Художники возрождения: Живопись эпохи Возрождения — список художников по алфавиту | Художники

Содержание

Живопись эпохи Возрождения — список художников по алфавиту | Художники

Живопись эпохи Возрождения — Список художников

Для живописи эпохи Возрождения характерно обращение профессионального взгляда художника к природе, к законам анатомии, жизненной перспективе, действию света и другим идентичным естественным явлениям. Художники Возрождения, работая над картинами традиционной религиозной тематики, начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа как элемент сюжета на заднем плане. Это позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными, в чём проявилось резкое отличие их творчества от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении.

А

Буонаротти Микеланджело1475 – 1564; итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт, мыслитель. Один из крупнейших мастеров эпохи Возрождения и раннего барокко — 204 картины

В

Вечеллио Тициан, Тициан 1488/1490–1576; итальянский живописец, крупнейший представитель венецианской школы эпохи Высокого и Позднего Возрождения — 324 картины
Винчи, Леонардо да 1452–1519; итальянский художник и учёный, изобретатель, писатель, музыкант, один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения — 203 картины

Г

Герардо ди Джованни Дель Фора 1445-1497; итальянский художник флорентийской школы — 18 картин

Д

З

И

К

Караваджо, Микеланджело Меризи да 1571-1610; итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, основатель реализма в живописи, один из крупнейших мастеров барокко — 90 картин

Л

Леонардо да Винчи 1452–1519; итальянский художник и учёный, изобретатель, писатель, музыкант, один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения — 203 картины

М

Микеланджело Буонаротти1475 – 1564; итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт, мыслитель.
Один из крупнейших мастеров эпохи Возрождения и раннего барокко — 204 картины
Микеланджело Меризи да Караваджо1571-1610; итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, основатель реализма в живописи, один из крупнейших мастеров барокко — 90 картин

Н

О

Огюст Ренуар 1841-1919; французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма — 1208 картины

П

Р

Рафаэль Санти 1483-1520; великий итальянский живописец, график и архитектор, представитель умбрийской школы — 189 картины
Рембрандт Харменс ван Рейн 1606-1669; голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи — 675 картины
Ренуар, Пьер Огюст 1841-1919; французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма — 1208 картины

С

Санти, Рафаэль 1483-1520; великий итальянский живописец, график и архитектор, представитель умбрийской школы — 189 картины

Т

Тициан, Тициан Вечеллио 1488/1490–1576; итальянский живописец, крупнейший представитель венецианской школы эпохи Высокого и Позднего Возрождения — 324 картины

У

Ф

Фора, Герардо ди Джованни Дель 1445-1497; итальянский художник флорентийской школы — 18 картин

Х

Харменс ван Рейн, Рембрандт 1606-1669; голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи — 675 картины

Ц

Ч

Ш

Щ

Э

Я

Ян Вермеер 1632–1675 ; нидерландский художник-живописец, мастер бытовой живописи и жанрового портрета — 38 картин

Художники эпохи Возрождения ▲.

Художники эпохи возрождения и их картины Творческие биографии художников эпохи возрождения

Эпоха Возрождения , которая расцвела в XV — XVI веках, послужила новым витком развития искусства, и живописи в частности. Существует и французское наименование данной эпохи —

Ренессанс . Сандро Боттичелли, Рафаэль, Леонардо да Винчи, Тициан, Микеланджело — вот некоторые известные имена, которыми представлен тот период времени.

Художники эпохи Ренессанса максимально точно и четко изображали персонажей своих картин.

Психологический контекст в изображение первоначально не закладывался. Живописцы ставили перед собой цель добиться живости изображаемого. Не зависимо от того, динамичность ли человеческого лица или деталей окружающей природы должны были быть переданы красками максимально точно. Однако со временем в картинах эпохи Возрождения становится явно виден психологический момент, так например, по портретам можно было сделать выводы об особенностях характера изображенного человека.

Достижение художественной культуры эпохи Ренессанса


Несомненным достижением эпохи Возрождения стала

геометрически правильная конструкция картины . Художник выстраивал изображение с помощью разработанных им приемов. Главное для живописцев того времени было соблюсти пропорции объектов. Даже природа подпадала под математические приемы высчитывания пропорциональности изображения с другими объектами на картине.

Другими словами, художники в эпоху Ренессанса стремились передать точное изображение , например, человека на фоне природы. Если сравнивать с современными приемами воссоздания на каком-то полотне виденного образа, то, скорее всего, фотография с последующей корректировкой поможет понять, к чему стремились художники Ренессанса.

Живописцы эпохи Возрождения считали, что они имели право исправлять недоработки природы , т.е., если человек имел некрасивые черты лица, художники исправляли их таким образом, что лицо становилось милым и привлекательным.

Геометрический подход в изображениях приводит к новому способу изображения пространственности. Перед воссозданием образов на холсте, художник делал разметку их пространственного расположения. Такое правило со временем закрепилось среди живописцев той эпохи.

Зритель должен был быть впечатлен изображениями на картинах. Например, Рафаэль достиг полного соответствия данному правилу, создав картину «Афинская школа». Своды здания поражают своей высотой. Пространства так много, что начинаешь понимать то, какие размеры имеет это сооружение. А изображенные мыслители античности с Платоном и Аристотелем посередине говорит о том, что в Древнем мире существовало единство различных философских идей.

Сюжеты картин эпохи Ренессанс

Если начать знакомиться с живописью эпохи Возрождения, то можно сделать интересный вывод. Сюжеты картин основывались в основном на событиях, описанных в Библии. Чаще живописцами того времени изображались истории из Нового Завета.

Самое популярный образ — это Богородица с младенцем — маленьким Иисусом Христом.

Персонаж был до такой степени живой, что люди даже поклонялись этим изображениям, хотя народ и понимал, что это не иконы, однако им молились и просили помощи и защиты. Кроме Мадонны, живописцы эпохи Возрождения очень любили воссоздавать образы Иисуса Христа , апостолов, Иоанна Крестителя, а также евангельские эпизоды. Например, Леонардо да Винчи создал известную на весь мир картину «Тайная вечеря».

Почему художники эпохи Возрождения использовали именно сюжеты из Библии ? Почему не старались выразить себя в создании портретов своих современников? Может, они таким образом пытались изобразить обыкновенных людей с присущими им чертами характера? Да, живописцы того времени старались показать людям, что человек — существо божественное.

Изображая библейские сюжеты, художники Ренессанса пытались дать понять, что земные проявления человека можно изобразить более понятно, если при этом использовать библейские истории.

Понять, что такое грехопадение, искушение, ад или рай можно, если начать знакомиться с творчеством художников того времени. Тот же образ Мадонны передает нам красоту женщины, а также несет в себе понимание земной человеческой любви.

Леонардо да Винчи

Эпоха Возрождения стала таковой благодаря многим творческим личностям, которые жили в ту пору. Известный на весь мир Леонардо да Винчи (1452 — 1519) создал огромное количество шедевров, стоимость которых исчисляются в миллионы долларов, а ценители его искусства готовы созерцать его картины на протяжении долгого времени.

Начинал свое обучение Леонардо во Флоренции. Первое его полотно, написанное около 1478 года, — «Мадонна Бенуа» . Далее были такие творения как «Мадонна в гроте»,

«Мона Лиза» , упомянутая выше «Тайная вечеря» и еще масса других шедевров, написанные рукой титана эпохи Ренессанса.

Строгость геометрических пропорций и точное воспроизведение анатомического строения человека — вот чем характерна живопись Леонарда да Винчи. По его убеждениям искусство изображать на холсте те или иные образы является наукой, а не просто каким-то увлечением.

Рафаэль Санти

Рафаэль Санти (1483 — 1520) известный в мире искусства как Рафаэль создавал свои произведения в Италии . Его картины проникнуты лиризмом и изяществом. Рафаэль — это представитель эпохи Ренессанса, который изображал человека и его бытие на земле, любил расписывать стены соборов Ватикана.

Картины предавали единство фигур, пропорциональные соответствия пространства и образов, благозвучие колорита. Чистота Богородицы явилась основой для многих картин Рафаэля. Его самое первое

изображение Богоматери — это Сикстинская мадонна, которая была написана известным художником еще в 1513 году. Портреты, которые были созданы Рафаэлем, отражали идеальный человеческий образ.

Сандро Боттичелли

Сандро Боттичелли (1445 — 1510) также является художником эпохи Ренессанса. Одной из первой его работ была картина «Поклонение волхвов». Тонкая поэтичность и мечтательность были его первоначальными манерами в области передачи художественных образов.

В начале 80-х годов XV века великий художник расписывал стены Ватиканской капеллы . Фрески, сделанные его рукой, поражают до сих пор.

Со временем его картинам стали присущи спокойствие строений античности, живость изображенных персонажей, гармоничность образов. Кроме того, известно увлечение Боттичелли рисунками к известным литературным произведениям, которые также добавили только славы к его творчеству.

Микеланджело Буонаротти

Микеланджело Буонаротти (1475 — 1564) — итальянский художник, который также творил в эпоху Возрождения. Чем только не занимался это известный многим из нас человек. И скульптурой, и живописью, и архитектурой, а также еще и поэзией.

Микеланджело, как и Рафаэль и Боттичелли, занимался росписью стен храмов Ватикана. Ведь только самые талантливые живописцы тех времен привлекались к такой ответственной работе, как нанесение изображений на стены католических соборов.

Более 600 квадратных метров Сикстинской капеллы ему пришлось покрыть фресками с изображениями различных библейских сюжетов.

Самое известное произведение в подобном стиле известно нам как «Страшный суд» . Смысл библейского сюжета выражен полно и ясно. Такая точность в передаче образов характерна для всего творчества Микеланджело.

ВНИМАНИЕ! При любом использовании материалов сайта активная ссылка на обязательна!

Имена художников Возрождеия давно окружены всеобщим признанием. Многие суждения о них и оценки стали аксиомами. И все же относиться к ним критически — это не только право, но и обязанность истории искусств. Только тогда их искусство сохраняет для потомства свое истинное значение.


Из числа мастеров Возрождения середины и второй половины ХV века необходимо остановиться на четырех: Пьеро делла Франческа, Мантенья, Ботичелли, Леонардо да Винчи. Они были современниками повсеместного учреждения сеньорий, имели дело с княжескими дворами, но это не значит, что их искусство целиком княжеское. Они брали от сеньорий, то что они могли им дать, платили своим талантом и усердием, но оставались преемниками «отцов Возрождения», помнили их заветы, приумножали их достижения, стремились их превзойти, и действительно порой превосходили. В годы постепенно наступавшей в Италии реакции они создавали замечательное искусство.

Пьеро делла Франческа

Пьеро делла Франческа был до недавнего времени наименее известен и признан. Воздействие на Пьеро делла Фронческа флорентийских мастеров начала ХV века, а также ответное влияние его на современников и преемников, особенно на венецианскую школу, было справедливо замечено. Впрочем, исключительное, выдающееся положение Пьеро делла Франческа в итальянской живописи еще недостаточно осознано. Надо полагать, со временем его признание будет только возрастать.


Пьеро делла Франческа (ок. 1420-1492 гг.) итальянский художник и теоретик, представитель Раннего Возрождения


Пьеро делла Франческа владел всеми достижениями «нового искусства», созданного флорентинцами, но не остался во Флоренции, а вернулся к себе на родину, в провинцию. Это уберегло его от патрицианских вкусов. Своим дарованием он снискал себе славу, ему давали поручения князья и даже папская курия. Но он не стал придворным художником. Он всегда оставался верен себе, своему призванию, своей обаятельной музе. Из всех своих современников — это единственный художник, который не знал разлада, двойственности, опасности соскользнуть на неверный путь. Он никогда не стремился состязаться со скульптурой или прибегать к скульптурным или графическим средствам выражения. Все сказано у него языком живописи.

Самое крупное и самое прекрасное его произведение — это цикл фресок на тему «История креста» в Ареццо (1452- 1466 гг.). Работа выполнялась по завещанию местного купца Баччи. Возможно, при выработке программы принимало участие духовное лицо, исполнитель воли умершего. Пьеро делла Франческа опирался на так называемую «Золотую легенду» Я. да Вораджине. Были у него предшественники и среди художников. Но основной замысел, очевидно, принадлежал ему. В нем ясно сквозят мудрость, зрелость и поэтическая чуткость художника.

Едва ли единственный живописный цикл Италии того времени «История креста» имеет двоякий смысл. С одной стороны здесь представлено все то, что что рассказано в легенде о том, как выросло дерево, из которого был сколочен голгофский крест, как позднее проявилась его чудотворная сила. Но поскольку отдельные картины идут не в хронологической последовательности, этот буквальный смысл как бы отступает на второй план. Художник расположил картины так, что они дают понятие о разных формах человеческой жизни: о патриархальной — в сцене смерти Адама и в переносе креста Гераклием, о светской, придворной, городской — в сценах сцарицей Савской и в Обретении креста, и наконец о военной, батальной — в «Победе Константина» и в «Победе Гераклия». В сущности, Пьеро делла Франческа охватил едва ли не все стороны жизни. В его цикл вошли: история, легенда, быт, труд, картины природы и портреты современников. В городе Ареццо, в церкви Сан Франческо, политически подчиненном Флоренции, оказался самый замечательный фресковой цикл итальянского Возрождения.

Искусство Пьеро делла Франческа скорее реальное, чем идеальное. В нем царит разумное начало, но не рассудочность, способная заглушить голос сердца. И в этом отношении Пьеро делла Франческа олицетворяет собой самые светлые, плодотворные силы Возрождения.

Андреа Мантенья

Имя Мантеньи связано с представлением о художнике-гуманисте, влюбленном в римские древности, вооруженном обширными познаниями по античной археологии. Всю свою жизнь он служил мантуанским герцогам д»Эсте, был их придворным живописцем, выполнял их поручения, служил им верой и правдой (хотя они не всегда воздавали ему по заслугам). Но в глубине души и в искусстве он был независим, предан своему высокому идеалу античной доблести, фанатически верен своей едее придать произведениям ювелирную отточенность. Это требовало огромного напряжения духовных сил. Искусство Мантеньи суровое, порою жестокое до беспощадности, и в этом оно отличается от искусства Пьеро делла Франческа и приближается к Донателло.


Андреа Мантенья. Автопортрет в часовне Ovetari


Ранние фрески Мантеньи в падуанской церкви Эремитани на тему жизни св. Иакова и его мученической кончины — это замечательные образцы итальянской стенописи. Мантенья вовсе не помышлял о том, чтобы создать что-то похожее на римское искусство (на живопись, которая стала известна на Западе после раскопок Геркуланума). Его античность — не золотой век человечества, а железный век императоров.

Он воспевает римскую доблесть, едва ли не лучше, чем делали это сами римляне. Его герои закованы в броню и статуарны. Каменистые горы у него точно высечены резцом скульптора. Даже плывущие по небу облачка словно отлиты из металла. Среди этих окаменелостей и отливков действуют закаленные в боях герои, мужественные, суровые, стойкие, преданные чувству долга, справедливости, готовые на самопожертвование. Люди свободно движутся в пространстве, но, выстраиваясь в ряд, образуют подобие каменных рельефов. Этот мир Мантеньи не чарует взор, от него холодеет сердце. Но нельзя не признать, что он создан душевным порывом художника. И потому здесь решающее значение имели гуманистическая эрудиция художника, не советы его ученых друзей, а его могучее воображение, его скованная волей и уверенным мастерством страсть.

Перед нами одно из знаменательных явлений истории искусства: большие мастера силой своей интуиции становятся в ряд со своими далекими предками и совершают то, что не удается позднее художникам, изучавшим прошлое, но не способным сравняться с ним.

Сандро Боттичелли

Ботичелли был открыт английскими прерафаэлитами. Впрочем, еще вначале 20 века при всем восхищении его дарованием ему не «прощали» отступлений от общепринятых правил — перспективы, светотени, анатомии. Впоследствии решили, что Ботичелли повернул вспять к готике. Вульгарная социология подвела под это свое объяснение: «феодальную реакцию» во Флоренции. Иконологические истолкования установили связи Ботичеллли с кружком флорентинских неоплатоников, особенно очевидные в его прославленных картинах «Весна» и «Рождение Венеры».


Автопортрет Сандро Боттичелли, фрагмент алтарной композиции «Поклонение волхвов» (около 1475г.)


Один из наиболее авторитетных истолкователей «Весны» Ботичелли признал, что эта картина остается шарадой, лабиринтом. Во всяком случае можно считать установленным, что при создании ее автор знал поэму «Турнир» Полициано, в которой воспевается Симонетта Веспуччи, возлюбленная Джулиано Медичи, а также античных поэтов, в частности, начальные строки о царстве Венеры в поэме Лукреция «О природе вещей». Видимо он знал и сочинения М.Вичино, которыми увлекались в те годы во Флоренции. Мотивы, заимствованные из всех этих сочинений, ясно азличимы в картине, приобретенной в 1477 году Л. Медичи, двоюродным братом Лоренцо Великолепного. Но остается вопрос: каким образом эти плоды начитанности вошли в картину? Об это нет достоверных сведений.

Читая современные ученые комментарии к этой картине, трудно поверить тому, что сам художник мог так углубиться в мифологический сюжет, чтобы придумать всевозможные тонкости в истолковании фигур, которые и в наши дни невозможно понять с одного взгляда, а в старину, видимо, понимали только в кружке Медичи. Более вероятно, что они были подсказаны художнику каким-то эрудитом и тот сумел добиться того, что художник стал подстрочно переводить словесный ряд в зрительный. Самое восхитительное в картине Ботичелли это отдельные фигуры и группы, особенно группа трех граций. Несмотря на то, что ее воспроизводили бесконечное число раз, она и доныне не потеряла своего очарования. Каждый раз, как видишь ее, испытываешь новый приступ восхищения. Поистине, Ботичелли сумел сообщить своим созданиям вечную молодость. Один из ученых комментариев картины высказал предположение, что в танце граций выражена идея гармонии и разногласия, о которой часто говорили флорентинские неоплатоники.

Ботичелли принадлежат непревзойденные иллюстрации к «Божественной комедии». Кто видел его листы, будет при чтении Данте неизменно о них вспоминать. Он, как никто другой, проникся духом дантовской поэмы. Некоторые рисунки к Данте носят характер точного графического пдстрочника к поэме. Но самые прекрасные это те, где художник воображает и сочиняет в духе Данте. Таких больше всего среди иллюстраций к раю. Казалось бы, живописать рай было труднее всего для художников Возрождения, так возлюбивших благоухающую землю, все человеческое. Ботичелли не отрекается от возрожденческой перспективы, от пространственных впечатлений, зависящих от угла зрения зрителя. Но в раю он поднимается до передачи внеперспективной сущности самих предметов. Фигуры его невесомы, тени исчезают. Свет пронизывает их, пространство существует вне земных координат. Тела вписываются в круг, как в символ небесной сферы.

Леонардо да Винчи

Леонардо принадлежит к числу общепризнанных гениев Возрождения. Многие считают его первым художником той поры, во всяком случае, его имя прежде всего приходит на ум, когда речь заходит о замечательных людях Возрождения. И потому так трудно отступить от привычных мнений и непредвзято рассмотреть его художественное наследие.


Автопортрет, где Леонардо изобразил себя старым мудрецом. Рисунок хранится в Королевской библиотеке Турина. 1512 г.


Еще современники относились с восторгом к универсальности его личности. Впрочем, уже Вазари высказывал сожаление по поводу того, что Леонардо больше внимания уделял своим научным и техническим изобретениям, чем художественному творчеству. Слава Леонардо достигла в ХIХ веке своего апогея. Личность его стала каким-то мифом, в нем видели воплощение «фаустовского начала» всей европейской культуры.

Леонардо был великим ученым, проницательным мыслителем, писателем, автором «Трактата», изобретательным инженером. Его всесторонность поднимала его над уровнем большинства художников того времени и вместе с тем ставила перед ним трудную задачу — сочетать научный аналитический подход со способностью художника видеть мир и непосредственно отдаваться чувству. Эта задача впоследствии занимала многих художников и писателей. У Леонардо она приобрела характер неразрешимой проблемы.

Забудем на время все, что нашептывает нам прекрасный миф о художнике — ученом, и будем судить об его живописи так, как мы судим о живописи других мастеров его времени. Что выделяет его работы среди их работ? Прежде всего зоркость видения и высокий артистизм выполнения. На них лежит отпечаток изысканного мастерства и тончайшего вкуса. В картине своего учителя Вероккио «Крещение» молодой Леонардо написал одного ангела столь возвышенно и утонченно, что рядом с ним миловидный ангел Вероккио кажется простоватым, низменным. С годами в искусстве Леонардо еще более усилился «эстетический аристократизм». Это не значит, что при дворах государей его искусство стало придворным, куртуазным. Во всяком случае, его мадонны никогда не назовешь крестьянками.

Он принадлежал к тому же поколению, что и Ботичелли, но неодобрительно, даже насмешливо отзывался о нем, считая его отставшим от века. Сам Леонардо стремился продолжить в искусстве искания своих предшественников. Не ограничиваясь пространством и объемом, он ставит себе задачей овладеть еще световоздушной средой, обвалакивающей предметы. Это означало следующий шаг в художественном постижении реального мира, в известной степени открывало путь колоризму венецианцев.

