка подцвечены акварельными красками.

Житие Сергия Радонежского

Другой выдающийся образец книжного искусства второй поло­вины XVI в. — иллюстрированное «Житие Сергия Радонежского». Его миниатюры отличаются красочностью и одухотворённостью. Они представляют различные моменты из жизни святого, дают цен­ный материал для изучения монастырского быта той эпохи. Материал с сайта http://wikiwhat.ru

Художественное ремесло

Больших успехов достигли в XVI в. художественные ремёсла — резьба по дереву и камню, ювелирное дело, лицевое шитьё, отливка колоколов. В Успенском соборе Мо­сковского Кремля до сих пор находится «царское место» (1551) — своего рода трон, деревянные стенки которого украшены резными композициями на тему происхождения власти московских госуда­рей. Его верхняя часть представляет собой ажурный деревянный шатёр с тончайшей резьбой.

Худо­жественное шитье

В XVI в. широко было распространено худо­жественное шитье (вышивание). Им за­нимались девушки и замужние женщины, в том числе и в царской семье.

Талант русских мастериц ярко проявился в искусстве лицевого шитья (в отличие от орнаментального шитья оно изображало лики святых). Тончайшими золотыми, серебряными и шёлковыми нитя­ми они вышивали композиции, общие контуры которых намечали иконописцы. Драгоценные нити накладывались на ткань только с одной стороны и прикреплялись к основе едва заметными стежка­ми шёлка. Это была очень кропотливая работа. На создание одно­го произведения уходили многие месяцы. Некоторые знатные осо­бы — царица Анастасия Романова, удельная княгиня Ефросинья Старицкая, царевна Ксения Годунова — устраивали собственные мастерские шитья.

Картинки (фото, рисунки)

  • Дионисий. Богоматерь Одигитрия. 1502 г.
  • Дионисий. Дмитрий Прилуцкий в житии
  • Потир. XVI в.
  • Сторона хоругви. Шёлковая ткань, золотые, серебряные и шёлковые нити. XVI в.
Вопросы к этой статье:
  • Почему в XVI в. исчезают многие местные школы живописи?

  • Как связаны политиче­ская история XVI в. и развитие живопи­си?

  • По каким признакам можно раз­личить иконы и фрески XV и XVI вв.?

Живопись в России XVI – XVII веков.

Реферат по учебной дисциплине «Культурология»

на тему: «Живопись в России XVI – XVII веков».

 

    План

1. Введение.

2. Знаменитые художники XVI –XVII вв.

3.  Основные школы и направления.

4. Русская живопись XVI-XVII веков и мировая живопись.

5. Заключение.

6. Список литературы.

    1. Введение.

   Искусство средневековой Руси – это феноменальное явление. Русская живопись является неотделимым элементом этого многообразного искусства, в котором все остальные компоненты – архитектура, музыка, литературные памятники – связаны между собой самым тесным и органичным образом. Столь тесное единство объясняется тем, что жизнь русского человека была сосредоточена в православном храме. Все свои действия человек соизмерял с христианскими канонами и библейскими событиями. Таким образом, древнерусское искусство являлось почти, что зеркальным отражением жизни общества и эпохи.

   Иконопись, наравне с росписями, были единственными жанрами живописи в Древней Руси. Икона входила в часть того специфического мира, в котором жил средневековый человек, и создавалась она по строгим правилам, вырабатывающимися веками. Иконописцами становились избранные, в основном иноки, находящиеся на высоком уровне духовного развития. Так продолжалось вплоть до шестнадцатого столетия, пока в процессе развития живописи не наступил некий спад. Расцвет иконописи, её высочайшие достижения в лице Андрея Рублёва и его школы, остаются позади. Однако именно в этот период намечаются такие глобальные сдвиги, от которых живопись на Руси выйдет на совершенно иные пути развития. Появится много нового, а часть старого уйдёт навсегда.

   В XVII веке эти противоречивые направления лишь усиливаются, в борьбу вступают старое и новое, христианское и мирское. Многие нажитые веками традиции гибнут в этой борьбе, но многие из них выдерживают натиск светских тенденций и остаются в русском искусстве навсегда. В целом, живопись XVII века оказалась подготовительной платформой для грандиозного становления живописи XVIII века.

   2. Знаменитые художники XVI – XVII вв.

   Живопись XVI века формировалась в Московском Кремле. Царский двор являлся местом для творческой деятельности зодчих, художников, ремесленников. Обстоятельство это было вполне закономерным и логичным явлением, поскольку все объекты Кремля – палаты, храмы, дворцы, башни требовали декоративной отделки и росписи. Развивалась в то время и книжная культура, и получавшие распространение фолианты иллюстрировались лучшими художниками эпохи.

  Русская живопись XVI века (имеется в виду иконопись, поскольку иных жанров профессиональной живописи ещё не существовало в то время) развивалась на фундаменте искусства Византии. Опираясь на опыт византийцев, древнерусские мыслители выработали национальную концепцию русской иконы, определявшую принципы применения религиозных изображений. Одним из таких передовых мыслителей  был Иосиф Волоцкий (1440 – 1515), который внёс наибольший вклад в развитие иконописной концепции. Проблема написания икон приобрела особенно острый характер после пожара в Москве (1547), в котором сгорело очень много древних икон. По поводу иконописных канонов велось очень много споров, приведших к утверждению двух противоположных идей: символическая икона и реалистическая.

   Имена художников XVI века практически не сохранились. Крупнейшим живописцем этого времени являлся Дионисий (ок. 1440 – после 1502). Дионисий писал иконы, но не был монахом, подобно А. Рублёву (ок. 1360 – 1428), потому в его иконописи главенствовал разум, а не религиозность. Талант Дионисия проявился очень рано, вследствие чего он приобрёл немало покровителей. Дионисий получал заказы от самых высоких лиц церкви. Однако его слава живописца основана не на новаторских приёмах, а на редком даре создавать вещи «преизящные» [Кравченко; 405].

  Прославился в XVI веке и сын Дионисия – иконописец Феодосий. В выполненных им фресках для Благовещенского собора выразилась идея, касающаяся наследственности в отношении княжеского престола. Своеобразие эволюции живописи XVI века заключалось в продвижении идеологических тенденций. Таковы фрески Золотой палаты, отразившие в себе получившую распространение концепцию «Москва – Третий Рим».

   Прорыв в живописи совершили неизвестные живописцы – авторы росписей Благовещенского собора. Среди прочих, привычных персонажей церковной живописи, там встречаются древнегреческие мудрецы: Гомер, Аристотель и др. Очень экспрессивно выполнены ими сцены, иллюстрирующие Страшный суд. Некоторые фрагменты этих росписей максимально приближены к натурализму.

   В целом, русская живопись XVI века тяготела к символизму, носящему очень сложный, зачастую аллегорический характер. Но, как уже говорилось, реалистические тенденции также довольно ярко проявляли себя, на что указывает, например, икона-картина «Церковь воинствующая», соединившую в себе в качестве персонажей небесных и земных воинов, земных и неземных.

   XVII век – период завершения эпохи средневековья. В соответствии с этим, вторая половина столетия характеризуется  процесс ом коренных сдвигов, затрагивающих социально-экономические отношения.  Развитие экономических связей способствовало устранению местной обособленности. Национальное самосознание всё более прогрессировало, а народные традиции укреплялись и  распространялись. Середина XVII века ознаменовывается также переменами и в русской живописи, в которую начинают проникать новые веяния и тенденции, главным из них является развитие реалистического начала. У живописцев теперь появляется иная задача – донести до своих  современников мысль о радости земного существования, неповторимости бытия человека. Именно эту идею они воплощали теперь в своих произведениям. Художественный центр России перемещается в Оружейную палату Московского Кремля. Итак, живопись XVI века характеризуется, прежде всего, именами Дионисия и его сына Феодосия.

   Первое слово в реалистическом направлении русской живописи XVII века принадлежало теперь Симеону Ушакову (1626 – 1686) и Иосифу Владимирову (1642 – 1646). Совершив существенный прорыв в искусстве живописи, они подтвердили его и теоретически. В написанных ими  трактатах эти  мастера убедительно обосновали необходимость для русского искусства именно реалистического направления. И Ушаков, и Владимиров оспаривали право эстетической и художественно-выразительной доминанты в произведениях живописи.

   Новаторство живописи Ушакова, убеждающая сила его стиля отразилась во фресках московской церкви Троицы в Никитниках. Выполненная им голова Христа – «Спас Великий архиерей» несёт в себе черты реалистической живописи. Особенно это касается одухотворённого лика Иисуса Христа. В 1761 году Ушаков написал икону «Троица», концепция которой противоречила замыслу его великого предшественника Андрея Рублёва (1360 – 1428), написавшего икону на этот же библейский сюжет. Ангелы, изображённые на ней, воплощают красоту материальную, в то время как ранее было принято изображать их божественную сущность, как это было у Рублёва. Ушаков предполагал, что синтез иконописных канонов и реалистических элементов вполне осуществимо, к чему и стремился на протяжении всей своей деятельности.

  Традиции Симеона Ушакова были продолжены его учениками: Тихоном Филатьевым, Фёдором Зубовым, Григорием Зиновьевым, Никитой Павловцом. Они совмещают в своих работах и нововведения (например, технику светотени) и традиции, установленные А. Рублёвым. Немалый вклад в развитие русской живописи внёс и Кирилл Уланов, заступивший на место умершего Никиты Павловца.

   Выдающимися достижениями фресковой живописи конца XVII в. считаются росписи церквей Ильи Пророка и Иоанна Предтечи (Ярославль), выполненные артелями мастеров под руководством Гурия Никитина (1620 – 1691) и Дмитрия Плеханова. Таким образом, художники XVI века стремились к преодолению устоявшихся правил, выводя на первый план личность человека.

   3. Основные школы и направления.

  В России XVI века существовал ряд иконописных школ: владимиро-суздальская, псковская, новгородская, нижегородская и московская считаются наиболее крупными. Первые три школы следовали устоявшимся традициям, в то время как московская подверглась влиянию новых веяний. Мастера начали осваивать и применять новую стилистику, связанную с аллегоричностью и много фигурностью изображения.  Живопись была обязана подчиняться идеологии, в центре которой находилось христианское мировоззрение, и вскоре, к концу XVI века, в противовес этому обстоятельству возникает новая школа, которая концентрирует своё внимание на живописи, её технике. Эта школа стала известной под названием «строгановская школа». Этимология названия связана с династией Строгановых – купцов и промышленников, владевших немалым состоянием. Делая частые заказы они, тем самым, способствовали развитию иконописи. Прославленными мастерами строгановской школы по праву считаются Прокопий Чирин, Назарий, Истома и Никифор Савины, Емельян Москвитин.

   Выполняя заказы не для храмов, а для частных лиц, строгановцы позволяли себе обходить каноны. Работали они в жанре миниатюры, получившее впоследствии название «строгановское письмо». Их стиль отличала редкая утончённость, выписанностью деталей, изящество. Поля строгановских икон были очень широкими. Иногда мастера этой школы трактовали библейские сюжеты в духе народных сказок. Большое внимание они уделяли пейзажу и одежде, в чём явились практически первооткрывателями.

  Однако главное достижение строгановцев следует видеть не в стилистике, а в новаторстве. Именно они создали тип миниатюрной иконы в противовес доминирующей до этого иконы монументальной. Благодаря им, иконы стали доступными для граждан; любой православный христианин мог приобрести миниатюрную икону и поместить её у себя дома. Вполне очевидно, что виртуозность, манерность и декоративность вытеснили с первого плана монументальность и страстность.

   В противоположном направлении действовала «годуновская школа», которая стремилась реанимировать древнюю школу, вернуться к монументальности и устоявшимся канонам.

   Ярославская школа также относится к заметным явлениям русского искусства рассматриваемого периода. Представители этой школы (в частности, Дмитрий Плеханов) демонстрировали очевидное тяготение к появлениям посадской культуры, светским традициям. Их фрески отличаются удивительной яркостью и праздничностью, а библейские события истолковываются с позиции повседневной жизни. Они весьма далеко отошли от иконописного канона, оставляя его в прошлом.

   XVII век – время проникновения и вмешательства в русское искусство западноевропейской живописи. Иконопись подвергается разрушению изнутри. Даже сами иконописцы именуют себя теперь живописцами. Ещё более яростными делаются дискуссии, касающиеся иконописных канонов. Представители церкви решительно отвергают нововведения в сфере символики. Однако ведущие художники – Иосиф Владимиров и Симеон Ушаков – отдают предпочтение именно ей. Так церковная живопись теряет весьма важную свою составляющую, касающуюся духовного начала, и становится инструментом в руках идеологии.

  Границы всё больше расширяются, и теперь писать иконы могут не только монахи, но и светские художники. Более отчётливо проявляет себя декоративность, строгановские начинания получают самое широкое распространение. Уходит в прошлое плоскостное изображение, уступая место объёмности. Такова, например, икона Симеона Ушакова «Спас Нерукотворный». Эволюция живописи шестнадцатого столетия получает двойственное толкование: это восхождение на более высокий уровень, с одной стороны, и окончательная утрата бесценной самобытности и особого духовного элемента, связанное с плоскостным изображением. Икона не должна быть портретом, ведь её смысл – изображение Первообраза. Семнадцатый век разрушает все эти приобретения Древней Руси. 

   В XVI веке происходит развитие исторического жанра, что влияет и на эволюцию живописи, в частности, портретного жанра. Теперь не только лики святых запечатлевают живописцы, но и портреты русских князей. Так, Грановитая и Золотая палаты, также как и росписи Архангельского и Благовещенского собора, демонстрируют примеры подобных росписей. Портреты эти носят условный характер, их ещё нельзя в полной мере назвать портретами, но и иконописью тоже.

   Росписи Гурия Никитина и Дмитрия Плеханова демонстрируют очевидное влияние светской культуры, они несут в себе демократический характер. Религиозные сюжеты являются прекрасным поводом для изображения жизни обычных людей, живущих простой жизнью. Однако в 1668 – 1669 году ввелась регламентация (царский указ и грамота трёх патриархов), по требованиям которой живописцы были обязаны придерживаться старых традиций, касающихся иконописи, из-за чего стремительно начавшееся развитие реалистического течения было приторможено.

  Параллельно с этим процессом происходит и другой: возникает «парсунная» живопись (так называли портретную живопись), сохраняющая черты иконописи и по технике и по манере. Со временем эта живопись делается всё более жизненной, правдивой, индивидуально-конкретной, что можно проследить по «парсуне» царей Алексея Михайловича и Фёдора Алексеевича 70 – 80-х гг. В эти годы постепенно в Россию начинает постепенно проникать техника масляной живописи, пришедшая из Западной Европы.

   Помимо церковной живописи (иконопись и росписи в церквях, фрески) развивались и иные направления. В середине XVI века на Руси появляется и деревянная гравюра. Его возникновение было обусловлено рождением книгопечатания. Гравюра, выполненная на дереве, сделалась в шестнадцатом столетии органичной частью книги и носила светскую направленность. Искусство гравюры отличал больший демократизм, нежели живопись, и оно содержало в себе многообразие приёмов. Шедевр книжной графики был создан строгановской школой. Речь идёт о Евангелии 1606 года, чьи заставки и гравюры явились воплощением высочайшего мастерства и вкуса.

  Монументальная живопись подверглась аналогичным иконописным тенденциям. Это направление отличала та же двойственность, которая была присуща иконописи. Двойственность эта заключалась в двух противоположных по своей сути процессам: вернуть прежний стиль, его строгость и величие, и освоить новую стилистику, заключающееся в утверждении виртуозности, изощрённой детализации.

  Каждая из вышеупомянутых школ по-своему отличилась в монументальной живописи. Для годуновской школы большим достижением явилась роспись Смоленского собора, входящего в архитектурный ансамбль Новодевичьего монастыря (1598). Строгановская школа продемонстрировала своё редкое умение выстраивать композицию и далее декорировать её в росписях Сольвычегодского Благовещенского собора (мастера Стефан Арефьев и Фёдор Савин).

   Итак, в истории русской живописи семнадцатого столетия, помимо стремления ввести новые приёмы, наблюдается и появление новых школ и жанров. Четыре основных течения данного периода: монументальная живопись, иконопись, книжное иллюстрирование (деревянная гравюра, также относящаяся к иллюстрированию), парсуна.

    4. Русская живопись XVI-XVII веков и мировая живопись.

   XVI – XVII века в Европе – это периоды Высокого Ренессанса (cinquecento, длился до второй трети XVI века) и Позднего Ренессанса (от второй трети XVI века до первой половины XVII века). Однако делением на этапы Возрождения характеристика искусства XVI – XVII вв. не ограничивается, а классифицируется ещё и по школам. Так, итальянский Ренессанс определялся тем курсом, который задавали две школы – венецианская и флорентийская. Флорентийская преобладала в Раннем и Высоком Ренессансе, а венецианская – в Высоком и Позднем. Представителями флорентийской школы в XVI веке являлись Сандро Ботичелли (1445 – 1510), Микеланджело Буонаротти (1475 – 1564). Признаками данной школы являются психологизм, обострённая религиозность, мифологизм.

  Венецианская школа представлена именами Джованни Беллини (1430 – 1516), Джорджоне (1478 – 1510), Тициана (1477 – 1576), Паоло Веронезе (1528 – 1588), Тинторетто (1518 – 1594). В противоположность флорентийской школе, венецианцы воспевали радость жизни, лирическая рецепция личности и окружающего мира, утончённость колорита.

  Микеланджело называют «последним гигантом Высокого Возрождения» (наравне с предшествующими ему Л. да Винчи и Р. Санти). Гений Микеланджело был весьма разнообразен, однако особую славу ему принесли росписи свода Сикстинской капеллы (1508 – 1512), в частности, фреска «Страшный суд». Джорджоне и Тициан также оставили огромное наследие, составляющее значительную часть мировой сокровищницы живописи.

   Позднее Возрождение приносит ряд перемен в живопись и во всё искусство в целом, что выражается массовым отказом художников от идеалов гуманизма; доминировать начинает эстетика маньеризма.

   Гуманистическое, светлое и радостное искусство эпохи Возрождения на исходе XVI века всё более уступает место ощущениям тревоги, мистических предчувствий. Ренессансное мировоззрение уже довольно значительно повлияло к тому времени на реальную жизнь, поскольку в сознании большинства уже успела утвердиться идея о величии человека, его безграничном героизме, в гармонию вселенной.  Во всех видах искусства усиливаются контрасты между пышностью, декоративностью и реалистичностью изображения, т.е. происходят процессы, аналогичные процессам в русском искусстве этого же периода. Активно в Европе развивается и гравюра (в связи с распространением книгопечатания), что сближает искусство Руси и Европы. В Италии появляется новый стиль – барокко (возникает он и в России в конце XVII – начале XVIII века). Барокко, его вычурность и причудливость, отражали общую духовную обстановку времени. Если говорить об Италии. То здесь центром искусства становится католический Рим.

   Историю европейского искусства XV – XVI вв. принято называть условным понятием «Северное Возрождение». Однако в Италии этот термин имел прямой смысл – второе рождение античной культуры, то в других странах – Германии, Франции, Нидерландах данный процесс характеризуется эволюция поздней готики в виде её «обмирщения». Светское направление живописи, как мы помним, начинало доминировать и на Руси в этот же период.

   Итальянская живопись XVII века представлена двумя главенствующими течениями: «болонским академизмом», который выступал против маньеризма. И другим, представители которого за идеальный образец брали искусство М.М. де Караваджо (1571 – 1610) – крупнейшего художника эпохи, влияния которого не избежал ни один крупный мастер данного периода. Художники, представляющие болонскую школу (Аннибале Караччи, 1560 – 1609; Гвидо Рени, 1575 – 1642; Франческо Барбьери, 1591 – 1666) и другие вызвали к жизни большое количество эпигонов в различных странах.

   Германия в XV – XVI вв. дарует миру одного из величайших художников всех времён – Альбрехта Дюрера (1471 – 1528), который вывел на качественно новый уровень рисунок, графику, гравюру, ксилографию.

  Фламандская живопись XVII принадлежит к числу самых замечательных страниц мировой культуры. Особенностью фламандской школы является её поразительная монолитность, стилистическое единство вокруг творчества П.П. Рубенса (1577 – 1640). Рубенс был творцом нового, тесно связанного с современностью искусства. Его достижения были развиты А. ван Дейком (1599 – 1641), Я. Иордансом (1593 – 1678), Ф. Снейдерсом (1579 – 1657).

   Для Испании первая половина XVII столетия была временем подъёма культуры. Незабываемой страницей в национальной живописи Испании явилось творчество Эль Греко (1541 – 1614) – художника огромного дарования и широчайшей гуманистической образованности; он оказался истинным новатором. Предшественниками великих мастеров XVII века, открывшими «золотой век» испанского искусства были Хусепе Рибера (1591 – 1652) и Франсиско де Сурбаран (1598 – 1664). В творчестве Диего Родригеса де Сильва Веласкеса (1559 – 1660) – одного из величайших реалистов, искусство Испании достигает наивысшего подъёма. Последний период в искусстве Веласкеса – одна из вершин европейской живописи XVII века, завершающий длительный поиск путей правдивого отражения действительности («Менины», 1656).

  Голландская живопись XVII века – очередная прогрессивная ступень в эволюции реалистического искусства Европы. Религиозные и мифологические сюжеты были отодвинуты голландскими мастерами на задний план. Вместо этого они предпочитали изображать родную природу и быт современников. Творчество гениального Рембрандта Харменса ван Рейна (1606 – 1669) являет собой одно из самых значительных достижений мировой живописи. Выделяющееся глубочайшим человеколюбием, широким тематическим диапазоном, постоянным поиском индивидуального языка, непревзойдённым мастерством.

   Во Франции в первой половине XVII века происходило создание единого государства, что создавало весьма непростые условия для формирования искусства. Тем не менее, скульптура, архитектура и живопись стремительно развивались, что привело к возникновению классицизма – явления поистине величайшего, сумевшего отразить и ход эстетических поисков, и проблемы этики, личности, общества. В живописи Франции XVII века сошлись в одной точке все самые крупные веяния этой эпохи. Величинами французской живописи этого периода являлись Луи Ленен (1593 – 1648), Никола Пуссен (1594 – 1665), Клод Лоррен (1600 – 1682), Антуан Ватто (1684 – 1721), Жан Луи Давид (1748 – 1825). Во французской живописи активно развиваются жанры пейзажа и портрета (последняя тенденция отмечается и русской живописи).

  Таким образом, можно отметить, что живопись Руси только находилась на подступах тех достижений, которых достигла Европа. Среди точек соприкосновения в развитии русского и мирового искусства в XVI – XVII вв. следует отметить: обмирщение живописи, столкновение противоположных процессов, развитие портретного жанра (пока в качестве парсуны), развитие книжной гравюры; разделение на школы и направления. 

Русская живопись конца XV — начала XVI века. Дионисий

Развитие русской живописи конца XV—XVI веков, как и развитие зодчества этой поры, в первую очередь определялось таким важнейшим историческим событием, как образование Русского централизованного государства, сопровождавшееся значительными социальными сдвигами.

Ростом социальных противоречий обусловливается сложный характер мировосприятия человека конца XV—начала XVI столетия. Конец XV века был временем торжества иосифлянства, проводившего ортодоксальную линию русской церкви и ратовавшего за подчинение интересов церкви интересам феодальной монархии. Вместе с тем значительно усиливаются еретические движения. Борьба иосифлян с еретиками придает напряженный характер русской общественной жизни этого времени.

Основной задачей искусства становится прославление Русского централизованного государства. Это расширяет идейное содержание искусства, придает политический смысл многим произведениям живописи. В искусство XVI века проникает все больше светских мотивов, все больше живых, занимательных сцен. Вместе с тем как выражение противоположных тенденций строгая регламентация сюжетов, иконографических переводов и образцов сковывает творческое развитие искусства, зачастую придает ему холодный, официальный характер. Постепенно появляются произведения догматические, долженствующие разъяснять и доказывать основные положения официальной религии.

Крупнейшим представителем московской школы живописи конца XV века был Дионисий (родился, вероятно, около 1440, умер после 1503). В отличие от Рублева Дионисий не был иноком. Его два сына—Владимир и Феодосий — также были живописцами и помогали ему в его работах.

Ранний период творчества мастера (60-е — 70-е годы), проходил в Пафнутьево-Боровском монастыре. Из многочисленных работ, созданных им в эти годы, ничего не сохранилось.