Было бы неверно утверждать, что увлечение наукой мешало художественному творчеству Леонардо. Гений этого человека был настолько огромным, его мастерство так высоко, что даже попытка «встать на глотку своей песне» не могла убить в нем творчество. Его дар художника постоянно прорывался сквозь все ограничения. В его созданиях захватывает безошибочная верность глаза, ясность сознания, послушность кисти, виртуозная техника. Они покоряют нас своими чарами, как наваждение. Кто видел «Джоконду», тот помнит, как трудно от нее оторваться. В одном из залов Лувра, где она оказалась рядом с лучшими шедеврами итальянской школы, она одерживает победу и гордо царит надо всем тем, что висит вокруг нее.

Картины Леонардо не образуют цепочки, как у многих других художников Возрождения. В ранних его работах, как «Мадонна Бенуа», больше и теплоты и непосредственности, но и в ней эксперимент дает о себе знать. «Поклонение» в Уффици — и это превосходный подмалевок, темпераментное, живое изображение людей, благоговейно обращенных к изящной женщине с младенцем на коленях. В «Мадонне в скалах» прелестен ангел, кудрявый юноша, выглядывающий из картины, но отталкивает странная затея перенести иддилию во мрак пещеры. Прославленная «Тайная вечеря» всегда восхищала меткой характеристикой персонажей: нежного Иоанна, сурового Петра, злодея Иуду. Однако тот факт, что такие живые и взволнованные фигуры расположены по три в один ряд, по одну сторону стола, выглядит как неоправданная условность, насилие над живой натурой. Тем не менее, это великий Леонардо да Винчи, и раз он так написал картину, значит он так ее задумал, и это таинство останется в веках.

Наблюдательностью и зоркостью, к которым Леонардо призывал художников в своем «Трактате», не ограничиваются его творческие возможности. Свою фантазию он сознательно стремился подстегнуть рассматриванием потрескавшихся от старости стен, в которых зрителю может померещиться любой сюжет. В известном виндзорском рисунке сангиной «Гроза» Леонардо передано то, что открылось его взору с какой-то горной вершины. Серия виндзорских рисунков на тему всемирного потопа — свидетельство поистине гениального прозрения художника — мыслителя. Художник создает знаки, которым нет отгадки, но которые вызывают чувство изумления, смешанное с ужасом. Рисунки созданы великим мастером в каком-то пророческом бреду. Все сказано в них темным языком видений Иоанна.

Внутренний разлад Леонардо на склоне дней дает о себе знать в двух его произведениях: луврский «Иоанн Креститель», туринский автопортрет. В позднем туринском автопортрете достигший старости художник открытым взглядом взирает в зеркало на себя из-за нахмуренных бровей — он видит в лице черты дряхлости, но видит и мудрость, примету «осени жизни».

В эпоху Возрождения происходит много изменений и открытий. Изучаются новые континенты, развивается торговля, изобретаются важные вещи, такие как бумага, морской компас, порох и многие другие. Изменения в живописи также имели огромное значение. Картины эпохи Возрождения получили огромную популярность.

Основные стили и направления в произведениях мастеров

Период был одним из самых плодотворных в истории искусства. Шедевры огромного количества выдающихся мастеров можно найти сегодня в различных художественных центрах. Во Флоренции в первой половине пятнадцатого столетия появились новаторы. Их картины эпохи Возрождения были отмечены началом новой эры в истории искусства.

В это время наука и искусство становятся очень тесно связанными между собой. Художники ученые стремились к освоению физического мира. Живописцы старались воспользоваться более точными представлениями о человеческом теле. Многие художники стремились к реалистичности. Стиль начинается с картины Леонардо да Винчи «Тайная Вечеря», которую он писал на протяжении почти четырех лет.

Одна из самых известных работ

Была написана в 1490 годах для трапезной монастыря Санта-Мария-делле-Грацие в Милане. Полотно представляет последнюю трапезу Иисуса вместе со своими учениками перед тем, как его схватили и убили. Современники, наблюдающие за работой художника в этот период, отмечали, как он мог с утра до вечера рисовать, не останавливаясь даже для того, чтобы поесть. А потом мог забросить свою картину на несколько дней и вообще не подходить к ней.

Художника очень беспокоил образ самого Христа и предателя Иуды. Когда же наконец картина была завершена, она по праву была признана шедевром. «Тайная вечеря» и по сегодняшний день является одной из самых популярных. Репродукции эпохи Возрождения всегда пользовались широким спросом, но этот шедевр отмечен бесчисленными копиями.

Признанный шедевр, или Загадочная улыбка женщины

Среди работ, созданных Леонардо в шестнадцатом столетии, значится портрет, который называется «Мона Лиза», или «Джоконда». В современную эпоху это, возможно, наиболее известная картина в мире. Популярной она стала, в основном, из-за неуловимой улыбки на лице женщины, изображенной на полотне. Что привело к такой загадочности? Умелая работа мастера, способность так искусно затенить уголки глаз и рта? Точная природа этой улыбки не может быть определена до сих пор.

Вне конкуренции и другие детали этой картины. Стоить обратить внимание на руки и глаза женщины: с какой точностью отнесся художник к мельчайшим подробностям полотна при его написании. Не менее интересен и драматический пейзаж на заднем плане картины, мир, в котором как будто все находится в состоянии потока.

Еще один знаменитый представитель живописи

Не менее известный представитель Ренессанса — Сандро Боттичелли. Это великий итальянский живописец. Его картины эпохи Возрождения также имеют огромную популярность среди широкого круга зрителей. «Поклонение волхвов», «Мадонна с младенцем на троне», «Благовещение» — эти произведения Боттичелли, посвященные религиозной тематике, стали огромными достижениями художника.

Еще одна известная работа мастера — «Мадонна Магнификат». Она прославилась еще в годы жизни Сандро, о чем свидетельствуют многочисленные репродукции. Подобные полотна в форме круга были довольно востребованы во Флоренции пятнадцатого столетия.

Новый поворот в творчестве живописца

Начиная с 1490 года Сандро меняет свой стиль. Он становится более аскетичным, сочетание красок теперь намного сдержаннее, часто преобладают темные тона. Новый подход творца к написанию своих произведений прекрасно заметен в «Короновании Марии», «Оплакивании Христа» и других полотнах, на которых изображена Мадонна и Младенец.

Шедевры, написанные Сандро Боттичелли в то время, например, портрет Данте, лишены пейзажных и интерьерных фонов. Одно из не менее значительных творений художника — это «Мистическое Рождество». Картина была написана под влиянием неурядиц, которые происходили в конце 1500 года в Италии. Многие картины художников эпохи Возрождения не просто приобрели популярность, они стали примером для последующего поколения живописцев.

Художник, полотна которого окружены ореолом восхищения

Рафаэль Санти да Урбино был не только но и архитектором. Его картины эпохи Возрождения вызывают восхищение ясностью своей формы, простотой композиции и визуальным достижением идеала человеческого величия. Наряду с Микеланджело и Леонардо да Винчи, он входит в традиционную троицу самых великих мастеров этого периода.

Прожил он сравнительно небольшую жизнь, всего 37 лет. Но за это время создал огромное количество своих шедевров. Некоторые его произведения находятся во Дворце Ватикана в Риме. Не все зрители могут увидеть воочию картины художников эпохи Возрождения. Фото же этих шедевров доступны всем (некоторые из них представлены в данной статье).

Наиболее известные произведения Рафаэля

С 1504 по 1507 годы Рафаэль создал целую серию «Мадонн». Картины отличаются чарующей красотой, мудростью и одновременно некой просветленной грустью. Самым знаменитым его полотном стала «Сикстинская Мадонна». Она изображена парящей в небесах и плавно спускающейся к людям с Младенцем на руках. Именно это движение очень мастерски смог изобразить художник.

Эта работа была высоко оценена многими известными критиками, и все они пришли к единому выводу, что она действительно редкая и необычная. Все картины художников эпохи Возрождения имеют долгую историю. Но стала наиболее популярной благодаря своим бесконечным странствиям, начиная с момента своего создания. Пройдя через многочисленные испытания, она наконец заняла достойное место среди экспозиций Дрезденского музея.

Картины эпохи Возрождения. Фото известных полотен

И еще один известный итальянский живописец, скульптор, а также архитектор, оказавший огромное влияние на развитие искусства Запада, — это Микеланджело ди Симони. Несмотря на то что известен он, в основном, как скульптор, существуют и прекрасные произведения его живописи. И самым значительным из них является потолок Сикстинской капеллы.

Работа эта выполнялась на протяжении четырех лет. Пространство занимает около пятисот квадратных метров и содержит более трехсот фигур. В самом центре девять эпизодов из книги Бытия, разделенных на несколько групп. Сотворение земли, создание человека и его падение. Среди наиболее известных картин на потолке — «Сотворение Адама» и «Адам и Ева».

Не менее знаменитая его работа — «Страшный суд». Выполнена она на алтарной стене Сикстинской капеллы. Фреска изображает второе пришествие Иисуса Христа. Здесь Микеланджело игнорирует стандартные художественные условности в написании Иисуса. Он изобразил его с массивной мышечной структурой тела, молодым и безбородым.

Значение религии, или Искусство эпохи Возрождения

Итальянские картины эпохи Возрождения стали основой для развития западного искусства. Многие популярные работы этого поколения творцов имеют огромное влияние на художников, которое сохраняется и по сегодняшний день. Великие представители искусства того периода сосредотачивали свое внимание на религиозных темах, часто работали по заказу состоятельных покровителей, в том числе и самого Папы Римского.

Религия буквально проникла в повседневную жизнь людей этой эпохи, глубоко засела в сознании художников. Практически все религиозные полотна находятся в музеях и хранилищах искусства, а вот репродукции картин эпохи Возрождения, связанные не только с этой тематикой, можно встретить во многих учреждениях и даже обычных домах. Люди бесконечно будут восхищаться работами известных мастеров того периода.

Возрождение, или Ренессанс — историческая веха в европейской культуре. Это судьбоносный этап развития мировой цивилизации, пришедший на смену дремучести и мракобесию Средневековья и предшествующий зарождению культурных ценностей Нового Времени. Для наследия Ренессанса присущ антропоцентризм — иными словами, ориентация на Человека, его жизнь и деятельность. Дистанцируясь от церковных догм и сюжетов, искусство приобретает светский характер, а название эпохи отсылает к возрождению в искусстве античных мотивов.

Эпоху Возрождения, корни которой произошли из Италии, принято делить на три этапа: раннее («кватроченто»), высокое и позднее. Рассмотрим особенности творчества великих мастеров, творивших в те давние, но знаменательные времена.

Прежде всего, необходимо отметить, что творцы Возрождения не только занимались «чистым» изобразительным искусством, но и проявили себя как талантливые исследователи и первооткрыватели. Так, например, архитектором из Флоренции по имени Филиппо Брунеллески был описан свод правил построения линейной перспективы. Сформулированные ним законы дали возможность с точностью изображать на холсте трехмерный мир. Наряду с воплощением прогрессивных идей в живописи, изменилось и само ее идейное содержание — герои картин стали более «земными», с ярко выраженными личными качествами и характерами. Это касалось даже работ на темы, касающиеся религии.

Выдающиеся имена периода Кватроченто (вторая половина XV века) — Боттичелли, Мазаччо, Мазолино, Гоццоли и другие — по праву обеспечили себе почетное место в сокровищнице всемирной культуры.

В период Высокого Возрождения (первая половина XVI века) сполна раскрывается весь идейно-творческий потенциал художников. Характерной особенностью этого времени становится отсылка искусства к эпохе античности. Художники, однако, вовсе не занимаются слепым копированием древних сюжетов, а, скорее, используют их для создания и развития собственных уникальных стилей. Благодаря этому изобразительное искусство приобретает последовательность и строгость, уступая некоей легкомысленности предшествующего периода. Архитектура, скульптура и живопись этого времени гармонично дополняли друг друга. Здания, фрески, живописные полотна, созданные в Высоком периоде развития Ренессанса, являются истинными шедеврами. Блистают имена общепризнанных гениев: Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти.

Особого внимания заслуживает личность Леонардо да Винчи. О нем говорят, что это человек, намного опередивший свое время. Художник, архитектор, инженер, изобретатель — далеко не полный перечень ипостасей этой многогранной личности.

Современному обывателю Леонардо да Винчи известен, прежде всего, как живописец. Самой известной его работой является «Мона Лиза». На ее примере зритель может оценить новаторство авторской техники: благодаря уникальной смелости и раскованности мышления Леонардо разработал принципиально новые способы «оживления» изображения.

Используя явление рассеяния света, он добился понижения контраста второстепенных деталей, чем поднял реалистичность изображения на новый уровень. Недюжинное внимание мастер уделял анатомической точности воплощения тела в живописи и графике — пропорции «идеальной» фигуры зафиксированы в «Витрувианском человеке».

Вторую половину XVI и первую половину XVII века принято называть Поздним Возрождением. Для этого периода были характерны весьма разнообразные культурно-творческие тенденции, поэтому сложно судить о нем однозначно. Религиозные веяния южной Европы, нашедшие воплощение в Контрреформации, привели к абстрагированию от воспевания красоты человека и античных идеалов. Противоречие подобных настроений с устоявшейся идеологией Возрождения привело к возникновению флорентийского маньеризма. Живописи в этом стиле характерна надуманная цветовая палитра и ломаные линии. У венецианских же мастеров того времени — Тициана и Палладио — сформировались собственные направления развития, имевшие мало точек соприкосновения с проявлениями кризиса в искусстве.

Кроме итальянского Возрождения, следует уделить внимание Возрождению Северному. Художники, жившие к северу от Альпийских гор, были менее подвержены влиянию античного искусства. В их творчестве прослеживается влияние готики, сохранившееся вплоть до наступления эпохи Барокко. Великие деятели Северного Ренессанса — это Альбрехт Дюрер, Лукас Кранах Старший, Питер Брейгель Старший.

Культурное наследие великих художников Возрождения бесценно. Имя каждого из них трепетно и заботливо сохраняется в памяти человечества, так как носивший его был неповторимым алмазом с множеством граней.

Эпоха Возрождения вызвала глубокие изменения во всех областях культуры — философии, науке и искусстве. Одно из них состоит в том. что становится все более независимой от религии, перестает быть «служанкой богословия», хотя до полной независимости ей еще далеко. Как и в других областях культуры, в философии возрождаются учения античных мыслителей — в первую очередь Платона и Аристотеля. Марсилио Фичино основал Платоновскую академию во Флоренции, перевел труды великого грека на латинский язык. Идеи Аристотеля вернулись в Европу еще раньше, до эпохи Возрождения. Во время Ренессанса, по словам Лютера, именно он, а не Христос, «правит в европейских университетах».

Вместе с античными учениями широкое распространение получает натурфилософия , или философия природы. Ее проповедуют такие философы, как Б. Телезио, Т. Кампанелла, Д. Бруно. В их трудах развиваются мысли о том, что философия должна изучать не сверхприродного Бога, а саму природу, что природа подчиняется своим, внутренним законам, что основу познания составляют опыт и наблюдение, а не божественное откровение, что человек является частью природы.

Распространению натурфилософских взглядов способствовали научные открытия. Главным из них стала гелиоцентрическая теория Н. Коперника, которая произвела настоящий переворот в представлениях о мире.

Следует, однако, заметить, что научно-философские взгляды того времени все еще испытывают заметное влияние со стороны религии и теологии. Такого рода воззрения часто принимают форму пантеизма , в котором существование Бога не отрицается, но Он растворяется в природе, отождествляется с ней. К этому надо добавить также влияние так называемых оккультных наук — астрологии, алхимии, мистики, магии и т.д. Все это имеет место даже у такого философа, как Д. Бруно.

Самые значительные изменения эпоха Возрождения вызвала в художественной культуре, искусстве. Именно в этой области разрыв со Средневековьем оказался наиболее глубоким и радикальным.

В Средние века искусство во многом имело прикладной характер, оно было вплетено в саму жизнь и должно было украшать ее. В эпоху Возрождения искусство впервые приобретает самоценность, оно становится самостоятельной областью прекрасного. Вместе с этим у воспринимающего зрителя впервые формируется чисто художественное, эстетическое чувство, впервые пробуждается любовь к искусству ради него самого, а не ради назначения, которому оно служит.

Никогда еще искусство не пользовалось таким высоким почетом и уважением. Даже в античной Греции труд художника по своей общественной значимости заметно уступал деятельности политика и гражданина. Еще более скромное место занимал художник в Древнем Риме.

Теперь место и роль художника в обществе неизмеримо возрастают. Он впервые рассматривается как самостоятельный и уважаемый профессионал, ученый и мыслитель, неповторимая индивидуальность. В эпоху Возрождения искусство воспринимается как одно из самых мощных средств познания и в этом качестве уравнивается с наукой. Леонардо да Винчи рассматривает науку и искусство как два совершенно равноправных способа изучения природы. Он пишет: «Живопись — наука и законная дочь природы».

Еше более высоко ценится искусство как творчество. По своим творческим возможностям художник Возрождения приравнивается к Богу-творцу. Отсюда понятно, почему Рафаэль получил к своему имени прибавление «Божественный». По тем же мотивам «Комедия» Данте была также названа «Божественной».

В самом искусстве происходят глубокие изменения. Оно совершает решительный поворот от средневекового символа и знака к реалистическому образу и достоверному изображению. Новыми становятся средства художественной выразительности. Их основу теперь составляют линейная и воздушная перспектива, трехмерность объема, учение о пропорциях. Искусство во всем стремится быть верным действительности, добиваться объективности, достоверности и жизненности.

Эпоха Возрождения была прежде всего итальянской. Поэтому неудивительно, что именно в Италии искусство в этот период достигло наивысшего подъема и расцвета. Именно здесь насчитываются десятки имен титанов, гениев, великих и просто талантливых художников. В других странах также имеются великие имена, однако Италия вне конкуренции.

В итальянском Возрождении обычно выделяют несколько этапов:

  • Проторенессанс: вторая половина XIII в. — XIV в.
  • Раннее Возрождение: почти весь XV в.
  • Высокое Возрождение: конец XV в. — первая треть XVI в.
  • Позднее Возрождение: последние две трети XVI в.

Главными фигурами Проторенессанса являются поэт Данте Алигьери (1265-1321) и живописец Джотто (1266/67-1337 гг. ).

Судьба преподнесла Данте много испытаний. За участие в политической борьбе его преследовали, он скитался, умер на чужбине, в Равенне. Его вклад в культуру выходит за рамки поэзии. Он писал не только любовную лирику, но и философские и политические трактаты. Данте является создателем итальянского литературного языка. Иногда его называют последним поэтом Средневековья и первым поэтом Нового времени. Эти два начала — старое и новое — действительно тесно переплетаются в его творчестве.

Первые произведения Данте — «Новая жизнь» и «Пир» — представляют собой лирические стихи любовного содержания, посвященные его возлюбленной Беатриче, которую он встретил однажды во Флоренции и которая через семь лет после их встречи умерла. Свою любовь поэт сохранил на всю жизнь. По своему жанру лирика Данте находится в русле средневековой куртуазной поэзии, где объектом воспевания выступает образ «Прекрасной Дамы». Однако выражаемые поэтом чувства уже принадлежат Возрождению. Они вызваны реальными встречами и событиями, наполнены искренней теплотой, отмечены неповторимой индивидуальностью.

Вершиной творчества Данте стала «Божественная комедия », занявшая особое место в истории мировой культуры. По своему построению эта поэма также находится в русле средневековых традиций. В ней рассказывается о приключениях человека, попавшего в загробный мир. Поэма имеет три части — Ад, Чистилище и Рай, каждая из которых насчитывает 33 песни, написанные трехстрочными строфами.

Повторяющаяся цифра «три» прямо перекликается с христианским учением о Троице. В ходе повествования Данте строго следует многим требованиям христианства. В частности, своего сопровождающего по девяти кругам ада и чистилища — римского поэта Вергилия — он не допускает в рай, ибо язычник лишен такого права. Здесь поэта сопровождает его умершая возлюбленная Беатриче.

Однако в своих мыслях и суждениях, в своем отношении к изображаемым персонажам и их грехам. Данте нередко и весьма существенно расходится с христианским учением. Так. вместо христианского порицания чувственной любви как греха он говорит о «законе любви», согласно которому чувственная любовь включается в природу самой жизни. Данте с пониманием и сочувствием относится к любви Франчески и Паоло. хотя их любовь связана с изменой Франчески своему мужу. Дух Возрождения побеждает у Данте и в других случаях.

К числу выдающихся итальянских поэтов относится также Франческо Петрарка. В мировой культуре он известен прежде всего своими сонетами. В то же время он был широкомасштабным мыслителем, философом и историком. Его по праву считают основателем всей ренессансной культуры.

Творчество Петрарки также отчасти находится в рамках средневековой куртуазной лирики. Как и у Данте, у него была возлюбленная по имени Лаура, которой он посвятил свою «Книгу песен». Вместе с тем Петрарка более решительно порывает связи со средневековой культурой. В его произведениях выражаемые чувства — любовь, боль, отчаяние, тоска — предстают гораздо более острыми и обнаженными. В них сильнее звучит личностное начало.

Еще одним ярким представителем литературы стал Джованни Боккаччо (1313-1375). автор всемирно известного «Декамерона». Принцип построения своего сборника новелл и сюжетную канву Боккаччо заимствует из Средневековья. Все же остальное пропитано духом Ренессанса.

Главными персонажами новелл являются обыкновенные и простые люди. Они написаны удивительно ярким, живым, разговорным языком. В них нет скучных нравоучений, напротив, многие новеллы буквально искрятся жизнелюбием и весельем. Сюжеты некоторых из них имеют любовный и эротический характер. Помимо «Декамерона» Боккаччо написал также повесть «Фьяметта», которая считается первым психологическим романом западной литературы.