В 80-х годах Дионисия вызывают в Москву. Здесь он выполняет ряд заказов: в летописи говорится о большом многоярусном иконостасе, написанном в 1481 году в московский Успенский собор по заказу ростовского архиепископа. Иконостас был выполнен Дионисием совместно с тремя другими мастерами Тимофеем, Ярцом и Коней. В «Сказании о Каменном монастыре» сообщается еще об одном иконостасе Дионисия, написанном в 1482 году по заказу угличского князя Андрея. Обе эти работы не сохранились.

По-видимОму, в 80-х годах XV века были созданы фрески алтарной части Успенского собора Московского Кремля. Некоторые из них дошли до наших дней. На каменной алтарной преграде изображены полуфигуры святых и композиция «Спас» над входом в северный Петропавловский придел. В самом Петропавловском приделе сохранилась композиция «Сорок мучеников севастийских» (на южной стене), а в жертвеннике главного алтаря — «Три отрока в пещи огненной». Кроме того, частично сохранились росписи Похвальского придела: «Похвала Богоматери» на своде и «Поклонение волхвов» на северной стене. Изображение «Рождества Иоанна Предтечи» на южной стене того же придела первоначально, до перестройки алтарной части собора, относилось к росписи прилегавшего к Похвальскому Дмитровского придела. Из всех этих фресок, выполненных, по-видимому, группой мастеров, работавших вместе с Дионисием а Успенском соборе, кисти Дионисия с наибольшей вероятностью можно приписать «Поклонение волхвов» в Похвальском приделе (ил. 74).

73. Апокалипсис. Икона. Рубеж XV—XVI вв. Фрагмент
74. Поклонение волвов. Фреска Похвальского придела Успенского собора Московского Кремля.. Конец XV в.
75. Митрополит Петр. Икона. XV в. Клеймо
76. Дионисий. Распятие. Икона. 1500

77. Митрополит Алексей. Иконе. XV в. .

Конец 80-х годов и, вероятно. 90-е годы Дионисий работает в Иосифаео-Волоколамском монастыре. Сохранились сведения о росписи монастырской церкви, выполненной артелью мастеров под руководством Дионисия, о большом четырехьярусном иконостасе и множестве икон, написанных в монастыре Дионисием и его сыновьями.

Из всего этого обилия икон и фресок, выполненных мастером в 80-х — 90-х годах для Волоколамского монастыря, до настоящего времени ничего не обнаружено. Но к этому времени относится икона «Богоматерь Одигитрия» (ГТГ), согласно летописи, написанная на обгоревшей во время пожара 1482 года доске византийской иконы Богоматери. По сравнению с другими достоверными произведениями Дионисия, эта икона кажется несколько суховатой и официальной.

В 1502—1503 годах Дионисием совместно с двумя его сыновьями и артелью художников была исполнена роспись собора Рождества Богородицы в Ферапонтовом монастыре. Эта роспись посвящена теме похвалы Богородице.

В трех больших люнетах центральной части храма представлены крупные торжественные композиции: «Собор Богородицы», «Похвала Богородице» и «Покров Богородицы». В центре каждой из них помещена фигура Богоматери, восседающей с младенцем на коленях или же стоящей с покровом в руках на фоне высокого пятиглавого собора. Вокруг многолюдными группами расположились славословящие Богоматерь святые и простые смертные. Яркие, красочные сочетания, пестрые узоры одежд и архитектуры, радужный ореол вокруг фигуры Богоматери, множество цветов и трав создают впечатление праздничное, торжественное.

Во втором ярусе фресок, тянущихся по стенам и столбам центральной части храма, подробно иллюстрирован «Акафист Богородице» (хвалебное песнопение). Повторяющийся в каждой композиции стройный темно-вишневый силуэт ее фигуры на фоне бледно-розовых и золотисто-охристых горок или зданий придает всему циклу фресок смысловое и композиционное единство.

По плоскостям арок расположены целые гирлянды разноцветных круглых медальонов с по- грудными изображениями святых, Снизу они воспринимаются как красивый узор и усиливают общее впечатление нарядности и праздничности. На сводах боковых приделов идущие в два яруса евангельские сцены завершаются группами фигур, размещенных полукругом за пиршественными столами. Здесь представлены сцены на сюжеты евангельских притч.

Утром и вечером, когда солнце заглядывает в узкие окна храма и зажигает янтарем тусклую охру фресок, роспись производит впечатление особенно торжественного и радостного славословия в красках. Это и составляет главное содержание всей росписи.

Фрески ясно обнаруживают различные живописные манеры. Считают, что кисти самого Дионисия бесспорно принадлежит портальная фреска «Рождество Богородицы» (ил. V).

V. Портальная фреска собора Рождества Богородицы Ферапонтова монастыря. 1502—1503. Фрагмент

Кисти Дионисия, его учеников и помощников принадлежит и созданный для собора Рождества Богородицы Ферапонтова монастыря большой многоярусный иконостас. От иконостаса дошли до нашего времени несколько икон деисусного ряда (ГРМ, ГТГ, Музей Кирилло-Бепозерского монастыря) и местные иконы — «Сошествие во ад» и «Одигитрия» (обе — ГРМ). Трудно сказать, принадлежат ли эти иконы самому Дионисию или они были написаны кем-то из его учеников. Сохранились также две иконы из иконостаса Павло-Обнорского монастыря. На обратной стороне одной из них — «Спас в силах» (ГТГ), составлявшей центр деисусного чина, обнаружена надпись, свидетельствующая об авторстве Дионисия, и дата исполнения — 1500 год. Это дает основание для атрибуции Дионисию второй из сохранившихся икон этого иконостаса — «Распятие» (ГТГ, ил. 76). Колорит ее поражает светлостью, обилием белого в сочетании с различными оттенками лимонно-желтого, розового, с вкрапленными кое-где пятнами алого; построение пронизано движением, фигуры составляют динамичные группы, возникающие, распадающиеся и образующие новые сочетания, в которых большую роль играют композиционные паузы. Икона «Распятие», так же как и портальная фреска Рождественского собора,— самые совершенные творения Дионисия.

С именем этого мастера все исследователи настойчиво связывают и две большие житийные иконы митрополита Петра (Успенский собор Московского Кремля) и митрополита Алексея из Успенского собора Московского Кремля (ГТГ, ил. 77).
В среднике каждой иконы представлена фигура митрополита в полном облачении. В одной руке он держит евангелие, другой — благословляет. Торжественная поза, ритуальный жест придают митрополитам царственное величие. В клеймах помещены житийные сцены, где они выступают в роли мудрых правителей церкви, принимающих непосредственное участие в государственной деятельности.

В ряде клейм митрополиты изображены как основатели и строители монастырей и храмов (ил. 75). В среднике обеих икон фигура митрополита в светлом саккосе (вид облачения) с темно-вишневыми крестами помещена на светло-зеленом фоне и это придає* иконам торжественный праздничный характер.

Высокие и стройные человеческие фигуры в клеймах, медленные, ритмически размеренные жесты, архитектура, простая и строгая по формам, заполняющая зачастую весь фон клейма, пейзаж с грядами далеких светлых горок, тонкими деревьями, цветами и травами, обилие светлых тонов: бледно-розового, бледно-зеленого, желтоватого — все это рождает впечатление светлого простора и ясной гармонии.

Один из замечательных памятников живописи рубежа XV и XVI веков — большая икона «Апокалипсис» (Успенский собор Московского Кремля, ил. 73). Она находится вне круга искусства Дионисия.

Изображены толпы молящихся в белых одеждах; охваченные единым порывом, они склоняются перед агнцем. Вокруг них развертываются величественные видения Апокалипсиса: высятся стены белокаменных городов, витают ангелы, их полупрозрачные фигуры, как бы нарисованные пером и слегка подкрашенные, контрастируют с черными и темнокоричневыми фигурами демонов. Занимая несколько обособленное место в иконописи своего времени, эта икона свидетельствует о существовании в живописи, так же как и в архитектуре рубежа XV и XVI веков, связей с искусством и культурой итальянского Возрождения.

Живопись в России в XVI веке

1. Живопись в России в XVI веке

Выполнила
Наумова Екатерина
Ученица 10 класса

Основной задачей искусства XVI
века становится прославление
Русского централизованного
государства. Это расширяет его
идейное содержание, придает
политический смысл многим
произведениям живописи того
времени. Во второй половине этого
столетия строгая регламентация
сюжетов, иконографических
переводов и образцов сковывает
творческое развитие искусства,
зачастую придает ему холодный,
официальный характер. Вместе с
тем в искусство XVI века
проникает все больше светских
мотивов и образов, все больше
живых, занимательных сцен.

На протяжении XVI в. в
древнерусской живописи
происходят весьма важные
изменения. Существенно
расширяется ее тематика. Гораздо
чаще, чем раньше, художники
обращаются к сюжетам и образам
Ветхого завета, к назидательным
повествованиям притч и к
легендарно-историческому жанру.
В связи с этим в художественное
творчество все более проникают
жанровость, интерес к быту, все
чаще в композициях появляются
русские «реалии», русская
архитектура сменяет условную
«эллинистическую».
• Основным жанром русской
живописи в 16 веке остается
иконопись.
• Происходит усиление контроля
церкви над работой художников
с целью воспрепятствовать
свободному «самомышлению».
В XVI в. распространяются
«иконописные подлинники»,
лицевые и толковые, в которых
регламентировалась
иконография изображения
основных сюжетных
композиций, а также отдельных
персонажей.
• Важные изменения
произошли в XVI в. и во
внешнем облике икон. Их
чуть ли не обязательной
принадлежностью является
серебряный басменный или
чеканный оклад. Образ
человека в иконописи XVI в.
становится более
приземленным, лишается
той высокой духовности,
того внутреннего
благородства, которыми
наделяли его мастера XV
столетия.
Три наиболее известных
иконописца того
времени – это
Андрей Рублёв
Феофан Грек
Дионисий

7. Андрей Рублев

• Андре́й Рублёв (около
1360 — 17
октября 1428, Москва) —
наиболее известный и
почитаемый мастер
московской
школы иконописи,
книжной и
монументальной
живописи XVI века.
Канонизирован Русской
православной церковью в
лике преподобных святых.

8. «Спас Вседержитель»

• Цветовую гамму составляют
золотистые, разных оттенков
охры лика, темноватая легкая
лазурь гиматия (на одежде).
Выражение лица в сочетании с
цветовой гаммой создает
впечатление мудрого
спокойствия. К сожалению, этот
фрагмент – всё, что осталось от
иконы. Но все уцелевшее так
великолепно, что это
произведение, бесспорно,
является одним из шедевров
древнерусского искусства.
Благородная простота образа
«Спаса» и его монументальный
характер — типические
особенности стиля Рублева.

9. «Святая Троица»

• Эта икона – вершина
творчества Рублёва.
Эта икона несёт идею
мира и
человеколюбия,
высокой нравственной
чистоты, поэтому она
стала образцом для
русских иконописцев.

10. Феофан Грек


Феофа́н Грек (около 1340 —
около 1410) — великий
византийский иконописец,
миниатюрист и мастер
монументальных фресковых
росписей.
Феофан родился в Византии
(отсюда прозвище Грек). Он
поселился в Новгороде в 1370 году.
Относительно икон, написанных
Феофаном, не сохранилось чёткой
информации. Традиционно его
авторству приписывают «Успение
Божьей Матери», «Донскую икону
Божьей Матери», «Преображение
Господне» и деисусный чин
Благовещенского собора Кремля.

11. «Богоматерь Донская»


Икона Богородицы с младенцем
Христом на руках, выполненная в
иконографическом изводе Елеуса.
По преданию (согласно
предисловию ко вкладной книге
Донского монастыря от 1692 года),
поднесена донскими казаками
московскому князю Дмитрию
Донскому перед Куликовской
битвой (1380 год). В Русской церкви
икона почитается чудотворной,
празднование в её честь
совершается 19 августа (по
юлианскому календарю). Ежегодно
в день празднования иконы её
доставляют в Донской монастырь
для совершения перед ней
праздничного богослужения.