Джотто ди Бондоне является самым ярким представителем итальянского Проторенессанса в изобразительном искусстве. Основным его жанром были фресковые росписи. Все они написаны на библейские и мифологические сюжеты, изображают сцены из жизни Святого семейства, евангелистов, святых. Однако в трактовке этих сюжетов явно преобладает ренессансное начало. В своем творчестве Джотто отказывается от средневековой условности и обращается к реализму и правдоподобию. Именно за ним признается заслуга возрождения живописи как художественной самоценности.

В его произведениях вполне реалистически изображается природный ландшафт, на котором отчетливо видны деревья, скалы, храмы. Все участвующие персонажи, включая самих святых, предстают как живые люди, наделенные физической плотью, человеческими чувствами и страстями. Их одежды обрисовывают естественные формы их тела. Произведениям Джотто присущи яркий колорит и живописность, тонкая пластичность.

Главным творением Джотто является роспись Капеллы дель Арена в Падуе, повествующей о событиях из жизни Святого семейства. Наиболее сильное впечатление производит стенной цикл, включающий сцены «Бегство в Египет», «Поцелуй Иуды», «Оплакивание Христа».

Все изображенные в росписях персонажи выглядят естественными и достоверными. Положение их тел, жестикуляция, эмоциональное состояние, взгляды, лица — все это показано с редкой психологической убедительностью. При этом поведение каждого строго соответствует отведенной ему роли. Каждая сцена отличается неповторимой атмосферой.

Так, в сцене «Бегство в Египет» преобладает сдержанный и в целом спокойный эмоциональный тон. «Поцелуй Иуды» наполнен бурным динамизмом, резкими и решительными действиями персонажей, которые буквально сцепились друг с другом. И только два главных участника — Иуда и Христос — застыли без движения и ведут поединок взглядами.

Сцена «Оплакивание Христа» отмечена особым драматизмом. Она переполнена трагическим отчаянием, невыносимой болью и страданием, безутешным горем и скорбью.

Раннее Возрождение окончательно утвердило новые эстетические и художественные принципы искусства. При этом библейские сюжеты по-прежнему остаются весьма популярными. Однако их трактовка становится совершенно иной, в ней уже мало что остается от Средневековья.

Родиной Раннего Возрождения стала Флоренция, а «отцами Возрождения» считаются архитектор Филиппе Брунеллески (1377-1446), скульптор Донателло (1386-1466). живописец Мазаччо (1401 -1428).

Брунеллески внес огромный вклад в развитие архитектуры. Он заложил основы ренессансного зодчества, открыл новые формы, которые просуществовали целые столетия. Многое он сделал для разработки законов перспективы.

Самой значительной работой Брунеллески стало возведение купола над уже готовой конструкцией собора Санта-Мария дель Фьоре во Флоренции. Перед ним стояла исключительно сложная задача, поскольку требуемый купол должен был иметь огромные размеры — около 50 м в диаметре. С помощью оригинальной конструкции он с блеском выходит из сложной ситуации. Благодаря найденному решению не только сам купол оказался удивительно легким и как бы парящим над городом, но и все здание собора приобрело стройность и величественность.

Не менее прекрасным произведением Брунеллески стала знаменитая капелла Пацци, возведенная во дворе церкви Санта-Кроче во Флоренции. Она представляет собой небольшое, прямоугольное в плане здание, перекрытое в центре куполом. Внутри оно облицовано белым мрамором. Как и другие сооружения Брунеллески, капелла отличается простотой и ясностью, изяществом и грациозностью.

Творчество Брунеллески примечательно тем, что он выходит за рамки культовых сооружений и создает великолепные постройки светской архитектуры. Прекрасным образцом такой архитектуры является воспитательный дом-приют, построенный в форме буквы «П», с крытой галереей-лоджией.

Флорентийский скульптор Донателло — один из наиболее ярких творцов Раннего Возрождения. Он работал в самых разных жанрах, везде проявляя подлинное новаторство. В своем творчестве Донателло использует античное наследие, опираясь на глубокое изучение натуры, смело обновляя средства художественной выразительности.

Он участвует в разработке теории линейной перспективы, возрождает скульптурный портрет и изображение обнаженного тела, отливает первый бронзовый памятник. Созданные им образы являются воплощением гуманистического идеала гармонически развитой личности. Своим творчеством Донателло оказал большое влияние на последующее развитие европейской скульптуры.

Стремление Донателло к идеализации изображаемого человека ярко проявилось в статуе юного Давида. В этом произведении Давид предстает молодым, прекрасным, полным душевных и физических сил юношей. Красоту его обнаженного тела подчеркивает изящно изогнутый торс. Молодое лицо выражает задумчивость и грусть. За этой статуей последовал целый ряд обнаженных фигур в скульптуре Ренессанса.

Героическое начало сильно и отчетливо звучит в статуе св. Георгия, ставшей одной из вершин творчества Донателло. Здесь ему в полной мере удалось воплотить идею сильной личности. Перед нами высокий, стройный, мужественный, спокойный и уверенный в своих силах воин. В этом произведении мастер творчески развивает лучшие традиции античной скульптуры.

Классической работой Донателло считается бронзовая статуя полководца Гаттамелатты — первый конный памятник в искусстве Ренессанса. Здесь великий скульптор достигает предельного уровня художественного и философского обобщения, что сближает это произведение с античностью.

В то же время Донателло создал портрет конкретной и неповторимой личности. Полководец предстает как настоящий ренес- сансный герой, мужественный, спокойный, уверенный в себе человек. Статую отличают лаконичность форм, ясная и четкая пластика, естественность позы всадника и коня. Благодаря этому памятник стал настоящим шедевром монументальной скульптуры.

В последний период творчества Донателло создает бронзовую группу «Юдифь и Олоферн». Эта работа наполнена динамикой и драматизмом: Юдифь изображена в тот момент, когда она заносит меч над уже раненым Олоферном. чтобы добить его.

Мазаччо по праву считается одной из главных фигур Раннего Возрождения. Он продолжает и развивает тенденции, идущие от Джотто. Мазаччо прожил всего 27 лет и успел сделать немного. Однако созданные им фрески стали настоящей школой живописи для последующих итальянских художников. По мнению Вазари, современника Высокого Возрождения и авторитетного критика, «ни один мастер так близко не подошел к современным мастерам, как Мазаччо».

Главным творением Мазаччо являются фрески в капелле Бранкаччи церкви Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, повествующие об эпизодах из легенд о святом Петре, а также изображающие два библейских сюжета — «Грехопадение» и «Изгнание из Рая».

Хотя фрески рассказывают о чудесах, совершенных св. Петром, в них нет ничего сверхъестественного и мистического. Изображенные Христос, Петр, апостолы и другие участники событий предстают вполне земными людьми. Они наделены индивидуальными чертами и ведут себя совершенно естественно и по-человечески. В частности, в сцене «Крещения» удивительно достоверно показан дрожащий от холода нагой юноша. Свою композицию Мазаччо строит с использованием средств не только линейной, но и воздушной перспективы.

Из всего цикла особого выделения заслуживает фреска «Изгнание из Рая». Она является подлинным шедевром живописи. Фреска предельно лаконична, в ней нет ничего лишнего. На фоне смутного пейзажа четко видны фигуры покинувших ворота Рая Адама и Евы, над которыми парит ангел с мечом. Все внимание сосредоточено на Маме и Еве.

Мазаччо первому в истории живописи удалось так убедительно и достоверно написать обнаженное тело, передать его естественные пропорции, придать ему устойчивость и движение. Столь же убедительно и ярко выражено внутреннее состояние героев. Широко шагающий Адам опустил голову от стыда и закрыл лицо руками. Рыдающая Ева в отчаянии запрокинула голову с открытым ртом. Эта фреска открывает новую эпоху в искусстве.

Сделанное Мазаччо было продолжено такими художниками, как Андреа Мантенья (1431 -1506) и Сандро Боттичелли (1455-1510). Первый прославился прежде всего своими росписями, среди которых особое место занимают фрески, рассказывающие о последних эпизодах жизни св. Иакова — шествие на казнь и сама казнь. Боттичелли отдавал предпочтение станковой живописи. Самыми знаменитыми его картинами являются «Весна» и «Рождение Венеры».

С конца XV в., когда итальянское искусство достигает наивысшего подъема, начинается Высокое Возрождение. Для Италии этот период оказался исключительно тяжелым. Раздробленная и потому беззащитная, она была буквально опустошена, разграблена и обескровлена вторжениями со стороны Франции, Испании, Германии и Турции. Однако искусство в этот период, как это ни странно, переживает невиданный расцвет. Именно в это время творят такие титаны, как Леонардо да Винчи. Рафаэль. Микеланджело, Тициан.

В архитектуре начало Высокого Возрождения связано с творчеством Донато Браманте (1444-1514). Именно он создал стиль, определивший развитие зодчества данного периода.

Одной из его ранних работ стала церковь монастыря Санта-Мария делла Грацие в Милане, в трапезной которой Леонардо да Винчи напишет свою знаменитую фреску «Тайная вечеря». Его слава начинается с маленькой часовни, именуемой Темпетто (1502), построенной в Риме и ставшей своеобразным «манифестом» Высокого Возрождения. Часовня имеет форму ротонды, ее отличают простота архитектурных средств, гармония частей и редкая выразительность. Это настоящий маленький шедевр.

Вершиной творчества Браманте является реконструкция Ватикана и преобразование его сооружений в единый ансамбль. Ему также принадлежит разработка проекта собора св. Петра, в который Ми- келанджело внесет изменения и начнет реализовывать.

См.также : ,Микеланджело Буонарроти

В искусстве итальянского Возрождения особое место занимает Венеция. Сложившаяся здесь школа существенно отличалась от школ Флоренции, Рима, Милана или Болоньи. Последние тяготели к устойчивым традициям и преемственности, они не были склонны к радикальному обновлению. Именно на эти школы опирался классицизм XVII в. и неоклассицизм последующих веков.

Венецианская школа выступала их своеобразным противовесом и антиподом. Здесь царил дух новаторства и радикального, революционного обновления. Из представителей других итальянских школ ближе всего к Венеции был Леонардо. Возможно, именно здесь его страсть к поиску и эксперименту могла бы найти должное понимание и признание. В знаменитом споре «старых и новых» художников последние опирались на пример Венеции. Отсюда брали начало тенденции, которые вели к барокко и романтизму. И хотя романтики чтили Рафаэля, их настоящими богами были Тициан и Веронезе. В Венеции получил свой творческий заряд Эль Греко, что позволило ему потрясти испанскую живопись. Через Венецию прошел Велас- кес. То же самое можно сказать о фламандских художниках Рубенсе и Ван Дейке.

Будучи портовым городом, Венеция оказалась на перекрестке экономических и торговых путей. Она испытывала влияние Северной Германии, Византии и Востока. Венеция стала местом паломничества многих художников. Здесь дважды был А. Дюрер — в конце XV в. и начале XVI в. Ее посетил Гёте (1790). Вагнер здесь слушал пение гондольеров (1857), под вдохновением которого он написал второй акт «Тристана и Изольды». Пение гондольеров слушал также Ницше, назвав его пением души.

Близость моря навевала текучие и подвижные формы, а не четкие геометрические структуры. Венеция тяготела не столько к разуму с его строгими правилами, сколько к чувствам, из которых рождалась удивительная поэтичность венецианского искусства. В центре внимания этой поэзии были природа — ее зримая и ощущаемая материальность, женщина — волнующая красота ее плоти, музыка — рождающаяся из игры цветов и света и из чарующих звуков одухотворенной природы.

Художники венецианской школы отдавали предпочтение не форме и рисунку, но цвету, игре света и тени. Изображая природу, они стремились передать ее порывы и движение, изменчивость и текучесть. Красоту женского тела они видели не столько в гармонии форм и пропорций, сколько в самой живой и чувствующей плоти.

Им мало было реалистического правдоподобия и достоверности. Они стремились к раскрытию богатств, присущих самой живописи. Именно Венеции принадлежит заслуга открытия чистого живописного начала, или живописности в ее чистом виде. Венецианские художники первыми показали возможность отделения живописности от предметов и формы, возможность решения проблем живописи с помощью одного цвета, чисто живописными средствами, возможность рассматривать живописное как самоцель. По этому пути пойдет вся последующая живопись, покоящаяся на экспрессии и выразительности. По мнению некоторых специалистов, от Тициана можно перейти к Рубенсу и Рембрандту, затем к Делакруа, а от него к Гогену, Ван Гогу, Сезанну и т.д.

Родоначальником венецианской школы является Джорджоне (1476-1510). В своем творчестве он выступил как настоящий новатор. У него окончательно побеждает светское начало, и вместо библейских сюжетов он предпочитает писать на мифологические и литературные темы. В его творчестве происходит утверждение станковой картины, которая уже ничем не напоминает икону или алтарный образ.

Джорджоне открывает новую эру в живописи, первым начиная писать с натуры. Изображая природу, он впервые смещает акцент на подвижность, изменчивость и текучесть. Прекрасным примером тому является его картина «Гроза». Именно Джорджоне начинает искать тайну живописи в свете и его переходах, в игре света и тени, выступая предшественником Караваджо и караваджизма.

Джорджоне создал разные по жанру и тематике работы — «Сельский концерт» и «Юдифь». Самым знаменитым его произведением стала «Спящая Венера ». Эта картина лишена какого-либо сюжета. Она воспевает красоту и прелесть обнаженного женского тела, представляя «наготу ради самой наготы».

Главой венецианской школы является Тициан (ок. 1489-1576). Его творчество — наряду с творчеством Леонардо, Рафаэля и Микелан- джело — является вершиной искусства Ренессанса. Большая часть его долгой жизни приходится на Позднее Возрождение.

В творчестве Тициана искусство Возрождения достигает наивысшего подъема и расцвета. Его произведения сочетают в себе творческий поиск и новаторство Леонардо, красоту и совершенство Рафаэля, духовную глубину, драматизм и трагизм Микеланджело. Им присуща необычайная чувственность, благодаря чему они оказывают мощное воздействие на зрителя. Произведения Тициана удивительно музыкальны и мелодичны.

Как отмечает Рубенс, вместе с Тицианом живопись приобрела свой аромат, а по словам Делакруа и Ван Гога — музыку. Его полотна написаны открытым мазком, который является одновременно легким, свободным и прозрачным. Именно в его произведениях цвет как бы растворяет и поглощает форму, и живописное начало впервые приобретает автономность, выступает в чистом виде. Реализм в его творениях переходит в чарующий и тонкий лиризм.

В работах первого периода Тициан прославляет беспечную радость жизни, наслаждение земными благами. Он воспевает чувственное начало, пышущую здоровьем человеческую плоть, вечную красоту тела, физическое совершенство человека. Этому посвящены такие его полотна, как «Любовь земная и небесная», «Праздник Венеры», «Вакх и Ариадна», «Даная», «Венера и Адонис».

Чувственное начало преобладает и в картине «Кающаяся Магдалина », хотя она посвящена драматической ситуации. Но и здесь кающаяся грешница имеет чувственную плоть, пленительное, излучающее свет тело, полные и чувственные губы, румяные щеки и золотые волосы. Проникновенным лиризмом наполнено полотно «Мальчик с собаками».

В работах второго периода чувственное начало сохраняется, однако оно дополняется растущим психологизмом и драматизмом. В целом Тициан совершает постепенный переход от физического и чувственного к духовному и драматическому. Происходящие изменения в творчестве Тициана хорошо видны при воплощении тем и сюжетов, к которым великий художник обращался дважды. Характерным примером в этом плане может служить картина «Святой Себастьян». В первом варианте судьба одинокого, брошенного людьми страдальца не кажется слишком печальной. Напротив, изображенный святой наделен жизненными силами и физической красотой. В более позднем варианте картины, находящемся в Эрмитаже, тот же образ приобретает черты трагизма.

Еше более ярким примером могут служить варианты картины «Коронование терновым венцом», посвященной эпизоду из жизни Христа. В первом из них, хранящемся в Лувре. Христос предстает физически красивым и сильным атлетом, способным дать отпор своим насильникам. В Мюнхенском варианте, созданном через двадцать лет, тот же эпизод передан гораздо глубже, сложнее и многозначнее. Христос изображен в белом плаще, у него закрыты глаза, он спокойно переносит избиение и унижение. Теперь главным становится не коронование и избиение, не физическое явление, но психологическое и духовное. Картина наполнена глубоким трагизмом, она выражает торжество духа, духовного благородства над физической силой.

В поздних произведениях Тициана трагическое звучание все более усиливается. Об этом свидетельствует полотно «Оплакивание Христа».

Искусство эпохи Возрождения

Искусство эпохи Возрождения отличается от средневекового искусства прежде всего тем, что Ранний Ренессанс (Раннее Возрождение) был периодом становления искусства эпохи Возрождения; другими словами, именно художники и скульпторы Раннего Возрождения были пионерами и развивали физический реализм и классическую композицию.

Кульминацией этих усилий стал Высокий Ренессанс, в ходе которого была достигнута вершина классического равновесия, гармонии и сдержанности. Во время позднего Ренессанса суровый классицизм был смягчен, что позволило в определенной степени усложнить и динамизировать (таким образом, предвещая расцвет искусства барокко).

Отчетливым субдвижением искусства позднего Ренессанса был маньеризм: намеренное стремление к новизне и сложности. В скульптуре манерность привела к таким качествам, как искаженная анатомия (например, удлиненные конечности) и сложные позы. Некоторые художники позднего Ренессанса работали в полномасштабном маньеристском стиле, в то время как другие просто находились под влиянием этого движения (в разной степени).

Ранний Ренессанс (около 1400-1500 гг.)

Живопись и архитектура эпохи Возрождения были основаны Мазаччо и Брунеллески соответственно. Основателем скульптуры эпохи Возрождения был Гиберти, чей шедевр — Врата Рая, пара бронзовых дверей для Флорентийского баптистерия. Основные панели этих дверей состоят из десяти библейских сцен, выполненных с впечатляющим реализмом, включая глубокую перспективу.

Панель от Врат рая. Гиберти

Один из помощников Гиберти, Донателло, стал величайшим скульптором Раннего Возрождения. Именно Донателло, наконец, возродил классические статуи (начиная со Святого Марка), в том числе конные статуи (с Гаттамелатой, первой конной статуей со времен античности). Его другие основные работы — Святой Георгий и Давид.

Высокий Ренессанс (около 1500-1525 гг.)

Бесспорным мастером скульптуры Высокого Возрождения (подробнее об искусстве эпохи Возрождения можно узнать на сайте «Исторический журнал», по адресу https://histjournal.ru/) является Микеланджело, который разделил свою карьеру между Флоренцией (его родным городом) и Римом. Пьета — жемчужина его ранних работ, в то время как его шедевр, Давид, часто считается величайшей скульптурой всех времен. Его главной поздней работой может быть Моисей.

Давид. Микеланджело 

Хотя карьера Микеланджело простиралась до позднего Ренессанса, большая часть его скульптуры относится к Высокому Ренессансу; его последние годы были посвящены живописи и архитектуре.

Поздний Ренессанс (около 1525-1600 гг.)

Выдающимся скульптором-маньеристом был фламандско-итальянский мастер Джамболонья. Как отмечалось ранее, типичные черты маньеристской скульптуры включают сложные позы и удлиненную анатомию. Первое качество проявляется в групповых скульптурах Похищение сабинянок, Геракла и Несса, а также в нескольких более мягких статуях Меркурия. Скульптуры Меркурия также демонстрируют удлиненные конечности, как и женская статуя L’Architettura.

Похищение сабинянок. Джамболонья

Дополнение

Основное гуманитарное определение искусства — “прекрасное человеческое творение”. Искусство можно разделить на два основных типа: изобразительное искусство (оно же “чистое искусство”), которое просто переживается (например, живопись, скульптура, архитектура), и прикладное искусство (оно же “декоративное искусство”), которое фактически используется (например, керамика, одежда, мебель).

Изобразительное искусство (которое всегда сильно влияло на прикладное искусство) является основной заботой основных гуманитарных наук. Пять великих изобразительных искусств признаны: живопись (плоское изобразительное искусство), скульптура (трехмерное изобразительное искусство), архитектура (визуальное искусство проектирования зданий; может рассматриваться как особая отрасль скульптуры), музыка (звуковое искусство) и литература (словесное искусство). Эти пять дисциплин являются «великими» в том смысле, что они (возможно) составляют наиболее выразительные и общепризнанные формы искусства.

Похожие сообщения:

Художники эпохи возрождения и их картины список. Великие художники эпохи Возрождения

Сандро Боттичелли (1 марта 1445 — 17 мая 1510) — глубоко религиозный человек, работал во всех крупных храмах Флоренции и в Сикстинской капелле Ватикана, однако в истории искусства остался в первую очередь как автор крупноформатных поэтичных полотен на сюжеты, вдохновлённые классической античностью, — «Весна» и «Рождение Венеры». .

Долгое время Боттичелли находился в тени работавших после него гигантов Возрождения, пока не был в середине XIX века переоткрыт британскими прерафаэлитами, которые почитали хрупкую линеарность и весеннюю свежесть его зрелых полотен за высшую точку в развитии мирового искусства.