12. «Успение Пресвятой Богородицы»

• Эта икона написана на
обротной стороне Донской
Богоматери. Здесь есть деталь,
которая как будто
концентрирует в себе
драматизм происходящей
сцены. Эта свеча, горящая у
ложа богоматери. Свеча — это
символ души богоматери,
светящей миру. Но у Феофана
это больше, чем отвлеченый
символ. Трепещущее пламя
словно бы дает услышать
гулкую тишину оплакивания,
ощутть холодность,
недвижность мертвого тела
Марии.

13. Дионисий


Диони́ сий (ок. 1440—1502) —
ведущий
московский иконописец (изограф)
конца XV — начала XVI веков.
Считается продолжателем
традиций Андрея Рублёва.
Композиции его работ
торжественны, краски нежны и
светлы, словно летний день,
фигуры грациозно удлинены, лики
святых красивы. Произведения
Дионисия легки и радостны, они
как бы показывают то, что великая
держава готова идти в будущее с
надеждами, а не со скорбью в
сердце. Дионисий предвосхитил
развитие светского начала в
искусстве XVI века, вводя черты
конкретности в изображение
действия, поз, одежд и т. д.

14. «Одигитрия Смоленская»

• Святая икона Божией
Матери Одигитрии одна из главных святынь
Русской Церкви.
Верующие получали и
получают от нее
обильную благодатную
помощь. Перед
Бородинским
сражением эту икону
носили по лагерю,
чтобы укрепеить и
ободрить воинов.

15. «Сошествие во ад»

Икона построена так, что
ощущается космическое
значение Сошествия во ад.
Этому способствует
невесомость фигур, как бы
парящих в пространстве иконы.
Бирюзовый цвет ореола,
окружающего фигуру Христа,
противостоит черному провалу
преисподней, как чистое небо
— мраку подземелья. И над
всем господствует крест —
символ искупительной жертвы
Сына Божия и начала нового
времени.
• Русская культура XVI в.
сформировавшаяся в
тяжелейших условиях
национально-освободительной
борьбы, принадлежит к
наиболее ярким этапам в
истории отечественной
культуры. Пусть до нас дошло
не так уж много произведений
той эпохи, но русская живопись
XVI в. не знает себе равных в
мировом искусстве. Все
произведения того времени
демонстрируют богатую
духовную культуру и высокое
профессиональное мастерство.

Русская средневековая живопись

Святой Богородица Владимирская

Иконы IX / X веков не сохранились. пока найдены в России, но один из лучших примеров последнего средневековая живопись — знаменитая 12 Икона года Владимирской Богородицы года — дошла до нас во многом нетронутый. Это изысканное панно было привезено в Киев из Константинополя в двенадцатого века, а вскоре после этого перевезен во Владимир, Россияне сразу признали его шедевром и с самого начала его влияние на русскую живопись было значительным.Хотя несомненно Константинопольского мастерства, причем самого лучшего качества, и хотя он строго следует жесткой композиции, установленной православными По традиции, икона не является типично византийской по духу. Напротив к большинству современных византийских картин, Богородица на этом панно настолько же индивидуально, насколько и является символом материнства; в ребенок снова, сохраняя свой святой характер, но все же интимный и ласковый ребенок, а не просто памятник Веры.Икона пропитана с гуманизмом, который редко можно встретить в византийском искусстве. Такой Однако гуманизм был необходим простому, любящему индивидуальность славянину, кто требовал интимной, а не формальной религии, и это заманчиво утверждать, что икона была заказана специально для Киева, и что она намеревались соответствовать русским, а не византийским требованиям. Многие русские художники стремились выразить тот же гуманизм в иконографических фреймворк.Богородица на иконе Благовещения XII века в г. Успех Успехов показывает Успенский собор в Москве. Этот значок, возможно, менее красив и, конечно, менее совершенен, чем сдержанная, но нежная Владимира . Это снова менее элегантно и милостивый, но в своем более простом смысле он такой же искренний и трогательный. Черты Девы принадлежат русскому, а не греческому, и это внедрение национального типа теперь признано фундаментальной характеристикой сохранившихся икон Киевской Руси до прихода монголов.(См. Также средневековый христианин Арт.)

Характеристики Иконописи

До недавнего времени ничего не было известно даже в Россия русской иконописи в этот ранний период, но в 1920-е гг. Московские государственные реставрационные мастерские под руководством Игоря Грабаря поручили очистить старые иконы, некоторые из которых были обнаружены только во время революции. Их замечательные достижения в сохранении различных надпечаток, удаленных по порядку раскрыть оригиналы, имеют первостепенное значение для студентов-искусствоведов.Затем было обнаружено и тщательно изучено несколько прекрасных ранних шедевров. изучены, и важные новые выводы относительно истории ранних Русская живопись стала возможной. Заведовал профессор Анисимов большей части этой работы. По его мнению, иконы, произведенные в России до монгольское нашествие предназначалось либо для использования в процессии, либо для установки в той части церкви, которая казалась подходящей; в отличие от более поздних они не предназначались для возведения в определенном месте церкви.В виде в результате обе стороны панелей обычно окрашивались и, чтобы предотвратить перекос, планки закрепляли сверху и снизу, а не вдоль спинки, как во всех иконах после тринадцатого века. Иконки снова изменились по размеру от от довольно маленького до очень большого, тогда как в более позднее время размеры были более постоянным, поскольку комиссии предназначались для заполнения специальных вакансий в иконостас или другое место. Установлены драгоценные и полудрагоценные камни. в границах, а также в нимбах святых; позже границы стали гораздо менее важны и остались незамеченными.Святым были даны индивидуальные лица русского шрифта и, в отличие от византийских икон, каждая была физически узнаваемый, и не только из-за обычного иконографического атрибута. Это движение к портретному искусству является, по мнению Анисимова, по сути русским, как и техника росписи лица, в результате чего тяжелая лепка лба, бровей орлиный нос привел к запавшей переносице. Глазницы, тоже были сильно вставлены, а верхние крышки были подняты до упора, так что чтобы дать святым вдохновенное выражение.Фигуры были хорошо сложены и не удлиненной, и драпировка мантий была сделана так, чтобы открывать основная форма их конечностей. Это почти классическая обработка драпировки. позже была унаследована новгородской школой, где получила отличную использовать.

Анисимов выделяет в этих иконах два направления живописи. Первый намеревался соответствовать и даже копировать великие шедевры того времени, такие как Владимирская Богородица.В них художник сосредоточился на линии, и его цвета были приглушены. Во втором живописец позволил себе определенная степень свободы в цвете и линиях и пыталась выразить врожденная любовь русских к симметрии и ритму. Он применил свои цвета импрессионистически и использовал более яркую палитру, состоящую в основном из красные, киноварь, зелень и белый. Этот стиль, который Анисимов назвал » национальный «, однако был отнесен к обратной стороне панелей.В отличие от более ранних ученых, Анисимов считает, что монгольское нашествие не , а остановили художественное развитие России — напротив, Русское искусство сделало большие успехи в XIII веке, развиваясь, если что-нибудь более быстрое, чем это было бы, если бы византийское наставничество остались в силе. Это почти наверняка верно, поскольку в стране национальное сознание обеспокоено, поскольку монгольская оккупация несомненно стимулировали его развитие.Кроме того, поскольку каждый ренессанс должен имеют свои духовные предшественники, мы можем лучше всего объяснить развитие великолепная новгородская школа иконописи таким образом. Однако утверждение Анисимова не остаются в силе, если применяются к художественной продукции страны в целом, поскольку несколько прекрасных произведений, созданных во время монгольской оккупации, были произведены либо в регионах, пользующихся автономией, либо в тех, в которых монголы были неактивны.

Религиозная фреска Фотообои

Меньше примеров датировки настенной росписи от до монгольского нашествия до нас дошли, чем иконы. Церковь Богородицы десятицентовика, как известно, содержит фреску картины и мозаики, выполненные средневековыми художники в константинопольском стиле. Украшения в Святой Софии были также по сути византийскими, хотя уже заметные различия можно увидеть между картинами там и современным Константинополем. произведения, которые некоторые ученые, в частности Муратов, приписывают местным вкусам.Так, в сохранившихся до наших дней настенных росписях на лестничной клетке в Святой Софии фигуры были представлены фронтально на вертикальном перспектива, и полумесяцы, похожие на сасанидский символ Были включены Лунный Бог. Последние очень напоминали диски, фигура которых в росписях сарматской эпохи в Керчи в Крыму. Такие диски имели появились в византийском искусстве раньше, но были полностью чужеземными развитому константинопольскому искусству XI века, как было использование вертикальной перспективы.Однако изображенные предметы были более византийскими, поскольку они состояли из тщательно продуманных сцен охоты и включали акробаты, мимы и различные инциденты, взятые из игр, сыгранных в Ипподром. Эти игры занимали важную роль в жизни Византии, и очень вероятно, что Ярослава водили к ним, когда он был Константинополь. Должно быть, они захватили его воображение, потому что он, кажется, внедрили нечто подобное в Киеве; в любом случае историк Ключевский нашел в русском фольклоре много упоминаний о игры, сыгранные на суде в Киеве по воскресеньям.Следовательно, что более вероятно чем этот принц, с его языческим наследием все еще сильным в нем, настоял на украшении лестницы собора этими светскими сцены?

Мозаики в Софии и в одной или две из меньших киевских церквей определенно были византийской работы, и, насколько известно, ни один россиянин никогда не овладел этой техникой, возможно, потому что это требовало долгих лет ученичества в то время, когда Работы было более чем достаточно, чтобы художники работали.Некоторые художники похоже, однако, пытались имитировать мозаику, в том числе декоратор церкви Кириллова монастыря, расположенного недалеко от Киева. Прежний до Великой Отечественной войны здесь сохранились три фрагмента настенных росписей. которые, по словам Муратова, были написаны в простом фронтальном стиле. обычное явление в мозаиках того времени.

Печерский монастырь в Киеве был снова оформлен в византийской манере, возможно, даже более щедро, чем Санкт-ПетербургСофия. Помимо икон, он светился мраморными облицовками, мозаика и настенная живопись. Его украшения были выполнены за шесть лет закладки первого камня — факт, говорящий о том, что В Киеве, должно быть, было очень много художников, будь то византийские или византийские. Русский, в ее распоряжении. Это предположение подтверждается тем фактом, что во многих провинциальных церквях также были изысканные настенные росписи. Некоторые, как и в Остре и Старогородке, дожили до последней войны.Они датируется XII веком. Однако большинство из них сильно пострадали. или чрезмерно восстановлены, что невозможно судить об их качестве.

Тем не менее, вполне достаточно доказательства того, что религиозная живопись была хорошо известна в России к десятому веку. Пришлось приспосабливаться к русскому вкусу чуть ли не с начало, и к XII веку большая работа была проделана русскими художники, которые вырвались из-под византийского контроля, хотя и следовали Византийская традиция.Эти талантливые, но анонимные старые Мастера наложили на византийский образец русские элементы, подготовив земля тем самым для художников — как Феофан греческий (ок. 1340-1410) и Андрей Рублёв (ок. 1360-1430) — впоследствии производивший в Новгороде лучшие шедевры средневековой русской живописи — см., например, Святая Троица Икона (ок. 1411 г.). Один из их числа, Дионисий (c.1440-1502), был важным предшественником Московского школа живописи, представленная художниками, в том числе Строгановскими. братья Прокопий Хирин, Никифор Савин и известный иконописец и художник-монументалист Симон Ушаков (1626-1686).

Работы, отражающие стиль этого искусства. движение можно увидеть в некоторых из старейших церквей и лучших художественные музеи России, в том числе Музей западного и восточного искусства, Киев (также известный как Богдан и Варвара Ханенко Художественный музей), Третьяковская галерея и ГМИИ им. А.С. Пушкина. в Москве — Новгородский музей и Владимиро-Суздальский музей.

Новгородская школа | искусство | Британника

Новгородская школа , важная школа русской средневековой иконописи и настенной живописи, процветавшая в районе северо-западного Новгорода с 12 по 16 века.Процветающий купеческий город, Новгород был культурным центром России во время монгольской оккупации большей части остальной части страны в XIII и XIV веках. В этот период он сохранил византийские традиции, составлявшие основу русского искусства, и в то же время способствовал развитию особого и жизненно важного местного стиля, стиля, который, хотя и был провинциальным, содержал большинство элементов национального русского искусства, которые в конечном итоге развился в Москве в 16 веке.