Родился в семье зажиточного горожанина Мариано ди Ванни Филипепи. Получил хорошее образование. Учился живописи у монаха Филиппо Липпи и перенял у него ту страстность в изображении трогательных мотивов, которой отличаются исторические картины Липпи. Потом работал у известного скульптора Верроккьо. В 1470 г. организует собственную мастерскую..

Тонкость и точность линий он перенял у второго своего брата, который был ювелиром. Некоторое время учился вместе с Леонардо да Винчи в мастерской Верроккьо. Оригинальная же черта собственного таланта Боттичелли состоит в наклонности к фантастическому. Он один из первых внес в искусство своего времени античный миф и аллегорию, и с особенной любовью работал над мифологическими сюжетами. Особенно эффектна его Венера, которая нагая плывет по морю в раковине, и боги ветров осыпают её дождем из роз, и гонят раковину к берегу.

Лучшим творением Боттичелли считают начатые им в 1474 году фрески в Сикстинской капелле Ватикана. Выполнил множество картин по заказам Медичи. В частности, расписал знамя Джулиано Медичи, брата Лоренцо Великолепного. В 1470-1480-х гг портрет становится самостоятельным жанром в творчестве Боттичелли («Человек с медалью», ок. 1474; «Юноша», 1480-е гг). Боттичелли прославился своим тонким эстетическим вкусом и такими произведениями, как «Благовещение» (1489—1490), «Покинутая» (1495—1500) и т. д. В последние годы своей жизни Боттичелли, по всей видимости, оставил живопись..

Сандро Боттичелли похоронен в фамильной гробнице в церкви Оньисанти во Флоренции. Согласно завещанию, его похоронили вблизи могилы Симонетты Веспуччи, вдохновившей самые прекрасные образы мастера.

Леонардо ди сер Пьеро да Винчи (15 апреля 1452, селение Анкиано, около городка Винчи, близ Флоренции — 2 мая 1519, — великий итальянский художник (живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, естествоиспытатель), изобретатель, писатель, один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, яркий пример «универсального человека» . .

Нашим современникам Леонардо в первую очередь известен как художник. Кроме того, не исключено, что да Винчи мог быть и скульптором: исследователи из университета Перуджи — Джанкарло Джентилини и Карло Сиси — утверждают, что найденная ими в 1990 году терракотовая голова является единственной дошедшей до нас скульптурной работой Леонардо да Винчи. Однако сам да Винчи в разные периоды своей жизни считал себя в первую очередь инженером или учёным. Он отдавал изобразительному искусству не очень много времени и работал достаточно медленно. Поэтому художественное наследие Леонардо количественно не велико, а ряд его работ утрачен или сильно повреждён. Однако его вклад в мировую художественную культуру является исключительно важным даже на фоне той когорты гениев, которую дало Итальянское Возрождение. Благодаря его работам искусство живописи перешло на качественно новый этап своего развития. Предшествующие Леонардо художники Ренессанса решительно отказывались от многих условностей средневекового искусства. Это было движения в сторону реализма и многое уже было достигнуто в изучении перспективы, анатомии, большей свободы в композиционных решениях. Но в плане живописности, работы с краской, художники были ещё достаточно условны и скованы. Линия на картине четко очерчивала предмет, и изображение имело вид раскрашенного рисунка. Наиболее условным был пейзаж, который играл второстепенную роль. .

Леонардо осознал и воплотил новую живописную технику. У него линия имеет право на размытость, потому что так мы её видим. Он осознал явления рассеяния света в воздухе и возникновения сфумато — дымки между зрителем и изображенным предметом, которая смягчает цветовые контрасты и линии. В итоге реализм в живописи перешёл на качественно новую ступень. . возрождение картина боттичелли ренессанс

Рафаэль Санти (28 марта 1483 — 6 апреля 1520) — великий итальянский живописец, график и архитектор, представитель умбрийской школы..

Сын живописца Джованни Санти прошёл первоначальную художественную выучку в Урбино у своего отца Джованни Санти, но уже в юном возрасте оказался в мастерской выдающегося художника Пьетро Перуджино. Именно художественный язык и образность картин Перуджино с их тяготением к симметричной уравновешенной композиции, ясностью пространственного решения и мягкостью в решении колорита и освещения оказали первостепенное влияние на манеру молодого Рафаэля.

Необходимо оговорить и то, что творческий почерк Рафаэля включал синтез приемов и находок других мастеров. Сначала Рафаэль опирался на опыт Перуджино, позднее поочерёдно — на находки Леонардо да Винчи, Фра Бартоломео, Микеланджело. .

Ранние произведения («Мадонна Конестабиле» 1502—1503) проникнуты изяществом, мягким лиризмом. Земное бытие человека, гармонию духовных и физических сил прославил в росписях комнат Ватикана (1509—1517 года), достигнув безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия колорита, единства фигур и величественных архитектурных фонов..

Во Флоренции, соприкоснувшись с творениями Микеланджело и Леонардо, Рафаэль учился у них анатомически правильному изображению человеческого тела. В 25 лет художник попадает в Рим, и с этого момента начинается период наивысшего расцвета его творчества: он выполняет монументальные росписи в Ватиканском дворце (1509—1511), среди которых безусловный шедевр мастера — фреска «Афинская школа», пишет алтарные композиции и станковые картины, отличающиеся гармоничностью замысла и исполнения, работает как архитектор (некоторое время Рафаэль даже руководит строительством собора св. Петра). В неустанных поисках своего идеала, воплощающийся для художника в образе Мадонны, он создает самое совершенное своё творение — «Сикстинскую Мадонну» (1513), символ материнства и самоотречения. Картины и росписи Рафаэля были признаны современниками, и вскоре Санти стал центральной фигурой художественной жизни Рима. Породниться с художником хотели многие знатные люди Италии, в том числе близкий друг Рафаэля кардинал Биббиена. Художник умер в возрасте тридцати семи лет от сердечной недостаточности. Незаконченные росписи виллы Фарнезины, Ватиканские лоджии и другие работы были завершены учениками Рафаэля в соответствии с его эскизами и рисунками..

Один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, для картин которого характерна подчеркнутая сбалансированность и гармоничность целого, уравновешенность композиции, размеренность ритма и деликатное использование возможностей цвета. Безупречное владение линией и умение обобщать и выделять главное, сделало Рафаэля одним из самых выдающихся мастеров рисунка всех времен. Наследие Рафаэля послужило одним из столпов в процессе становления европейского академизма. Приверженцы классицизма — братья Карраччи, Пуссен, Менгс, Давид, Энгр, Брюллов и ещё многие другие художники — превозносили наследие Рафаэля как самое совершенное явление в мировом искусстве..

Тициан Вечеллио (1476/1477 или 1480-е—1576) — итальянский живописец эпохи Возрождения. Имя Тициана стоит в одном ряду с такими художниками Возрождения, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль. Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции..

По месту рождения (Пьеве-ди-Кадоре в провинции Беллуно) его иногда называют да Кадоре; известен также как Тициан Божественный..

Тициан родился в семье Грегорио Вечеллио, государственного и военного деятеля. В десятилетнем возрасте был направлен вместе с братом в Венецию для обучения у известного мозаичиста Себастьяна Дзуккато. Через несколько лет поступил учеником в мастерскую Джованни Беллини. Учился вместе с Лоренцо Лотто, Джорджо да Кастельфранко (Джорджоне) и рядом других художников, ставших впоследствии знаменитыми.

В 1518 году Тициан пишет картину «Вознесение Богоматери» , в 1515 году — Саломею с головой Иоанна Крестителя. С 1519 по 1526 год расписывает ряд алтарей, в том числе алтарь семейства Пезаро..

Тициан прожил долгую жизнь. До последних дней он не прекращал работать. Свою последнюю картину, «Оплакивание Христа», Тициан написал для собственного надгробия. Художник скончался от чумы в Венеции 27 августа 1576 году, заразившись от своего сына, ухаживая за ним..

Император Карл V вызвал Тициана к себе и окружил почётом и уважением и не раз говорил: «Я могу создать герцога, но где я возьму второго Тициана». Когда однажды художник уронил кисть, Карл V поднял её и сказал: «Услужить Тициану почётно даже императору». И испанский, и французский короли приглашали Тициана к себе, поселиться при дворе, но художник, выполнив заказы, всегда возвращался в родную Венецию. В честь Тициана назван кратер на Меркурии. .

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV-XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. На мгновение показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Они вспомнили о древних римлянах и греках. Которые тоже строили общество свободных граждан. Где главная ценность — человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение — это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и красоты духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до .

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда человек — главный персонаж и герой). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. Которые в другие времена рождаются один на 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан — титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках. Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения бы и не было.

1. Джотто (1267-1337 гг.)

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало XVI века. .

XIV век. Проторенессанс. Главный ее герой — Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа — золотой фон. Как, например, на этой иконе.


Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275-1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Печальные. Скорбные. Удивленные. Старые и молодые. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302-1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.

Главное творение Джотто – это цикл его фресок в Капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Потому что такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он как бы перевёл библейские сюжеты на простой понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.


Джотто. Поклонение волхвов. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье.

Джотто восхищались. Но его новаторства развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится мастер, достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401-1428 гг.)


Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура — в прошлом.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако, в отличие от предшественника, уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто — прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.


Мазаччо. Крещение неофитов. 1426-1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.
Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426-1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в Капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторства Мазаччо были подхвачены всеми великими титанами Высокого Возрождения.

3. Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)


Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи — один из титанов Эпохи Возрождения. Который колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно он повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.


Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489-1490 гг. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо — это то, что он нашёл способ, как сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Но тут Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

. 1503-1519 гг. Лувр, Париж.

С тех пор сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений. Но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. И даже искусством сервировки одно время увлекался.

Однако, сами подумайте. 19 картин. И он – величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию. При этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье .

4. Микеланджело (1475-1564 гг.)

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Микеланджело считал себя скульптором. Но он был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Потому что он изображал совершенного человека. В котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал сам. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был одиночкой. Обладая крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.


Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережив угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы — это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни — это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма 20 века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до 20 века. Что же делать последующим поколениям? Что ж, идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483-1520 гг.)

. 1506 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда. И при жизни. И после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Их внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кроткость. Их жертвенность.

Рафаэль. . 1513 г. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о . Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы — не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём он всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по другому и быть не может.


Рафаэль. Афинская школа. 1509-1511 гг. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. Множа его чувственные образы в тысячах своих полотен..

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким и ярким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называя “Королём живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

Тициан. Вознесение Марии. 1515-1518 гг. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого — образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты — ещё более динамичные и драматичные.


Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 г. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

Ничего это вам не напоминает? Конечно, это техника . И техника художников XIX века: барбизонцев и . Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье.

Художники эпохи Возрождения — это художники больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень много знать. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Поэтому они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Используя весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняющими нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

Renaissance — время интеллектуального расцвета в Италии, повлиявшее на развитие человечества. Это замечательное время дало свой старт в XIV веке и стало клониться к закату в XVI веке. Нельзя найти ни одну область деятельности человека, которую бы не затронул Ренессанс. Расцвет человеческой культуры, творчества, искусства, наук. Политика, философия, литература, архитектура, живопись — всё это приобрело новое дыхание и стало развиваться необычайно быстрыми темпами. Большинство самых великих художников, которые оставили о себе вечную память в произведениях и разработавшие большинство принципов и законов живописи, жили и творили именно в это время. Эпоха Возрождения стала для людей глотком свежего воздуха и началом новой жизни, настоящей культурной революцией. Рушились принципы жизни средневековья и человек стал стремиться к высокому, будто осознав свое настоящее предназначение на Земле — творить и развиваться.

Возрождение означает не что иное, а возврат к ценностям прошлого. Ценности прошлого, включая такие, как вера и искренняя любовь к искусству, созиданию, творению, были переосмыслены. Осознание человека в мироздании: человек как венец природы, венец божественного творения, сам являющийся творцом.

Самыми знаменитыми художниками Ренессанса являются , Альберти, Микеланджело, Рафаэль, Альбрехт Дюрер и многие другие. Своим творчеством они выражали общую концепцию мироздания, понятия о происхождении человека, которые опирались на религию и мифы. Можно сказать, что именно тогда появилось желание художников научиться создавать реалистичное изображение человека, природы, вещей, а также неосязаемых явлений — чувств, эмоций, настроения и т. д. Изначально центром Ренессанса считалась Флоренция, но к 16 веку он захватил Венецию. Именно в Венеции находились самые главные благодетели или меценаты Возрождения, такие как Медичи, римские папы и другие.

Несомненным является тот факт, что Эпоха Возрождения повлияла на ход развития всего человечества во всех смыслах этого слова. Произведения искусства того времени до сих пор являются одними из самых дорогих, а их авторы оставили свои имена в истории навсегда. Картины и скульптура Эпохи Возрождения считаются бесценными шедеврами и до сих пор являются пособием и примером для любого художника. Неповторимое искусство поражает своей красотой и глубиной замысла. Каждый человек обязан знать об этом необыкновенном времени, которое было в истории нашего прошлого, без наследия которого совершенно невозможно представить наше настоящее и будущее.

Леонардо да Винчи — Мона Лиза (Джоконда)

Рафаэль Санти — Мадонна

Первые предвестники искусства Возрождения появились в Италии в XIV веке. Художники этого времени, Пьетро Каваллини (1259-1344), Симоне Мартини (1284-1344) и (в первую очередь) Джотто (1267-1337) при создании полотен традиционной религиозной тематики начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении.
Для обозначения их творчества используется термин Проторенессанс (1300-е годы — «Треченто «) .

Джотто ди Бондоне (ок. 1267-1337) — итальянский художник и архитектор эпохи Проторенессанса. Одна из ключевых фигур в истории западного искусства. Преодолев византийскую иконописную традицию, стал подлинным основателем итальянской школы живописи, разработал абсолютно новый подход к изображению пространства. Работами Джотто вдохновлялись Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело.

Раннее Возрождение (1400-е годы — «Кватроченто»).

В начале XV века Филиппо Брунеллески (1377-1446), флорентийский ученый и архитектор.
Брунеллески желал сделать восприятие реконструированных им терм и театров более наглядным и попытался создать из своих планов геометрически-перспективные картины для определенной точки зрения. В этих поисках была открыта прямая перспектива .

Это позволило художникам получать совершенные изображения трёхмерного пространства на плоском полотне картины.

_________

Другим важным шагом на пути к Возрождению стало появление нерелигиозного, секулярного искусства. Портрет и пейзаж утвердились как самостоятельные жанры. Даже религиозные сюжеты приобретали иную трактовку — художники Возрождения стали рассматривать их персонажей как героев с ярко выраженными индивидуальными чертами и человеческой мотивацией поступков.

Наиболее известные художники этого периода — Мазаччо (1401-1428), Мазолино (1383-1440), Беноццо Гоццоли (1420-1497), Пьеро Делла Франческо (1420-1492), Андреа Мантенья (1431-1506), Джованни Беллини (1430-1516), Антонелло да Мессина (1430-1479), Доменико Гирландайо (1449-1494), Сандро Боттичелли (1447-1515).

Мазаччо (1401-1428) — знаменитый итальянский живописец, крупнейший мастер флорентийской школы, реформатор живописи эпохи кватроченто.


Фреска. Чудо со статиром.

Картина. Распятие.
Пьеро Делла Франческо (1420-1492). Произведения мастера отличают величественная торжественность, благородство и гармония образов, обобщённость форм, композиционная уравновешенность, пропорциональность, точность перспективных построений, исполненная света мягкая гамма.

Фреска. История царицы Савской. Церковь Сан Франческо в Ареццо

Сандро Боттичелли (1445-1510) — великий итальянский живописец, представитель флорентийской школы живописи.

Весна.

Рождение Венеры.

Высокое Возрождение («Чинквеченто»).
Наивысший расцвет искусства Возрождения пришёлся на первую четверть XVI века .
Работы Сансовино (1486-1570), Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэля Санти (1483-1520), Микеланджело Буонаротти (1475-1564), Джорджоне (1476-1510), Тициана (1477-1576), Антонио Корреджо (1489-1534) составляют золотой фонд европейского искусства.

Леонардо ди сер Пьеро да Винчи (Флоренция) (1452-1519) — итальянский художник (живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, естествоиспытатель), изобретатель, писатель.

Автопортрет
Дама с горностаем. 1490. Музей Чарторыйских, Краков
Мона Лиза (1503-1505/1506)
Леонардо да Винчи добился высокого мастерства в передаче мимики лица и тела человека, способах передачи пространства, построения композиции. Вместе с тем его работы создают гармоничный образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам.
Мадонна Литта. 1490-1491. Эрмитаж.

Мадонна с гвоздикой. 1478г.

В течение своей жизни Леонардо да Винчи сделал тысячи заметок и рисунков, посвящённых анатомии, однако не публиковал свои работы. Делая вскрытие тел людей и животных, он точно передавал строение скелета и внутренних органов, включая мелкие детали. По мнению профессора клинической анатомии Питера Абрамса, научная работа да Винчи обогнала своё время на 300 лет и во многом превосходила знаменитую «Анатомию Грея».

Список изобретений, как реальных, так и приписываемых ему:

Парашют, к олесцовый замок, в елосипед, т анк, л ёгкие переносные мосты для армии, п рожектор, к атапульта, р обот, д вухлинзовый телескоп.


В дальнейшем эти новации были развиты Рафаэлем Санти (1483-1520) — великим живописецем, графиком и архитектором, представителем умбрийской школы.
Автопортрет. 1483г.

Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонарроти Симони (1475- 1564)- итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт, мыслитель.

Картины и скульптуры Микеланджело Буонаротти полны героического пафоса и, одновременно трагического ощущения кризиса гуманизма. Его картины прославляют силу и мощь человека, красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире.

Гений Микеланджело наложил отпечаток не только на искусство Возрождения, но и на всю дальнейшую мировую культуру. Деятельность его связана в основном с двумя итальянскими городами — Флоренцией и Римом.

Однако наиболее грандиозные свои замыслы художник смог реализовать именно в живописи, где он выступил подлинным новатором цвета и формы.
По заказу папы Юлия II он выполнил роспись потолка Сикстинской капеллы (1508-1512), представляющую библейскую историю от сотворения мира до потопа и включающую более 300 фигур. В 1534-1541 годах в той же Сикстинской капелле для папы Павла III исполнил грандиозную, полную драматизма фреску «Страшный суд».
Сикстинская капелла 3D.

Творчество Джорджоне и Тициана отличает интерес к пейзажу, поэтизации сюжета. Оба художника достигли большого мастерства в искусстве портрета, с помощью которого передавали характер и богатый внутренний мир своих персонажей.

Джорджо Барбарелли да Кастельфранко ( Джорджоне) (1476/147-1510) — итальянский художник, представитель венецианской школы живописи.


Спящая Венера. 1510





Юдифь. 1504г
Тициан Вечеллио (1488/1490-1576) — итальянский живописец, крупнейший представитель венецианской школы эпохи Высокого и Позднего Возрождения.

Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции.

Автопортрет. 1567г

Венера Урбинская. 1538
Портрет Томмазо Мости. 1520г.

Позднее Возрождение.
После разграбления Рима имперскими войсками в 1527 году итальянское Возрождение вступает в период кризиса. Уже в творчестве позднего Рафаэля намечается новая художественная линия, получившая название маньеризма .
Для этой эпохи свойственны взвинченность и изломанность линий, удлинённость или даже деформированность фигур, зачастую обнажённых, напряжённость и неестественность поз, необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, использование едкой хроматической гаммы, перегруженность композиции и т. д. Первые мастера маньеризма Пармиджанино , Понтормо , Бронзино жили и работали при дворе герцогов дома Медичи во Флоренции. Позднее маньеристская мода распространилась по всей Италии и за её пределами.

Джироламо Франческо Мария Маццола (Пармиджанино — «житель Пармы») (1503-1540,) итальянский художник и гравёр, представитель маньеризма.

Автопортрет. 1540

Портрет женщины. 1530.

Понтормо (1494-1557) — итальянский живописец, представитель флорентийской школы, один из основоположников маньеризма.

В 1590-е годы на смену маньеризму приходит искусство барокко (переходные фигуры — Тинторетто и Эль Греко ).

Якопо Робусти, более известный как Тинторетто (1518 или 1519-1594) — живописец венецианской школы позднего Ренессанса.


Тайная вечеря. 1592-1594. Церковь Сан-Джорджо Маджоре, Венеция.

Эль Греко («Грек»Доменикос Теотокопулос ) (1541—1614) — испанский художник. По происхождению — грек, уроженец острова Крит.
Эль Греко не имел последователей-современников, и его гений был заново открыт почти через 300 лет после его смерти.
Эль Греко учился в мастерской Тициана, но, однако, техника его живописи существенно отличается от техники его учителя. Для работ Эль Греко характерны быстрота и экспрессивность исполнения, которые приближают их к современной живописи.
Христос на кресте. Ок. 1577. Частное собрание.
Троица. 1579 Прадо.

В трудные для Италии времена и насту­пает недолгий «золотой век» итальянского Возрождения — так называемый Высокий Ренессанс, наивысшая точка расцвета италь­янского искусства. Высокий Ренессанс совпал, таким образом, с периодом ожесточенной борьбы итальянских городов за независи­мость. Искусство этого времени было пронизано гуманизмом, верой в творческие силы человека, в неограниченность его возможностей, в разумное устройство мира, в торжество прогресса. В искусстве на первый план выдвинулись проблемы гражданского долга, высоких моральных качеств, подвига, образ прекрасного, гармонично раз­витого, сильного духом и телом человека-героя, сумевшего поднять­ся над уровнем повседневности. Поиск такого идеала и привел искусство к синтезу, обобщению, к раскрытию общих закономер­ностей явлений, к выявлению их логической взаимосвязи. Искус­ство Высокого Ренессанса отрешается от частностей, незначитель­ных подробностей во имя обобщенного образа, во имя стремления к гармоничному синтезу прекрасных сторон жизни. В этом одно из главных отличий Высокого Возрождения от раннего.

Леонардо да Винчи (1452-1519) явился первым художником, наглядно воплотившим это отличие. Первым учителем Леонардо был Андреа Вероккио. Фигура ангела в картине учителя «Крещение» уже отчетливо демон­стрирует разницу в восприятии мира художником прошлой эпохи и новой поры: никакой фронтальной плоскостности Вероккио, тончайшая светотеневая моделировка объема и необычайная оду­хотворенность образа. . Ко времени ухода из мастерской Вероккио исследователи относят «Мадонну с цветком» («Мадонна Бенуа», как она называлась раньше, по имени владельцев). В этот период Леонардо, несомненно, некоторое время находился под влиянием Боттичелли. От 80-х годов XV в. сохранились две неоконченные композиции Леонардо: «Поклонение волхвов» и «Св. Иероним». Вероятно, в сере­дине 80-х годов была создана в старинной технике темперы и «Ма­донна Литта», в образе которой нашел выражение тип леонардовской женской красоты: тяжелые полу­опущенные веки и едва уловимая улыбка придают лицу мадонны особую одухотворенность.

Соединяя научное и творче­ское начала, обладая как логическим, так и художественным мышлением, Леонардо всю жизнь занимался учеными изысканиями наравне с изобразительным искусством; отвлекаясь, он казался медлительным и оставил после себя немного произведений искус­ства. При миланском дворе Леонардо работал как художник, ученый техник, изобретатель, как математик и анатом. Первым большим произведением, которое он исполнил в Ми­лане, была «Мадонна в скалах» (или «Мадонна в гроте»). Это первая монументальная алтарная композиция Высокого Ре­нессанса, интересная еще и тем, что в ней в полной мере выразились особен­ности леонардовской ма­неры письма.

Самой большой работой Леонардо в Милане, высшим достиже­нием его искусства была роспись стены трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие на сюжет «Тайной вечери» (1495-1498). Христос в последний раз встречается за ужином со своими учени­ками, чтобы объявить им о предательстве одного из них. Для Леонардо искусство и наука существовали нераздельно. Занимаясь искусством, он делал научные изыскания, опыты, на­блюдения, он выходил через перспективу в область оптики и физики, через проблемы пропорций — в анатомию и математику и т. д. «Тайная вечеря» завершает целый этап в научных изысканиях художника. Она является также и новым этапом в искусстве.

От занятий анатомией, геометрией, фортификацией, мелиора­цией, лингвистикой, стихосложением, музыкой Леонардо отрывал­ся для работы над «Конем» -конным памятником Франческо Сфорца, ради которого он прежде всего и приехал в Милан и который в начале 90-х годов исполнил в полный размер в глине. Памятнику не суждено было воплотиться в бронзе: в 1499 г. французы вторглись в Милан и гасконские арбалетчики расстреляли конный монумент. С 1499 г. начинаются годы скитаний Леонардо: Мантуя, Венеция и, наконец, родной город художника — Флоренция, где он пишет картон «Св. Анна с Марией на коленях», по которому создает картину маслом в Милане (куда возвратился в 1506 г.)

Во Флоренции Леонардо была начата еще одна живописная работа: портрет жены купца дель Джокондо Моны Лизы, ставший одной из самых знаменитых картин в мире.

Портрет Моны Лизы Джоконды — это решающий шаг на пути развития ренессансного искусства

Впервые портретный жанр стал в один уровень с композициями на религиозную и мифологическую темы. При всем бесспорном физиономическом сходстве портреты Кватроченто от­личались если не внешней, то внутренней скованностью. Велича­вость Моне Лизе сообщает уже одно сопоставление ее сильно выдвинутой к краю холста подчеркнуто объемной фигуры с види­мым как бы издалека ландшафтом со скалами и ручьями, тающим, манящим, неуловимым и потому при всей реальности мотива фантастичным.

Леонардо в 1515 г. по предложению французского короля Франциска I навсегда уезжает во Францию.

Леонардо был величайшим художником своего времени, гением, открывшим новые горизонты искусства. Он оставил после себя немного произведений, но каждое из них явилось этапом в истории культуры. Леонардо известен также как разносторонний ученый. Его научные открытия, например, его изыскания в области лета­тельных аппаратов представляют интерес и в наш век космонавтики. Тысячи страниц рукописей Леонардо, охватывая буквально все области знания, свидетельствуют об универсальности его гения.

Идеи монументального искусства Возрождения, в которых сли­лись традиции античности и дух христианства, нашли наиболее яркое выражение в творчестве Рафаэля (1483-1520). В его искус­стве обрели зрелое решение две основные задачи: пластическое совершенство человеческого тела, выражающее внутреннюю гар­монию всесторонне развитой личности, в чем Рафаэль следовал античности, и сложная многофигурная композиция, передающая все многообразие мира. Рафаэль обогатил эти возможности, достигнув поразительной свободы в изображении пространства и движения в нем человеческой фигуры, безукоризненной гармонии между средой и человеком.

Никто из мастеров Возрождения не воспринял так глубоко и естественно языческую сущность антич­ности, как Рафаэль; недаром его считают художником, наиболее полно связавшим античные традиции с западноевропейским искус­ством новой поры.

Рафаэль Санти родился в 1483 г. в городе Урбино, одном из центров художественной культуры Италии, при дворе герцога урбинского, в семье придворного живописца и поэта, который и явился первым учителем будущего мастера

Ранний период творче­ства Рафаэля прекрасно характеризует небольшая картина в форме тондо «Мадонна Конестабиле», с ее простотой и лаконизмом строго отобранных деталей (при всей робости композиции) и особым, присущим всем работам Рафаэля, тонким лиризмом и чувством умиротворения. В 1500 г. Рафаэль уехал из Урбино в Перуджу учиться в мастерской известного умбрийского художника Перуджино, под влиянием которого написано «Обручение Марии» (1504). Чувство ритма, соразмерности пластических масс, пространствен­ных интервалов, соотношение фигур и фона, согласование основ­ных тонов (в «Обручении» это золотистые, красные и зеленые в сочетании с нежно-голубым фоном неба) и создают ту гармонию, которая проявляется уже в ранних работах Рафаэля и отличает его от художников предыдущей поры.

На протяжении всей жизни Рафаэль ищет этот образ в мадонне, его многочисленные произведения, толкующие образ мадонны, снискали ему всемирную славу. Заслуга художника прежде всего в том, что он сумел воплотить все тончайшие оттенки чувств в идее материнства, соединить лиричность и глубокую эмоциональность с монументальным величием. Это видно во всех его мадоннах, начиная с юношески робкой «Мадонны Конестабиле»: в «Мадонне в зелени», «Мадонне со щегленком», «Мадонне в кресле» и особенно в вершине рафаэльевского духа и мастерства — в «Сикстинской мадонне».

«Сикстинская ма­донна» — одно из самых совершенных произведений Рафаэля и по языку: фигура Марии с младенцем, строго вырисовывающаяся на фоне неба, объединена общим ритмом движения с фигурами св. Варвары и Папы Сикста II, жесты которых обращены к мадонне, как и взгляды двух ангелов (более похожих на путти, что так характерно для Возрождения), — в нижней части композиции. Фигуры объединены и общим золотым колоритом, как бы олицет­воряющим Божественное сияние. Но главное — это тип лица ма­донны, в котором воплощен синтез античного идеала красоты с духовностью христианского идеала, что столь характерно для ми­ровоззрения Высокого Возрождения.

«Сикстинская мадонна» — позднее произведение Рафаэля.

В начале XVI в. Рим становится главным культурным центром Италии. Искусство Высокого Возрождения достигает сво­его наивысшего расцвета в этом городе, где волею меценатствующих пап Юлия II и Льва Х работают одновременно такие художники, как Браманте, Микеланджело и Рафаэль.

Рафаэль расписывает первые две станцы. В станце делла Сеньятура (комнате подписей, печатей) он написал четыре фрески-ал­легории основных сфер духовной деятельности человека: фило­софии, поэзии, богословия и юриспруденции. («Афинская школа», «Парнас», «Диспута», «Мера, Мудрость и Сила». Во второй комнате, называемой «станца Элиодора», Рафаэль написал фрески на исторические и легендарные сюжеты, прославляющие римских пап: «Из­гнание Элиодора»

Для искусства сред­невековья и раннего Возрождения было свойственно изображать науки и искусства в образе отдельных аллегорических фигур. Рафаэль решил эти темы в виде многофигурных композиций, представляющих иногда настоящие групповые портреты, интерес­ные как своей индивидуализацией, так и типичностью

Ученики помогали Рафаэлю и в росписи примыкавших к ком­натам Папы лоджий Ватикана, расписанных по его эскизам и под его наблюдением мотивами античных орнаментов, почерпнутых преимущественно из только что открытых античных гротов (отсюда название «гротески»).

Рафаэль исполнял работы самых разных жанров. Его дар декора­тора, а также режиссера, рассказчика полностью проявился в серии из восьми картонов к шпалерам для Сикстинской капеллы на сюжеты из жизни апостолов Петра и Павла («Чудесный улов рыбы», напри­мер). Эти картины на протяжении XVI-XVIII вв. служили для классицистов своего рода этало­ном.

Рафаэль был и величайшим портретистом своей эпохи. («Папа Юлий II», «Лев X», друг художника писатель Кастильоне, прекрасная «Донна Велата» и др.). И в его портретных изображе­ниях, как правило, господствует внутренняя уравновешенность и гармония.

В конце жизни Рафаэль был непомерно загружен разнообраз­ными работами и заказами. Даже трудно представить, что все это мог исполнить один человек. Он являлся центральной фигурой художественной жизни Рима, после смерти Браманте (1514) стал главным архитектором собора св. Петра, ведал археологическими раскопками в Риме и его окрестностях и охраной античных памят­ников.

Рафаэль умер в 1520 г.; его преждевременная смерть была неожиданной для современников. Прах его погребен в Пантеоне.

Третий величайший мастер Высокого Возрождения — Микел­анджело — намного пережил Леонардо и Рафаэля. Первая полови­на его творческого пути приходится на период расцвета искусства Высокого Ренессанса, а вторая — на время Контрреформации и начало формирования искусства барокко. Из блестящей плеяды художников Высокого Ренессанса Микеланджело превзошел всех насыщенностью образов, гражданственным пафосом, чуткостью к смене общественного настроения. Отсюда и творческое воплощение крушения ренессансных идей.

Микеланджело Буонарроти (1475-1564) В 1488 г. во Флоренции начал тщательно изучать античную пластику. Его рельеф «Битва кентавров» по внутренней гармонии уже произведение Высокого Возрождения. В 1496 г. молодой художник уезжает в Рим, где создает свои первые принесшие ему славу произведения: «Вакх» и «Пьета». Буквально захваченный образами античности. «Пьета» — открывает целый ряд работ мастера на этот сюжет и выдвигает его в число первых скульпторов Италии.

Возвратившись в 1501 г. во Флоренцию, Микеланджело по поручению Синьории взялся изваять фигуру Давида из испорченной до него незадачливым скульптором мраморной глыбы. В 1504 г. Микеланджело закончил знаменитую статую, названную флорен­тийцами «Гигантом» и поставленную ими перед палаццо Веккиа, городской ратушей. Открытие памятника превратилось в народное торжество. Образ Давида вдохновлял многих художников Кватро­ченто. Но не мальчиком, как у Донателло и Вероккио, изображает его Микеланджело, а юношей в полном расцвете сил, и не после сражения, с головою великана у ног, а перед битвой, в момент наивысшего напряжения сил. В прекрасном образе Давида, в его суровом лице скульптор передал титаническую силу страсти, не­преклонную волю, гражданское мужество, безграничную мощь свободного человека.

В 1504 г. Микеланджело (как уже упоминалось в связи с Леонардо) начинает работать над росписью «Зала пятисот» в палац­цо Синьории

В 1505 г. Папа Юлий II пригласил Микеланджело в Рим для сооружения себе гробницы, но потом отказался от заказа и заказал менее грандиозную роспись потолка Сикстинской капеллы при Ватикан­ском дворце.

Над росписью плафона Сикстинской капеллы Микеланджело работал один, с 1508 по 1512 г., расписав площадь около 600 кв. м (48х13 м) на высоте 18 м.

Центральную часть потолка Микеланджело посвятил сценам священной истории, начиная от сотворения мира. Эти композиции обрамлены написанным же, но создающим иллюзию архитектуры, карнизом и разделены, также живописными, тягами. Живописные прямоугольники подчеркивают и обогащают реальную архитектуру плафона. Под живописным карнизом Микеланджело написал про­роков и сивилл (каждая фигура около трех метров), в люнетах (арках над окнами) изобразил эпизоды из Библии и предков Христа как простых людей, занятых повседневными делами.

В девяти центральных композициях развертываются события первых дней творения, история Адама и Евы, всемирный потоп, и все эти сцены, по сути, являются гимном человеку, заложенным в нем. Вскоре после окончания работ в Сикстине умер Юлий II и его наследники возвратились к мысли о надгробии. В 1513-1516 гг. Микеланджело исполняет фигуру Моисея и рабов (пленников) для этого надгробия. Образ Моисея — один из самых сильных в творчестве зрелого мастера. Он вложил в него мечту о вожде мудром, смелом, полном титанических сил, экспрессии, воли-качеств, столь необходимых тогда для объединения его родины. Фигуры рабов не вошли в окончательный вариант гробницы.

С 1520 по 1534 г. Микеланджело работает над одним из самых значительных и самых трагических скульптурных произведений — над гробницей Медичи (флорентийская церковь Сан Лоренцо), выражающей все переживания, выпавшие в этот период на долю и самого мастера, и его родного города, и всей страны в целом. С конца 20-х годов Италия буквально раздиралась как внешними, так и внутренними врагами. В 1527 г. наемные солдаты разгромили Рим, протестанты разграбили католические святыни вечного города. Флорентийская буржуазия свергает Медичи, правивших вновь с 1510г

В настроении тяжелейшего пессимизма, в состоянии усилива­ющейся глубокой религиозности и работает Микеланджело над гробницей Медичи. Он сам сооружает пристройку к флорентийской церкви Сан Лоренцо -небольшое, но очень высокое помещение, перекрытое куполом, и оформляет две стены сакристии (ее внут­реннего помещения) скульптурными надгробиями. Одну стену ук­рашает фигура Лоренцо, противоположную — Джулиано, а внизу у их ног размещаются саркофаги, украшенные аллегорическмие скульптурными изображениями -символами быстротекущего времени: «Утра» и «Вечера» -в надгробии Лоренцо, «Ночи, и «Дня» — в надгробии Джулиано.

Оба изображения — Лоренцо и Джулиано — не имеют портретного сходства, чем отличаются от традиционных решений XV века.

Павел III тотчас после своего избрания стал настойчиво требовать от Микеланджело исполнения этого замысла, и в 1534 г., прервав работу над гробни­цей, которую он завершил только в 1545 г., Микеланджело уезжает в Рим, где приступает ко второй работе в Сикстинской капелле — к росписи «Страшный суд» (1535-1541)-грандиозному тво­рению, выразившему трагедию человеческого рода. Черты новой художественной системы проявились в этой работе Микеланджело еще ярче. Творящий суд, карающий Христос помещен в центре композиции, а вокруг него во вращательном круговом движении изображены низвергающиеся в ад грешники, возносящиеся в рай праведники, встающие из могил на Божий суд мертвецы. Все полно ужаса, отчаяния, гнева, смятения.

Живописец, скульптор, поэт, Микеланджело был также и гени­альным архитектором. Им исполнена лестница флорентийской библиотеки Лауренцианы, оформлена площадь Капитолия в Риме, возведены ворота Пия (Porta Pia), с 1546 г. он работает над собором св. Петра, начатым еще Браманте. Микеланджело принадлежит рисунок и чертеж купола, который был исполнен уже после смерти мастера и до сих пор является одной из главных доминант в панораме города.

Микеланджело умер в Риме в возрасте 89 лет. Тело его было вывезено ночью во Флоренцию и погребено в старейшей церкви родного города Санта Кроче. Историческое значение искусства Микеланджело, его воздействие на современников и на последую­щие эпохи трудно переоценить. Некоторые зарубежные исследова­тели трактуют его как первого художника и архитектора барокко. Но более всего он интересен как носитель великих реалистических традиций Ренессанса.

Джордже Барбарелли да Кастельфранко, по прозванию Джорд­жоне (1477-1510),-прямой последователь своего учителя и ти­пичный художник поры Высокого Возрождения. Он первый на венецианской почве обратился к темам литературным, к сюжетам мифологическим. Пейзаж, природа и прекрасное нагое человече­ское тело стали для него предметом искусства и объектом покло­нения.

Уже в первом известном произведении «Мадонна Кастельфран­ко» (около 1505) Джорджоне предстает вполне сложившимся ху­дожником; образ мадонны полон поэтичности, задумчивой мечта­тельности, пронизан тем настроением печали, которое свойственно всем женским образам Джорджоне. За последние пять лет своей жизни художник создал свои лучшие произведения, исполнен­ные в масляной технике, основной в венецианской школе в тот период. . В картине 1506 г. «Гроза» Джорд­жоне изображает человека как часть природы. Кормящая ребенка женщина, юноша с посохом (которого можно принять за воина с алебардой) не объединены каким-либо действием, но соединены в этом величественном ландшафте общим настроением, общим ду­шевным состоянием. Одухотворенностью и поэтичностью пронизано изображение «Спящей Венеры» (около 1508-1510). Ее тело написано легко, свободно, изящно, недаром исследователи говорят о «музыкально­сти» ритмов Джорджоне; оно не лишено и чувственной прелести. «Сельском концерте» (1508-1510)

Тициан Вечеллио (1477?-1576) -величайший художник вене­цианского Возрождения. Он создал произведения и на мифологи­ческие, и на христианские сюжеты, работал в жанре портрета, его колористическое дарование исключительно, композиционная изо­бретательность неисчерпаема, а его счастливое долголетие позво­лило ему оставить после себя богатейшее творческое наследие, оказавшее огромное влияние на потомков.

Уже в 1516 г. он становится первым живописцем республики, с 20-х годов — самым прославленным художником Венеции

Около 1520 г. герцог Феррарский заказывает ему цикл картин, в которых Тициан предстает певцом античности, сумевшим почувствоватьи, главное, воплотить дух язычества («Вакханалия», «Праздник Вене­ры», «Вакх и Ариадна»).

Богатые венецианские патриции заказывают Тициану алтарные образа, и он создает ог­ромные иконы: «Вознесение Марии», «Мадонна Пезаро»

«Введение Марии во храм» (около 1538), «Венера» (около 1538)

(групповой порт­рет Папы Павла III с племянниками Оттавио и Александром Фарнезе, 1545-1546)

Он еще много пишет на античные сюжеты («Венера и Адонис», «Пастух и нимфа», «Диана и Актеон», «Юпитер и Антиопа»), но все чаще обращается к темам христианским, к сценам мученичеств, в ко­торых языческая жизнера­достность, античная гар­мония сменяются трагиче­ским мироощущением («Бичевание Христа», «Кающаяся Мария Магда­лина», «Св. Себастьян», «Оплакивание»),

Но в конце века и здесь уже очевидны черты надвигающейся новой эпохи в искусстве, нового художественного направления. Это видно на примере творче­ства двух крупнейших художни­ков второй половины этого сто­летия — Паоло Веронезе и Якопо Тинторетто.

Паоло Кальяри, по прозвищу Веронезе (он родом из Вероны, 1528-1588), суждено было стать последним певцом празднич­ной, ликующей Венеции XVI в.

: «Пир в доме Левия» «Брак в Кане Галилейской» для трапезной монастыря Сан Джордже Маджоре

Якопо Робусти, известного в искусстве как Тинторетто (1518-1594) («тинторетто»-красильщик: отец художника был красильщиком шелка). «Чудо святого Марка» (1548)

(«Спасение Арсинои», 1555), «Введение во храм» (1555),

Андреа Палладио (1508-1580, Вилла Корнаро в Пьомбино, Вилла Ротонда в Виченце, завершенная уже после его смерти учениками по его проекту, многие здания в Виченце). Результатом его изучения античности явились книги «Римские древности» (1554), «Четыре книги по архитектуре» (1570-1581), но античность была для него «живым организмом», по справедливому наблюдению исследовате­ля.

Нидерландское Возрождение в живописи начинается с «Гентского алтаря» братьев Губерта (умер в 1426 г.) и Яна (около 1390-1441) ван Эйков, законченного Яном ван Эйком в 1432 г. Ван Эйки усовершенствовали масляную технику: масло давало возможность более разносторонне передать блеск, глубину, богатство предметного мира, привлекающего внимание нидерлан­дских художников, его красочную звучность.

Из многочисленных мадонн Яна ван Эйка наиболее известна «Мадонна канцлера Роллена» (около 1435)

(«Человек с гвоздикой»; «Человек в тюрбане», 1433; портрет жены художника Маргариты ван Эйк, 1439

Многому в решении подобных проблем нидерлан­дское искусство обязано Рогиру ван дер Вейдену (1400?-1464) «Снятие с креста» — типичное произведение Вейдена.