Первый важный этап новгородской школы длился в XII веке и в первой половине XIII века, когда византийская традиция распространилась от южного Киева, первой столицы и культурного центра России, до северных центров Новгорода. и Владимир-Суздаль.В этот период фресковая живопись была доминирующим видом искусства. Во второй половине XII века иератическая, аристократическая художественная традиция Киева была оставлена ​​в пользу более неформального подхода, сочетающего византийскую строгость стиля с нежностью жестов и анекдотической живописностью. В начале 13 века этому духу соответствовал сдвиг в сторону более светлых, ярких цветов и более плоских форм, смягчение типов лица и усиление определения формы посредством изящной ритмичной линии.Постепенное значение линии по сравнению с лепной формой в новгородской живописи привело к постепенному изменению византийского образа. Сильно смоделированные византийские фигуры характеризовались прямым и проницательным взглядом, который, в свою очередь, привлекал внимание зрителя. Но по мере того, как преобладание линии выравнивало фигуры и лица в новгородской живописи, прямой взгляд сменился мечтательным, абстрактным, интроспективным взглядом. Вдобавок линия приглашала к созерцанию ее абстрактных узоров; Новгородская живопись стала подчеркивать лиризм этих узоров, а не непосредственное присутствие фигур.

В начале 14 века новый художественный импульс дал введение иконостаса — ширмы перед святилищем, на которой в установленном порядке можно было развесить иконы, ранее разбросанные по стенам церкви. Стилистические тенденции предыдущего периода художественной деятельности, в которых преобладала фресковая живопись, были перенесены на визуальные проблемы, создаваемые иконостасом, и слились в окончательный новгородский стиль. Комплекс росписей иконостаса требовал целостного общего впечатления.Этот общий эффект был достигнут за счет использования четких ритмичных линий и цветовых гармоний в каждой иконке. Новгородские художники использовали драгоценные сочетания ярких, но тонко сбалансированных цветов, в которых преобладали желтый, изумрудно-зеленый и огненно-красный. Силуэт стал решающим, как и линия, которая приобрела беспрецедентную грацию с удлинением фигуры, ставшим стандартом в русском искусстве. Ряд греческих художников, прибывших из Константинополя в конце XIV века, привнесли в новгородскую школу более разнообразную тематику и ввели использование более сложных архитектурных фонов.Самым влиятельным из этих византийских иммигрантов был живописец Феофан Грек. Феофан способствовал более глубокому пониманию человеческой формы и более тонкому использованию цвета и рисунка в поздней новгородской живописи.

В конце 15 века новгородская живопись стала несколько повторяющейся, и, хотя произведения выдающегося качества продолжали создаваться, им не хватало свежести более ранних картин. В XVI веке лидерство в русской живописи перешло к более космополитическому искусству московской школы ( кв.т. ), а окончательный роспуск новгородской школы произошел с насильственным переселением новгородских художников в Москву после пожара в столице в 1547 году.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Русское искусство и архитектура

Русское искусство и архитектура
На протяжении большей части истории России искусство, музыка, литература и история были либо народным, либо православным. Причина этого в том, что в эпоху Возрождения Россия была гегемонией Монголо-татарской империи и, таким образом, пропустила возрождение искусства, охватившего Западную Европу.Петр I и Екатерина II изменили все это с секуляризацией русской культуры в 18 веке. Однако русским художникам всегда приходилось покидать Россию, чтобы избежать реализма, навязанного им русскими критиками и миром искусства. Шагал, Кандинский и многие другие прогрессивные художники могли развивать свое искусство только в Западной Европе. Эта страница содержит постоянно растущий список источников по русскому искусству: народных, церковных и светских.

История русского искусства

Александр Богуславский из колледжа Роллинз поддерживает удивительно богатый сайт, описывающий и иллюстрирующий историю русского искусства от икон до 20-го века.На сайте обсуждаются периоды, художники, школы и тенденции. Он красиво спроектирован и спланирован так, чтобы по нему было легко ориентироваться. Здесь можно найти все, что вы хотите знать о русском искусстве, включая само искусство. Богуславский теперь добавил не менее великолепный экспонат и трактат по русской народной живописи лубок .

Иконы Киевской Руси XI-XVI веков

«Икона» происходит от греческого eikon «образ», а русское слово, обозначающее «образ», образ , является другим словом для «иконы».Иконы были написаны яичной темперой на липе и считались прямой связью между душами смертных и душами священных фигур, которые они представляли. Следовательно, их целование было актом обожания этих фигур. Вот отличная выставка некоторых из самых ранних икон из истории России и Украины, установленная Архиепископией Львова, Украина.

Эрмитаж

Наконец-то в сети появилась вторая по величине и впечатляющей коллекции произведений искусства в мире.Сайт Эрмитажа не дает эффекта двухдневного посещения самого музея, но это большой и сложный сайт, достойный своего происхождения. Есть экскурсии по Меншиковскому дворцу и дворцу Петра I, лекции, выставки и многое другое. Богатый и увлекательный ресурс.

Русская живопись XIX века

Георгий Митревский предоставил электронную галерею шедевров русской живописи XIX века.Изображения лучше всего просматривать на Mac; если вы используете ПК и изображения темные, загрузите их и просмотрите их в L-View или другом средстве просмотра, которое позволяет увеличить яркость. Сергей Наумов выставил экспозицию своих любимых мастеров XIX века — И. К. Авазовского и С. В. Иванова .

Галерея И. К. Айвазовского

Сергей Наумов любезно поделился с нами старой книжкой с картинками.Айвазовский был главным художником-маринистом России.

Питер Карл Фаберже и российские императорские яйца

Петер Карл Фаберже родился в Санкт-Петербурге 30 мая 1846 года. Его отец, Густав, основал ювелирную фирму всего за четыре года до своего рождения в доме 11 по адресу Большой Морской. Фаберже младший возглавил бизнес своего отца в 1872 году и сделал блестящую карьеру. Он особенно известен своими тщательно продуманными пасхальными яйцами .Остальную часть истории вы можете найти на этом сайте. Ссылки на других сайтов можно найти здесь. Не забывайте, что Императорский дворец также сохранил традицию изготовления фарфоровых пасхальных яиц. Узнайте о них на сайте Russian Imperial Easter Egg .

Музей Андрея Рублева

В настоящее время музей, названный в честь великого русского средневекового художника икона , имеет в своем распоряжении собрание икон 14-19 веков московской, тверской и северной школ, фрагменты монументальной живописи раннерусской деревянные скульптуры и факсимильные копии фресок.Щелкните здесь, чтобы просмотреть краткую биографию .

Художественные галереи и музеи Москвы

Это список адресов и телефонов основных галерей и музеев Москвы.

Художественные галереи и музеи Санкт-Петербурга

Санкт-Петербург полон архитектурных и культурных чудес с достаточным количеством дворцов, музеев и достопримечательностей, чтобы сокрушить даже самых голодных любителей культуры.Эрмитаж, конечно, является центральным элементом музейной жизни Петербурга, но есть множество других музеев, охватывающих самые разные темы и интересы. К сожалению, несколько менее известных музеев закрываются: одни из-за отсутствия интереса и финансирования (например, Музей связи), другие (например, Центральный музей Ленина и Музей истории ВЛКСМ) по идеологическим причинам.

Lili Brochetain Коллекция

Коллекция Лили Брошетен в Париже давно известна среди специалистов как одна из крупнейших в мире коллекций русского «нонконформистского искусства» периода 1960–1980-х годов.Хотя многочисленные ссылки на Коллекцию появляются в публикациях в Европе, США и России, эта онлайн-выставка представляет собой первый случай, когда Коллекция Лили Броштейн стала широко доступной для всеобщего обозрения.

Русская архитектура

Сайт «Малая Россия», поддерживаемый Владимиром Пеккелем, предлагает обзор московской архитектуры 13-19 веков, архитектуры барокко Санкт-Петербурга.-Петербург, народная архитектура Кижей и др. Seanet предлагает красивую архитектурную прогулку по Москве. Он также включает остановки в нескольких музеях.

Русский конструктивизм

Русское модернистское искусство 20-х годов — Кандинский, Малевич, Татлин и другие — оказало большое влияние на европейское современное искусство. Вот прекрасная выставка со ссылками на другие экспонаты, посвященные этому важному движению.

Российская Империя, 1895-1910

Фотографии со стереоскопических негативов из коллекции Keystone-Mast в Калифорнийском музее фотографии Калифорнийского университета в Риверсайде. Это подборка из 900 фотографий русской архитектуры и других исторических объектов, сделанных в период с 1895 по 1910 год до того, как сталинский декрет о монументальном искусстве привел к разрушению многих из этих объектов.

Василий Кандинский (1866-1944)

Замечательная выставка ранних и абстрактных картин Кандинского Николаса Пиоха. Художественный музей Марка Хардина Texas.Net также имеет значительную коллекцию работ Кандинского.

Иконы Новгородские

Это потрясающая выставка иконописи древнего Великого Новгорода. На выставке много цветных фотографий высокого разрешения, сопровождаемых необычно информативными текстами.

Хохлома

Хохлома — бывший торговый центр в Заволжье, куда мастера по дереву привозили свои изделия для продажи на рынке.По легенде, боярин Б. И. Морозов начал заказывать уникальные конструкции чаш и столовых приборов еще в XVII веке, когда они стали популярными в Москве и других крупных городах. Хохломские узоры известны тем, что они использовали золотую краску на деревянной посуде. (Если оглавление выглядит тарабарщиной, просто начните нажимать вверху и двигайтесь вниз. Требуются шрифты Windows 1251.)

Новая галерея (Социалистический реализм)

«Новая галерея» специализируется на советском искусстве социалистического реализма 1920-1950-х годов.Он функционирует как закрытая галерея, художественный фонд, собирающий произведения искусства и готовящий их к дальнейшим выставкам и аукционам, а также для украшения офисов и жилых помещений. Хороший источник картин, рисунков и плакатов советского периода.

Палех

Центром русской иконописи XVII-XVIII веков был поселок Палех близ Иванова к востоку от Москвы. Он был спасен от исчезновения в 19 веке благодаря вмешательству семьи Строгоновых.Когда большевистская революция охватила страну в 1917 году, колонии снова удалось выжить, написав сцены из русских народных сказок, а не икон . Однако стиль церковных икон того периода очевиден в их творчестве. Сергей Наумов также организует Электронную выставку Палехского искусства .

Плакаты России

Из Русского архива Фунета в Финляндии — небольшая коллекция советских плакатов от революции до Второй мировой войны.

Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина

Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина — одно из крупнейших художественных собраний в России, в котором представлены зарубежные произведения искусства от древних времен до наших дней. Деньги на создание музея поступили из общественных пожертвований; Инициатива исходила от группы профессоров Московского университета во главе с профессором Цветаевым, создавшей музей в 1912 году. Помещения музея были построены в 1898-1912 годах по проекту архитектора Романа Клейна.

Центр русской культуры

Этот сайт содержит серию эпизодических статей о русском искусстве, архитектуре, народных песнях, танцах и кухне (три рецепта по состоянию на февраль 1997 г.). Надеюсь, этот сайт будет продолжать развиваться, потому что идея хорошая, и у сайта хорошее начало.

Центр современного искусства Сороса Санкт-Петербург

Это новый центр, ориентированный на современных художников России.Попасть внутрь немного сложно; просто продолжайте щелкать мышью. Поездка стоит того.

Государственная Третьяковская галерея

Третьяковская галерея датируется 1856 годом, когда покупка картины Николая Шильдера Искушение положила начало собирательской деятельности московского купца Павла Третьякова (1832-1898). Брат коллекционера Сергей Третьяков тоже был знатоком искусства, собирал картины не только русских, но также французских и голландских художников.В 1892 году Павел Третьяков подарил свою уже известную к тому времени коллекцию в Москву. Вот еще одна короткая страница по этой теме.

Понимание русских икон

Эта статья Лазара Бркича для журнала LORE музея Милуоки дает хорошее введение в русские иконы и понимание их понимания. Георгий Митревский предоставил прекрасную иллюстрацию для статьи Бркича на его странице Russian Icon .Вместе они представляют собой идеальные ворота к пониманию этого древнего и загадочного искусства.

Украинские писанки

Красивая коллекция украинских расписных пасхальных яиц от Билла Яковенко , студента факультета информатики Университета Южной Калифорнии в Чапел-Хилл. В Украинском музее в Нью-Йорке также есть несколько страниц о писанках, в том числе слайд-шоу с примерами. Карпато-русины имеют свой собственный стиль.

Социалистический реализм

Виртуальный музей политического искусства представляет пятистраничную экспозицию советского социалистического реализма из частной коллекции Патрика Хорват и Прима. Доктор Вернер Хорват. На выставке представлены работы Тихоменко, Бродского, Владимирова, Григорьева и других.

Эта страница была последний раз обновлена:
© 1996 Robert Beard

Русское искусство: факты и ключевые движения

Самое раннее известное русское произведение искусства, Венера Костенковская (на фото), относится к каменному веку (23000 — 22000 гг. До н. Э.).C.) и представлял собой мамонтовую кость женской фигуры. С тех пор русское изобразительное искусство стало одной из важнейших мировых художественных традиций.

Ключевые выводы: русское искусство и преобладающие темы

  • Религиозное искусство было единственной формой изобразительного искусства между христианизацией России в 10 веке и развитием Парсуна в 16 веке.
  • Петр Великий поощрял искусство, заманивая иностранных художников и предоставляя финансирование русским художникам для прохождения формального обучения за границей.
  • Передвижники стремились отойти от консервативных принципов Академии художеств, продвигая социальные и политические реформы.
  • В Советском Союзе искусство рассматривалось как политический инструмент. Социальный реализм был единственным разрешенным видом искусства.
  • Советское подпольное нонконформистское искусство, созданное как ответ на жесткие ограничения на искусство со стороны государства.
  • Сегодня в России художники пользуются большей свободой, но цензура искусства вызывает все большую озабоченность.

Религиозное искусство и русский иконостас

Богородица Элеуса с избранными святыми, начало XVI века.

Наследие изображений / Getty Images

С христианизацией России в 10 веке возникла потребность в создании религиозного искусства с изображением фигур из Библии. Русские художники рисовали библейские сцены на дереве, используя яичный желток для смешивания красок и яичный белок в качестве консерванта. Деревянные иконы стали частью Иконостаса, стены, отделявшей неф от святилища.Иконостас, происходящий от греческих слов «икона» и «стоять», играет важную роль в Православной христианской церкви, символизируя разделение мира и Царства Небесного. Иконы были написаны анонимными монахами, проводившими остаток времени в молитвах и постах. Они использовали панели из березы, сосны и липы и соскребали центральную часть панели, а выступающие края создавали рамку вокруг изображения.

Новгородская школа иконописи создала лучшие образцы икон, избежав монгольского владычества.Она считается самой плодовитой и важной школой икон в мире. Самыми известными художниками этой школы были Андрей Рублев, Феофан Грек и Дионисий.

Парсунас

Иван IV Грозный, начало 17 века. Художник: Аноним.

Наследие изображений / Getty Images

В середине 16 века царь Иван Грозный созвал свой Стоглав (религиозный совет), чтобы утвердить включение царей и некоторых исторических фигур в пантеон фигур, разрешенных иконописцам.Это проложило путь к моде на парсуны (от латинского слова «человек») столетие спустя. Те же техники, что и в иконописи, начали использоваться для рисования нерелигиозных ситуаций и портретов, подчеркивая социальное положение натурщиков, а не характер.

Петровское искусство

Коллекционер изображений / Getty Images

Петр Великий проявлял большой интерес к изобразительному искусству, особенно к архитектуре, но также и к изобразительному искусству. Он заманил в Россию многих художников, таких как Франческо Растрелли.Петр Великий также выплачивал российским художникам стипендию и отправлял их учиться за границу в лучшие художественные академии. Одним из них был Иван Никитин, который стал одним из первых русских художников, которые рисовали с перспективой, как это делали на Западе. В его ранних работах все еще видны следы стиля Парсуна.

Никитин считается основоположником традиции русского изобразительного искусства. Несмотря на его успех в принятии более западного подхода к живописи, Никитин был обеспокоен растущей вестернизацией русского искусства и не хотел отказываться от традиции иконописной живописи.Другие известные художники этого периода — Андрей Матвеев, Алексей Антропов, Владимир Боровиковский и Иван Вишняков.

В 1757 году, во время правления дочери Петра Великого Елизаветы, была основана Российская Императорская Академия художеств, первая из которых была названа Академией трех благороднейших искусств. Екатерина Великая переименовала его в Императорскую Академию.

Западные влияния продолжались, а романтизм оставил неизгладимое впечатление на русских художников XIX века. Иван Айвазовский, Орест Кипренский, Василий Тропинин, Алексей Венецианов, Карл Брюлов были среди лучших художников того времени.

Передвижники

Портрет М. П. Мусоргского работы Ильи Репина.

Изобразительное искусство / Getty Images

В 1863 году восстание некоторых из самых талантливых студентов академии против консерватизма, которому их учили, привело к созданию Общества передвижных художественных выставок. Члены общества начали путешествовать по стране и проповедовать социальные и политические реформы, а также проводить специальные выставки произведений искусства, которые они создали во время своих путешествий.Среди странствующих художников были Иван Крамской, Илья Репин и «лесной царь» Иван Шишкин.

В конце концов, общество распалось из-за внутренних разногласий, и русское искусство вступило в период потрясений, который длился до революции. Создавались различные общества, появлялись новые стили и выставки, в том числе работы художников-авангардистов Михаила Ларионова и Натальи Гончаровой. Абстрактное искусство вызвало бурю негодования, возникли различные абстрактные и полуабстрактные движения.К ним относятся русский футуризм, лучизм, конструктивизм и супрематизм, последний из которых был основан Казимиром Малевичем. Марк Шагал, известный как один из величайших русско-еврейских художников всех времен, исследовал различные стили, такие как фовизм, сюрреализм и экспрессионизм.

Однако и здесь был силен реализм: Валентин Серов, Михаил Врубель, Александр Головин и Зинаида Серебрякова создали великие произведения.

Советская эпоха

Эрнст Неизвестный, российско-американский художник Эрнст Иосифович Неизвестный (1925-2016) работает над скульптурой в своей мастерской, Советский Союз, 1974.

Игорь Пальмин / Getty Images

Большевики видели в искусстве чисто политический инструмент. После революции 1917 года художникам не разрешалось создавать свое обычное искусство, и теперь от них требовалось, чтобы они занимались промышленным дизайном. В результате из России уехали многие художники, в том числе Шагал, Кандинский и многие другие. Сталин объявил соцреализм единственно приемлемой формой искусства. Категорически запрещалось религиозное, эротическое, политическое и «формалистическое» искусство, включая абстрактное, экспрессионистское и концептуальное искусство.

После смерти Сталина наступил непродолжительный период «оттепели». Теперь такие художники, как Александр Герасимов, которые рисовали идеализированные портреты Сталина, были изгнаны и считались смущающими, а взгляды правительства на искусство стали более либеральными. Однако это быстро закончилось после «Манежного дела», когда Хрущев публично поспорил со скульптором Эрнстом Неизвестным по поводу функции искусства. Обсуждение и завершение «оттепели» привело к дальнейшему развитию подпольного нонконформистского искусства.Артисты знали, что их не примут публично, но последствия уже не были такими серьезными, как раньше.

С середины 70-х все больше художников эмигрировали, воодушевленные более открытыми границами и не желающие оставаться в ограничительной атмосфере Советского Союза. Эрнст Неизвестный переехал в США в 1977 году.

Современное искусство в России

Корабль терпимости всемирно известных художников Илья и Эмилия Кабаковы МАЙАМИ, Флорида — 3 декабря: Художники Илья и Эмилия Кабаковы позируют со своей работой «Корабль терпимости» в Детском музее Майами 3 декабря 2011 года в Майами, Флорида.

Ларри Марано / Getty Images

1990-е принесли свободу, невиданную ранее российским художникам. В России перформанс появился впервые, это было время экспериментов и веселья. Эта огромная свобода была ограничена в новом тысячелетии, хотя русское искусство все еще находится в наиболее изобильном периоде. Многие художники нашли клиентскую базу как в России, так и за ее пределами, но есть опасения, что растущая цензура затрудняет создание аутентичного искусства.Среди самых известных современных российских художников — художники-концептуалисты-инсталляторы Илья и Эмилия Кабаковы, сооснователь московского концептуализма Виктор Пивоваров, художник-инсталлятор Ирина Нахова, Алексей Чернигин и многие другие.

Развитие портретной живописи в Московии

Развитие портретной живописи в Московии

Развитие портретной живописи в Московии

Формальная живопись в средневековой России ограничивалась в первую очередь религиозные темы.Деятельность художников и мозаичистов заключалась в следующем: как можно ближе к тому, что считалось вдохновленным Богом образцом, существенным репертуар которого имелся в Византии. Художники должны были следовать допустимая иконография для многофигурных композиций и стандартных изображений отдельные святые; творчество не было критерием художественного успеха. Пока не рано примеры сохранились, есть основания полагать, что книги с зарисовками стандартная иконография была доступна; в их отсутствие, вероятно, начинающий художник изучать иконографию во время учебы у мастера-живописца.Конечно очень многие, если не большинство иконописцев средневековой России были монахами.

Однако, как хорошо известно, официальная картина могла изображать «светские» сцены — обратите внимание на фрески на лестничных клетках в соборе Санкта. Софии в Киеве, которые посвящены развлечениям княжеского двора. Более того, живых членов княжеской семьи можно было изображать покровителями церкви — на фресках или мозаиках церкви, на иконах или на фронтисписе рукопись.На протяжении веков существует множество примеров мирян. участие в богослужении. Фреска «Посвящение» Ярослава Великого. Мудрый и его семья в соборе Святой Софии в Киеве — самый ранний пример из Рус. Позже примечателен пример заселения «молящимися новгородцами» нижний регистр двухъярусной иконы, где молятся деисиду выше. Московская икона «Блаженная Сияния» XVI века с изображением победное шествие живых воинов и князей в сопровождении погибших в Осада Казани — еще один пример, в котором показательно, что цифра, предполагаемая Царь Иван IV несет крест.Как в миниатюре, так и в живописи есть достаточно доказательств. и в иконах, которые художники рисовали на основе наблюдений из реальной жизни. Однако тенденция была в сторону стилизации, а православные нормы противоречили «реализму». Иллюминированные рукописи в московский период стали основным изображающие «светские» сцены; однако миниатюристы также были склонны к очень стилизованные изображения, в значительной степени сохраняющие византийские узлы относительно двумерности.Идея рисовать портреты живых людей, который стал обычным явлением в эпоху Возрождения на Западе, очень медленно завоевал популярность в России.

Московские князья, дипломаты и придворные явно познакомились западной портретной живописи. Мы точно знаем, что ко времени Ивана IV, когда он был ловя удачный заграничный брак, он приказал своему послу получить портрет ( парсуна ) будущей невесты. Есть мало доказательств, однако эта портретная живопись стала приемлемой в Московии до второй половины семнадцатый век.

Мы можем начинают говорить об «иконопортретах», вероятно, ок. 1600. В то время как имеющиеся у нас версии, как правило, являются копиями, сделанными не ранее конца семнадцатого века. века, утверждается, что они основаны на оригиналах, которые, возможно, были нарисованы не спустя долгое время после смерти изображенных. Одним из таких примеров является иконопортрет Царь Федор Иванович (последний из московской ветви Рюриковичей, умерший в 1598 году), который был известен своим благочестием и почитался, если не канонизирован, как святой.Главное, что отличало бы его от аскетического святого, — это его воротник, украшенный драгоценными камнями. В остальном мы видим типичные иконографические черты лица, включая стилизованные миндалевидные глаза и несколько сжатый аскетичный рот.

Другой Примером «иконы-портрета» является изображение одного из героев Времени Смуты, князь Михаил Скопин-Шуйский, несколько загадочно умерший в молодом возрасте в г. 1610 г. (возможно, исключен как потенциальный соперник на престол?) И, таким образом, возможно, стал почитаются так же, как русские склонны почитать других невинных княжеских жертв такие как Борис и Глеб, первые русские святые.По делу Скопина-Шуйского На фотографии нет ореола, особенно выделяется его украшенный драгоценными камнями воротник. Однако в верхней части рисунка находится изображение «Спасителя, которого не сотворил Руки »; на чертах лица князя видны некоторые иконографические штампы, даже хотя его пухлое лицо и шикарная короткая стрижка могли быть восприняты как предположение о настоящем человек.