На вторую половину XV в. приходится творчество мастера исключительного дарования Гуго ван дер Гуса (около 1435-1482) «Смерть Марии»).

Иеронима Босха (1450-1516), создателя мрачных мистических видений, в которых он обращается и к средневековому аллегоризму, «Сад наслаждений»

Вершиной нидерландского Ренессанса было, несомненно, твор­чество Питера Брейгеля Старшего, прозванного Мужицким (1525/30-1569) («Кухня то­щих», «Кухня тучных»), Особую славу у потомков заслужил «Зимний пейзаж» из цикла «Времена года» (другое название — «Охотники на снегу», 1565), «Битве Карнавала и Поста» (1559).

Альбрехта Дюрера (1471-1528).

«Праздник четок» (другое название — «Мадонна с четками», 1506), «Всадник, смерть и дьявол», 1513; «Св. Иероним» и «Ме­ланхолия»,

Ганс Гольбейн Младший (1497-1543), «Триумф смерти» («Пляска смерти») портрет Джейн Сеймур, 1536

Альбрехт Альтдорфер (1480-1538)

Ренессанса Лукас Кранах (1472- 1553),

Жан Фуке (около 1420-1481) ,Портрет Карла VII

Жан Клуэ (около 1485/88-1541), сын Франсуа Клуэ (около 1516- 1572) -самый крупный художник Франции XVI в. портрет Елизаветы Австрийской, около 1571, (пор­трет Генриха II, Марии Стюарт и др)

Художники эпохи Возрождения — презентация онлайн

1. Художники Эпохи Возрождения

ХУДОЖНИКИ ЭПОХИ
ВОЗРОЖДЕНИЯ
Леонардо
да Винчи
Г. Иваново 2018
Выполнила студентка группы 123
Рябикова Алина

2. Содержание:

1. Биография
2. Достижения в искусстве
3. Картины
4. Вывод

3. Биография:

Леона́рдо ди сер Пье́ро да Ви́нчи — великий итальянский художник
(живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, математик,
физик, естествоиспытатель), яркий представитель типа
«универсального человека»— идеала итальянского Ренессанса.
Леонардо да Винчи родился 15 апреля 1452 года в селении Анкиано
близ небольшого городка Винчи, недалеко от Флоренции.
Профессиональная деятельность начинается в 1472 и заканчивается в
1513 году.
У Леонардо да Винчи были достижения в искусстве, науке, анатомии
и медицине, литературном наследии.

4. Достижения в искусстве:

Нашим современникам Леонардо в первую очередь известен как художник.
Однако сам да Винчи в разные периоды своей жизни считал себя в первую
очередь инженером или учёным. Он отдавал изобразительному искусству не
очень много времени и работал достаточно медленно. Поэтому
художественное наследие Леонардо количественно не велико. Его вклад в
мировую художественную культуру является исключительно важным.
Самыми известными его картинами являются : «Мадонна с гвоздикой» (
1457-1478), «Портрет Джиневры де Бенчи» ( 1474—1478), «Мадонна
Бенуа» (1479—1481) , «Мадонна Литта» (1478—1482) , «Дама с
горностаем» (1488—1490) , «Тайная вечеря» (1495—1498) , «Прекрасная
Ферроньера» (1493—1497) , «Спаситель мира» (1499—1507) , «Мона
Лиза» (1502-1516) , «Иоанн Креститель» (1508—1516).

5. «Мадонна с гвоздикой»

Картина, которую многие
искусствоведы приписывают
молодому Леонардо да Винчи.
Предположительно, создана
Леонардо в бытность его
учеником в мастерской.
В настоящее время висит в
Старой пинакотеке, Мюнхен.

6. «Портрет Джиневры де Бенчи»

Это единственная картина
Леонардо да Винчи,
находящаяся за
пределами Европы и
выставлявшаяся на
продажу в послевоенное
время; в настоящий момент
она находится
в Национальной галерее
искусства в Вашингтоне.

7. «Мадонна Бенуа»

Ранняя картина Леонардо да Винчи,
предположительно оставшаяся
незавершённой. В 1914 году она
была приобретена Императорским
Эрмитажем , где остается и по сей
день.

8. «Мадонна Литта»

Картина из
собрания Государственного
Эрмитажа, традиционно
приписываемая
итальянскому
художнику Леонардо да
Винчи.
Находится в Эрмитаже,
Санкт-Петербурге.

9. «Дама с горностаем»

Является одним из
четырёх женских
портретов кисти
Леонардо. Считается
прорывом для того
времени в искусстве
психологического
портрета. С мая 2017 года
картина находится
в Национальном музее
Кракова

10. «Тайная Вечеря»

Монументальная роспись работы Леонардо да Винчи,
изображающая сцену последней трапезы Христа со своими учениками.

11. «Прекрасная Ферроньера»

Картину иногда называют
«Портрет неизвестной»,
подчеркивая нерешенность
вопроса о личности изображенной
молодой женщины, но гораздо
чаще эту работу Леонардо
именуют «Прекрасная
Ферроньера».Находится в
Лувре(Париж).

12. «Спаситель мира»

Утерянная ранее и
восстановленная в 2011 году, эта
работа приписывается
кисти Леонардо да Винчи и
изображает Христа со
скрещенными пальцами на
правой руке и хрустальным
шаром в левой.

13. «Мона Лиза»

Портрет Джоконды
является одним из
лучших
образцов портретного
жанра итальянского
Высокого Ренессанса.
В настоящее время
картина висит в
Лувре(Париж).

14. «Иоанн Креститель»

Картина, принадлежащая
кисти представителя
итальянского Возрождения
Леонардо да Винчи. Это
произведение относится к
позднему периоду
творчества художника.

15. Вывод

Открытия, совершенные в эпоху Возрождения в области
духовной культуры и искусства, имели огромное
историческое значение для развития европейского
искусства последующих веков. Интерес к ним
сохраняется и в наше время.

Magisteria

MagisteriaАCreated using FigmaVectorCreated using FigmaПеремоткаCreated using FigmaКнигиCreated using FigmaСCreated using FigmaComponent 3Created using FigmaOkCreated using FigmaOkCreated using FigmaOkЗакрытьCreated using FigmaЗакрытьCreated using FigmaGroupCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using Figma��� �������Created using FigmaEye 2Created using FigmafacebookCreated using FigmaVectorCreated using FigmaRectangleCreated using FigmafacebookCreated using FigmaGroupCreated using FigmaRectangleCreated using FigmaRectangleCreated using FigmaНа полный экранCreated using FigmagoogleCreated using FigmaИCreated using FigmaИдеяCreated using FigmaVectorCreated using FigmaСтрелкаCreated using FigmaGroupCreated using FigmaLoginCreated using Figmalogo_blackCreated using FigmaLogoutCreated using FigmaMail. ruCreated using FigmaМаркер юнитаCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaРазвернуть лекциюCreated using FigmaГромкость (выкл)Created using FigmaСтрелкаCreated using FigmaodnoklassnikiCreated using FigmaÐCreated using FigmaПаузаCreated using FigmaПаузаCreated using FigmaRectangleCreated using FigmaRectangleCreated using FigmaПлейCreated using FigmaДоп эпизодыCreated using FigmaVectorCreated using FigmaVectorCreated using FigmaСвернуть экранCreated using FigmaComponentCreated using FigmaСтрелкаCreated using FigmaШэрингCreated using FigmaГромкостьCreated using FigmaСкорость проигрыванияCreated using FigmatelegramCreated using FigmatwitterCreated using FigmaCreated using FigmaИCreated using FigmavkCreated using FigmavkCreated using FigmaЯCreated using FigmaЯндексCreated using FigmayoutubeCreated using FigmaXCreated using Figma

А.

Л. Расторгуев – участник дискуссии «Феномен популярности фигуры художника от эпохи Возрождения до наших дней»

8 июня 2021 года к.иск., доцент кафедры всеобщей истории искусств исторического факультета МГУ А.Л. Расторгуев принял участие в дискуссии «Феномен популярности фигуры художника от эпохи Возрождения до наших дней. Почему одни художники популярнее других?«, организованной Государственным историческим музеем в рамках выставки «Альбрехт Дюрер. Шедевры гравюры из собрания Пинакотеки Тозио Мартиненго в Брешии».

Период Возрождения характеризуется стремительным культурным развитием, которое проявилось наиболее ярко в художественной жизни. мы часто воспринимаем мастеров этого времени в образах трудолюбивых и талантливых людей, стремившихся к высшим ценностям человечества и овладевающих фундаментальными знаниями. Великие художники итальянского ренессанса перестают осознавать себя только ремесленниками и начинают видеть себя творцами и созидателями. Знаковой приметой изменения статуса фигуры художника стало сочинение «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» Джорджо Вазари, впервые опубликованное в 1550 году. Несмотря на злоупотребление неточностями и слухами в своей книге, Вазари прославил многих художников, увековечил их жизнь и творческий путь.

Какие факторы влияли ранее на популярность художников? По каким критериям определяется талант художников и его успех сегодня? Как менялась фигура художника и ее восприятие от эпохи Возрождения до наших дней? Существует ли связь между талантом и славой художника? Почему одни художники становятся признанными гениями еще при жизни, а другие умирают в нищете и забвении?

Ответы на эти и другие вопросы вы узнаете из видеозаписи беседы А.Л. Расторгуева с художником и искусствоведом Дмитрием Гутовым, которую модерировала телеведущая и блогер Юлия Панкратова.

нажмите значок «пуск» в экране плеера для просмотра видеозаписи

На нашем сайте вы можете посмотреть другие выступления А. Л. Расторгуева об истории и теории зарубежного искусства.

Движение возрождения кельтского искусства, 19 век

Возрождение ирландского изобразительного искусства

Еще до девятнадцатого века ирландцы художники, такие как Джеймс Барри изображали сцены из ирландской истории на своих картинах, чтобы создать ощущение ирландской идентичности. То же самое сделали такие художники, как Джордж Петри и Фредерик Уильям Бертон в антикварный период. См., например, картину Бертона. музыканта из Голуэя — «Пэдди Конили, слепой волынщик».

Последующее движение «Молодая Ирландия» также пытался использовать современное ирландское искусство для продвижения своей политической программы. Для Например, его газета The Nation перечислила ряд рекомендуемых исторических предметы, которые ирландские художники могут использовать в своих полотнах. Это повлияло несколько художников, в том числе: Джозеф Патрик Хаверти, Бернард Малренин, Джозеф Пикок, Ричард Ротвелл и Генри Макманус. Позже в этом веке это художественное изображение националистического чувство в Ирландии было продолжено ирландскими художниками, такими как Уильям Малреди и Даниэль Маклайз и ирландские скульпторы Джон Генри Фоли, Кристофер Мур и Джон Хоган.Несмотря на растущую тему национализма в ирландском изобразительном искусстве, наиболее заметный результат движения Возрождения в визуальном искусств Ирландии, было учреждение Хью Lane Gallery of Modern Art (1908 г.), которая во многом способствовала созданию школы ирландской живописи.

В 20 веке Возрождение заняло разный поворот. Изобразительное искусство стало менее политическим и, как и его коллеги, в Европе ирландские художники начали больше сосредотачиваться на среде, чем на сообщение. Так сказать, Джек Б. Йейтс был одним из нескольких художников, которые продолжали будоражить реальную жизнь. атмосфера и окрестности Ирландии в его картинах. ирландский скульптура была проще и явно националистичнее, в конце концов не было недостатка в местных ирландских героях, которых нужно было почтить память.

Кельтское возрождение в прикладном искусстве

Движение возрождения имело более заметный влияние на прикладное искусство, который включал в себя множество мотивов кельтского дизайна, в том числе: геометрические узоры, переплетенные птицы, животные, завитки, узлы и бобышки, а также такие эмблемы, как трилистник, арфа и круглая башня.Среди школы и художники, пострадавшие от кельтского возрождения, были Глазго Школа живописи (1880-1915). Ювелиры и мастера по металлу в кельтском стиле в частности, начали имитировать древние изделия, в том числе: брошь Тара, брошь «Рыцари тамплиеров», брошь Дублинского университета и Кларендон Брошь.

Исследования кельтского искусства

Монументальное произведение «Ранний христианин Памятники Шотландии», изданной шотландскими исследователями ХХ века. Дж.Ромилли Аллен и Джозеф Андерсон включили колоссальный объем информации на узлах, ключевых узорах, спиралях, животных и символах, найденных на Селтик Хай Кресты и другие древние места в Шотландии. Это привело к дальнейшим исследованиям шотландским художником в техники и методы работы древних художники, кульминацией которых стала его книга «Кельтское искусство: методы построения». (1951).

В последнее время искусствоведы и исследователи такие как Карл Норденфальк и Марк Ван Стоун определили, как Celtic писцы сами создавали свои узлы и макеты страниц, тем самым облегчая новый ренессанс в этом виде искусства.

Кельтское возрождение | Арт Великобритания

Кельтское возрождение | Искусство Великобритании

[Перейти к содержанию] [Перейти к основной навигации] [Перейти к быстрым ссылкам] [Перейти к информации о специальных возможностях]

Фото: Коллекция художественных галерей и музеев Данди (Городской совет Данди)

Стиль, основанный на возрождении интереса антикваров к древнему кельтскому искусству в Великобритании и Ирландии. В основном декоративный стиль, он впервые появился в 1840-х годах и достиг своего пика в конце 19-го и начале 20-го веков. Она проявлялась в изделиях из металла, ювелирных изделиях, вышивке, настенной росписи, инкрустации по дереву, резьбе по камню, текстиле. Среди его самых известных практиков были шотландский архитектор Чарльз Ренни Макинтош и английский дизайнер металлоконструкций Арчибальд Нокс.

Подробнее

Источник текста: Оксфордский краткий словарь художественных терминов (2-е издание) Майкла Кларка

Кельтское возрождение было междисциплинарным движением, которое зародилось в Ирландии и быстро завоевало популярность в Великобритании и Европе в конце девятнадцатого и начале двадцатого века.Сторонники этого возрождения стремились выявить и исследовать аспекты раннесредневековой кельтской культуры в своем искусстве, музыке, поэзии и литературе.

В этом видео рассказывается об истории стиля и ключевых художниках, участвовавших в его реализации.

Видео предоставлено: National Galleries Scotland

  • Стюарт Кармайкл (1867–1950)

  • Джон Дункан (1866–1945)

  • Дэвид Симпсон Фогги (1878–1948)

  • Алек Грив (1864–1933)

  • Джордж Генри (1858–1943)

  • Эдвард Аткинсон Хорнел (1864–1933)

  • Фиби Анна Тракуэр (1852–1936)



Новые истории, недавно добавленные произведения искусства и предложения магазинов доставляются прямо на ваш почтовый ящик каждую неделю. Подписаться

От духовного возрождения в музеях до обеления мастерской Баскии: лучшее и худшее в мире искусства на этой неделе

Лондонский музей разрывает отношения с крупной нефтяной компанией —  После многолетнего давления со стороны активистов и художников Национальная портретная галерея разорвала отношения с BP.

Уорхол расскажет о сериале Netflix «Из-за могилы» — Смерть не помешает Энди Уорхолу стать звездой предстоящего документального сериала Netflix, благодаря А.И.

Бельгия возвращает тысячи артефактов –  Страна вернула Демократической Республике Конго 84 000 артефактов, которые могли быть украдены.

Музей Метрополитена совершает дорогостоящее приобретение – Музей только что купил медальон эпохи Возрождения за 23 миллиона долларов, что сделало его вторым самым дорогим приобретением за всю его историю.

В Праге открывается амбициозный художественный фонд –  Фонд Пудила, художественная галерея стоимостью 40 миллионов долларов, только что открылась в чешской столице.

Оккультизм захватывает музеи — Тенденция музеев исследовать духовность и неизведанное продолжается, помогая освещать невоспетые голоса в истории искусства.

Внутри Ambassador – Кэти Уайт из Artnet News расшифровывает шедевр Ганса Гольбейна, полный тайных загадок и оптических иллюзий.

Художник решил продать искусство, чтобы помочь вооружить Украину — Художник Павел Маков, который был выбран представлять Украину в Венеции, продает свои работы, пытаясь купить столь необходимые материалы для вооружения линии фронта против российских войск.

А.И. Искусство не может получить защиту авторских прав — Бюро авторских прав отклонило предложение на основании отсутствия авторства человека.

Украина может не участвовать в Венецианской биеннале – Организаторы украинского павильона на Венецианской биеннале приостановили подготовку после вторжения России в страну.

Sotheby’s Gets Punked —  Аукционный дом думал, что войдет в историю, продав 104 CryptoPunks за 30 миллионов долларов… вместо этого продавец отменил сделку.

Смерть Дэна Грэма – Изменчивый художник, работавший в области текстового искусства, скульптуры и астрологии, скончался 19 февраля в возрасте 79 лет.

Директор музея уволен за демонстрацию активистов —  Директор музея в Манчестере был уволен за выставку работ Судебной архитектуры, провозгласивших солидарность с Палестиной.

Скончался художник Де Вейн Валентайн – Художник по свету и космосу, прославившийся по стандартному тихоокеанскому времени Гетти, умер в возрасте 86 лет.

Художники протестуют против переноса статуи Рузвельта —  Более 140 художников и ученых подписали письмо с протестом против переноса печально известного памятника Тедди Рузвельту в Нью-Йорке на исконные племенные земли.

Бывшая мастерская Баскии побелена –  Участок в центре города, где уличные художники рисовали дань уважения покойным художникам, был бесцеремонно закрашен.


Следите за новостями Artnet на Facebook:

Хотите быть впереди мира искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, поучительные интервью и острые критические выводы, которые способствуют развитию беседы.

Дом — Центр обновления искусства

Возглавляя возрождение реализма в изобразительном искусстве, Art Renewal Center (ARC), некоммерческий образовательный фонд 501 (c) (3), размещает крупнейший онлайн-музей, посвященный изобразительному искусству и включает работы старых мастеров, 19   века и художников 21 века, а также статьи, письма и другие онлайн-ресурсы. ARC является передовой и единственной службой проверки представительских художественных школ, гарантирующей, что учебные программы и качество работы учителей и учеников соответствуют нашим строгим стандартам, чтобы получить ARC Approved ™.ARC также проводит конкурс салонов ARC, который сегодня является крупнейшим и самым престижным конкурсом в мире для художников-реалистов, рисующих, ваяющих и рисующих, с одиннадцатью категориями и тысячами соревнующихся работ, кульминацией которого является передвижная живая выставка многих из работ-победителей. . ARC работает с другими организациями ARC Allied Organizations™, группами художников, музеями и изданиями, чтобы стать центральным центром новостей для Движения изобразительного искусства 21 st Century. Прочтите философию ARC, написанную председателем ARC Фредериком К.Росс, чтобы узнать, почему ARC так страстно занимается репрезентативным искусством.


Самый последний блог

Академия искусств Флоренции рада сотрудничать с Мэнди Тейс и Школой искусств Atelier Arts, чтобы предложить эту программу на получение степени.С акцентом на классические методы, курс предоставляет обучение рисованию и живописи учителям рисования, стремящимся использовать эти методы, основанные на навыках, в своих классах, а также всем, кто интересуется созданием реалистичных произведений искусства. Не ожидается, что кандидаты войдут в программу с высоким уровнем технических навыков. Вместо этого программа предназначена для предоставления знаний и развития набора навыков кандидатов из различных слоев общества и уровней опыта.

Магистр искусств в Studio Art аккредитован Национальной ассоциацией школ искусства и дизайна (NASAD).Программа магистратуры состоит из 30 кредитов очного обучения, полностью в студии и завершена в течение 3 летних сессий. Каждая летняя сессия длится 6 недель. Студенты могут пройти все 3 летние сессии лично или посетить до 2 из 3 летних сессий дистанционно. Для тех, кто учится дистанционно, необходимая очная сессия может проходить в Университете Святого Петра в Джерси-Сити или в кампусе академии во Флоренции, Италия.

Подробности на сайте www.florenceacademyofart.ком

Чтобы посмотреть рекламный ролик на YouTube, нажмите здесь.

Академия искусств Миано с гордостью представляет свою программу ученичества в мастерских под руководством младшего мастера жизни ARC Чарльза Миано, разработанную как четырехуровневая программа с совершенно уникальным двухэтапным курсом обучения.

В дополнение к традиционным долгосрочным проектам, таким как слепки, мастер-копии, портреты и фигуративные работы, учебная программа Atelier Apprenticeship подчеркивает строгую краткосрочную, промежуточную и длительную практику с живой моделью. Этот сбалансированный подход быстро развивает зрительно-моторную координацию и улучшает способность художника видеть и запечатлевать жизнь и движение, в то же время учась завершать произведения искусства в соответствии с высочайшими стандартами качества. Для выпускников Академии открыта дополнительная сюжетная специализация 5-го уровня.

Количество вакансий ограничено, заявки принимаются в порядке живой очереди. Предоставляется индивидуальное обучение с подробным вниманием, поэтому студенты могут преуспеть в учебе независимо от их начального уровня. На протяжении всей программы ученичества студенты могут также посещать семинары в Академии, проводимые приезжими мастерами-художниками со всего мира.

Для получения дополнительной информации посетите: Ученичество — Академия искусств Миано

Наслаждайтесь работами студентов и преподавателей Техасской академии изобразительного искусства. Весенний салон – это выставка произведений современного реализма, которые варьируются от классических копий старых мастеров и отливок до оригинальных натюрмортов, портретов и фигуративных работ.