Во время XVII в. сложилась практика размещения икон-портретов умерших князья у своих могил в соборе Архангела Михаила Кремля.Одна из таких сохранившихся картин — изображение царя Федора в полный рост. Алексеевич (годы правления 1676–1682), картина, предположительно написанная посмертно. Этот деталь лица показывает, что некоторые иконографические клише были сохранены (особенно по линии носа и маленького рта), но стилистические элементы были введены «реалистичные портреты» — особенно в глазах и склонность к значительному затемнению, чтобы предположить трехмерность лица.Посредством Когда эта картина была написана в середине 1680-х годов, западное искусство было хорошо известно в Москве. элитных кругах, некоторые художники кремлевских мастерских могли производить работы включали элементы западного стиля, а также было несколько иностранных художников, которые похоже, работали в суде.

Один из самый известный из московских портретов изображает патриарха Никона и группу священнослужители. Как и картина Федора Алексеевича, это, наверное, посмертное «портрет» и датируется серединой 1680-х гг.Возможно картина по заказу царевны Татьяны Михайловны по случаю освящение важного Воскресенского собора, строительство которого в Новом Иерусалимский монастырь начался при его главном покровителе Никоне. Одна из причин предполагать это то, что клерики, изображенные и идентифицированные в надписях, были активны в монастырь в разные периоды жизни Никона. Поэтому предполагается, что лица нарисованы не с натуры.Если эти предположения о дате и Назначение картины правильное, то на нее не стоит так много смотреть, как на портрет а скорее как чествование людей за их особый вклад в Церковь и вера. В то же время, если эта картина была снята вскоре после агиографическая «жизнь» Никона была произведена в начале 1680-х годов, она может представлять попытка тех, кто восхищался свергнутым патриархом, поднять его репутацию в глазах потомства — то есть ответ на тот факт, что его сняли с должности как следствие его ссоры с царем Алексеем Михайловичем.

Стилистически, картина представляет собой несколько неуклюжую смесь иконографической условности и западной реализм. Лица священнослужителей индивидуализированы. В то же время художник сознательно избегал передачи реального ощущения глубины и трехмерности в картина. Особенно это видно по тому, что вторая строка священнослужители не меньше «переднего» ряда и располагаются прямо наверху их. Такое пространственное расположение характерно для икон византийского стиля. условности, в которых фигуры, которые в «реальном пространстве» будут находиться в разных плоскостях изображены как находящиеся в одной плоскости, а их разделение обозначено их вертикальными размещение относительно друг друга.

Один из важных источников, к которым мы можем обратиться, чтобы узнать, Культурные установки москвичей изменились в результате воздействия Запада. послов, выехавших за границу. К сожалению, слишком часто их отчеты, которые следовали стилизованным официальным рекомендациям, не очень показательны. Мы нашли Московские послы на спектаклях Шекспира и Мольера; пока они не записывают их впечатления, и мы должны задаться вопросом, осознавали ли они значение что они видели.По крайней мере вероятно, что некоторые из наиболее значительных впечатления были переданы устно, но им просто не было места в официальных письменных отчетах посольства. Безусловно, посольства должны были иметь какое-то влияние на вкусы московской элиты. Мы знаем, что послы сидели за портретами, и у нас есть инвентарь. хозяйств московской элиты во второй половине XVII в. века, к которым относятся портреты. Одним из послов, сидевших за портретом, был И.Я. Чемоданов, отправленный в Венецию в 1657 году. Оригинал его картины висит сегодня в Галерея Уффици во Флоренции. Он изображен в своем формальном парчовом халате и отороченном мехом. шапка, выглядящая так, как и следовало ожидать от представителя традиционной московской боярской элиты. Смотреть. Чемоданов, похоже, получил обращение от местной православной церкви. Греческая община в Венеции, в которой призвали московского царя исполнить свой долг в качестве лидера «Третьего Рима» и присоединиться к венецианцам в освобождении Балканские православные от турок-мусульман.Какая-то ирония, если Московия действительно думала сам по себе как «Третий Рим», что этот призыв не был услышан в Москва. У царя Алексея Михайловича были более насущные внешнеполитические заботы включая затяжную войну с Польшей и начавшиеся военные действия со Швецией.

А На втором образце посольского портрета изображен боярин С. И. Прозоровский и его штаба (четвертый член группы, позировавший слева от посла, был отрезан в это репродукция картинки).Анонимный английский художник, нарисовавший картина 1662 года предположительно следовала соглашению в группировке фигур и их жесты. Мы не можем знать, точно ли он воспроизвел наряд своего предметы. Если да, то здесь у нас уже могут быть некоторые свидетельства движения к западная мода, по крайней мере, со стороны младших сотрудников посольства. В тот факт, что они безбородые, также может иметь значение, хотя это важно помнить это соглашение, как правило, предписывало изображать молодых людей без бород (даже если на самом деле они были достаточно взрослыми, чтобы вырастить их).

Даже царь Алексей Михайлович, хотя и был известен своим православным благочестием, в целом имел проявлял любопытство, активно искал западные книги и новости и проявлял интерес к Западная культура. Он нанял ученого белорусского монаха Симеона Полоцкого наставником своего дети, в том числе его дочь София. Это образование включало изучение латыни и польский. Один сын, Алексей, умерший раньше своего отца, накопил довольно много денег. обширная библиотека, включающая множество иностранных книг.Тогда нас не должно удивлять найти портреты Алексея Михайловича. Скорее всего, он сидел за портретами, хотя никто из нарисованных при его жизни не сохранился. Самый известный пример его портрет, вероятно, был написан посмертно ок. 1680. В отличие от икон, которые были написана яичной темперой по дереву, написана маслом на холсте и вполне может быть Самый ранний московский образец такой росписи.

Похоже, что формальный портрет.Субъект изображен в официальной одежде с наиболее важными символами его статус и должность (в данном случае держава и скипетр с двуглавым орлом). Есть надпись славянскими буквами с именем царя и перечислением его самых важные титулы. Существенно, изображение называется « образ «, слово, которое обычно обозначает «икона», а не парсуна или портрет. Часть конвенции портреты семнадцатого века должны были заполнить пустые места в стиле барокко. складки драпировки, такие как здесь, в верхнем левом углу картины.В отличие от вышеупомянутый случай с «портретом» его сына Федора Алексеевича, на этой картине то, что мы могли бы назвать «нормальными», а не иконографически стилизованные черты лица. Однако аспекты техники картины позволяют предположить, что она, скорее всего, была выполнен кем-то (или, возможно, группой художников), обученным традиционной иконописи. Некоторые считают, что эта картина может быть работой голландского художника, работавшего в Московский двор во время правления Алексея, но ведущий российский эксперт по этим ранним портреты рассматривает как произведение художников в Оружейной палате Москвы, которая была наиболее важный центр художественного производства в Кремле в то время и в месте, где, в частности, работал выдающийся иконописец Симеон Ушаков.

У нас также есть несколько грубо выполненное изображение Алексея Михайловича на коне, вероятно, написанное ранее предшествующий портрет и, несомненно, работа художника, которому бросили вызов условности западной перспективы. Это легко ощутить, сравнив картина с современной гравюрой персидского шаха Аббаса. Соглашения портрет конного правителя на вздыбленном коне наблюдаются на московском примере, но, что примечательно, царь несет крест.Нельзя не вспомнить икону «Благословенное войско», где Иван IV (если это действительно он) изображен с крестом и носил свои королевские одежды, а не изображался в военной форме и с оружием.

Существует множество свидетельств того, что задолго до «вестернизации» реформы Петра Великого (правил 1682-1725 гг .; активное правление начинается ок. 1694 г.), двор элита в Московии приобретала, по крайней мере, внешние атрибуты «западной культура.»Мы уже отметили способы, которыми участники дипломатической деятельность могла быть под таким влиянием. Ехать за границу для таких разоблачения, учитывая учащение посольств иностранных государств в Москве и рост иностранное присутствие в «Иностранном квартале», где размещались купцы и семьи иностранных наемников. Дипломатическая канцелярия стала важным центром для перевода иностранных книг, хотя их репертуар был довольно ограниченным и их распространение тем более.Один из важных источников «вестернизации» влияние была Украина, которая все чаще становилась источником образованных православных священнослужителей. для Московской церкви. В значительной степени то, что мы называем «западным» стилем, на самом деле было польским. мода просочилась через украинскую элиту. Пример можно увидеть в формальном портрет (слева) известного украинского казацкого гетмана Богдана Хмельницкого, руководившего восстание против польского владычества на Украине в 1648 году. офис, с распахнутым плащом, чтобы показать рукоять меча.Надпись идентифицирует его. Польский портрет Крызстофа Збаражского, тоже середины XVII в. века, является, пожалуй, более традиционным примером портретного жанра. Он показано стоящим рядом со столом, который служит опорой. Скатерть и его халат из дорогой (вполне возможно, турецкой) парчи. Его длинный плащ откинут на покажи свой меч. Портьеры в стиле барокко заполняют верхние углы картины, а надпись на латыни информирует зрителя о том, что он — посол-посол на латыни. Турки.Вероятно, портрет был написан в честь его назначения.

Ясно формальным языком портрета, такого как у Збаразского, был язык портретов, начали писать при московском дворе примерно в последнее десятилетие семнадцатого века. века, и есть все основания полагать, что польская мода подданных эти портреты были тем, что на самом деле носили люди. Примером может служить портрет придворного В.Ф. Люткин, написанный в 1697 году, когда молодой царь Петр послал группу придворных на учебу за границу, а сам уехал за границу. тур. Люткин одет в польско-украинскую одежду, демонстрируя свое оружие пояс, и стоя рядом со столом с парчовой скатертью. В одном углу мы увидеть стандартную драпировку в стиле барокко. Картуш (рамка) с надписью идентифицирует тему, с транслитерацией латинского алфавита, используемой для отображения Русский.Художник, видимо, перепутал направление букв «б». и «d» (перевернув их), что предполагает, что он, возможно, не был знаком с алфавит, но знал, что это de rigeur , чтобы использовать его для написания надпись. Портрет Люткина, казалось бы, говорит нам о том, что культурный перемены в московской элите шли полным ходом, по крайней мере, в том, что касалось некоторых вопросов были обеспокоены вкусом и одеждой.

А знаменитая гравюра XVIII века, изображающая стрижку бороды старообрядца, часто воспринимается как символ предвосхищения Петром Великим вестернизации России. (По иронии судьбы, конечно, старообрядцы носят западную одежду, аномалия, которая кажется, художника не поразило.) Мы не должны позволять этому изображению искажать наши понимание культурных процессов, которые развивались в Московии до Петра или будет продолжаться во время его правления и после него. На самом деле не все придворные были более длинные поклонники своих бород и традиционных одежд. Когда Питер выбрал людей для отправки за границу для прохождения практики в 1697 году, он мог привлекать придворных которые получили образование у украинцев и белорусов в Москве. Такие придворные, как Люткин, пытались вписать свои имена в свои книги в Транскрипция на латинице, и некоторых привлекала не только польская одежда, но и польскими образцами письма, которые подчеркивали достижения и известность людей, скорее чем традиционное благочестие. Однако не следует отождествлять такие интересы с отказ от традиционных московских ценностей и православной веры, и не следует предполагать что вкус к чужой культуре был очень распространен в российском обществе.Даже полтора века спустя, после нескольких поколений интенсивной вестернизации русского элита, влияние Запада на сельскую Россию было минимальным.

[Примечание. Большая часть представленного здесь материала и многие изображения взяты из Овчинникова Е.С., Портрет в русском искусстве XVII века (Москва, 1955).]