Выставка состоится в субботу, 26 марта 2022 г., с 17:00 до 21:00 по адресу: 415 S Main St, Fort Worth, TX 76104.

Чтобы узнать больше, нажмите здесь.

Чтобы узнать больше о событиях, посетите календарь ARC.

ARC рада приветствовать Мэган Оберхардт в качестве нового живого артиста ARC!

Меган провела свои ранние годы в окружении природы и местной дикой природы. Эта среда научила ее ценить природу и вдохновила ее страсть к животным, которая стала основой ее художественного творчества.

Мэган использует «Fumage» или «Рисование огнем»: технику танца открытого пламени под бумагой, чтобы оставить хрупкий слой сажи и вытравить его, чтобы открыть произведение искусства. Эта техника использования искусственного огня для сжигания бумаги является комментарием к конфликту между человеком и природой. Меган создала уникальный стиль и коллекцию произведений искусства, которые повышают осведомленность и дают голос многим видам, находящимся в опасности.

Чтобы увидеть ее галерею на ARC, нажмите здесь.

 

Лоты начнут закрываться завтра, 16 марта, в полдень. В настоящее время принимаются заявки на важные работы на Sotheby’s NY Хироши Фуруёси (лот 166), Кристофера Реммерса (лот 143), Рэндальфа Диллы (лот 225), Винсента Фиглиолы (лот 148), Тины Гарретт (лот 109) и Адриенн Стайн. (лот 228) на торгах Современник: Открытия. После успеха аукциона «Современный реализм: важные произведения 21 века», связанного с 15-м Международным конкурсом и выставкой салонов ARC на Sotheby’s в Нью-Йорке в июле этого года, ARC работал над тем, чтобы выставить на продажу шесть шедевров, созданных этими выдающимися художниками.Хотя большинство работ были созданы недавно, все участвующие художники были бывшими победителями международных конкурсов салонов ARC. Аукцион открыт для торгов с 4 по 16 марта 2022 года.

На изображении: Деметра от Эдриенн Штайн

Просмотреть все новостные блоги

RSS Атом


Наш раздел новостей состоит из двух частей: первая — это наш новостной блог, в котором мы ежедневно размещаем сообщения, чтобы информировать наших зрителей по актуальным темам реалистического искусства, а вторая — наш Календарь событий, представляющий собой интерактивный календарь, в котором перечислены все захватывающие события в области реалистического искусства. происходящие по всему миру, включая: выставки, лекции, дни открытых дверей, конкурсы, демонстрации художников, выпуски видео и подкастов, выпуски публикаций, даты зачисления и многое другое.Календарь также можно просматривать тремя способами: как календарь, общий список или как карту мира.

Просмотрите результаты прошлых и текущих соревнований ARC или отправьте свои работы здесь. ARC проводит два вида соревнований. Конкурс стипендий ARC, который проводится каждый май, предоставляет тысячи долларов прямой финансовой помощи учащимся, посещающим школы, одобренные ARC.Международный салон ARC, самый престижный конкурс реалистического искусства в Америке и, возможно, в мире, предлагает более 100 000 долларов в виде денежных премий и международное признание благодаря партнерству с престижными журналами, галереями, музейным выставкам и сильному присутствию в Интернете.

Поддержите ARC, купив художественные репродукции, книги, DVD и многое другое. Здесь вы также найдете информацию об использовании изображений и расценках на рекламу.

Родился в этот день
Умер в этот день

Последние добавления на сайт

RSS атом

REVIVAL: Contemporary Pattern & Decoration

El Museo del Barrio, Центр искусств и культуры Hostos и Совет по искусству Бронкса представляют свою первую в истории совместную выставку под названием REVIVAL: Contemporary Pattern and Decoration в Лонгвуде Художественная галерея @ Hostos в Бронксе. Групповая выставка, курируемая Росио Аранда-Альварадо и являющаяся частью празднования 50-летия -го годовщины -го муниципального колледжа Хостос, исследует возродившийся интерес современных художников к узорам и декору в различных средствах массовой информации, на которых представлены работы 26 художников. Такой интерес основан на движении, которое развилось в 1970-х годах, когда художники начали исследовать возможности рисунка и сосредоточились на повторении цвета, линии и формы. Движение стало известно как «Узор и украшение» или, в более общем смысле, «P&D.Отчасти это было ответом на суровость минималистского движения, в котором преобладали масштабные работы художников-мужчин.

Выставка, которая проходит с 4 апреля по 6 июня, откроется общественным приемом в среду, 4 апреля, с 18:00 до 21:00 в Художественной галерее Лонгвуд @ Hostos, 450 Grand Concourse на 149-й улице, комната C-190, Бронкс, Нью-Йорк 10451. Галерея открыта с понедельника по пятницу (кроме среды) с 12:00 до 17:00. Вход свободный, и в галерею легко добраться на инвалидной коляске.Для получения дополнительной информации звоните по телефону 718-518-6728.

REVIVAL: современный узор и декор отражает современные интересы живых художников, которые обращаются к узору и телу как к формам символического и визуального языка. Тело действует не только как носитель важной социальной информации, но и как напоминание о своей исторической роли во всех видах узоров и других изображений, таких как обои, дизайн ткани, фарфоровые предметы и силуэтная портретная живопись.Сегодня художники вспоминают тела, связанные с интернет-поиском, изображениями из глянцевых журналов, историческими произведениями искусства и другими памятниками культуры. Геометрические линии пробуждают историческую значимость абстракции и бесконечные возможности линий и форм в узорах для пробуждения множества идей, физических реакций и последующих реакций. В совокупности представленные здесь художники исследуют широкий спектр эстетических подходов как к телу, так и к узору как к взаимосвязанным и значимым элементам художественного творчества.

УЧАСТВУЮЩИЕ ХУДОЖНИКИ:
Дамали Абрамс | Файрлей Баэс | Леонардо Бензант | Лайонел Круэт | Абелардо Крус Сантьяго | Рэй Феррейра | Марлон Гриффит | Алехандро Гусман | Ли Джейкоб Хиладо | Дебора Джек | Реми Юнгерман | Джессика Лагунас | Трой Мичи | Джоири Минайя | Пьер Обандо | Вильфредо Ортега | Сесилия Паредес | Антонио Пулгарин | Фредди Родригес | Шина Роуз | Кейша Скарвилл | Микалин Томас | Маргарет Роуз Вендриес | Маркус Зиллиокс

 

Возрождение регги: внутри движения новой музыки Ямайки

Воскресенье на Ямайке, 4 часа утра, и я стою на краю Плантейшн-Коув, открытого поля в Сент-Луисе.Энн, приход на северном побережье, где вы можете найти берег, где высадился Колумб и где родились Маркус Гарви и Боб Марли. Уже шесть часов моя вторая ночь на фестивале регги под названием Rebel Salute. Хотя дэнсхолл доминирует на ямайском радио уже три десятилетия, фестивали регги по-прежнему проводятся круглый год, а Rebel Salute считается самым законным. Ямайцы говорят о нем так же, как о настойке или экстракте, как будто он содержит более высокую концентрацию какого-то волшебного, невыразимого ингредиента, чем другие фестивали.«Мятежный салют?» — сказал мне управляющий отелем в Кингстоне, подняв брови. «Там вы увидите настоящее регги. Я имею в виду настоящее, настоящее регги». Он сморщил нос, словно француз, описывающий острый сыр. «Я имею в виду настоящую, настоящую, настоящую музыку корней, корней».

Rebel Salute считается самым настоящим из настоящих отчасти потому, что он придерживается принципов растафари: никакого алкоголя и красного мяса. Фургоны с едой, окружающие толпу, в основном вегетарианские. (И исключительный, оказывается.У меня была откровенная пицца «от фермы до коряги» с жареной тыквой и чимичурри из свежей петрушки.) Конечно, то, что разрешено и продается так же открыто и в изобилии, как радужный мангольд на фермерском рынке Силвер-Лейк, — это ганджа. На парковке продавцы носят мешочки с ним, приколотые к курткам. Внутри на прилавках предлагаются целые стебли, собранные в букеты вместе с пакетами попкорна. И хотя я, кажется, единственный человек, который не курит косяки непрерывно, настроение тоже начинает успокаивать меня: Нью-Йорк кажется очень далеким; Я перестал проверять свой телефон.

Chronixx выступает в Кингстоне.

Майкл Кристофер Браун/Магнум

Я здесь за тем, о чем читал, но еще не видел. После более чем двух десятилетий, когда его отвергали как музыку для родителей и туристов, рут-регги снова стал актуальным на Ямайке. Группа молодых артистов повторно популяризирует жанр в новой волне, получившей название «Возрождение регги». (Возрождение — спорное слово здесь, я бы узнал, но об этом позже.) Их достаточно, чтобы назвать это движением, наиболее известными из которых являются певцы Protoje, 33-летний житель Святой Елизаветы, и Chronixx, 23 года, из Святой Екатерины. Chronixx играл на Jimmy Fallon в прошлом году, и теперь я жду, чтобы увидеть Chronixx среди завораживающего количества дредов и вязаных шапочек, качающихся, как буйки, в море красного, золотого и зеленого цветов.

За два вечера выступило более 40 артистов, объединенных в короткие сеты, немного напоминающие быстрые свидания в стиле регги.Третий мир исполнил свой хит 1980 года «96 Degrees in the Shade» и теперь собирался в магазине товаров третьего мира и кафе, где можно было посмотреть видео третьего мира, купить кожаную куртку третьего мира и попробовать соки

.

Chronixx во время своего тура Capture Land.

назван в честь песен третьего мира. («Корни с качеством»: морковь и свекла.) Между признанными исполнителями (Johnny Clarke, Sizzla) были артисты из Revival: Jah9, вокалист с западной окраины острова; Джесси Ройял, певец из Марун-Тауна; и Kabaka Pyramid, автор песен из Кингстона.Хотя они культивировали свои собственные лирические стили, музыканты Возрождения были отмечены безошибочной сдержанностью, серьезностью и силой, которых не было у их старших коллег. Когда Raging Fyah, молодая группа из пяти человек, которая прошла обучение в Музыкальной школе колледжа Эдны Мэнли в Кингстоне («Джульярд Ямайки», как ее часто называют), начала играть где-то около 3:00 утра, весь толпа зримой волной потянулась на ноги, как вновь встают упавшие костяшки домино.

Chronixx не входит в состав Rebel Salute, но есть негласный секрет, что он появится с Inner Circle, основной группой, с которой он записал сингл Джейкоба Миллера 1976 года «Tenement Yard».И вот толпа снова поднимается на ноги, когда около 6:00 на сцену выходит Inner Circle. Chronixx появляется после нескольких куплетов, сначала только своим голосом, затем во плоти, высокая жилистая фигура во всем черном, единственный объем его силуэта — высокий конский хвост из коротких дредов. Между внезапными приступами прыжков он медленно и мелодично произносит строки: Дреды не могут жить во дворе многоквартирного дома. Дреды не могут жить во дворе многоквартирного дома. Вдалеке старик подбрасывает поленья в костер, который, как он объяснил мне ранее, между продолжительными затяжками из трубы, должен поддерживаться на любом надлежащем собрании растафари.Угли кружатся в воздухе и исчезают над Карибским морем. Между огнем и сценой океан кивающих дредов и раста-кепок теперь превратился в океан крошечных светящихся экранов телефонов, поднятых высоко и закрепленных на Chronixx.

Когда я впервые услышал, что рут-регги возвращается на Ямайку, я понял это рефлекторно, бездумно, как иногда бывает: я поверил в это, не зная подробностей, и не зная почему. Может быть, потому что 70-е возродились на подиумах. Или из-за того, как миллениалы по всему миру создавали новые движения за гражданские права.Что было менее понятно, так это идея о том, что регги исчезло с самого начала. Итак, через несколько часов после Rebel Salute мы с водителем отправляемся в Сент-Элизабет, сельский юго-западный приход, чтобы встретиться с Протой. Protoje был первым из новых исполнителей регги, появившихся на Ямайке, и ему часто приписывают начало движения Revival, но начинал он с хип-хопа. Мне не терпится услышать, как он изменил курс. Путь из Сент-Энн ведет нас мимо колониального здания, где молодой Маркус Гарви работал в типографии, а затем мимо похожих на крепости курортов Монтего-Бей, затем петляет среди зеленых холмов, огибает крутые повороты, проходит по грунтовым участкам и мимо того, что кажется сотнями маленьких церквей, в провинциальный городок, где Протой живет со своей матерью и бабушкой.

Protoje на Skyline Drive, с видом на Кингстон.

Когда мы выезжаем на Главную улицу, там ровно полдень и очень жарко, и мы не можем найти дом Лорны Беннетт, мамы Протойе, которая сейчас работает юристом, но в 1972 году была известна как исполнительница популярного регги-кавера на песню Дасти Спрингфилда « Завтрак в постель.» (Отец Протойе, Майкл Оливьер, тоже был певцом, королем калипсо, известным под псевдонимом Lord Have Mercy.) На светофоре подъезжает машина, и мы просим водителя указать нам путь к дому Беннета.«Мама Протойе?» — уточняет водитель. Мы киваем и уже через несколько минут потягиваем кокосовую воду из кокосов на затененной веранде с Протоем, худощавым, тихим и осторожно подбирающим слова.

Иностранные версии истории происхождения Revival представляют ее как отказ от современного дэнсхолла с его откровенно цифровым звуком и акцентом на деньгах и сексе, а в качестве окончательного поворота ссылаются на обвинительный приговор за убийство в 2014 году крупнейшей звезды этого жанра, Vybz Kartel. Но, по словам Протоя, начала таинственны, подсознательны, что-то в воздухе, проявляющееся в разных местах в одно и то же время.(На Ямайке вещи обычно «проявляются».) В своем случае Протойе говорит: «Я просматривал несколько кассет со студийных сессий моей матери в 70-х, услышал музыку и был очарован ею. А потом я действительно занялся исследованием местной музыки 70-х и 80-х, и передо мной открылся целый новый мир».

Protoje в Кингстоне.

Майкл Кристофер Браун/Магнум

Не то чтобы он раньше не слышал регги. Он только что вырос на хип-хопе 90-х (первым альбомом, который у него был, был Doggystyle ), и никогда не обращал особого внимания на творчество ранних новаторов, таких как Ли «Скретч» Перри.Protoje думал, что он один в своем стремлении к винтажному регги и дабу до 2009 года, когда он начал встречаться с другими музыкантами, которые делали то же самое, среди них Jah9, Jesse Royal, Kabaka Pyramid и Raging Fyah. Многие знакомства проходили в Jamnesia, лагере для серфинга к востоку от Кингстона, в доме Билли Мистика, певца регги-группы 70-х Mystic Revealers. Инструменты, принадлежащие Mystic, были дорогой редкостью для поколения, выросшего на синтезаторной музыке, поэтому группа объединилась вокруг Jamnesia, играя регулярные джем-сейшны каждую вторую субботу вечером.«Когда что-то происходит, оно найдет способ проявиться», — говорит Протойе. «Джамнезия в то время была этим местом».

Они не нашли регги, не обнаружив растафарианство, которое привело к изменениям в питании и мировоззрении. Они стали вегетарианцами. Они стали подчеркивать положительное и общественное. Пришло, как говорит Протойе, «всеобщее осознание себя или, по крайней мере, начало удивляться». Этот выбор имел смысл, поскольку заголовки новостей сменились с глобального финансового кризиса на «арабскую весну», а затем на «Оккупируй».Они занимались «рассуждениями», философскими дискуссиями с Мистиком. Было еще кое-что, что они приняли: «Социальные сети сыграли в этом неотъемлемую роль, особенно для меня», — говорит Протойе. «Я читал эту книгу под названием Outliers, , и в ней всегда говорилось: «Вы должны знать, в какое время вы находитесь». Поэтому мы придумали время, когда мы могли как бы учиться и учиться до него. стал путем».

Билли Мистик на пляже недалеко от Джамнезии, его лагеря для серфинга недалеко от Кингстона.

К 2011 году все они звучали на радио, особенно Protoje, и молодой ямайский писатель, известный как Датти Букман, решил, что этому новому движению нужно дать название. «В то время он был очень очарован гарлемским ренессансом, — говорит Протойе о Книжнике. «И причина, по которой он может пойти и поискать документ, заключается в том, что он называется «Гарлемский ренессанс». Он может напечатать «Гарлемский ренессанс» и услышать о многих людях, которые что-то делали в Гарлеме в то время.

Билли Мистик недалеко от Джамнезии.

Майкл Кристофер Браун/Магнум

Однако

«Возрождению» не годился. «Если и было какое-то Возрождение в музыке регги, то это была эпоха Боба Марли и всех остальных, — говорит Протойе. То, что увидел Книжник, скорее, было пробуждением. Итак, в ноябре 2011 года, помня об истории и поисковой оптимизации, Букман опубликовал в своем блоге пост, объявляющий о возрождении регги. Некоторые старейшины возмущались намеком на то, что раньше регги был безжизненным, но такого намека не было.«Вы не можете оживить то, что мертво», — говорит Протойе, добавляя о Книжнике: «Всегда люди из-за пределов Ямайки приходят и называют вещи. Поэтому, когда он взял это под свой контроль как ямайский писатель, я должен уважать это».

Примерно в это же время Chronixx впервые связался с Protoje. «Он хотел продюсировать, — говорит Протойе. Протой не знал Хроникса, но мог сказать, что он молод, потому что на единственных фотографиях, которые Протойе смог найти в Интернете, Хроникс был в униформе цвета хаки, которую носят в государственных школах Ямайки.(Chronixx было 18 лет.) Protoje пригласил Chronixx прислать несколько битов, а затем встретиться с ним и Kabaka Pyramid. «И когда я услышал, как он поет, — говорит Протойе, — я подумал: «Это будет мажор»».

Полдень вторника, и я сижу за усилителем в Графтоне, студии звукозаписи Майки Беннетта в районе Виноградников в Кингстоне. Певица записывает трек в небольшой звукозаписывающей комнате. За микшерным пультом в аппаратной стоит Беннетт, уважаемый продюсер, работавший со многими новыми исполнителями регги, которые называют его «дядя Майки».Беннетт сделал себе имя, продюсируя дэнсхолл, и его золотые пластинки висят на стенах студии. Он спроектировал пространство, чтобы воспроизвести атмосферу студии Боба Марли Tuff Gong Studio, где он когда-то работал, и Графтон также служит местом сбора соседей. Во дворе идет игра в домино, которая соединяет студию с тренировочной комнатой, где репетируют Mystic Revealers, и с кухней, где повар по имени Желе подает «Хороший суп для тела», «Ева готова». Цыпленок» и «Фруктовый сок Wha-Yuh-Feel-Like.

Келисса у себя дома в Кингстоне.

Майкл Кристофер Браун/Магнум

Вот некоторые события, произошедшие после публикации в блоге Датти Букмана объявления о возрождении регги. Видео на сингл Protoje «Kingston Be Wise» стало одной из самых просматриваемых ссылок на YouTube на Ямайке. Chronixx участвовал в микстейпе Major Lazer, возглавил чарт альбомов регги Billboard со своим EP Dread & Terrible, и дал концерт в Центральном парке, на который прилетел Мик Джаггер.И Снуп Догг изменил свое имя на Снуп Лайон и записал на Ямайке альбом в стиле регги, который он назвал Reincarnated, , а затем, после публичной ссоры с бывшим коллегой Боба Марли по группе Банни Уэйлером, снова изменил свое имя на Снуп Догг. За это время название Reggae Revival гениально функционировало как хэштег и зонтик, гарантируя, что, когда пишут об одном новом исполнителе регги, они все такие. Когда я встречаюсь с большинством из них в Графтоне, почти все готовятся к туру.

Келисса в горах над Кингстоном.

Сначала идет Kabaka Pyramid, собирается сыграть South by Southwest, высокий и худощавый, в облегающих камуфляжных штанах, ботинках Clarks Wallabee, черной майке с надписью «Rockers» и вязаной шапке с напуском, с инженером, которого представляют как Саймона. Эксперт. Yaadcore, один из первых ди-джеев, играющих с новыми артистами, прибывает следующим в черном Adidas и футболке с надписью «Rasta Love» с толстым узлом дредов, похожим на корону. Затем идет Raging Fyah, группа, чья стена звука разбудила Rebel Salute; Келисса, сдержанная и элегантная певица в ярком графичном платке; Аддис Пабло, сын регги-музыканта 70-х Августа Пабло, со своей группой Suns of Dub; и Джесси Ройал в камуфляжной куртке и рубашке с надписью «Рокеры.Jah9, певица, выросшая на западном побережье острова, дочь баптистского священника и социального работника, приходит ближе к закату, прямо с занятий йогой, в черной майке и широких штанах, с тонкими дредами, собранными в пучок. .

Пирамида Кабака в студии Grafton Studios в Кингстоне.

Майкл Кристофер Браун/Магнум

С каждым интервью вопрос о том, действительно ли «возрождение регги» происходит, снимается.Почему это происходит, я объясняю всем, кто отвечает на мои звонки. Крис Блэквелл, основатель Island Records, продюсировавший Боба Марли, с энтузиазмом говорит: «Я не знаю, почему это происходит, просто кажется, что это происходит. Это как что-то в воздухе». Джимми Клифф, звезда The Harder They Come, , связался по телефону: «Социальный климат, политический климат в мире прямо сейчас готов к такой музыке, к такому выражению в музыке». Билли Мистик из Grafton: «Дэнсхолл-музыка уже не такая свежая и новая.Майки Беннетт по дороге в Тафф Гонг: «Происходят идеальные штормы».

Если дэнсхолл предлагает мечту о материальном богатстве, то регги предлагает альтернативную идею свободы. Для ямайцев и особенно для растафарианцев музыка закодирована культурными и религиозными отсылками, но остальному миру никогда не нужно было понимать эти отсылки или верить, что эфиопский император Хайле Селассие был пророком, чтобы услышать лежащие в их основе послания. Вставай, вставай.  В регги, похоже, обещание свободы осуществляется через само осознание. Берешь трубку? Ты собираешься сейчас?

Пирамида Кабака в Кингстоне.

Со своей стороны, артисты Возрождения регги цитируют глобальный «сдвиг в сознании» столь же обыденным тоном, как они могли бы описать движение тектонических плит. Кажется, здесь не требуется объяснений, что такой сдвиг должен заставить нас хотеть услышать регги не только из-за его текстов, но и из-за его фирменного ритма, который, в зависимости от вашей точки зрения, соответствует темпу. биения сердца или медленного, непрекращающегося гула ручного труда, из тех, что строят пирамиды или железные дороги.Возвращение к регги — это не только возвращение к живой музыке, но и к групповой музыке, и, если рассматривать его в противовес культуре дэнсхолла, этот аспект имеет большое значение. В дэнсхолле невероятные личности соревнуются, чтобы стать самой большой игрой в городе, чтобы «выиграть столкновение». Roots reggae — это групповая музыка: отдельные части, из которых она состоит, почти непостижимо просты; это то, что происходит, когда вы соединяете их вместе, это становится умопомрачительно сложным. В регги нет суперзвездного инструмента, нет солиста, затмевающего шоу.Скорее, это сложное взаимодействие между элементами создает то, что ямайцы называют вибрацией. Другими словами, вы не можете играть регги в одиночку. И в этом смысле его форма является чем-то вроде его сообщения.

Художники Возрождения намерены подняться как группа. По словам Беннета, они приняли близко к сердцу старую ямайскую пословицу: «Одна мелодия не может удержать танец». По этой причине, когда Chronixx пошел на The Tonight Show Starring Jimmy Fallon, , он спел часть песни Джесси Ройал и одну часть песни Jah9.«Мы все чувствовали себя там, — говорит Jah9. «В такой момент речь идет даже не о «Это Chronixx». Это как « Мы » собираемся быть на Джимми Фэллоне. ’ ”

Сейчас позднее утро, и я нахожусь на Хоуп-роуд, 56, в колониальном доме в Кингстоне, где Боб Марли жил и записывался с 1975 года до своей смерти в 1981 году. Большая часть «56» теперь является музеем Боба Марли, местом, где можно увидеть его гитары, его Грэмми, его спальня, костюмы его бэк-вокалистов и его трехмерная голограмма в натуральную величину на концерте One Love Peace в 1978 году, где он заставил враждующих политиков Майкла Мэнли и Эдварда Сига взяться за руки на сцене. Но за пределами очередей туристов и продавцов Marley Coffee (слоган: «Перемешайте. Это. Встряхните»), за вторыми воротами и группой охранников, это все еще частный дом. Я здесь, чтобы встретиться с одним из 11 признанных детей Боба Марли, Кай-Мани Марли.

Джесси Ройал в студии в Кингстоне.

Женщина ведет меня мимо затененного места, где, как указано на табличке, Боб Марли писал музыку, и через вторые ворота, где она советует мне снять солнцезащитные очки в знак уважения.Кай-Мани Марли сидит за сложенным столом на солнце. Он широкоплечий и высокий, с длинными дредами и нежным лицом, и в свои 39 лет на три года старше, чем дожил его отец. Мужчина выходит из второго дома позади нас и с ритуальным видом подает Марли разделочную доску, мясницкий нож и большой стебель марихуаны, который Марли начинает нарезать так же небрежно, как если бы это была кинза.

Джесси Ройал в Кингстоне.

Майкл Кристофер Браун/Магнум

Продюсер Chronixx должен забрать меня в 56 через полчаса, поэтому я не теряю времени: что Марли думает о возрождении корней регги? «Мне очень нравится то, что происходит», — говорит он. «У вас есть Chronixx, Protoje, так много этих молодых людей, которые на самом деле, я бы сказал, стоят в огне и держат факел. Это необходимо, потому что уже довольно давно регги-музыка и регги-индустрия находятся в достаточно хорошем состоянии. У нас была эпоха, когда дэнсхолл практически победил, и никто здесь, на Ямайке, на самом деле не слушал рут-регги. Но мы живем в другое время».

На соседней стене нарисовано изображение мужчины с седеющими дредами, едущего на велосипеде, под которым написано: «Джорджи, не зажигай огонь.Лирика взята из «No Woman, No Cry» и повествует о мужчине, который поддерживал горящий костер, когда Боб Марли и The Wailers играли в Тренчтауне. А потом Джорджи разводила огонь. Бревна горят всю ночь.

Ранний полдень, и я сижу на задней террасе большого дома на Скайлайн Драйв, над Кингстоном, где записывает Chronixx, с видом на суровые, невероятно пышные хребты Голубых гор. Внутри кто-то строит ритмы на компьютере, а кто-то моет посуду. Люди входят и выходят, среди них продюсер Chronixx, Тефлон, и его водитель, который носит солнцезащитные очки в форме сердца. За хребтом на другой стороне долины находится Strawberry Hill, поместье, принадлежащее Крису Блэквеллу, где в 1976 году Боб Марли, застреленный на кухне дома 56 по Хоуп-роуд два дня назад, ждал разрешения по рации. что было безопасно спуститься со своим кортежем в Кингстон, чтобы отыграть исторический концерт Smile Jamaica. «Smile Jamaica» — это также название первого радио-хита Chronixx.Подъезжая сюда по извилистой дороге, мы проехали Chronixx, направляясь в противоположном направлении на машине. Кажется, никто не знает, куда он идет и как долго его не будет.

Jah9 в поместье Бромли в Очо-Риосе.

За четыре дня на острове я спрашивал многих людей, что такого в Chronixx, что захватывает воображение ямайцев. Некоторые указывали на его лирику. «Chronixx — сознательная молодежь, — сказал мне Джимми Клифф. «Он пытается оставаться в сознании, чтобы не продаться. Другие отмечали, что он родом из Святой Екатерины, где образовалась первая растафарианская община, предполагая, что это придавало ему особое доверие. («Chronixx» — это игра его детского прозвища Little Chronicle, данного ему потому, что его отец — певец, известный как Chronicle.) Крис Блэквелл рассказал о своей бизнес-команде. «Они были вместе с самого начала», — сказал он. «Никто не изменился. Действительно отличный знак». Майки Беннетт, удивленный моим поиском сложного объяснения, предложил простое: «Он самый мелодичный.«Мы провели час на террасе, когда появляется Хроникс в черной рубашке, черных брюках и оранжевых высоких кепках, с контейнером риса и овощей на вынос. Он садится за стол, где я сижу, и медленно начинает есть. — В любое время, когда будешь готов, — говорит он через некоторое время.

Jah9 в Очо-Риос.

Майкл Кристофер Браун/Магнум

Я спрашиваю о его начале как продюсера, затем как певца и о первых днях Возрождения.«Все началось с контента и нашего подхода к музыке», — говорит он. «Знаете, мы пытались делать целостную музыку даже на наших компьютерах? Но всякий раз, когда мы выступали, нам нужны были настоящие гитары, настоящие барабаны, все настоящее». За это время, по его словам, группы поделились музыкантами. «Это была действительно одна группа музыкантов, играющая для всех. Это было похоже на то, как Кэт Кур тоже был в Inner Circle», — говорит он, имея в виду гитариста Third World. «Я всегда смотрю на 70-е, и у этих двух эпох много общего, понимаете?»

Я спрашиваю, что общего между двумя эпохами.«Ну, я думаю, что все это произошло уже в 70-х», — говорит Chronixx. Он закончил есть и теперь откинулся на спинку стула, глядя мне прямо в лицо. «Вы приходите брать у меня интервью: это уже произошло в 70-х. Если вы понимаете, о чем я? Это просто какой-то рецидив. Типа, мы заново переживаем эти вещи. Все эти средства массовой информации со всего мира съезжаются, чтобы снять группу молодых людей, которые пару лет назад были обычными юношами, играющими на гитарах и поющими на площадках с тремя-четырьмя людьми.

Аддис Пабло, сын покойной звезды регги Августа Пабло, в Кингстоне.

Аддис Пабло в доме Денниса Брауна в Кингстоне.

Майкл Кристофер Браун/Магнум

Chronixx начинает монолог, и здесь интервью приобретает сказочный характер. Он прав, мне приходит в голову: мы оба были здесь раньше. Сегодня я жесткий интервьюер из Новой Зеландии, он молодой человек с дредами и посланием о равных правах.Музыканты-миллениалы из Revival проницательно изучают не только деловые сделки, заключенные звездами регги 70-х, но и их отношения с «иностранными энтузиастами», как уже выразился Chronixx. «Я не думаю, что это интервью должно пролить свет на то, что мы делаем», — говорит он о том, как средства массовой информации относятся к «Возрождению». «Интервью для того, чтобы они могли оставаться актуальными». Он подходит к теме названия возрождения регги. «Эта штука с Reggae Revival, — говорит он, — как бы разделяет музыку.Если вы понимаете, о чем я? И я полностью понимаю» — растафарианцы не используют слово или приставку «ниже», которые несут негативную коннотацию, и таким образом изменяют слово « понимать» на «перемещать » — и принимают термин « возрождение регги». »

«Веришь?» Я спрашиваю. «Сто процентов, — говорит он. «Это возрождение музыки регги, нравится им это или нет. Но я думаю, что чрезмерное подчеркивание этого, преувеличение этого слова вызывает разногласия. А как насчет тех, кто все это время делал регги? Этот термин может вызвать у них неправильное чувство.Когда все это стало реальностью, вы не можете просто каждый день повторять «Возрождение регги!». Возрождение регги! Новое возрождение регги!» Новое. Что нового? Каждая песня, которую записывает Reggae Revival, уже каким-то образом записана. Я говорю: «А вот и беда». Ини Камозе сказал: «А вот и Hotstepper». Это его басовая партия. Весь ритм принадлежит ему. Protoje говорит: «Кингстон, будь мудрым». Ини Камозе сказал: «Англия, будь милой».

Kingston Dub Club, еженедельный домашний концерт.

Майкл Кристофер Браун/Магнум

– Так что же нового? он продолжает. «Я не превозношу новизну. И то, что люди называют оригинальностью. Я не хвастаюсь этим. Я славлю в преемственности. Прогресс. Потому что прогресс не означает новое. И преемственность не означает новое». Он продолжает. «Возрождение — это не музыкальное возрождение. Возрождение — это демографическое, социальное возрождение. Если вы понимаете, о чем я? Духовное возрождение. Это не музыкальное возрождение, потому что музыку, которую мы делаем, всегда кто-то делал.Просто несколько лет назад на это никто не обращал внимания. И это было по коммерческим причинам».

— Не знаю, было ли это из коммерческих соображений, — говорю я. «Это было сделано по коммерческим причинам, — говорит он. «Торговля идет вперед и назад. Спрос и предложение ходят туда-сюда. Так что, естественно, будут времена, когда люди не будут так сильно требовать регги». Он продолжает: «В экономике я узнал нечто, называемое показными товарами. Я решил, что если мне суждено когда-нибудь стать товаром, если мне суждено когда-нибудь стать продуктом, я хочу быть показным продуктом.Я спрашиваю Chronixx, что он имеет в виду под показным продуктом. «Это своего рода продукт, который сам создает спрос», — говорит он. «Просто быть там. Создает собственный спрос. Его нет, потому что люди этого хотят. Но люди хотят этого, потому что он есть. Видеть?»

Yaadcore в Кингстоне.

Майкл Кристофер Браун/Магнум

«Общество все больше нуждается в реальности», — продолжает он. «Некоторые из них даже не знают, что хотят этого, но они хотят. Они просто хотят чего-то настоящего.«Chronixx сейчас находится в прямом диалоге в моей голове с речью Зэди Смит, произнесенной пару лет назад, в которой она призвала миллениалов перестать беспокоиться о своих личных брендах; использовать свое творчество не для удовлетворения уже существовавшего спроса, а скорее для того, чтобы изменить наше представление о том, чего мы хотим. «Это не креативно, — сказал Смит, — впускать в свой разум логику рынка». Вот самая яркая молодая звезда регги Ямайки, заявляющая, что если логика рынка неизбежна, то он изменит наши представления о том, чего мы хотим, и покажет нам, что то, что мы хотим и в чем нуждаемся, является чем-то реальным.

Я спрашиваю Chronixx, было ли пение песни Jah9 в песне Jimmy Fallon преднамеренной попыткой сохранить целостность коллектива. «Вся музыка, которую мы выпускаем, я смотрю на все эти песни как на одну песню», — говорит он. «Прогрессивная песня. Просто разные стихи. Разные линии. Мои песни — всего лишь строчки в этой великой песне. Люди лучше понимают мою музыку, когда сидят и слушают музыку Jah9. Я не думаю, что мы с Jah9 сидим и планируем это. И это больше, чем что-либо другое, свидетельствует о единстве людей.Это духовная связь, которая проявляется в музыке. Я и Jah9 с двух разных концов Ямайки. Я и Джесси Ройал, два разных конца. Мы буквально не знали друг друга до двух-трёх лет назад. Единственное, что нас объединяет, это музыка. В тот самый момент, когда мы перестаем иметь что-то общее, мы начинаем заниматься своими делами, и после этого сила ослабевает. Поэтому я думаю, что если я буду на национальном телевидении, я не хочу, чтобы люди чувствовали, что я единственный, кто заслуживает быть на национальном телевидении. Я хочу, чтобы люди знали, что я не единственный, кто делает это дерьмо. Это целая наша армия».

Yaadcore выступает на своем еженедельном шоу Dubwise в Кингстоне.

Встаем и заходим внутрь, где продюсер все еще просматривает треки на компьютере. Chronixx начинает фристайлить под бит, и все кивают. Через несколько месяцев, когда Барак Обама посетит Ямайку, Chronixx отправится в Instagram и назовет президента мусорщиком, «мусорщиком» за то, что он не помиловал Маркуса Гарви.Внучка Боба Марли встанет на защиту Chronixx, сказав: «Chronixx сказал «мужчина-мусор» из-за разочарования и юношеского энтузиазма». Ее дедушку когда-то называли «долгая раста», напомнит она людям, и пели о бомбежке церкви. «Он также сказал, что застрелил шерифа, — скажет она, — и мы танцуем и подпеваем». Однако на данный момент Chronixx — всего лишь 23-летний парень, который дурачится со своими друзьями. Через некоторое время некоторые из нас садятся в машину и едут по Скайлайн-драйв в Кингстон.Я не могу избавиться от чувства, в значительной степени чуждого тем из нас, кто достиг совершеннолетия после 2001 года, что будущее выглядит светлым.

«Поле возрождения» — Art21

Художник Мел Чин обсуждает источник вдохновения для своего ленд-арта 1991 года « Revival Field».

ART21: Как вы разработали идею для Revival Field ?

ПОДБОРОДЬ: Было забавно споткнуться об эту идею. Это было в Whole Earth Review . Ее написал эксперт по псилоцибинам Терренс МакКенна, у которого есть свой собственный культ и который написал интересные статьи по этнобиологии.Он писал о возможной очистке токсичной земли растением дурман. Это было как в фильме «Выпускник » — вы знаете этого парня, а не Дастина Хоффмана, — но я был парнем, который сказал Дастину Хоффману: «Пластик, это пластик, это будущее!» Я побежал к своей жене (или тогда подруге) и просто сказал ей. Я сказал: «Это растения. Будущее за растениями. Новая скульптура — это растения». Большинство моих друзей считали меня немного сумасшедшим, потому что: во-первых, ты ушел, у тебя было шоу, и ты уходишь, твоя карьера начинается; а теперь, ты уволился, и теперь говоришь о растениях? И я увидел поэтичность этого. Я сказал: «Это скульптура. Это может быть скульптура вырезания».

Скажем так: я говорю, что меня интересует традиционная скульптура. У Микеланджело есть свой каррарский мрамор; у него есть идея, образ. И он идет со своими стамесками и создает Дэвида , и мы все «Ооо!» и «Ах!» над ним, и все, что мы делаем перед ним. Вот и все. Теперь я в мире, где я открываю газету; Я читал эти статьи. Мы живем в мире загрязнения тяжелыми металлами, насыщающими почву, где нет решения этой проблемы.Если бы это [загрязнение] можно было убрать, и жизнь могла бы вернуться в эту почву, а затем к разнообразной и экологически сбалансированной жизни, тогда это была бы замечательная скульптура. Я думаю, что в этом есть глубокая эстетика, и это действительно просто. Но мы должны создать долото, и мы должны создать инструменты, и мы должны изолировать проблему: где блок загрязнения, чтобы мы могли его вырезать. Мне стало совершенно ясно, что это ( Поле возрождения ) будет скульптурным проектом, в котором стоит участвовать. И я принялся выяснять побольше, может ли дурман сделать это — дурман распространен.

ART21: Дурман — это дурман?

ПОДБОРОДЬ: Ага. Итак, я прошел через всю концептуальную работу этого; теперь мне просто нужно было взять поэзию этой идеи и ответственно и прагматично превратить ее в реальность. Я нашел эксперта по мусорным свалкам в Texas A&M, который сказал: «Ну, я ничего не знаю о дурмане, когда-либо делающем это, но я слышал статью парня по имени Руфус Л.Чейни. И он в Белтсвилле, штат Мэриленд; он ученый-исследователь, который выступил с докладом о растениях и накоплении, а мы говорим о гипераккумуляции». Гипераккумуляция — это представление о том, что растения могут поглощать столько металла — и мы говорим о тяжелых металлах, а не всего, — что само растение содержало от 20 до 40 процентов тяжелых металлов, когда вы его озолили. Таким образом, вы можете продать его как руду и заплатить за этот процесс. Потому что недостаточно просто подтянуть — нужно думать о всей машине, о реальности.

Вы должны создать условия для выживания идеи. Это похоже на создание экономики, чтобы сделать ее стоящей для продвижения. Я должен был видеть общую картину вещей. Если вы скажете: «Хорошо, это нужно закончить после того, как я умру», то что вам нужно сделать, чтобы это сработало? Он должен быть самодостаточным. Он должен доказать, что он самоокупаемый. Итак, я позвонил доктору Чейни, и вот доктор Чейни говорит: «Ну, дурман поднимет вам настроение, но если вы хотите высосать тяжелые металлы, вы позвонили нужному человеку.Он сказал: «Все, что я делаю, лежит на полке. В настоящее время наше правительство (в то время консервативное правительство) не поддерживает проведение такого рода исследований. Я снова работаю над осадком сточных вод». Но его страстью, по его словам, было «то, что меня действительно волнует» — очистка почвы от тяжелых металлов. И я сказал: «Ну, а что, если у меня есть эта идея, и у вас есть эта идея. Позвольте мне узнать о науке, стоящей за этим, и, возможно, мы могли бы работать вместе, чтобы мы могли делать то, что вам нужно». И он сказал: «Что мне действительно нужно, так это повторить полевые испытания.Если вы сможете это сделать, тогда мы сможем заниматься наукой, потому что наука находится в лаборатории». Мы должны были заставить произведение искусства создать науку.

Мел Чин. Revival Field , 1991. Свалка свиного глаза, Сент-Пол, Миннесота. Фотодокументация первого урожая на государственном приоритетном участке суперфонда. Предоставлено художником.

ART21: Что такое реплицированное поле?

ПОДБОРОДЬ: Это происходит где-то в мире за пределами лаборатории — как бросание дротика в доску — чтобы провести эксперимент, который вы провели в лаборатории (который показывает, что в растениях происходит перенос тяжелых металлов), а затем пойти случайно к враждебному климату, в поле, сделайте посадку и покажите, что есть результаты, которые соответствуют тому, что в лаборатории.Итак, он реплицируется элементом управления. Так что я подумал: «Почему бы и нет?» И тогда искусство может мутировать в научный проект, посвященный предоставлению миру этой информации, хорошей или плохой. И я уже проецировал, что физическая структура не важна, что, знаете, это физическое проявление поля и все это тоже эволюционно — это временное явление. Это больше о том, что эта область трансформируется наукой и снова живет или создает идею, которая выживает в мире. Итак, все это было задумано и понято, и я отправился на очень трудные переговоры, где каждый день я должен был разговаривать по телефону, занимать деньги, если нужно, оплачивать телефонный счет, или писать письма, или делать что угодно — делая все необходимое, чтобы собрать это произведение искусства вместе.

И забавно, когда люди привыкли видеть, как ты скульптурируешь или рисуешь, и они приходят, и ты постоянно звонишь по телефону, и они говорят: «Ну что, ты сегодня не будешь заниматься искусством? ” И я бы сказал: «Я занимаюсь искусством. Это оно.» Потому что я был движим этим и встречал огромные препятствия, которые были связаны не только с наукой и не только с искусством. Были юридические препятствия, когда люди говорили: «Ну, мы все равно не хотим об этом говорить, потому что речь идет о финансовой ответственности за загрязнение, и мы должны сказать, что мы этого не делали.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.