2000 Дэниел К. Во

Русское искусство

Девятнадцатый век
Русское Искусство:
«Идеологический реализм»


Передвижники . Передвижники .
С середины XVIII века русская школа живописи и скульптуры находился под контролем Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге. В относительно либеральной атмосфере «Великих реформ» Александра II среди некоторых художников росло недовольство традиционно консервативное отношение Академии художеств. В 1863 году группа студентов в Академии возмутились предложенной темой для ежегодной Золотой медали Конкурс живописи: «Вход Одина в Валгаллу.« Они чувствовал, что эта мифологическая фантазия слишком далека от реальной жизни России, которая, по их мнению, требовала их художественного внимания. Тринадцать живописцы и один скульптор уволились из Академии. Вскоре после того, как они вышли из Академии эти «Тринадцать конкурсантов» образовали Кооператив художников. Общество. В 1870 году они образовали «Общество передвижных художественных выставок». и художники стали называться « Передвижники » (по-английски они известны как «Странники», «Путешественники» или «Путешественники».« Передвижники » посвятили себя популистской тематике, написанной доступным реалистом стиль и верили, что их искусство может служить средством социальной реформы и способствовать развитию национального самосознания. Хотя лидеры Передвижников были осведомлены о европейских движениях, их собственная повестка дня была русской. Среди их постоянных тем были Русское крестьянство, русский пейзаж и русское духовенство.Но Передвижники были прогрессивными не только в предметах, предпочли рисовать, но и то, как они достигли своей аудитории. Ранее, значительные художественные выставки были ограничены Москвой и Санкт-Петербургом, но теперь художники, которые объединились с этой путешествующей группой, имели возможность охватить гораздо более широкую аудиторию, чем они имели бы раньше. Создание художественной традиции зависит, конечно, не только от того, как искусство создается, но как он сохраняется, отображается и принимается текущим и будущие поколения.В этом отношении важную роль сыграли богатый московский купец и коллекционер Павел Третьяков (1832-98). В 1892 г. Третьяков вместе со своим братом подарил городу Москве собрание важных картин некоторых из самых значительных русских художники девятнадцатого века. Многие полотна принадлежат Передвижники . Этот сборник до сих пор составляет основу Третьяковской галерея сегодня.


Нажмите на изображение, чтобы увидеть его полностью


«Пасхальный крестный ход» (1861)
Василий Перов (1834-82) был московским живописцем и работал таким образом. в атмосфере более свободной и менее бюрократической, чем в Петербурге Академия. Так что, хотя некоторые из его работ предшествовали формированию Общество передвижных художественных выставок, мы видим в его творчестве то же самое. Отметка социального протеста как у «Передвижников ».Перов был один из главных представителей русского критического реализма в период его зарождения. этап в 1860-х гг.

На этой картине Перов наносит удар прямо по коррупции. сельского духовенства. На картине изображена группа шатающихся священников. вне деревенской таверны в различных состояниях опьянения. Даже под относительно либерального режима Александра II, эта сцена считалась слишком обидно и был снят с выставки.



Нажмите на изображение, чтобы увидеть его полностью

«Искушение Христа» (1872-74)
Иван Крамской
(1837-87) был одним из основателей Общества Передвижные художественные выставки. Он считал, что портрет должен характеризовать человек, демонстрируя свои моральные убеждения.В «Искушение» Христа « или » Христос в пустыне «, Крамской хотел изображать не внешнего человека, а внутреннюю борьбу добра и зла. Он представляет нервного, измученного человека, а не Иисуса как Сына Божьего.


Нажмите на изображение, чтобы увидеть его полностью


«Тайная вечеря» (1863)
Николай Ге (1831-94) В этой картине Ге переосмыслил Тайную Ужин в свете проблем 1860-х гг.Со времен Леонардо да Винчи, композиция Иисуса и его учеников, сидящих на длинном стол повторялся много раз, в том числе в Императорской Академии, где Тайная вечеря была традиционной темой. Ге выбрал изобразить Иисус молча медитирует, в то время как слова, которые он только что произнес («Один из вас предаст меня «) вызывает замешательство среди своих учеников. Ге использует контрасты света и тьмы, чтобы обозначить противостояние добра и зла.Его драматическое освещение превращает Иуду в темный неземной силуэт. Напротив, Христос и Апостолы купаются в теплом свете свеча, которую Иуда загораживает.



Нажмите на изображение, чтобы увидеть его полностью

«Петр Великий на допросе Цесаревич Алексей « (1871)
Николай Ге
На этой картине изображено драматическое противостояние Петра I и его сына, который был против реформ отца и поддерживал боярское сопротивление.После нескольких попыток убедить его, Питер подписал свой смертный приговор. Рассказ об историческом допросе, в котором царь так ценил справедливость в том, что он приговорил собственного сына к смерти, иллюстрирует озабоченность Ге с идеалами добродетели и справедливости в этот период. Внимание Ге до исторических деталей, чтобы создать атмосферу аутентичности составляет значительный вклад в русскую историческую живопись.



Нажмите на изображение, чтобы увидеть его полностью

«Что есть истина (Христос и Пилат)» (1890)
Николай Ге
И «Искушение Христа» Крамского, и «Тайная вечеря» Ге предвещают передвижники использовали фигуру Христа как своего «нового героя» во время политически неспокойные 1870-е гг.В 1876 году Ге отказался от карьеры и переехал на Украину, но вернулся к живописи в 1880-е гг. В В это время в его творчестве вновь всплыли темы Христа и Евангелий. Однако, в отличие от фигуры «нового героя» многих произведений передвижников, фигура Иисуса на картинах Ге отражает фазы и переживания психики художника, позволяя нам увидеть эти последние образы Иисус в виде автопортретов.

Подобно «Пасхальному шествию» Перова, «Ге» Что есть истина. (Христос и Пилат) »был снят с выставки под давлением церковь. Хотя Ге был вдохновлен подлинным религиозным чувством, его немой, изможденный Иисус некоторых обидел.



Нажмите на изображение, чтобы увидеть его полностью

«Утро казни Стрельцы » (1881)
Василий Суриков (1848-1916)
Кажется странным, что это полотно впервые выставили в г.1 марта 1881 года, в день царствования Александра II. убийство. На этом полотне изображена, конечно, не сама казнь, но сцена, ведущая к этому. Стрельцы не только покидают свои близкие, но уходит вся старая Россия. Сочинения Сурикова предназначены для введения зрителя в окрашенное пространство, которое Налицо и «Стрельцы», и «Боярина Морозова».»



Нажмите на изображение, чтобы увидеть его полностью

«Боярина Морозова» (1887)
Василий Суриков (1848-1916)
«Боярина Морозова» исследует тему личного противостояния установленная церковь и государство. Суриков залит свои картины оттенков старой Московии, и тем самым убаюкивал власти восхищаться его холсты, даже когда он критиковал нынешнюю несправедливость.



Нажмите на изображение, чтобы увидеть его полностью

«Бурлаки (Волжские бурлаки)» (1870-73)
Илья Репин (1844-1930)
«Бурлаки на Волге (Волжские бурлаки)» — первая картина. завершена Репиным после ухода из Академии художеств. Как и многие Представители русской интеллигенции того времени Репин ценил физическое труд и усталость простого человека как достойный предмет.

Одиннадцать фигур в группе были названы метафорами. для самой России. Головной «тягач» был смоделирован по образцу лишенного сана священника. с которым Репин познакомился во время пребывания на Волге. Он представляет мудрость. Остальные цифры представляют разный возраст, национальность и социальную принадлежность. секторов.

Посреди тьмы и забитые фигуры тягачей, молодой человек поднял голову и смотрит в сторону картины.Молодым студентам, которые видели эту картинку, смысл было ясно: мальчик поднимал голову в знак протеста и смотрел чтобы они пришли и привели страдающих людей к избавлению.



Нажмите на изображение, чтобы увидеть его полностью

«Крестный ход в Курске» (1880-83)
Илья Репин
Репин уехал из Москвы в Санкт-Петербург.-Петербурге в 1882 г. В 1883 г. завершил «Крестный ход в Курске», ставший его величайшим «крестьянином». картинку ». Обратите внимание, чудотворная икона находится в руках самая богатая леди.



Нажмите на изображение, чтобы увидеть его полностью

«Царь Иван IV с телом своего Сын Иван 16 ноября 1581 г. (1881-85)
Илья Репин
Источником этой картины является трагический эпизод удара царя Ивана его сын Иван с посохом, смертельно ранив его.Эта картина может восприниматься как подразумеваемая критика автократического правления. В отличие от исторического картины Сурикова, Репин хранит свои холсты в стороне от того, что Гамильтон называет «историческими безделушками» (384) и концентрируется исключительно на человеческая трагедия. Мы видим, как Иван медленно осознает последствия своего вспышка насилия, когда он пытается остановить кровотечение из голова.



Нажмите на изображение, чтобы увидеть его полностью
«Они сделали Не жди его » (1883-98)
Илья Репин
В конце 1880-х излюбленными предметами Репина были героизм и народничество.Его особенно привлекали темы, связанные с драматизмом и часто трагедией. обстоятельства. Один из самых ярких примеров этого жанра — «Они Не ожидала Его ». Композиция, изображающая неожиданное возвращение. из ссылки революционного народника, представляет собой потрясающий, почти кинематографический момент. Старший мальчик почти сразу узнает своего отца, в то время как младшая сестра, слишком маленькая, чтобы помнить его, выглядит напуганной.Как Гамильтон пишет: «Картина должна рассматриваться как высшее художественное достижение. социальной точки зрения передвижников. С ним Репин может быть увенчал и завершил историю идеологического реализма в Русская живопись »(385).

Ключевые термины из лекций
  • Павел Третьяков (1832-98).
  • Передвижники .
  • Имена художников и работы (указаны выше)

Связанные веб-сайты
  • Государственный Русский музей
    Государственный Русский музей — крупнейший в мире музей русского языка. Изобразительное искусство.Он расположен в самом центре Санкт-Петербурга, в непосредственной близости от центральная магистраль города, Невский проспект.
    http://www.rusmuseum.ru
  • Центр славянских исследований: Русское искусство — Интернет-ресурсы
    http://src-home.slav.hokudai.ac.jp/rus/Russia/art-e.html
  • Художественный музей Нижнего Новгорода
    Городской художественный музей в Нижнем Новгороде открыт для посещения. в 1896 г.Сначала коллекция размещалась в одной из башен Нижегородский кремль.
    http://www.unn.runnet.ru/nn/museum/
подробнее

Русские произведения искусства | Doyle Auction House

NEW YORK, NY — Doyle провел успешный аукцион русских произведений искусства 19 мая 2021 года.На распродаже был представлен ряд объектов собственности, датируемых 15 веком до русской революции 1917 года. Среди предложений были изделия Фаберже, серебро и верту, фарфор, стекло и скульптура из известных поместий и выдающихся коллекций.

Благодаря конкурентным международным торгам общая сумма продажи составила 337 680 долларов, что превысило предпродажную оценку в 207 000–316 900 долларов, причем 75% продано по лотам и 100% по стоимости.

Впечатляющее происхождение вызвало ожесточенную конкуренцию между двумя русскими иконами, в результате чего цены на них превысили их оценки.Икона XVI века из средней полосы России с изображением святого Никиты, епископа Новгородского и преподобного Иоанна Новгородского, оцененная в 3000-5000 долларов, стоила ошеломляющих 81900 долларов, а северная русская икона XV века с изображением святых Николая, Деметрия Салоникского, Сергия Радонежского и Метрофана оценивается по цене от 5000 до 7000 долларов реализовано на сумму 37 800 долларов.

Обе иконы были созданы Джорджем Ханном (1890–1979), пионером американского воздушного транспорта, который собрал то, что считалось самой важной частной коллекцией икон, когда-либо появлявшейся на рынке.Неизвестно, как Ганн впервые заинтересовался русским искусством, но его коллекция была приобретена в основном в 1930-х годах, когда многие российские сокровища императорской России были проданы советским правительством иностранным покупателям. Икона с изображением иконы Святого Никиты имела бумажную этикетку. Государственная Третьяковская галерея в Москве.

Ханн продемонстрировал свою коллекцию, в которую также входили картины, мебель, скульптуры и гобелены старых мастеров, в своем доме Treetops, недалеко от Питтсбурга, штат Пенсильвания. Он поощрял использование своей коллекции в образовательных и исследовательских целях и приглашал ученых и студентов к себе домой.Ханн посвятил себя изучению исторического и религиозного значения своей коллекции и посетил Россию, чтобы осмотреть исключительные иконы из российских музеев.

В специальных разделах распродажи были представлены картины и рисунки старых мастеров и XIX века (Подробнее) и английское и континентальное серебро (Подробнее).

Все цены включают Buyer’s Premium.


Приглашаем на Аукцион!

Партии в настоящее время принимаются для будущих аукционов.Мы приглашаем вас связаться с нами для бесплатной оценки аукциона.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.